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Homocromia




Homocromia


É interessante a propriedade que alguns animais têm em relação à mudança de coloração da pele. Esta propriedade, chamada homocromia, é utilizada por estes como recurso de defesa contra seus predadores. Se um animal deste tipo encontra-se num meio onde a cor predominante possui padrão não uniforme, sua cor uniforme o denunciaria ao seu predador. Assim, o animal muda sua cor, que se aproxima com o padrão do lugar onde está, servindo-se disto como uma camuflagem. O exemplo mais conhecido deste tipo de animal é o camaleão. Outro animal, menos conhecido, é o ocapi, um dos animais mamíferos ungulados. Este último, possuindo uma coloração uniforme, pode assumir cores rajadas conforme a fragmentação de coloração do meio onde estiver.



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Iberê Camargo




Iberê Camargo (1914 - 1995)


Iberê Camargo (1914 - 1995) é considerado um dos principais pintores brasileiros contemporâneos. Nasceu no Rio Grande do Sul, em Restinga Seca. Estudou pintura na Escola de Artes e Ofícios de Santa Maria, posteriormente transferindo-se para Porto Alegre. Em 1942 recebe uma bolsa do governo gaúcho que lhe possibilita estudar no Rio de Janeiro.


Suas primeiras obras concentram-se principalmente em paisagens. Um ano após ter chegado a cidade carioca já  torna-se um dos membros do Grupo Guignard, artista que o introduz nas técnicas gráficas.


O Salão Nacional de Belas Artes, divisão Moderna, lhe confere, em 1947, uma viagem a Europa que influenciaria profundamente o pintor. Nesse continente entre em contato com artistas de vanguarda como Giorgio de Chirico. Seus trabalhos acabam perdendo cada vez mais o caráter figurativo e entrando no terreno do abstracionismo.


Uma das fases consideradas de maior vigor e criatividade da carreira do artista inicia-se em 1958, época em que pilhas de cartéis funcionam como matéria -prima para suas composições.


A partir daí suas obras vão ganhando dramaticidade, preferencialmente em cores escuras, sugerindo signos e figuras - características que o ligam ao Expressionismo Abstrato . Em suas gravuras há grande domínio de texturas. Em 1961, recebe o prêmio de Melhor Pintor Nacional da VI Bienal de São Paulo .


Um exemplo de seu estilo na década de 60 pode ser dado por “ Forma Rompida “, de 1963.


Entretanto, a partir dos anos 80, sua carreira parece ter dado uma nova virada, abandonando as formas abstratas que tornaram-no conhecido e substituindo-as principalmente por figuras humanas, surpreendendo pelo vigor do artista já em avançada idade. “ Mulher com gato “, de 1985, é uma boa amostra dessa sua fase.


Iberê Camargo além de pintor, foi professor no Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro, tendo fundado o atelier de gravura da instituição, lecionou ainda em Montevidéu e em Porto Alegre.


Suas obras podem ser encontradas em museus brasileiros e em instituições estrangeiras.



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Ícone




Ícone


Esse termo é especialmente utilizado para referir-se à arte Bizantina, em especial, às  imagens sagradas de seus templos, que deveriam seguir algumas regras preestabelecidas para que a representação de Cristo, da Virgem ou do Santo fosse legítima.


A palavra, originária do grego eikón, ou imagem, refere-se à relação entre a imagem sagrada representada e o próprio princípio que esta representa. Devido a essa relação, a imagem poderia ser usada como uma ponte de contato para o devoto entre seu mundo e os personagens retratados. Por estabelecer algum tipo de analogia sobrenatural entre o mundo terrestre e o divino, essas imagens não poderiam ser realizadas livremente, mas sim, obedecendo a princípios consagrados pela tradição.


Essas regras, apesar de em certa medida podarem a criatividade do artista, ajudou bastante na preservação dos modelos antigos, por exemplo, as idéias gregas no tocante às vestimentas, tipos e expressões faciais e gestual. Apesar do aparente afastamento entre a arte bizantina e a grega, podemos ver alguns pontos de contato, como a maneira da roupa se ajustar ao corpo,  a modelação de faces e mãos e um certo naturalismo das figuras. Prova disso é a pintura de Nossa Senhora no Trono com o Menino, provavelmente feita em Constantinopla em 1280 (está em Washington).


A palavra ícone refere-se ainda às representações sagradas (a virgem, o Cristo ou os Santos) em superfícies planas das Igrejas Ortodoxas russas e gregas.



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Iconografia




Iconografia


Existe um ramo na História da Arte especialmente dedicado ao estudo da simbologia por trás da arte figurativa, das figuras alegóricas e de suas qualidades. Esse campo de estudo é chamado iconografia.


Os estudos iconográficos devem fazer a descrição, identificação, classificação e principalmente, a interpretação da temática presente nas obras. Um dos iconografistas mais famosos foi o alemão Erwin Panofsky (1892 - 1968), também considerado um dos melhores historiadores de arte de seu tempo.


Figura extremamente influente em seu tempo, além de escrever, lecionava em importantes universidades norte-americanas (após deixar a Universidade de Hamburgo, na Alemanha nazista). Muitos alunos tentavam copiar seus modelos de análise das obras. Entretanto, constantemente recaíam num grande problema a ser evitado na iconografia: a interpretação exagerada dos símbolos na obra. A esse respeito, Panofsky costumava alertar sobre os perigos do procedimento. Escreveu, entre outros, “Estudos em Iconologia“ (1939).


Além disso, iconografia pode ainda significar coleções de retratos. Bom exemplo do emprego do termo, nesse sentido, pode ser dado pela catálogo do National Portrait Gallery, em Londres, com uma seção de retratos assim nomeada. Artistas também utilizaram-se da palavra nesse sentido. É o caso de Van Dyck e as gravuras de pessoas famosas de sua época chamada “Iconografia“.


Além disso, são comuns expressões como a “iconografia de Shakespeare“, referindo-se ao universo do autor. Cabe também ressaltar que, apesar desse termo constantemente ser usado como sinônimo de iconologia, o próprio Panofsky defende uma diferenciação. Iconologia estaria mais ligada ao contexto histórico em que a obra foi realizada como elemento de análise. Entretanto, na prática, essa diferenciação dificilmente é obedecida, permanecendo o uso indistinto das palavras.



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Iconóstase




Iconóstase


Uma tela que, em igrejas bizantinas, separa o santuário da nave, penetrada por três portas. Originalmente era uma treliça de colunas afixadas por um parapeito (ou cimalha) decorado. A partir dos séculos quatorze e quinze passou a ser uma parede de pedra ou madeira coberta de imagens ou ícones, daí o nome.



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Idiofones




Idiofones


Classificação dada aos instrumentos de percussão.



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Ilusionismo




Ilusionismo


Trata-se do efeito que uma representação causa no expectador de estar se deparando com o objeto real, ou com o espaço representado, tamanha a sua verossimilhança. O observador pode mesmo compreender, através da razão, que o percebe não passa de um efeito forjado, entretanto, dificilmente consegue enxergar de uma maneira diferente.


O ilusionismo na pintura é firmemente baseado no completo domínio da perspectiva para que a pessoa tome aquilo que foi retratado pelo objeto real. Além disso, divide-se em dois tipos distintos: a quadratura, em que a pintura é utilizada para produzir a sensação de alargamento de um espaço arquitetônico e a tromp l’oeil. Nesse caso, o observador fatalmente é enganado, mesmo que se trate de um efeito passageiro. Ele efetivamente crê que está diante de um objeto real enquanto o que vê não passa de uma pintura.


Também é bastante usado na arquitetura e principalmente nos cenários teatrais, em que o público deve ter a impressão de estar observando um espaço maior do que aquele que se encontra sobre o palco.


O ilusionismo, de uma forma geral, está extremamente ligado aos próprios princípios do naturalismo, quando esta escola prega suas máximas de representação mais fiel possível de um objeto. Também foi um termo empregado para as pinturas seiscentistas que faziam uso de determinada metodologia.


As caixas de show  “por olhadela“, freqüentes na Holanda nessa época, podem ser boas amostras disso. Tratavam-se de espécies de cabines que continham cenas em seu interior, na parede de fundo. Através de um orifício, poderiam ser observadas, passando o efeito de tridimensionalidade. Exigiam muito domínio das técnicas da perspectiva. Tanto é verdade que o holandês Samuel van Hoogstrateno (1627 - 1678) , um dos artistas mais famosos por utilizar-se dessas artimanhas, é conhecido como “o virtuoso na perspectiva “. Suas caixas de peep show podem ser encontradas na National Gallery, em Londres.


Hoje em dia, os cartões postais, pôsteres e livrinhos em “3 D“, que abusam dos efeitos da tridimensionalidade, podem ser bons exemplos de ilusionismo.



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Impressão em Relevo




Impressão em Relevo


A impressão em relevo diz respeito à transferência da pintura já realizada em uma superfície em relevo para uma outra superfície através do contato e da pressão entre estas superfícies. Para a impressão em relevo normalmente são utilizadas máquinas como as prensas.



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Impressionismo (artes)




Impressionismo (artes)


O nome Impressionismo, como tantos outros exemplos na História da Arte (o termo gótico ou maneirismo, por exemplo), inicialmente teve um cunho pejorativo. Foi imprimido ao trabalho de um grupo de artistas que, de acordo com os críticos da época, acreditavam na impressão do momento como algo tão expressivo que bastava para um quadro prescindir das técnicas tradicionais acadêmicas. Esses artistas realizaram inúmeras exposições em Paris entre 1874 e 1886. Tendo sido inicialmente ridicularizados pela crítica e opinião popular por não seguirem a tradição pictórica que vinha sendo solidificada desde o renascimento, acabaram por paulatinamente obterem o respeito e aceitação de suas “novas técnicas“.


Os objetos retratados ao ar livre, sob a luz natural, eram bastante valorizados pelos impressionistas. O volume e solidez, características que a pintura tradicional pregava como fundamentais para uma obra de arte existir, começaram a ser desrespeitados, abrindo caminho para as vanguardas estéticas do século XX.


Quanto a fidelidade com o objeto retratado, não se pode dizer que os impressionistas não a desejassem. Apenas pretendiam ser ainda mais fiéis que seus predecessores, realizando suas pinturas não em condições ideais ou conforme deveriam ser,  mas como se apresentavam, de preferência sob os efeitos do olhar e das mudanças da luz diária. Nesse sentido pode-se dizer que são descendentes do realismo. As cores eram de fundamental importância para o grupo, elemento extremamente expressivo em sua arte.


A frescura da impressão que um objeto causava ao artista deveria ser captada pelas pinceladas. Os objetos retratados seriam aqueles percebidos pela visão como paisagens, retratos, cenas do cotidiano. Duas influências foram fundamentais para o movimento: as estampas japonesas que popularizam-se na Europa no final do século XIX, com seu desrespeito à perspectiva e às normas de composição da academia ocidental - suas formas repletas de vida encantavam os impressionistas - e a invenção da fotografia.


Claude Monet (1840 - 1926) é considerado o fundador do impressionismo. São famosas suas pesquisas em cima dos ideais impressionistas, como a representação de um objeto em diferentes horas do dia e sob diferentes luzes. (Será melhor desenvolvido em verbete à parte).


Camille Pissaro (1831 - 1903), com sua ênfase no método e o forte efeito que seus quadros exprimem de terem sido executados quase que acidentalmente, foi outra grande influência para importantes nomes impressionistas como Manet. Foi um dos pintores que mais ajudou, com sua obra e formulações teóricas, a aceitação por parte da opinião pública do conceito de que a visão do artista interfere na percepção da obra. Um bom exemplo de seu trabalho pode ser dado por  “O Boulevard des Italiens, Manhã de Sol“, com suas figuras indistintas.


Berthe Morisot e Mary Cassat eram as duas mulheres que faziam parte do grupo impressionista. Acredita-se que tenha sido Morisot quem tenha levado o cunhado Manet ao impressionismo. É exemplo de sua obra “Vista de Paris do Trocadero“, em que retrata a cidade baseando-se na vista de cima. Cassat, por sua vez, era uma das artistas do conjunto cuja influência das estampas japonesas era mais nítida em seu trabalho (ao lado de Degas). Seus trabalhos versavam sobre temas domésticos, tratados de forma simples e direta. “O Banho“ é uma boa amostra deles.


Pierre-Auguste Renoir e Edgar Degas são outros importantes nomes do movimento (ganharão melhor desenvolvimento em verbete à parte).


Merece um parênteses especial a figura de Édouard Manet (1823 - 1883), que apesar de nunca ter exposto com os impressionistas, realizava algumas de suas pinturas obedecendo a esse estilo. Sua carreira passou por diversas fases e costuma ser considerado tanto um pintor impressionista como realista. Antes dos impressionistas começarem a expor, já havia quebrado as regras de pintura acadêmica, obtendo aceitação da crítica um pouco antes de seus companheiros. Sua obra “O Balcão“, com damas de cabeças quase que planas, valorizando a imagem como realmente percebidas pelo olhar e não como deveria ser, chocou inicialmente a opinião pública quando exposta (1869).


Além da França, o Impressionismo acaba se espalhando por outros países. Destaques são americanos como Childe Hassam (1859 - 1935), Maurice Prendergast (1859 - 1924) e James Abbott McNeill Whistler (1834 - 1903), este último, um dos primeiros artistas ocidentais a perceber o valor das estampas japonesas.


Além disso, o Impressionismo foi ponto de partida para inúmeros artistas desenvolverem seu estilo próprio. Exemplos podem ser dados por Henri de Toulouse-Lautrec, Vincente Van Gogh e Paul Cézanne.



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Impressionismo (música)




Impressionismo (música)


Escola de pintura francesa (final do século XIX/século XX) que teve dois grande representantes na música. Claude Debussy e Maurice Ravel incrementaram suas composições com dissonâncias sem resolução, harmonias inspiradas no modalismo, além de quintas e oitavas paralelas, até então reprimidas pela harmonia tradicional. O uso da escala de tons inteiros contribuiu para passagens de uma qualidade rara, até então não colocada em evidência.



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Instituição Smithsonian




Instituição Smithsonian


A Instituição Smithsonian foi fundada em 1846 com o legado do inglês James Smithson (1765-1829). James Smithson acreditava que a felicidade e a grandeza do homem residem no conhecimento; por isso, deixou toda sua fortuna para os Estados Unidos a fim de que se fundasse um estabelecimento com o objetivo de divulgar o conhecimento entre os homens.


A Instituição Smithsonian é um complexo de catorze museus e galerias de arte, além de contar com vários centros de pesquisa. Situa-se em Washington, estendendo-se de ambos os lados pela alameda que corre em direção ao Capitólio. São várias construções bastante grandes, que congregam um riquíssimo material concernente a praticamente todas as áreas do conhecimento humano.


Os Museus são os seguintes:


- National Museum of American History;


- National Museum of Natural History/ National Museum of Man;


- Freer Gallery of Art;


- Arthur M. Sackler Gallery;


- Arts & Industries Building;


- The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden;


- National Air and Space Museum;


- National Portrait Gallery;


- National Museum of American Art;


- National Museum of African Art;


- Anacostia Neighborhood Museum;


- National Zoological Park;


- Cooper-Hewitt Museum;


- National Museum of the American Indian.


Há também o Observatório de Astrofísica, o centro de pesquisa do meio-ambiente, as bibliotecas, o centro para programas de folclore e estudos culturais e serviços de impressão e publicidade.


A instituição possui um serviço de viagens com exposições para fora de Washington. Em 1984, de 11 de agosto a 5 de novembro realizou uma das mais importantes: foi convidada para participar do Edinburgh International Festival no Museu Real Escocês, em Edimburgo, na Escócia. Foi muito gratificante para o instituto estar presente neste festival, que é um dos mais significativos eventos culturais anuais do mundo.



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Instituto de Arte de Chicago




Instituto de Arte de Chicago


Sendo um dos seis mais importantes dos Estados Unidos, foi fundado em 1882, localizando-se em Chicago. O museu possui um acervo variado de obras famosas e belíssimas, referentes às diferentes épocas e nações, abrangendo todos os períodos da história da arte. Mais do que qualquer outro museu no mundo, o Instituto de Arte de Chicago deve sua prodigiosa existência aos generosos legados de colecionadores, ricos comerciantes, banqueiros e industriais de Chicago do final do século XIX e, sobretudo, do século XX, principalmente nas coleções de quadros. Para citar alguns nomes desses benfeitores ilustres, temos: Martin A. Ryerson, Frederic Clay Bartlett, Arthur Jerome Eddy, Joseph Winterbothom, Sra. Potter Palmer, Charles Deering e suas filhas Sra. Chauncey McCornick e Sra. Richard E. Danielson, Max e Leola Epstein, Sra.Lewis L. Coburn, Sr. e Sra. Leigh B. Block, Sr. e Sra. Samuel A. Marx e Grant J. Pick, além de tantos outros. Tais cidadãos, além de bastante generosidade, mostraram um sentido do dever para com a sua cidade, o seu país e o mundo.


Além das coleções de quadros, o museu conta com coleções de arte oriental, principalmente gravações do Japão e bronzes da China, que são tidas mundialmente entre as melhores. Também estão presentes coleções de arte ocidental, desenhos, lâminas, esculturas, fotografias, arte primitiva, têxtil e a biblioteca de arquitetura.


Entre os pintores, podemos ressaltar Giovanni Battista Tiepolo, Sandro Botticelli, Jacopo da Ponte chamado Bassano, Peter Paul Rubens, El Greco, Francisco Goya y Lucientes, Diego Rodriguez de Silva y Velázquez, Roger van der Weyden, Rembrandt van Rijn, William Turner, Edgar Degas, Claude Monet, Édouard Manet, Auguste Renoir, Georges Seurat, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Raoul Dufy, Amedeo Modigliani, Paul Cézanne, Henri Matisse, Georges Braque, Marc Chagall, Pablo Picasso, Fernand Léger, Giorgio de Chirico, Salvador Dali, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Joan Miró,


Piet Mondrian e Jackson Pollock, entre outros.



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Intermezzo




Intermezzo


Peça lírica de concerto. São famosos os intermezzos de Brahms.



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Intervalo




Intervalo


A distância entre dois sons simultâneos ou sucessivos que é medida pelos graus da escala.



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Intimismo




Intimismo


Essa denominação  é freqüentemente dada às obras do francês Pierre Bonnard (1867 - 1947) e Édouard Vuillard (1868 - 1940), que apresentam certas características técnicas semelhantes ao Impressionismo. De uma maneira geral, são normalmente pinturas de genre naturalistas (pinturas de gênero, um ramo de obras normalmente inspiradas na vida cotidiana), de aspectos domésticos.


Bonnard era um sereno pintor e artista gráfico. Em Paris desde 1888, encantou-se com a obra de Gauguin, formando o grupo Nabis. Posteriormente, entra em contato com Vuillard e com o amigo desenvolve seu estilo refinado de representação de cenas domésticas. Seus trabalhos apresentam entre as principais características uma preservação do estilo impressionista e um efeito de bem-estar muito ajudado pelo uso de cores. Foi bastante apreciado em sua época, tendo sido eleito membro da Royal Academy de Londres (apesar de ser francês) em 1940. É considerado um dos principais “pintores puros“ de sua época.


Vuillard também foi membro do grupo Nabis, em Paris. Suas principais influências foram Gauguin e Puvis de Chavannes. Os interiores e o Montmartre já eram suas preferências temáticas antes do encontro com Bonnard e da caracterização de suas obras como intimista.


Considerado o principal pintor intimista, há obras suas em grandes museus do mundo. Costumava captar imagens de pessoas em ambientes descontraídos, como os jardins de suas próprias casas, ou grupos conversando distraidamente. Normalmente retratava em seus trabalhos pessoas de seu próprio círculo, como amigos e familiares.



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Jamba




Jamba


Jamba é uma face vertical de uma arcada, de um portal ou de uma janela.



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Jazz

Jazz


Imagem da seção de Arte.


Jazzistas Franceses.


Copyright: Cortesia Consulado da França.



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Jazz




Jazz


Estilo musical originado no início do século XX a partir das comunidades afro-americanas estabelecidas nos Estados Unidos. Na verdade, o jazz hoje em dia pode ser considerado, através de sua história, como um conjunto de estilos musicais, dada suas diversas orientações e transformações estilísticas. Assim, hoje conhecemos o jazz em suas diversas manifestações, desde o jazz tradicional até o be-bop e as tendências modernas como o chamado jazz fusion. 


Uma das características básicas sempre presentes nas variantes estilísticas do jazz é a improvisação musical: os instrumentistas, valendo-se pelo menos inicialmente das próprias convenções rítmicas, harmônicas e melódicas do jazz, podem criar melodias no momento da performance musical. Assim, o jazz é o estilo musical que explora com profundidade as inúmeras possibilidades melódicas para uma mesma progressão de acordes musicais. 


Os instrumentos mais comumente utilizados no jazz são o piano, o baixo, a bateria e instrumentos de sopro como saxofones, trombones e trompetes. Esta instrumentação é bastante variada conforme as transformações ocorridas na história do jazz, desde as Big Bands, que apresentavam grandes seções de instrumentos de sopro, à maneira de orquestras, acompanhadas por piano, baixo, bateria e opcionalmente guitarra, até as bandas mais modernas, contando com um número de integrantes já relativamente reduzido. 


Nas suas origens, o estilo musical era tocado por bandas nos mais diversos eventos na vida das comunidades afro-americanas nos Estados Unidos. Diz-se que o estilo musical teve origem no início do século XX com as comunidades negras da cidade de Nova Orleans, no estado da Louisiana. Porém, o estilo musical em sua forma mais pura só passou a possuir registros fonográficos a partir de 1917, pois gravações apenas revelam pequenas influências musicais jazzísticas.


Com a difusão do estilo pelos Estados Unidos, iniciaram-se as diversas linhas musicais jazzísticas. Isto ocorreu a partir da década de 20, quando muitos músicos de jazz partiam para outros centros urbanos como Chicago e Nova Iorque. Um dos músicos mais famosos do jazz já surgia no cenário musical do país: o trompetista Louis Armstrong é responsável por algumas das primeiras inovações no estilo, implementando a improvisação como elemento não meramente ornamental e ainda a improvisação vocal através da técnica por ele inventada denominada scat singing, em que o vocalista dispensava o uso de palavras e passava a imitar os sons dos instrumentos. 


As décadas de 30 e início de 40 representam o auge das Big Bands, tendo como grandes representantes desta tendência nomes como Duke Ellington, já estabelecido em Nova York, conhecido por seus swings aprimoradíssimos, e Count Basie, que fundava também uma nova linha no jazz em Kansas City. Neste período surgiram, também, grandes cantoras do jazz como Ella Fitzgerald e Billie Holliday, principais intérpretes de sua época e de toda a história do jazz. A influência do jazz na música branca norte-americana passou a se fazer presente através das figuras de Benny Goodman e George Gershwin. Este é o autor de obras inesquecíveis como Rhapsody in Blue e Porgy and Bess. 


A década de 40 assistiu a um amplo movimento de renovação do jazz. Com a II Guerra, mesmo por motivos econômicos as bandas passaram a um reduzido número. Neste contexto surge a figura de Charlie “Bird” Parker, grande revolucionário do jazz e uma das mais influentes personalidades no estilo, criador do estilo Be Bop. Diz-se que o jazz passou a ser outro a partir de Bird, que adotou no Be Bop um andamento musical mais rápido, implementando maiores complexidades melódicas para as improvisações, ampliando ainda as possibilidades harmônicas. Com Charlie Parker surgiram, também, seus colegas de criação e de banda como os trompetistas Dizzie Gillespie e Miles Davis, e o pianista Bud Powell. Outra cantora de jazz, Sarah Vaughan, surgia associada ao estilo do Be Bop, também tendo gravado seu nome no Olimpo das intérpretes negras norte-americanas. 


Nos anos 50 as transformações do jazz não cessam através das figuras de Miles Davis e do saxofonista John Coltrane. Davis, que seria mais tarde considerado o mais prolífico revolucionário do jazz em todo o século, deu início à criação da harmonia do jazz com o chamado jazz modal. Coltrane, outrora integrante do quinteto de Davis, parte para experimentações pessoais ao explorar toda a riqueza sonora do Be Bop ao procurar extravasar os limites das possibilidades melódicas. O jazz assistia também aos seus primeiros movimentos de vanguarda através da figura polêmica do saxofonista Ornette Coleman, que implementou a atonalidade ao estilo, no entanto mantendo os padrões rítmicos característicos. Coleman chegava a exagerar na tonalidade, inclusive experimentando incluir o violino no jazz, instrumento do qual não possuía nenhuma formação. Nos anos 60, com o advento da bossa-nova no Brasil e seu grande sucesso no exterior, muitos músicos de jazz voltam-se ao repertório brasileiro. Um dos músicos aficionados à bossa nova foi o saxofonista Stan Getz, cuja paixão pela musicalidade brasileira perdurou por toda sua carreira.


O advento do rock’n’roll exerceu grande influência no jazz. Neste contexto, novamente será Miles Davis o principal criador, trabalhando com músicos como o brilhante saxofonista Wayne Shorter, os pianistas Herbie Hancock, Chick Corea  e Joe Zawinul, além do guitarrista John McLaughlin. Em 1969, Miles Davis lança o disco histórico Bitches Brew, primeiro representante de uma das mais contemporâneas vertentes do estilo musical jazzístico, o jazz fusion. A influência de Miles Davis fez-se em inúmeros trabalhos de diversas bandas, que passaram a incorporar instrumentos eletrificados como a guitarra elétrica, baixo  elétrico e teclados eletrônicos. A tendência do jazz fusion fez-se sentir até a década de 80, através de bandas como Weather Report (liderada por Joe Zawinul e Wayne Shorter) e Chick Corea’s Elektric Band. Após uma grande pausa em sua carreira, Miles Davis retorna ao cenário musical com mais inovações, trazendo a música Pop ao jazz e até mesmo misturando a musicalidade hispânica ao estilo jazzístico, como já havia feito em Sketches of Spain e, após seu retorno, no disco Siesta. Miles Davis atravessou praticamente todas as transformações do jazz no centro dos acontecimentos. Ainda na década de 80, entre os maiores nomes contemporâneos do jazz estão os irmãos Wynton e Brandford Marsalis (respectivamente, trompetista e saxofonista, embora cada um em estilos antagônicos) e o pianista Keith Jarret. 


No Brasil, a influência do jazz parece ter marcado sobretudo o período da bossa nova, em que as inovações harmônicas acompanhavam o estilo norte-americano, embora os padrões rítmicos fossem essencialmente brasileiros, buscando para isso as fontes no samba. Mais modernamente, bandas como Pau Brasil procuraram fundir o jazz à musicalidade brasileira em seus aspectos mais tradicionais, com a utilização de temas musicais do samba e ainda temas da música regional. 


 


 



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Jean Cocteau




Jean Cocteau (1889 - 1963)


O francês Jean Cocteau (1889 - 1963) foi uma personalidade extremamente ativa em sua época. Desenvolveu as mais diversas atividades artísticas como poesias, novelas, direção de filmes e dramaturgia, além de inúmeras pinturas e desenhos.


Entretanto, é possivelmente mais famoso como cineasta. Seus filmes, tratando do papel do artista na sociedade e de seus expedientes criativos, foram bastante prestigiados (Le Sang d’un poète - 1930 - Orphée - 1950 - e Testament d’Orphée - 1960). Os vários campos em que atuava dentro da arte davam-lhe subsídios suficientes para tratar do tema nas películas. Além disso, sua extremamente bem-sucedida adaptação da história “A Bela e a Fera“  é considerada especialmente bela (La Belle et la Bête, de 1946).


Intelectual de vanguarda, relacionava-se com Picasso e Mondrian. Suas pinturas e seus desenhos, com temática especialmente ligada às figuras de Orfeu e de Arlequim, apresentam grande influência do amigo Pablo Picasso.


No teatro, trabalhou em colaboração como nomes como o empresário de balé russo Diaghilev (1872 - 1920) e os compositores Igor Stravinsky (1882 - 1971) e Eric Satie  (1866 - 1925).



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Jean-Baptiste Debret




Jean-Baptiste Debret (1768 - 1848)


Jean-Baptiste Debret (1768 - 1848) foi um francês que veio para o Brasil e aqui realizou obras artísticas e contribuiu para a criação de estruturas que facilitassem o desenvolvimento da arte no país. Participou da Missão Artística Francesa de Lebreton, que veio ao país em 1816. Um de seus objetivos era a fundação da Academia Imperial de Belas-Artes. 


Debret passou quinze anos no Brasil desenvolvendo atividades como a pintura, o desenho e lecionando. Ajudou na transmissão de técnicas artísticas ao país. Lecionou pintura histórica, paisagem, ornamentação e cenografia a artistas brasileiros. Sua formação era neoclássica (de acordo com tendências acadêmicas européias do período) entretanto, suas obras têm características realistas acentuadas.


Costumava pintar retratos e quadros asociados à família imperial brasileira, como “A Sagração de D. Pedro I“, “Retrato de D. João VI“ e “Desembarque de Dona Leopoldina“, de 1817 executando-os em sua permanência no país. O primeiro Salão de Belas-Artes brasileiro, pioneira exposição pública de arte no país, também foi realizado em 1829 através de seus esforços.


Ao retornar a França, ocupou-se da redação e ilustração dos três volumes de “Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil“ (1834 - 1839), obra em que Debret relata suas observações e conclusões acerca da natureza, o homem e a sociedade da capital do Império no Brasil.


Suas obras podem ser vistas em museus brasileiros como o MASP .



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Joan Miró

Joan Miró


Imagem da seção de Arte.


Fundação Joan Miró.


Copyright: Cortesia Consulado da Espanha.



Verbete:
Joan Miró




Joan Miró (1893- 1983)


Joan Miró (1893- 1983) foi um pintor, artista gráfico e desenhista espanhol que passou boa parte de sua vida em Paris e cujo trabalho está bastante associado ao movimento Surrealista. Expôs com o grupo nos anos 20. Apesar disso, não era muito propenso a seguir a frente política do grupo e as características Surrealistas de seu trabalho extrapolam as fronteiras do movimento, persistindo em toda a sua obra (após uma rápida influência do Cubismo e do Dadaísmo no início de sua carreira).


O aspecto lúdico e o primitivismo (ver verbete) que lembra formas infantis, a valorização da mitologia pessoal, a magia, as cores fortes e brilhantes e as formas caligráficas são características extremamente presentes nos trabalhos de Miró.


 “Harlequinade“, de 1924/25, pode ser considerado um bom exemplo da ludicidade e primitivismo associado ao pintor, numa composição alegre, colorida e repleta de figuras. Apesar disso, temas mais sóbrios e “pesados“ como a Guerra Civil Espanhola também faziam parte de seu repertório.


A valorização dos aspectos subconscientes e o simbolismo (daí a associação aos Surrealistas) é extremamente importante na obra de Miró. “Maternidade“, de 1924 ou “A Lebre“, de 1927 são outras boas amostras de seu trabalho e da valorização desses aspectos.


A partir de 1940, Miró volta de Paris à Espanha, passando a interessar-se, quatro anos mais tarde, pelas cerâmicas e a terracota (ver verbete). O edifício da Unesco, em Paris, é decorado com dois de seus imensos trabalhos em cerâmica: “Mur du Soleil“ e “Mur de la Lune“ .


A experiência de novos métodos e técnicas marcaram o trabalho do artista em seus últimos anos, em especial as artes gráficas, como a litografia ou os desenhos com vidros coloridos (que passaram a ocupar sua atenção já na casa dos oitenta anos).


O artista teve projeção e admiração mundial e ainda em vida pode ver a abertura da Fundação João Miró, na Espanha, que funciona tanto como um museu que expõe algumas obras do artista (as que não estão em outras coleções de Arte Moderna ou em coleções particulares) quanto como um centro para atividades relacionadas à arte.



Verbete:
Johann Moritz Rugendas




Johann Moritz Rugendas (1802 - 1858)


O alemão Johann Moritz Rugendas (1802 - 1858) chegou ao Brasil em 1821. Deveria ser desenhista da Expedição do botânico Barão Langsdorff, mas não chegou a acompanhá-la.


Entretanto, nos quase quatro anos que permaneceu no país, conheceu várias regiões do Brasil e realizou diversas pinturas sobre ele. As paisagens, o homem brasileiro e alguns de seus hábitos foram retratados por Rugendas, principalmente através de desenhos e aquarelas.


Tomando por tema a família real, pintou retratos a óleo como “Pedro II“ e “Dona Januária“.


Em 1835, de volta a Europa há dez anos, publica um livro com suas experiências no país: “Viagem Pitoresca Através do Brasil“, com cem litografias de Engelmann ilustrando-o.


Também viajou por países como México, Chile, Peru, Bolívia e Estados Unidos da América. Alguns dos trabalhos mais conhecidos de sua produção de três mil, trezentos e cinquenta obras plásticas são “Batalha de Maipó“ e “Passeio a Lagoa de Acúleo“.



Verbete:
José Ferraz de Almeida Júnior




José Ferraz de Almeida Júnior (1850 - 1899)


José Ferraz de Almeida Júnior (1850 - 1899) é considerado um dos pintores mais importantes do país e um dos que mais se destacaram na realização de uma arte nacional. Pertence à época conhecida como Belle Époque. Apresenta influências realistas, românticas e até traços que podem ser identificados ao Impressionismo.


Nasceu em Itu, interior de São Paulo, cidade que sempre estaria presente em suas obras. Em 1869 matriculou-se na Academia de Belas- Artes do Rio de Janeiro (sendo aluno de professores como Vítor Meirelles ), destacando-se entre os demais colegas da Academia.


Era costume dos artistas que terminavam o curso de uma escola prestigiada como a Academia de Belas-Artes carioca concorrem a uma viagem- prêmio de dois anos pela Europa, custeada pelo governo. Entretanto, José Ferraz de Almeida Júnior preferiu voltar a sua cidade natal. Uma casualidade acabou por finalmente levá-lo a Europa, onde os artistas brasileiros na época costumavam aperfeiçoar-se: D. Pedro II acabou vindo a São Paulo e conheceu suas obras, custeando-lhe sua permanência em Paris entre 1876 e 1882.


Nesse ano (1882) encerra-se aquela que é conhecida como a primeira fase de sua pintura uma fase em que a luz tem grande importância, mas que ainda é marcada pela sobriedade, como “Fuga para o Egito“ pode exemplificar. Desse primeiro período é ainda “Derrubador Brasileiro“ em que a figura de um enorme modelo italiano destaca-se no quadro.


De volta ao Brasil, retorna a Itu, onde permanece até 1897 e realiza obras importantíssimas em sua carreira, em que os temas típicos do país estão em evidência, conforme pode ser percebido pelos títulos de algumas delas como: “Cozinha Caipira“, “Picando Fumo“ ou mesmo “Caipiras Negaceando“, com suas formas sensuais. Nessas obras demonstra grande domínio técnico e menos sobriedade. As vivências na cidade do interior de São Paulo marcam intensa presença em trabalhos como “O Violeiro“, que pode ser considerado uma pintura regional.


Paisagens, cenas cotidianas - “Amolação Interrompida“, temas religiosos - “Remorso de Judas“ - ou temas da História Brasileira - “A Partida da Monção“ - além de retratos também estão entre as suas produções.


Morreu assassinado em Piracicaba pelo marido de uma ex-noiva. 



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José Pancetti




José Pancetti (1902 - 1958)


José Pancetti (Giuseppe Gianinni Pancetti - 1902 - 1958) é considerado o mais importante paisagista do Modernismo Brasileiro . De origem humilde, começou a dedicar-se com afinco à pintura tarde (1932), após passar por atribuladas experiências pessoais. O Modernismo no pintor pode ser percebido principalmente através de seus retratos expressionistas (outro assunto em que se destaca), conservando características mais impressionistas e românticas em suas paisagens. Seu temperamento dramático está bastante presente em suas obras.


Nasceu em Campinas numa família de imigrantes italianos. Com nove anos viaja para Itália onde vai morar com os avós, retornando ao Brasil em 1920, após ter se alistado na Marinha Mercante Italiana. Em 1922 alista-se na Marinha de Guerra Brasileira (onde permanece por vinte e cinco anos até chegar, como primeiro-tenente, à reserva).


Até 1932 ocupava-se da pintura ocasionalmente e baseando-se em sua própria sensibilidade. O mar, temática pela qual ficaria famoso, já aparece nesses primeiros exercícios. Entretanto, a partir dessa data, ingressa no Núcleo Bernardelli - uma ala Modernista carioca moderada, surgido em 1931 como uma reação ao academicismo do ensino carioca. Procurava democratizar o ensino de arte e era formado por artistas que orientavam os menos experientes. É assistido então por pintores como Martinho de Haro, Bustamante Sá, Edson Mota, entre outros. Porém, seu grande mestre é Bruno Lechowsky (que conhece dois anos depois no núcleo) e dele adquire o aprendizado cromático e a maneira de compor que caracterizariam Pancetti posteriormente.


Em 1941 torna-se o primeiro não conservador a receber o Prêmio Viagem ao Estrangeiro pela obra “O Chão“. Acabou sendo impedido de viajar pela guerra na Europa e por ter ficado doente. Mudando-se para Campos de Jordão executa obras sensíveis, densas e melancólicas.


Principalmente a partir dos primeiros anos da década de 40, realiza trabalhos que atestam a conquista do artista da maturidade de sua pintura como demonstram “São João Del Rei“ e “Itanhaem“, de 1945 e “Campos de Jordão“, de 1949.


Nesse mesmo período (década de 40) seria intensificada sua admiração por Van Gogh (com quem procurava identificar-se), realizando, tal como pintor, inúmeros auto-retratos, como o Auto- Retrato, de 1940. A influência de Cèzanne também é marcante em suas naturezas- mortas, de formas reduzidas a recortes chatos e sem ênfase no volume.


Em 1950 muda-se para Salvador, incluindo a paisagem baiana em seu repertório. Uma de suas últimas obras, realizadas em 1955 “Lavadeiras do Abaeté“, marcam a influência da cidade, que lhe inspirou a adquirir cada vez mais colorido em suas obras.



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Kitsch




Kitsch


Costuma-se usar esse termo em referência a obras consideradas de qualidade baixa. A palavra é alemã e significa algo como “lixo vulgar“. Normalmente são feitas sob-medida para agradar ao gosto popular, têm cunho sensacionalista e imediatista. Costumam possuir forte apelo emocional.


José Guilherme Merquior, em seu livro Formalismo e Tradição Moderna, “o Kitsch é a estética do digestivo, do “culinário“, do agradável-que-não-reclama-raciocínio.”


O Kitsch presta-se muito a propósitos comerciais. Pode ser considerado kitsch, por exemplo, objetos como os souvenirs, ou “lembrancinhas“  turísticas. Entretanto, muitas obras kitsch foram realizadas no século atual, com pretensões artísticas, destituídas de caráter ou vigor.


Essas obras, que se tornaram particularmente valorizadas e viraram como uma espécie de moda no século XX, encontraram grande resistência na Alemanha. Entretanto, de acordo com o   Dicionário de Arte Oxford, produziram no país um pânico desmesurado para todo e qualquer manifestação de sentimentos óbvios ou de beleza óbvia.



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Lasar Segall




Lasar Segall (1891 - 1957)


Lasar Segall (1891 - 1957) nasceu na comunidade judaica de Vilna, Lituânia, tendo mudado para o Brasil em 1923 e posteriormente adquirido cidadania brasileira.


Durante sua carreira, seu estilo sofreu várias influências, mas alguns temas recorrentes em sua obra já aparecem desde as primeiras produções, como o universo judaico, a perseguição aos povos (em especial os judeus) e a ênfase na figura humana.


Em seus primeiros trabalhos podem ser notadas inspirações cubistas e impressionistas. Entretanto, em 1910, tendo se mudado para Dresden, onde viveu até 1921, absorve a forte influência expressionista da cidade que havia sido berço do grupo Die Brücke (a Ponte), adotando a deformação e a síntese em suas pinturas.


Durante esse período em Dresden, a Alemanha passa por grave crise e forte agitação social e artística. Segall toma parte na mobilização do país, priorizando em suas representações as figuras desprivilegiadas socialmente. Trata-se de uma geração expressionista mais desesperançada pela realidade social que aquela que dá origem ao movimento. As figuras humanas são perdidas, especialmente deformadas nos pés, mãos e cabeças. “Auto Retrato II“, de 1919, com forte influência das máscaras africanas, é ilustrativo dessa fase.


Cabe ressaltar que o expressionismo de Segall é considerado um expressionismo “construído“, uma vez que a deformação nunca foi levada às últimas conseqüências e há uma inclinação para a busca de ordem. Os desenhos - que limitam as cores - ainda são de grande importância para Segall (após chegar ao Brasil, sua pintura vai progressivamente dando menor ênfase ao desenho e privilegiando mais as cores).


São dessa fase em Dresden telas como “Aldeia Russa“, de 1912, “Eternos Caminhantes“ de 1919 e o álbum “Bubu“, de 1921.


Após uma estadia em Berlim entre 1921 e 1923, muda-se para o Brasil em 1923, impressionando-o muito o cenário, as cores e o povo do país que marcaria, a partir de então, profundamente sua obra. Afirma ter descoberto a cor e a luz no país. Mesmo quando de sua curta volta à Europa, entre 1928 e 1932, realiza várias telas a partir das lembranças brasileiras, como os negros, as plantas tropicais, as favelas. É ainda durante esse período que começa a esculpir, misturando a pintura e a escultura em obras como “Duas Mulheres“, de 1929 ou “Dois Nus“, de 1930.


Por outro lado, é por seu intermédio que o Brasil passa a ter maior contato com o expressionismo (suas obras são as primeiras telas expressionistas a serem aqui exibidas). Acaba por juntar-se aos artistas brasileiros que buscavam uma revolução na arte através do movimento modernista, atuando como grande influência para eles. Em 1932, já é um dos fundadores da Sociedade pró Arte Moderna (existente até 1935). Rapidamente passa a ser admirado por personalidades do modernismo brasileiro como Mário de Andrade e Oswald de Andrade (para quem inclusive realizou ilustrações de obras, como “Poesias Reunidas“).


Continua suas experiências com a pintura e a escultura, principalmente utilizando-se de paisagens, retratos e naturezas-mortas. “Jovem de Cabelos Compridos“, de 1942, é um exemplo da junção dessas técnicas.


Com a Segunda Guerra Mundial, o artista, que sempre teve inclinação para a temática social, dedica-se ainda mais à produção de obras dramáticas, demonstrando o destino trágico de grupos humanos. São exemplos desse tipo de telas grandiosas “Pogrom“, de 1937 e “Navio de Emigrantes“, 39/41.


Seus últimos trabalhos caracterizam-se por uma maior serenidade e forte presença harmoniosa e sutil da luz e da cor, como demonstram “Floresta Crepuscular“, de 1956, ou “Rua de Erradias I“, também de 1956.


Livros e edições de revistas brasileiras e estrangeiras foram dedicados à sua obra, além de filmes e documentários. Após sua morte, sua casa e estúdio acaba virando sede do Museu Lasar Segall, dedicado ao artista.



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Le Corbusier ( Charles-Édouard Jeanneret )

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Le Corbusier ( Charles-Édouard Jeanneret )




Le Corbusier (Charles-Édouard Jeanneret) (1887 - 1965)


O suíço Le Corbusier, naturalizado francês, é considerado um dos mais importantes arquitetos desse século, sendo que sua influência pode ser notada em várias partes do mundo. Além da arquitetura e do urbanismo, teve importância para a pintura moderna e para a crítica de arte.


Le Corbusier foi o pseudônimo adotado por Charles - Édouard Jeanneret (1887 - 1965), apesar do artista assinar suas obras como Jeanneret. Recebeu influências de Frank Lloyd Wright (1867-1959), considerado como o verdadeiro “pai“ da arquitetura moderna, principalmente no que se refere à simplicidade buscada por ele.


Para Le Corbusier, a funcionalidade era o principal atributo de uma construção. Chamava suas casas de “máquinas para de morar“. Condenava qualquer excesso ou aspecto em uma obra arquitetônica que fosse contra a simplicidade ou extrapolassem sua função, como os aspectos decorativos.


Em Poissy-sur-Seine, perto de Paris, encontra-se aquela que é considerada uma de suas obras mais importantes: a Villa Savoye, de 1929.


Fora dos domínios da arquitetura, a publicação de “Après le Cubisme“, juntamente com Amédée Ozenfant foi outra realização do artista de repercussão na época. Bastante coerente com seu próprio pensamento e produção, condenava uma “desvirtuação“ do Cubismo (o Cubismo Sintético) que estava cada vez mais caminhando para tornar-se uma arte “decorativa“. Criticava ainda a sensibilidade na produção artística e propunha um sério “rigor“ nas criações. Através dessa publicação, os dois homens acabaram por fundar o “Purismo“, que deveria pautar as criações modernas.


A arte abstrata, principalmente nos primeiros anos da década de 20, sofreu grande influência das idéias de precisão, ênfase no conceito, clareza, estaticidade e sintetismo pregadas pelo Purismo. “L’ Esprit Nouveau“ era a publicação que ajudava a espalhar esses ideais.


Em sua própria pintura, podemos perceber duas fases: uma com o predomínio de naturezas-mortas, até 1929, e outra, posterior a essa data, em que as figuras humanas e uma certa dose contida de lirismo e dinamismo já se fazem presentes.



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Legato




Legato


Termo italiano que indica o modo ligado com que deve ser executado o trecho musical assinalado.



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Lígia Clark




Lígia Clark (1920 - 1988)


Lígia Clark (1920 - 1988) nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais e em 1947 foi estudar no Rio de Janeiro, orientada por Burle Marx. Entre 1950 e 1952 parte para a Europa, tendo aulas com Fernand Léger (1881 - 1955).


De volta ao Brasil começa a experimentar as possibilidades de rompimento com o espaço tradicional de um quadro, conquistando o espaço exterior. Trata-se de uma fase mais racional e geométrica da obra da artista em que faz parte, entre 54 e 56, do Grupo Frente concretista e que participa da I Exposição Nacional de Arte Concreta em São Paulo, em 1956. O branco e o preto são as cores em que sua obra então preferencialmente manifesta-se. A eliminação da moldura já aparece em seus “Contra- Relevos“.


Seu trabalho, orgânico, vai cada vez mais diferenciando-se da crença concretista na autonomia da forma em detrimento da expressão. Rompe, então, com o movimento e em 1959 assina o Manifesto Neo-Concreto “nascido de uma necessidade de exprimir a complexa realidade do homem moderno dentro da linguagem estrutural da nova plástica“, de acordo com o documento.


A partir daí, através de estruturas móveis de placas de metal que convidavam a participação do expectador, como os “Bichos“ e os “Não-Objetos“, considera-se que sua carreira deu um salto qualitativo. “Obra- Mole“, pedaços de borracha laminados que se entrelaçam são da mesma época (1960). Ainda na linha desses trabalhos que entram no campo da escultura segue-se “Caminhando“, de 1963. Criativa, realizava também obras a partir de materiais leves para serem vestidos pelo expectador.


A partir de meados da década de 60, Lígia Clark concentra-se no corpo, desenvolvendo experiências sensoriais e valorizando o gesto como expressivo da realidade interior, única realidade existencial.


Principalmente entre 1970 e 1976 quando leciona na Sorbonne, em Paris, intensifica suas pesquisas nessa direção. Propõe dinâmicas com seus alunos de sensibilização através de atos que trouxessem à tona a energia criativa e impulsos reprimidos. Trabalhando próximo ao terreno da psicologia, utiliza-se de tubos de caça submarina, plásticos com água e bolinhas de pingue-pongue para atingir seus objetivos. A percepção liberta dos condicionamentos que a rotina diária estabelece é outra meta buscada pela artista que, através de seu trabalho, revela nitidamente a crença na arte como elemento de transformação humana.



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Louvre




Louvre


O Louvre, museu nacional e galeria de arte da França, localizado em Paris, foi construído, originalmente no fim do século XII, com o objetivo de ser um forte. Passou por inúmeras reformas desde então, aumentando de tamanho, reposicionando-se e mudando seu estilo de construção. O museu, extremamente importante e presente na história dos franceses, é considerado um dos símbolos da nação.


Entretanto, apesar das constantes alterações sofridas desde o início de sua história, o estilo clássico prevalece no museu hoje, após ter pautado todas as futuras mudanças desde o século XVI. O arquiteto renascentista Pierre Lescot (1510 - 1578), a mando de Francis I e posteriormente Henry II, é o responsável por incorporar esse estilo ao museu. Jean Goujon, na mesma época, acrescentou suas esculturas à fachada do Louvre.


Já desde seu início, no século XII, apesar de projetado para defender o lado leste de Paris contra os invasores, o Louvre guardava os tesouros reais como jóias, manuscritos ilustrados e armas, antecipando sua vocação. Posteriormente Charles V (1377-80) transformou-o em residência real. Esse último governante, juntamente com Charles VI (1368-1480) fizeram as primeiras modificações na construção, com o objetivo de mudar seu tamanho e embelezá-lo.


Com a Revolução Francesa, o Louvre (que já tinha abrigado a corte em 1652 sendo substituído pelo Palácio de Versailles, em 1678), transforma-se na primeira galeria de arte pública da França (1793). Em 1803, Napoleão rebatizou-o como Musée Napoléon, acrescentando à coleção do museu obras de arte dos territórios que ocupou (posteriormente o nome foi inutilizado e as obras devolvidas aos locais de origem).


Quanto à coleção do Louvre, além das contribuições reais, cabe citar a intervenção de Colbert e sua política de controle das artes, com o objetivo de mostrar ao mundo a grandiosidade da Coroa Francesa. O museu, que possuía apenas duzentas pinturas passa a ter, então, duas mil. A incorporação do ciclo de Luxemburgo de Rubens Medici (cuja família era historicamente famosa por patrocinar e colecionar arte) ao museu, possibilitou uma reinauguração realizada por Napoleão III, em 1851.


A transformação do Palácio de Luxemburgo num museu de arte contemporânea (1818) acabou por acrescentar à coleção do Louvre as obras consagradas quando estas, com o passar dos anos, perdiam o sentido de estarem num museu de arte contemporânea.


Após a segunda grande guerra mundial, foi inaugurado o Jeu de Paume para abrigar os trabalhos impressionistas. Hoje em dia, as obras do Jeu de Paume, acrescidas de algumas do Louvre do período de 1848 a 1905, estão no Museu d’ Orsay, em Paris, inaugurado em 1986.



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Louvre (arquitetura)




Louvre (arquitetura)


Abertura destinada para a dissipação de fumaça produzida, por exemplo, por um aquecedor central de uma edificação. O louvre pode ser uma abertura totalmente desobstruída ou ainda pode possuir proteção através de pranchas inclináveis, de maneira que a entrada da água de chuva seja evitada. São comumente utilizadas em clarabóias.



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Madrigal




Madrigal


Estilo vocal de música vocal polifônica sem acompanhamento instrumental.



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Maior




Maior


Termo usado para classificar a tonalidade de intervalos, acordes e escalas.



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Maison Européenne de La Photographie




Maison Européenne de La Photographie


Inaugurada no início de 1996 em Paris, a Maison Européenne de la Photographie está situada dentro do antigo Hotel de Cantobre, um edifício em estilo clássico, construído em 1706 por Henault de Cantobre. Foi adaptado pelo arquiteto Yves Lion para funcionar como um centro cultural.


A MEP (Maison Européenne de la Photographie)  é um centro de exposições onde também


se encontram uma videoteca, uma biblioteca, um ateliê de conservação, um centro de pesquisas, uma livraria especializada, um auditório e um café, tudo isso em sete andares, tendo como diretor a Jean-Luc Monterosso.


Trata-se de uma coleção bastante grande: mais de doze mil imagens que contam o desenrolar histórico de toda a fotografia contemporânea. O acervo se constituiu através de compras em galerias ou diretamente do artista, em leilões, visto que quase 30% da coleção foi conseguida através de doações.


A fotografia teve grande progresso nas décadas de 60 e 70 nos Estados Unidos, sendo que na Europa houve um reascender na década de 80. A coleção permanente do museu está contida em duas salas. Em uma delas encontramos a coleção da Polaroid. A própria Polaroid, fundada por Edwin Land em 1940, cedeu ao museu mais de mil imagens originais de fotógrafos, tais como Helmut Newton, Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Robert Mapplethorpe, Llúcas Samaras. A outra sala é chamada Irving Penn, em homenagem ao fotógrafo americano que desenvolveu atividades na França e foi grande influenciador das gerações posteriores.


Para exposições temporárias, o museu conta com Galerias Contemporâneas, uma sala para exibição de novos fotógrafos, ateliês para apresentar novas pesquisas na criação fotográfica e a sala Hénault de Cantobre, destinada às exposições científicas e históricas.


O MEP conta com uma biblioteca/videoteca chamada Romeo Martinez, cujo acervo já ultrapassa doze mil volumes e, com freqüência, recebe mais. Fotógrafos já realizaram para a videoteca mais de quinhentos filmes sobre fotografia contemporânea, séries sobre estética e história; além disso, possui um banco de dados com um número superior a quatro mil biografias, assim como entrevistas com fotógrafos franceses somam acima de cento e cinqüenta.


Num museu tão dinâmico e atual não poderia faltar um centro de pesquisas, com auditório de cem lugares para realização de conferências, debates e projeção de filmes sobre temas fotográficos. Em 1997 inaugurar-se-á  o centro de restauração de imagens sob a coordenação de Anne Cartier-Bresson.


Endereço: Rue de Fourcy, 7,no Marais. 


Telefone: 00331 44-78-75-00



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Manabu Mabe




Manabu Mabe (1924 - 1997)


Manabu Mabe é um pintor nascido no Japão, em 1924 (Kumamoto Ken) radicado no Brasil e considerado um importante artista nipo- brasileiro de renome internacional.


No Brasil, país que chegou aos 10 anos de idade, fixou-se juntamente com sua enorme família de pai, mãe e oito irmãos, no interior de São Paulo, cidade de Lins. Sua família, como tantos outros imigrantes japonese que vinham para o país tencionava trabalhar na lavoura cafeeira.


O Expressionismo é o estilo que mais exerce influência sobre Manabu Mabe no início de sua carreira. Auto-didata, parece ter começado a pintar aos 21 anos, com forte presença do estilo,.


Entretanto, principalmente a partir de 1957, sua pintura passa a assumir as características que o tornariam internacionalmente conhecido : o abstracionismo e a influência da caligrafia oriental.


Exemplo do trabalho do pintor pode ser dado pela obra “ Sonho “, de 1959, em que as formas abstratas contínuas no meio do quadro têm nitidamente caráter caligráfico.


Nesse mesmo ano foi premiado na XXX Bienal de Veneza e na I Bienal de Paris. A Revista Time, de 2 de novembro de 1959, antenado com o crescimento do prestígio do artista nipo- brasileiro, chega a publicar um artigo intitulado “ O Ano de Manabu Mabe “ .


Sua obra nesse período é extremamente conhecida nos principais centros artísticos do mundo. Em 61, é a vez de sua premiação na Bienal de São Paulo .


A partir de 70 algumas de suas obras já não são tão fiéis ao abstracionismo, sugerindo alguma espécie de figuração.


Os trabalhos de Manabu Mabe, além de poderem ser encontrados em museus brasileiros de prestígio (e também em coleções particulares)  podem ser vistos em diferentes cidades como Paris, Nova York, Roma, Madri, Tóquio e Cidade do México.


Manabu Mabe faleceu em 1997, aos 73 anos de idade, vitimado de complicações durante uma cirurgia de retirada do baço.



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Maneirismo




Maneirismo


Após o aparecimento de Leonardo da Vinci, Rafael e Michelângelo, muitos artistas italianos tentaram buscar uma nova arte, contrária aos princípios da alta renascença. Trata-se de uma arte mais turbulenta, em que se buscavam idéias novas, invenções que surpreendessem, insólitas, cheia de significados obscuros e referências à alta cultura. Acredita-se que tenha sido influenciada ainda pela contra-reforma católica e pelo clima de inquietação do momento. O estilo artístico que daí decorre recebe o nome de maneirismo e faz a passagem entre a alta renascença e o barroco, apresentando alguns elementos ora mais próximo de uma escola, ora de outra. Seu período estende-se de mais ou menos 1520 ao fim do século XVI.


O termo maneirismo, derivando da palavra italiana maneira (estilo), pode nos dar mais informações sobre esse tipo de arte. Utilizada pelo pintor, arquiteto e teórico de estória da arte da época, Vassari, no sentido de graça, sofisticação, estabilidade, elegância. Por extensão a denominação prosseguiu para a arte análoga à realizada pelo artista. Entretanto esse novo estilo foi visto com desconfiança pelos críticos até o nosso século. Eles consideravam-na uma arte menor, uma falha de compreensão por parte dos artistas da época sobre a arte dos grandes mestres, imitações sem alma. O próprio termo maneirismo, relacionado ao mau gosto e excesso. Entretanto, mais ou menos no período entre as duas guerras mundiais, os artistas de então passaram a ser melhor compreendidos e admirados pelos críticos.


Entre as obras de Giorgio Vassari (1511 - 1574), estão os afrescos do grande salão do Palazzo della Cancelleria, em Roma (mostrando a vida do papa Paulo III) . Entretanto, ele é mais conhecido por seu livro “A Vida dos Artistas“ - uma das principais fontes de informações sobre a Itália Renascentista e por seus conceitos e opiniões artísticas que acabaram por pautar, durante longo tempo, o trabalho dos críticos e historiadores de arte que o seguiram.


Dentro do maneirismo são colocados vários artistas que desenvolveram atividades no período e é grande a diversidade das obras. Entretanto, podemos destacar, como outros nomes importantes, que ajudaram na “ formação“ da escola (que até hoje não se encontra muito clara para os pesquisadores), além de Vassari, Rosso Fiorentino (1494 - 1540) e Jacopo Pontormo (1494 - 1557), na pintura e Benvenuto Cellini (1500 - 1571) e Giovanni da Bologna (1529 - 1608), na escultura e Giulio Romano (1492 - 1546), na arquitetura.


Mas talvez seja na Escola Veneziana que podemos encontrar o maior mestre do período:  o pintor Tintoretto (Jacopo Robustini; 1518 - 1594). Enquanto grande parte dos artistas do período contentavam-se em imitar os mestres, ele utilizou-se de maneira extremamente pessoal e crítica o aprendido com suas maiores influências: Michelângelo e Ticiano. Era conhecido por sua grande imaginação, por sua composição assimétrica e por produzir grandes efeitos dramáticos em suas obras, sacrificando, às vezes, até as bases da pintura desenvolvida por seus antecessores (como, por exemplo “a  suave beleza“ de Giorgione E Ticiano). Seu quadro São Jorge e o Dragão, retratando o auge da batalha entre as duas figuras, através de um jogo de luz e tonalidades, produzem grande tensão.


Em alguns países da Europa, (principalmente a França, Espanha e Portugal), o maneirismo foi o estilo italiano quinhentista que mais se adaptou à própria cultura desses países, encontrando mais seguidores que a própria arte da alta renascença.



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Manuel da Costa Ataíde




Manuel da Costa Ataíde


Pintor brasileiro do período colonial, acredita-se que tenha sido um dos últimos artistas rococós do mundo ibérico. Nascido em Mariana, Minas Gerais, em 1762, provavelmente no dia 18 de outubro (alguns historiadores defendem essa data por ser a mesma de seu batismo). Vários pontos de sua vida permanecem obscuros aos pesquisadores, bem como sua obra apresenta dificuldade de identificação.


Seguindo a tendência dos artistas de sua época (o Brasil então vivia seu barroco tardio), aproveita-se de temas religiosos para desenvolver suas obras. É muito provável que ele e Aleijadinho se conhecessem e tivessem desenvolvido uma série de trabalhos juntos: Aleijadinho realizava os trabalhos de arquitetura, posteriormente completados pela pintura de Ataíde. Tudo indica que a Igreja de Congonhas do Campo seja um bom exemplo desse trabalho em parceria.


Iniciado na pintura pelo pai (o capitão Luís da Costa Ataíde - que também o introduziu na vida militar, tendo chegado ao posto de alferes), sua primeira obra conhecida data de 1781. Trata-se de um pequeno detalhe do Santuário de Bom Jesus de Matosinho, na cidade mineira de Congonhas do Campo. A partir daí, realiza obras como as cenas da barra da capela-mor de São Francisco, em Ouro Preto, e o teto da Igreja da Ordem Terceira de São Francisco de Assis da Penitência, também em Ouro Preto.


Baseia sua pintura na religião, valendo-se de temas bíblicos e das ilustrações de missais e bíblias a que tinha acesso, para compor seus personagens. Um dado importante nesse artista é que, apesar de influenciado por europeus, adapta os modelos vistos nas ilustrações sagradas aos nossos próprios padrões físicos: suas figuras representadas costumam exibir características bastante nacionais.


A utilização de cores puras são também a base de seu trabalho, exceção à já citada pintura da Igreja da Ordem Terceira de São Francisco de Assis da Penitência, em que se utiliza da técnica do claro-escuro na representação da Virgem dos Anjos e da Assunção. Nessa obra ainda, considerada um de seus trabalhos mais importantes, vale-se da graduação de tons amarelo-claros, com raios esbranquiçados, caminhando até a escuridão das brumas, para expressar a amplitude celestial.


Sua pintura normalmente é grandiosa e fantástica. Atribui-se tal efeito ao uso de recursos como falsas arquiteturas, frontões, colunas e conchas estilizadas, elementos associados ao "ilusionismo decorativo".


Tal qual Aleijadinho, com quem divide a notoriedade do período, seu corpo encontra-se no interior da Igreja de São Francisco de Assis em Mariana.



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Marc Chagall




Marc Chagall (1887 - 1985)


Marc Chagall (1887 - 1985), foi um artista russo, que acabou passando boa parte de sua vida na agitada Paris da primeira metade desse século, influenciando profundamente muito dos movimentos modernistas. Relacionava-se com Apollinaire, Delaunay, Max Jacob, Soutine, Léger, Modiglianie e La Fresnaye (este último, um de seus mais freqüentes parceiros) alguns dos nomes do círculo de artistas vanguardistas que se encontravam na cidade no período. Entretanto, o próprio Chagall não pode ser enquadrado efetivamente em nenhum movimento, desenvolvendo sempre seu estilo independente.


Apesar de ter exposto como cubista no período logo após sua chegada em Paris (1911), -  “Auto-Retrato com Sete Dedos“ (1912) é desta fase - nunca realizou seus quadros realmente como um cubista, percebendo, posteriormente, que não poderia aceitar totalmente aquele movimento e desvinculando-se dele. Acabou por declarar não poder aceitar a violação da textura sensual pertencente ao motivo em nome da geometria.


Suas pinturas caracterizavam-se por forte presença da imaginação, fantasia e irracionalidade semelhante à onírica. Foi por esse motivo que Appolinaire criou o termo surrealismo exatamente para designar trabalhos como os seus. Chagall, por sua vez, apesar de ter fornecido forte inspiração ao surrealismo, nunca se considerou um surrealista. Suas obras, apesar de aventurar-se pelo domínio do inconsciente, nunca se deixavam levar por ele totalmente. Além disso, o artista fazia sérias críticas ao surrealismo, por acreditar que o movimento realizava uma abordagem literária da pintura.


O folclore russo, uma certa nostalgia sempre presente da terra natal e dos primeiros anos de vida, o imaginário judaico e a Bíblia foram suas principais fontes de inspiração. Procurava a volta a suas origens e à simplicidade infantil. O apelo emocional é o ponto forte de sua obra, realizando-se através de toda uma simbologia (normalmente ligada à Rússia). A riqueza de cores e a exuberância das formas marcam sua obra. “Procuro encher minha tela de formas vibrantes, repletas de paixão“ - declara.


“Maternidade“, de 1913, que mostra uma mulher em primeiro plano, apontando para o ventre em que pode ser encontrado uma figura humana de pé - observada por um rosto de homem - tendo ao fundo animais e pirâmides soltas no espaço, pode exemplificar sua obra. “Auto-retrato com bode“ de 1922-23, é outra boa amostra.


Chagall realizou ainda vários trabalhos para teatro e balé, no Teatro Judeu Russo e desenhando para Igor Stravinsky. Além disso, realizou ilustrações de livros, desde as Fábulas de La Fontaine a autores como Gogol. Em 1946, o Museu de Arte Moderna de Nova York realizou uma retrospectiva de sua carreira. Em Nice, há um museu especialmente dedicado às obras religiosas do pintor.


Um dado importante na vida do artista foi a necessidade de deixar a Rússia para continuar trabalhando como pintor. Tendo fundado uma Escola de Arte no país (em Vitebsk) e sido nomeado, em 1917, diretor e Comissário de Belas Artes para Vitebsk e apesar da ênfase nos temas de seu país de origem observados em sua obra, suas fantasias não se ajustavam à política soviética que impunha o realismo na arte como mensagem social.



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Marcel Duchamp




Marcel Duchamp (1887 - 1968)


O francês Marcel Duchamp (1887 - 1968) foi um dos artistas de maior importância e influência para a arte do século XX. Lutava contra as noções de arte tradicional, como a estética, revolucionando a arte contemporânea.


Teve uma passagem rápida pelo Cubismo, realizou obras muito próximas das metas futuristas (como “Nu descendo a Escada“), mas foi efetivamente mais ligado ao Dadaísmo (uma das grandes forças e influências do movimento e um de seus líderes nos Estados Unidos) e ao Surrealismo (acabou servindo como uma das pontes entre o dadaísmo e o surrealismo, representando uma tendência mais niilista no movimento).


 “Nu descendo a Escada“ foi um de seus primeiros trabalhos que alcançou grande notoriedade, abrindo caminho, quando exposto nos EUA em 1913, para que o artista fosse lá residir dois anos depois. Trata-se de um trabalho em que as influências do Cubismo e do Futurismo estão mais evidenciadas. O movimento é uma das principais preocupações da obra, representado abstratamente.


Entretanto, talvez as obras mais populares de Duchamp tenham sido os ready-mades (ver verbete). Eram objetos escolhidos do cotidiano e elevados à categoria de obras de arte, como um urinol. Com esse procedimento, procurava destruir as noções tradicionais de gosto e estética.


Além disso, são famosos a barba e o bigode que o artista introduziu em uma reprodução da Mona Lisa, alterações seguidas por uma inscrição obscena.


 “La mariée mise à nu par ses célibataires, même“, ou “O Grande Vidro“ é considerada uma das maiores obras-primas de Duchamp, feito entre 1915 e 1923. Trata-se de uma mistura de construção em vidro e pintura misteriosa, dona de um simbolismo de difícil compreensão, pertencente a um artista considerado extremamente enigmático. Em 1927, a obra sofreu um acidente e foi quebrada. Duchamp considerou-a assim completa.


Duchamp também é considerado um dos pioneiros da arte cinética, principalmente através dos trabalhos que realizava a partir de 1920, com a criação de engenhosos mecanismos sem  utilidade prática.


Após 1915, passou a privilegiar mais as construções de metal, vidro e madeira, passando progressivamente a diminuir sua produção após a década de 20. Apesar disso, ainda é considerado um dos grandes revolucionários do século XX e sua obra, apesar de não ser vasta, de grande importância para a arte do século.


Marcel Duchamp tinha como irmãos o escultor Duchamp-Villon (1876 - 1918) e o pintor Jacques Villon (1875 - 1963).



Verbete:
Maria Martins




Maria Martins (1900 - 1973)


Maria Martins (1900 - 1973) foi uma escultora, desenhista, gravadora e escritora brasileira nascida em Minas Gerais e que passou boa parte de sua vida fora do país. Suas primeiras esculturas são feitas em madeira no Equador, em 1926. Após o Equador vai para o Japão, onde desenvolve sua técnica e passa a se utilizar de outros materiais como terracota, cerâmica e mármore. O bronze posteriormente acaba sendo um dos principais materiais utilizados pela artista.


Em 1939 viaja para a Bélgica, onde estuda com o escultor Oscar Jasper. Acaba mudando-se para os Estados Unidos, país em que entra em contato com artistas de vanguarda como Marcel Duchamp e Mondrian. A partir de então passa a expor nos EUA, em cidades como Washington e Nova York. Merce destaque sua exposição de 1947 na Galeria Julien Lery, em Nova York, cujo prefácio do catálogo é assinado por seu amigo, o poeta surrealista André Breton .


Além dos Estados Unidos expõe em Paris e em São Paulo. No Brasil participa ativamente da fundação do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e até na organização das Bienais de São Paulo. Chega a receber o Prêmio de Escultura na terceira edição do evento.


Envolveu-se com o Surrealismo no início de sua carreira. Entretanto, com o passar do tempo, tende mais ao abstracionismo. De qualquer forma o antiacademicismo sempre marcou suas obras, como demonstra “O Impossível“, de 1945. Além disso trabalhos seus considerados de grande qualidade são aqueles recheados por espaços vazios, (ao contrário dos maciços do início da carreira), com sugestões sensuais, como o bronze sem título de 1953 que pode ser encontrado no MAC - USP (Museu de Arte Contemporânea na Universidade de São Paulo).


Em Brasília podem ser vistos importantes trabalhos de Maria Martins como “Ritual do Ritmo“, no Palácio da Alvorada e “À noite sonhamos“, no Ministério de Relações Exteriores.



Verbete:
Masmorra




Masmorra


Elementos bastante presente em edificações construídas na Idade Média, as masmorras eram calabouços construídos em torres ou na parte superior de um castelo, cujo acesso único para seu interior era um alçapão.



Verbete:
MASP




MASP


O Museu de Arte de São Paulo "Assis Chateaubriand" (MASP) é considerado o museu mais importante da América Latina. Possui um acervo com representações de diferentes escolas artísticas, com destaque para as obras do renascentista Rafael ("A ressurreição de Cristo", Raffaello Sanzio), Bellini, Velazquez, Goya, Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Renoir, Gauguin, Bosch, Rembrandt, Matisse, Anita Malfatti, Lasar Segall, Di Cavalcanti, entre outros.


Idealizado e iniciado por seu fundador, Assis Chateaubriand (contando com a grande colaboração de Pietro Maria Bardi), foi inaugurado em 2 de outubro de 47, ocupando o primeiro andar da Sede dos seus "Diários e Emissoras Associados" na rua 7 de Abril, 230. A verba para aquisição das obras vieram das mais diferentes fontes, desde fazendeiros do café, banqueiros e políticos, até empréstimos de David Rockefeller.


Em 68 foi reinaugurado, mudando-se para a nova sede na Avenida Paulista, projetado por Lina Bo Bardi. O prédio, bloco horizontal de dois andares sobre pilastras, considerado um dos símbolos de São Paulo, foi criado para conservar e ampliar o belveder da Avenida Paulista (conforme exigia a lei da época para a construção naquele local).


Na formação inicial do acervo, o critério seguido era o aproveitamento das oportunidades do mercado - favorável entre os anos de 47 e 50. O objetivo era compor uma Pinacoteca equilibrada, mostrando desde a arte romana até as vanguardas históricas e as vanguardas atuais. De acordo com Pietro M. Bardi, em seu livro 40 Anos de Masp, após a morte de Chateaubriand o conselho consultivo do museu vetou o combinado, resultando numa coleção desequilibrada. Ele cita o exemplo da coleção dos impressionistas. Apesar de ser uma das mais ricas presentes em museus e receber constantes pedidos de empréstimos, não tem importantes nomes do movimento, ao mesmo tempo em que entre elas figuram 13 Renoir, "um número grande demais para um só autor". Outro problema levantado pelos críticos do museu é a pouca presença de artistas latino-americanos em seu acervo.


As obras expostas no Masp contêm biografias e informações críticas. Há um constante intercâmbio com os demais museus do mundo, recebendo e emprestando obras. Além disso, o Museu sedia diferentes exposições, como as 360 gravuras de Picasso que vieram em 86; "Quatro Mestres Modernos" do Museu de Arte de Nova York; "Papagaios e Piões do Japão" com artistas que trabalhavam diante do público; e exposições individuais como a de Manabu Mabe e Max Bill.



Verbete:
Mastaba




Mastaba


Tipo de túmulo ocorrente no Egito antigo, formado a partir da superfície de um tijolo maciço ou de uma pedra, com paredes taludes sobre uma base retangular. A câmara do sarcófago era postada na direção logo abaixo, porém, muito mais profundamente.



Verbete:
Medieval




Medieval


Período na história que se estende de 500 a 1530 D.C. Neste período foram desenvolvidas formas musicais como o cantus, o organum, a música dos trovadores caccia e ballata, entre outras. Nesta fase, destacaram-se compositores como Machault e Dufay.



Verbete:
Melodia




Melodia


Melodia é a sucessão de vários grupos melódicos que são formados por grupos de sons. A melodia pode ser definida como uma seqüência organizada de notas.



Verbete:
Membranofones




Membranofones


Instrumentos que produzem sons através de uma membrana que vibra quando percutida.



Verbete:
Menor




Menor


Termo usado para classificar a tonalidade de intervalos, acordes e escalas.



Verbete:
Mestre Vitalino




Mestre Vitalino (1909 - )


Vitalino Pereira dos Santos (Mestre Vitalino) nasceu em Caruaru, Pernambuco em 1909. A região agreste nordestina inspirou-lhe a obra. Foi descoberto em 1947 por Augusto Rodrigues, que difundiu seus trabalhos, antes confinados à sua própria localidade.


Mestre Vitalino é considerado um artista primitivo e dificilmente seria valorizado se não fosse o nacionalismo modernista. Um tipo de arte como a sua, fiel às tradições populares dos ceramistas do agreste de Pernambuco, costumava ser considerada (depreciativamente) folclórica, mera manifestação coletiva. Entretanto, Mestre Vitalino imprime aspectos pessoais à tradição do local como por exemplo, a ironia fina com que trata seus personagens e a harmonia plástica que suas figuras apresentam.


Há dois períodos distintos em sua obra: um que estende-se até 1953, em que suas pequenas figuras costumavam aparecer em grupo e coloridas com cores alegres, pintadas através de recursos simples como palitos ou o dedo. São exemplos delas “Prisão“, em que um prisioneiro de roupas cinzas é cercado por dois soldados com uniformes alaranjados, “O enterro“ “Retirantes“ e a figura solitária (mas colorida) “Cangaceiro“.


A partir de 1953 suas figurinhas não são mais pintadas e costumam aparecer isoladamente.



Verbete:
Metais




Metais


Refere-se aos instrumentos feitos de Metal como trompetes, tubas, trompas e trombones.



Verbete:
Metrônomo




Metrônomo


Aparelho utilizado para indicar o tempo exato de execução de uma peça musical.



Verbete:
Milton Dacosta




Milton Dacosta (1915 - 1988)


Milton Dacosta (1915 - 1988) é um importante pintor da terceira geração do Modernismo Brasileiro e também grande pintor do Núcleo Bernardelli (ver Pancetti ). Freqüentava a Escola Nacional de Belas Artes com pouco mais de qunze anos e, paralelamente, o Núcleo Bernardelli.


Já com 18 anos participava no Salão Nacional de Belas Artes. Em suas primeiras obras - principalmente paisagens próximas a Pancetti - já se encontram presentes características importantes da pintura de Dacosta como o desprezo aos aspectos que não são essenciais à representação, a simplificação e seu senso formal.


A partir da década de 40, Dacosta passa a ser profundamente influenciado por artistas vanguardistas internacionais como Cèzanne, Modigliani e De Chirico. “Ciclistas“ é um bom exemplo dessa fase, em que já se evidenciam as preocupações com os volumes e alongamentos retilíneos. “Roda“, de 1942 também demonstra a inspiração nas vanguardas européias . Em 1944 recebe o Prêmio de Viagem ao Estrangeiro no Salão Nacional de Belas- Artes. Seis anos mais tarde, participa da delegação brasileira que expõe na Bienal de Veneza .


Picasso e o Cubismo consolidam-se como as principais influência do brasileiro a partir do final da década de 40, como atesta “Figura“, de 1949, com suas linhas retas e economia de cores. O Cubismo de Milton Dacosta entretanto não abre mão da personalidade do pintor e da sua tradição brasileira. Planos predominam sobre volumes também em telas como “Cabeças de Alexandre“.


Na III Bienal de São Paulo recebe o Prêmio Melhor Pintor Brasileiro, por obras de inspiração cubista como naturezas-mortas e “Cidades“ ou “Castelos“.


Porém, essas mesmas obras de inspiração cubista já anunciavam tendências mais abstratas do pintor que se consolidariam a partir de meados de 50. As cores ganham então papel de primeiro destaque. “Construção Cinza“, de 1956 exemplifica essa tendência abstracionista que a pintura de Dacosta foi lentamente assumindo. 


Já na década de 60 o pintor retoma a presença de figuras em suas obras. O melhor exemplo desse retorno pode ser dado por obras como a série “Vênus e Pássaros“, com suas figuras lânguidas de tênue colorido. Sempre atento à simplicidade de formas, Dacosta cria um Vênus estilizada, porém sensual.



Verbete:
Modernismo no Brasil




Modernismo no Brasil


O Brasil passava por profundas modificações sociais, políticas e econômicas no início do século. Entretanto, no terreno artístico não caminhava com a mesma velocidade. Ainda eram admirados os pintores ligados ao século XIX e o parnasianismo de Olavo Bilac e Coelho Neto, indiferentes às rupturas que a Europa e os Estados Unidos por essa época imprimiam à arte.


Por outro lado, havia um grande número de jovens artistas em contato com as mudanças que a arte estrangeira sofria e paralelamente, influenciados pelo nacionalismo, já presente na nossa arte desde o final do século anterior (com os temas mais associados ao Romantismo). A primeira mostra de arte não acadêmica realizada no Brasil foi feita por um estrangeiro, Lasar Segall, em 1913, nas cidades de São Paulo e Campinas. Entretanto, apesar do pioneirismo de Segall, suas exposições não causaram grande repercussão, provavelmente por ter sido muito prematura para a arte brasileira. A exposição de Anita Malfatti parece ter sido o estopim para a reunião desses artistas ansiosos por mudanças. Posteriormente, o encontro de alguns dos principais futuros líderes Modernistas com a arte de Brecheret, recém voltado da Europa, também teve grande importância no surgimento da chama Modernista.


Em 1922, possivelmente através de uma sugestão de Di Cavalcanti, a Semana de Arte Moderna seria realizada, marco do Modernismo brasileiro. Reunindo diversas atividades como leituras de poemas, espetáculos de dança e exposição de artes plásticas o evento iria sacudir São Paulo dos anos 20. Buscava que a arte brasileira estivesse tão atualizada quanto a internacional, nada devendo àquela em qualidade e, ao mesmo tempo, conservasse as características nacionais.


Mesmo não tendo a repercussão que posteriormente foi atribuída a ela, o evento foi bastante significativo por reunir artistas talentosos ansiosos por renovações. Logo após sua realização, importantes artistas que dela participaram partiam para a Europa, enquanto outros nomes fundamentais dessa fase de nosso modernismo chegavam do continente. É o caso de Lasar Segall, que vinha fixar-se no Brasil, trazendo grandes contribuições e de Tarsila do Amaral, uma das pioneiras em concretizar os ideais da Semana de Arte Moderna, aliando a brasilidade a elementos das vanguardas européias.


A partir de 1924, começam a surgir as divisões do Movimento Modernista, principalmente a partir do pau- brasil (Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, entre alguns membros) e do verde- amarelo (Menotti del Picchia e Plínio Salgado, como alguns dos representantes). A valorização do caráter nacional era importante para as duas correntes, entretanto o pau-brasil não abria mão da atualização da arte brasileira, tomando como parâmetro as produções internacionais, enquanto o verde-amarelo era mais apegado às tradições e cauteloso em relação aos movimentos vanguardistas estrangeiros. Divergências políticas, ideológicas e sociais profundas acabariam por afastar cada vez mais essas duas correntes do modernismo brasileiro.


A Antropofagia, inspirada no quadro Abaporu de Tarsila do Amaral e liderada por Oswald de Andrade e Raul Bopp - com seus objetivos de rompimento com a arte e a história anteriores ao movimento e seu objetivo de “devorar" as culturas estrangeiras, assimilando delas o que fosse considerado importante pelo grupo brasileiro - e o Grupo da Anta - reafirmando a cultura brasileira, afastando-se das influências estrangeiras e posteriormente desdobrando-se no Integralismo - acabariam por polarizar ainda mais a discussão modernista brasileira.


À década de 30 coube sedimentar e oficializar as conquistas modernistas. Movimentos artísticos europeus, principalmente o Expressionismo e o Cubismo inspiravam então artistas como Cândido Portinari, Guignard e Bruno Giorgi. Dois outros importantes nomes dessa fase modernista como Ismael Nery e Cícero Dias (Cícero principalmente em suas primeiras obras) eram mais pautados pelo Surrealismo.


O poder público passa a apoiar o Modernismo e se São Paulo tinha sido o principal foco difusor dos primeiros tempos do Modernismo, agora caberia ao Rio de Janeiro esse papel. A passagem de Le Corbusier e Frank Lloyd Wright pelo Brasil (1929 e 1931) chama a atenção dos artistas para as possibilidades da integração das artes, renovando a arquitetura brasileira, nela incluindo a nova pintura, escultura, paisagismo e decoração.


A temática social passaria ser grande fonte de inspiração para a geração Modernista dessa década e a técnica, que tinha assumido uma posição secundária durante os anos 20,  volta a ser valorizada. Surgiam importantes focos como o Núcleo Bernardelli (1931 - 1940) no Rio de Janeiro, preocupado em democratizar o ensino de artes plásticas e apontando para um Modernismo moderado. Em São Paulo surgiria a Sociedade Pró- Arte Moderna (SPAM), em 1932, reunindo artistas e promovendo uma série de atividades divulgando seus trabalhos. Ainda em São Paulo surgiria o Clube dos Artistas Modernos (CAM), dissidência da SPAM, bastante ativo e irreverente, próximo ao espírito das primeiras épocas modernistas. 


Em 1934 dissolve-se a SPAM e o CAM e após um período relativamente morno de três anos surgem dois diferentes grupos: O Salão de Maio e a Família Artística Paulista. A Família Artística Paulista, que vinha de reuniões no atelier do Santa Helena, marca uma grande diferenciação no Modernismo brasileiro: ao invés dos intelectuais que lideravam suas primeiras manifestações, esse grupo reunia artistas de origem proletária, que costumavam exercer profissões artesanais e com forte tradição italiana (devido à imigração intensa em São Paulo no período), cultivando temas mais intimistas e cotidianos. Enquanto o Salão de Maio buscava ainda a sincronia com movimentos artísticos estrangeiros contemporâneos e desprezava a valorização técnica da Família Artística Paulista, este último procurava repensar o modernismo desde 1922, separando os legados benéficos daquilo considerado radical. Encerra suas atividades em 1940.


O Modernismo até então, salvo alguns esforços de artistas isolados, permanecia restrito ao eixo Rio-São Paulo. Em 1944, uma exposição modernista em Minas Gerais, patrocinada pela prefeitura da capital do estado na gestão de Juscelino Kubitschek, marcaria o início do Modernismo nesse estado. Minas então passaria a ser extremamente importante para o movimento no período, produzindo grandes artistas. 1944 também marca o início do Modernismo baiano, seguido pelo Paraná e Recife (este último em 1948). O Ceará já desde 1941 abrigava manifestações Modernistas.


Entretanto, é importante lembrar que o Modernismo brasileiro surgiu com a intenção de ser um movimento de vanguarda, numa época em que na Europa estava havendo um refluxo e uma tendência contrária, a de volta à ordem. Enquanto a Europa procurava romper com o peso da arte passada e o abstracionismo era extremamente valorizado, no Brasil o Modernismo assumia mais a função de promover uma atualização da arte brasileira capaz de ajudar na consolidação da identidade nacional e não abria mão do figurativismo. As vanguardas européias tinham caráter universal , enquanto o Modernismo brasileiro buscava expressar as particularidades  nacionais, assimilando para isso aquilo que lhe interessava nas propostas de arte Moderna que chegavam do velho continente.


A partir principalmente de meados da década de 40 e o pós-guerra uma arte não-figurativa começa a ser praticada e valorizada por artistas brasileiros. Principalmente na década de 50 o abstracionismo surge como forte expressão modernista. Inspirados no neoplasticismo, construtivismo, na Bauhaus e no artista americano Max Bill começam as primeiras manifestações do Movimento Concreto em São Paulo e no Rio de Janeiro. O abstracionismo calculado matematicamente, o anti-romantismo, a integração das artes e o racionalismo eram valorizados pelos concretistas. 


Em São Paulo surge o grupo Ruptura, liderado por Waldemar Cordeiro, mais ortodoxos e contrário à subjetividade. No Rio de Janeiro, em torno de Ivan Serpa, surge o Grupo Frente, menos homogêneo que o paulista e mais baseado na liberdade de criação. A I Exposição Nacional de Arte Concreta intensifica as divergências entre os grupos das duas cidades. Surge então o neo-concretismo, originado principalmente a partir do grupo carioca, contrário à rigidez concretista dos paulistas e mais preocupado com a expressão. A experimentação passa a ser de extremo valor para os neo-concretos. Destacam-se os neo-concretos  Lygia Clark e Hélio Oiticica como artistas de grande contribuição para a discussão do papel da arte e do artista, permanecendo como importantes figuras de vanguarda nacional, mesmo após a dissolução do movimento.


Um abstracionismo mais lírico também marcou presença na década de 50, bem como a influência do expressionismo abstrato norte-americano. Manabu Mabe foi um dos artistas nipo- brasileiros mais receptivos à essas tendências. Os anos 60 marcam o fim do Modernismo Brasileiro, sendo extremamente diversificada a produção artística no país nas décadas seguintes.



Verbete:
Modos




Modos


Os modos, também chamados de modos gregos, são o Dórico, o Frígio, o Lídio, o Mixolídio, o Eólio e o Jônico.



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Modulação




Modulação


Movimento harmônico de uma tonalidade para outra durante o curso de uma composição musical.



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Mosaico




Mosaico


Trata-se do arranjo de pequenos pedaços de vidros coloridos,  pedras (como o marfim), cerâmica e outros materiais adequados numa placa de plástico ou cimento preparada de forma a aderir esses fragmentos. Costuma ser classificado como um tipo de pintura.


Os romanos foram os primeiros a se dedicaram ao aprimoramento dessa técnica na realização de seus pavimentos. Entretanto, na Idade Média talvez tenhamos os exemplos de mosaicos mais famosos, tanto no interior das Igrejas Cristãs quanto na arte Bizantina.


Costuma ser usado para realizar desenhos ou planos coloridos. É encontrado especialmente adornando paredes e abóbadas. Seu uso em exteriores é mais comum na arquitetura moderna, mas pode ser encontrado em algumas fachadas de igrejas medievais. O mosaico realizado pelo artista brasileiro Rodrigo de Haro na fachada da reitoria da Universidade Federal de Santa Catarina é uma belíssima amostra de um mosaico contemporâneo.


Costumam ser mais freqüentes nas obras realizadas em larga escala. Entretanto, existem alguns exemplos de mosaicos portáteis e realizados em pequenos objetos, comuns na arte Asteca mexicana.



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Motete




Motete


Forma musical dos primórdios da polifonia que foi utilizada por mais de quinhentos anos no culto religioso católico.



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Motivo




Motivo


A menor unidade de inspiração musical.



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Museu Aleijadinho




Museu Aleijadinho


O Museu Aleijadinho, fundado em 18 de novembro de 1968 pelo Padre Francisco Barroso Filho, situa-se na Paróquia Nossa Senhora da Conceição-Matriz de Antônio Dias-em Ouro Preto, Minas Gerais. A capela primitiva foi erguida pelo bandeirante Antônio Dias de Oliveira em 1700. A construção da igreja atual foi começada em 1727, indo até a segunda metade do século XVIII. A construção desta igreja esteve nas mãos de Manuel Francisco Lisboa, pai do famoso Aleijadinho. A Paróquia Nossa Senhora da Conceição é uma das mais esplêndidas da cidade; possui oito altares laterais com uma ornamentação bastante rica e talhas em estilo rococó .


O Museu compreende 4 salas: Sala das Tribunas, destinada à exposições temporárias (possui este nome porque utiliza uma das tribunas da matriz); Sala do Consistório, que guarda documentos muito importantes, ricas alfaias e também uma pinacoteca; Sala da Sacristia-Mor; com imagens e esculturas, na maior parte da primeira metade do século XVIII; Sala da Cripta, que possui obras muito importantes de Antônio Francisco Lisboa, o famoso Aleijadinho, e também de outros artistas, guardando também a prataria da Matriz.


Algumas palavras sobre o mestre Aleijadinho devem ser firmadas, já que é um dos artistas brasileiros de grande renome internacional. Nasceu em Vila Rica, atual Ouro Preto, em 1738, quando seu pai, o arquiteto e Mestre de obras português Manuel Francisco Lisboa, trabalhava na edificação da igreja que acolhe o Museu Aleijadinho. Presume-se que sua mãe fosse negra, mas seu nome não se sabe ao certo. O Aleijadinho, Antônio Francisco Lisboa, era pardo-escuro e de baixa estatura, de voz forte, tendo tido bastante saúde até os cinqüenta anos, quando então sobreveio-lhe uma doença que lhe causava dores agudas no corpo. Perdeu vários dedos das mãos em decorrência da mesma, rendo daí advindo o apelido de o “Aleijadinho”. Ele foi escultor, entalhador e arquiteto. O seu primeiro trabalho, segundo o conhecido historiador de arte e conservador-chefe do Museu do Louvre em Paris, Germain Bazin, data do ano de 1761 e é feito em pedra-sabão, sob as orientações de seu pai. Fala-se do busto que está na parte superior da fonte do Padre Faria do Alto da Cruz, em Ouro Preto. A sua grande obra é a Igreja de São Francisco de Assis, construída de 1766 a 1794, em Ouro Preto, que expressa todo o esplendor do barroco no Brasil. O Aleijadinho passou depois a trabalhar com equipe.


Na escultura destacam-se seus doze profetas (1800-1805), dispostos ao longo da escadaria que conduz ao santuário de Bom Jesus de Matozinhos, em Congonhas do Campo.


A notícia que se tem de sua morte é que tenha ocorrido aos setenta e seis anos de idade em 18 de novembro de 1814. Acha-se sepultado ao pé do altar da Boa Morte, na Matriz de Nossa Senhora da Conceição.


No acervo do Museu Aleijadinho encontramos alfaias de damasco, paramentos de brocado com galões e franjas de fio de prata dourada, mesas e pertences de estilo colonial, peças artísticas laminadas a ouro, documentos com autógrafos de figuras importantes de nossa História, móveis de jacarandá e ébano, arcas e peças de madeira trabalhada, esculturas do Aleijadinho, ourivesarias, telas de pintores do século XVIII, entalhes de arte barroca e em especial do barroco mineiro, mesas e pertences de estilo colonial e outros pertences.



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Museu Americano de História Natural




Museu Americano de História Natural


Trata-se do maior museu norte-americano no gênero. Localiza-se em Nova York.


A história natural de nosso planeta e das espécies é revelada em mais de quarenta salas de exposição, explorando assuntos como dinossauros, pedras preciosas e minerais, vida animal e vegetal, vida no mar e culturas dos sete continentes. Este museu possui, com comprovação científica, a mais importante coleção de dinossauros e fósseis vertebrados no mundo.


No salão da Evolução e Biologia Humanas ocorre a única exposição permanente do país dedicada em profundidade à investigação dos mistérios das origens humanas.


Há também o Hayden Planetarium, com exibições que abordam sobre o nosso sistema solar e o universo e recentes descobertas feitas na área de exploração espacial. O show dos céus mostra o fenômeno natural do sistema solar, incluindo buracos negros, asteróides em turbilhão e estrelas em explosão, tudo feito através de sistema de computação e projeção bastante evoluídos.


O museu possui, além de um excepcional acervo, serviços especiais bastante extensos e completos. O Imax Theater apresenta, diariamente, filmes da Imax Films sobre o fenômeno do mundo natural.


Além disso, há dois serviços dedicados especialmente à crianças: a Discovery Room, cuja atribuição é a de capacitar crianças a partir de cinco anos a explorar o processo científico. (elas devem estar acompanhadas por um adulto. Telefone: 212-769-5300); o Alexander M. White Natural Science Center, uma introdução à vida das plantas e dos animais da cidade de Nova York para crianças a partir de quatro anos de idade (telefone: 212-769-5300).


Existem ainda programações de viagens internacionais com cientistas do Museu Discovery Tours. Para maiores informações o telefone é 212-769-5700.


Há uma publicação mensal do Museu Natural History Magazine que retrata artigos do interesse público geral sobre culturas do mundo e história natural. São escritos por cientistas e outras pessoas. A publicação também aborda informações acerca das exibições e descobertas do museu. Para pedir uma assinatura o telefone é 212-769-5606.


Caso haja interesse, há vários benefícios em se tornar um associado do museu. Para tal, o telefone de informações é 212-769-5606. O Museu possui inclusive um restaurante, o Garden Cafe.



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Museu Arqueológico Nacional (Espanha)




Museu Arqueológico Nacional (Espanha)


Localizado em Madri, está abrigado no Palácio de Bibliotecas e Museus, onde também se encontra a Biblioteca Nacional. O Palácio, nos moldes Isabelinos, é um dos mais belos de Madri no estilo. O museu congrega uma grande coleção de arqueologia de origens ibérica, púnica, céltica, grega, romana, paleocristã e visigoda, além de pinturas e esculturas, artes industriais medievais e modernas e ainda numismática.


A tão famosa Caverna de Altamira com suas pinturas rupestres foi reproduzida numa caverna escavada no jardim do Museu, onde são admitidas visitas.


Entre as peças da pré-história espanhola, encontram-se no Museu Arqueológico descobertas do Paleolítico, do Neolítico, do Bronze e do Ferro.


De grande valor são os vestígios das culturas fenícia, púnica e grega. Da escultura ibérica temos obra do século IV a.C. da arte romana, como as estátuas de Lívia e Tibério, por exemplo. Além de objetos do Antigo Egito, do Oriente Próximo e do Chipre, o museu está guarnecido de antigüidades etruscas e de uma bela coleção de vasos gregos.


Endereço: Serrano, l3. Telefone: 91/ 5777912.



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Museu Arqueológico Nacional (Grécia)




Museu Arqueológico Nacional (Grécia)


O museu, localizado em Atenas, foi fundado em 1886. Seu acervo consta de coleções arqueológicas encontradas na Grécia, pertencentes ao período entre a época arcaica e a helênica. Foi inicialmente denominado Museu Central mas, em abril de 1888, passou a se chamar Museu Arqueológico Nacional, nome pelo qual é atualmente conhecido.


O museu possui exposições periódicas de valor educativo bastante grande. Como dois bons exemplos, podem ser citadas a exposição referente à medicina na Antigüidade e outra concernente à criança na Antigüidade.


Uma das grandes atrações para os visitantes do museu é a coleção de arte micênica, formada pelos tesouros oriundos dos túmulos de reis. Trata-se de uma coleção única no mundo, sendo Heinrich Schliemann o arqueólogo responsável pelas escavações da acrópole de Micenas "rica de muito ouro", as quais trouxeram à luz tamanhos tesouros.


As obras que compõem a coleção de esculturas do Museu Arqueológico Nacional são provenientes de escavações e, salvo poucas exceções, são obras-primas originais, referentes a todos os períodos importantes da arte grega, e não cópias.


Os vasos gregos, tão famosos no mundo todo, formam uma das mais ricas coleções no Museu Arqueológico de Atenas. O interesse bastante intenso pelos vasos gregos iniciou-se a partir do século XVII através de estudos e muita procura pelas peças. Os vasos do museu são, na grande maioria, oriundos de escavações na zona heládica, de doações e de aquisições. A coleção de vasos no museu está disposta de maneira cronológica, correspondendo a primeira coleção ao período geométrico (900-700 a.C.). Para entender com profundidade sobre a arte dos vasos gregos e sobre a arte grega em geral, torna-se necessário o conhecimento da Mitologia. Através do estudo da arte grega podemos saber muito mais sobre o antigo mundo grego.



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Museu Britânico




Museu Britânico


Localizado em Londres e sendo um dos mais importantes museus do mundo, o Museu Britânico foi fundado em 1753. O responsável por sua fundação foi Sir Hans Sloane (1660-1753), um dos maiores colecionadores de todos os tempos. Ele reuniu uma imensa coleção particular de plantas, fósseis, minerais, amostras zoológicas, espécimes de anatomia e patologia, antigüidades e curiosidades artificiais, desenhos, moedas, impressos, livros e manuscritos. Por ocasião de seu falecimento, em 1753, aos noventa e dois anos, esta coleção que compreendia por volta de oitenta mil objetos foi, por sua vontade, oferecida à nação através de um acerto. À coleção de Sloane foram agregadas as grandes bibliotecas de Cotton e Harley e a instituição foi finalmente aberta em 15 de janeiro de 1759 numa mansão decadente do século XVII chamada Montagu House, que permaneceu no atual local do museu.


As coleções aumentavam sempre através de doadores particulares e, algumas vezes, do próprio governo. Desse modo, Montagu House necessitava expandir-se para abrigar todo esse imenso e valioso material. Para tal, foi convocado em 1823 o jovem arquiteto Robert Smirke, sucedido por seu irmão mais novo, Sydney Smirke, em 1846.


Ao final do século XIX e durante as primeiras décadas do século XX, as coleções cresceram vertiginosamente, algumas vezes como resultado de expedições de homens exploradores e eruditos por todo o mundo, e outras por meio de escavações.


Seus departamentos são os seguintes: moedas e medalhas, antigüidades egípcias, antigüidades gregas e romanas, antigüidades medievais e posteriores a elas, antigüidades orientais, antigüidades pré-históricas e romano-britânicas, reproduções e desenhos, antigüidades asiáticas ocidentais, Museu da Humanidade, Etnografia e, finalmente, a Biblioteca Britânica. Podemos destacar dentro das coleções do museu, na ala egípcia, numerosos sarcófagos de múmias e as cabeças de Amenemhat III; da civilização grega, inúmeras esculturas como, por exemplo, a “Diana de Éfeso”.


A extensa coleção de moedas abrange todos os períodos e lugares e vai do século VII  antes de Cristo aos dias de hoje. A coleção de medalhas de todas as espécies inclui prêmios e condecorações, símbolos, pesos em moeda e papel-moeda. A coleção de moedas e medalhas está disponível para consulta e estudo num salão para estudantes.


A Biblioteca Britânica possui mais de cinco milhões de volumes impressos, cento e dezesseis mil mapas e cartas, setenta e cinco mil manuscritos. É como se o mundo estivesse contido dentro do Museu Britânico, que tem sua própria casa editora, restaurantes, faxineiros, força de segurança, cientistas, professores, engenheiros, assistentes sociais e guarda-livros.



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Museu da Casa Brasileira




Museu da Casa Brasileira


Fundado em 1970, foi inaugurado realmente no segundo semestre de 1978. Localizado numa mansão em estilo neoclássico em São Paulo, tem contribuído para a preservação de uma grande parte da história de nosso mobiliário.


"O Solar Fábio Prado foi doado ao Governo do Estado de São Paulo pela Senhora Renata Crespi da Silva Prado, para nele instalar-se uma instituição de cultura à disposição dos estudiosos dos assuntos ligados à vida do Brasil e de São Paulo". Estas palavras estão escritas numa placa em frente à bela mansão rosa clara e detalhes em branco, tendo ao lado a estátua em mármore de meio-corpo da Sra. Renata Crespi, esculpida por Victor Brecheret.


Em 1972, as obras adquiridas pelo Governo do Estado através dos colaboradores do Museu (quarenta peças na primeira compra) foram finalmente colocadas no Solar. Mas a mansão precisava de reformas, pois faltavam telhas, havia goteiras e muitos vidros quebrados. Só em 1975 as verbas para as reformas foram conseguidas. 


Grande parte do acervo foi advindo de doações, estando algumas peças sob custódia do museu. Apenas uma parte pequena foi comprada.


Faz parte da especialidade do museu o mobiliário, a arquitetura, o urbanismo, o design, o meio-ambiente natural, o meio-ambiente construído e a tecnologia envolvida. 


O museu desenvolve atividades como eventos e exposições. No seu acervo constam peças de mobiliário, entre elas novecentas e setenta e sete peças tombadas, cento e vinte e seis peças não tombadas e cento e sessenta e duas em custódia.


Quatro estilos são especialmente evidenciados no acervo: o Romantismo, o Ecletismo (pré-industrial), o Art Déco (rápida volta ao romântico, mas rebuscado) e o Art Nouveau (no ciclo do café).


Porém, o mobiliário do século XVIII e início do XIX é o mais rico, pois, está ligado aos ciclos do ouro, quando os artesãos e marceneiros viajavam a Portugal para lá aprender a arte dos móveis e depois poderem aqui criar peças mais trabalhadas e rebuscadas. Por outro lado, contrasta-se com o mobiliário do bandeirantismo, em pouca quantidade e caracterizando-se pela rusticidade. Também o Barroco, tendo conquistado através de Aleijadinho uma capacidade de expressão mais individual, influenciou fortemente o mobiliário brasileiro. 


Na década de 30 do século XX, com o processo de industrialização e a fabricação de móveis em série, tem-se o crescimento do interesse de colecionadores por obras artesanais, alcançando estas altos valores monetários em antiquários e leilões.


Trata-se de um museu muito bem organizado e que cria ambientes ilustrando todos os ciclos históricos e econômicos vividos pelo Brasil.


A biblioteca do museu comporta coleções e documentações variadas sobre a história da civilização brasileira, sendo de grande serventia aos que realmente se interessam por um assunto tão cativante.


Endereço: Avenida Faria Lima, 774, CEP 01452-000, São Paulo.


Telefones: (011) 210-2564  /  210-2499 


Horário de atendimento: terça a domingo, das 13:00 às 17:00 horas.



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Museu da Ciência




Museu da Ciência


O Museu da Ciência, localizado em Londres, abriga as coleções nacionais de ciência, medicina e indústria. Essas coleções se originam das coleções educacionais e científicas do Museu South Kensington, aberto em 1857. Muitas mostras são feitas em tamanho natural, sendo uma grande parte dos objetos históricos de importância tecnológica e científica. Além disso, há algumas mostras que são seccionadas com o intuito de mostrar a sua construção interna e a maneira como funcionam.


As galerias modernas do museu incluem “Exploração”, com a cápsula espacial Apollo 10, e a galeria das “Telecomunicações”. Há também as galerias do Museu de História da Medicina.


A bem conhecida Galeria das Crianças possui inúmeras mostras operáveis pelo próprio visitante.


O Museu possui uma loja com livros e lembranças à venda e um restaurante. Existe no museu um programa regular de conferências, filmes e outras atividades que costumam ser grátis.


O museu está aberto das 10:00 às 18:00 horas, de segunda a sábado, e das 14:30 ás 18:00 horas aos domingos. A entrada é de graça, embora algumas exposições temporárias, por vezes, cobrem o ingresso. O endereço é Exhibition  Road, bem próximo à estação South Kensington do metrô; o Telefone é  01-589 3456.



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Museu da Imagem e do Som




Museu da Imagem e do Som


Criado em 1970, tem por especialidade a memória audiovisual, em especial a de São Paulo.


Possui um acervo muito grande: vinte e uma mil e novecentas fotografias, doze mil trezentos e trinta e quatro filmes, oito mil e cento e oitenta discos, dois mil e quarenta áudios, dez mil diapositivos, mil duzentos e dois vídeos, mil oitocentos e noventa e sete livros, mil e vinte e sete cartazes, dois mil e vinte cinco catálogos, duzentas e sessenta pastas. Na hemeroteca, constam mil e duzentas e três partituras, cento e sessenta e três reservas técnicas e trezentos e cinqüenta e oito periódicos.


O museu desenvolve inúmeras atividades, quais sejam exposições, apresentações musicais, produção de depoimentos em áudio e vídeo, além de mostras de vídeo.


Há também o empréstimo sob certas condições de filmes 16 milímetros, slides e vídeos VHS. Existe também no museu uma livraria.


Endereço: Avenida Europa, 158, CEP 01449-000, São Paulo


Telefones: (011) 280 08 96  /  881-44 17  /  853-14 98  /  fax : 282-80 74


Horário de atendimento: segunda à sexta das 14:00 às 19:00 horas para consultas na sala multimídia; terça a domingo das 14:00 às 22:00 horas para exposições.



Titulo:
Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo

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Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo




Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo


O MAE foi criado em 1961. Possui um acervo riquíssimo, que encerra cerca de cento e sessenta mil peças, distribuídas entre artefatos arqueológicos da América e Mediterrâneo, artefatos etnográficos da África e Brasil.


Endereço: Avenida Professor. Almeida Prado, 1466, Cidade Universitária, CEP 05508-900, São Paulo


Telefones: (011) 818-32 43  /  818-49 77  /  fax 818-50 42


Horário de atendimento: segunda à sexta das 8:00 às 18:00 horas.



Titulo:
Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado

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Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado




Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado


Localizado no belíssimo edifício da FAAP, o Museu de Arte Brasileira foi criado em 1961.


Possui um acervo grande no total de duas mil e quinhentas obras, distribuídas entre pintura, desenho, escultura, gravura e fotografia. O museu desenvolve atividades variadas entre palestras, exposições e cursos.


Endereço: Rua Alagoas, 903, Pacaembu, CEP 01242-001, São Paulo


Telefones: (011) 824-02 33  /  fax 825-16 36


Horário de atendimento: terça à sexta das 10:00 às 20:00 horas; sábados e domingos das 13:00 às 18:00 horas.



Titulo:
Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo

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Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo




Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo


Foi criado em 1963 e é especializado em arte do século XX. O primeiro acervo do MAC veio diretamente do MAM do Ibirapuera. O presidente do MAM na época, Francisco Matarazzo Sobrinho, e sua esposa, D. Yolanda, doaram também as suas coleções particulares. O MAC é, pois, possuidor da primeira coleção de arte do século XX na América Latina. Também o MoMA de Nova York (Museu de Arte Moderna de N.Y.) teve uma boa repercussão aqui no Brasil com o seu sucesso logo após a Segunda Guerra. Os norte-americanos fizeram ao Brasil uma doação de dez obras de dez diferentes artistas, advindas de Nelson Rockfeller.


O acervo compõe-se de cinco mil trezentas e sessenta e duas obras, distribuindo-se entre óleos, gravuras, desenhos, esculturas, objetos e trabalhos conceituais, em números, a saber: novecentas e dez pinturas, mil seiscentos e treze desenhos, mil novecentas e cinqüenta e cinco gravuras, cento e noventa e uma aquarelas, cinqüenta colagens, trezentas e setenta e seis fotografias, duzentos e setenta objetos tridimensionais, seis objetos bidimensionais, duas tapeçarias e cinqüenta e quatro obras de diferentes materiais.


Também a Bienal de São Paulo contribui para o incremento do acervo do MAC transferindo para este muitas das obras de certame.


Muitas atividades são desenvolvidas pelo MAC, entre elas exposições, cursos, pesquisas, eventos, exibições de vídeos, conferências, ação educativa, ateliê de ensino, visitas orientadas, assessorias e consultorias. 


O MAC possui uma Galeria Café, com almoços, lanches e bebidas, e também uma loja de livros e reproduções de obras, na entrada do museu.


O MAC USP Cidade Universitária realizou, por exemplo, a mostra “Múltiplas Memórias”, com gravuras norte-americanas contemporâneas, indo de 13 de dezembro de 1996 a fevereiro de 1997.


O MAC possui, na atualidade, duas sedes, sendo que o MAC USP Cidade Universitária  tem também um anexo que funciona bem em frente, do outro lado da rua. 


Endereço do MAC USP: Rua da Reitoria, 160, Cidade Universitária, CEP 05508-900, São Paulo.


Telefones: (011) 818-30 34  /  818-30 35  /  fax 212-02 18  /  http://www.usp.br/mac 


Endereço do MAC no Pavilhão da Bienal: piso 3 do Pavilhão, Parque do Ibirapuera, CEP 04094-000, São Paulo.


Telefone: (011) 573-52 55


Horários de atendimento: MAC / Sede (USP) - de segundas às sextas das 12:00 às 20:00 horas; aos sábados das 9:00 às 13:00 horas; MAC/anexo - de segundas às sextas das 12:00 às 18:00 horas, aos sábados das 9:00 às 13:00 horas; MAC/Ibirapuera - das terças aos domingos das 12:00 às 18:00 horas.



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Museu de Arte da Catalunha




Museu de Arte da Catalunha


Fundado em 1934, localiza-se em Barcelona e está integrado ao Palácio Nacional do Parque de Montjuich. A Catalunha é a região onde mais encontramos a pintura românica no mundo; daí ser o Museu de Arte da Catalunha o centro mais rico do mundo em arte românica. Trata-se também de um museu onde prevalece a arte pictórica. Do museu constam coleções de pintura e escultura pré-românica até fins do século XVIII; pinturas murais românicas dos séculos XI e XII; coleções de escultura românica, pintura e escultura góticas. Ao lado das obras românicas, também encontramos coleções renascentistas e barrocas. Entre os pintores catalães podemos citar Luis Dalmau, Jaime Huguet, Pedro García; de Córdoba, Bartolomé Bermejo; na escultura, P. Oller e J. Cascalls. Além destes, temos obras das escolas italiana e flamenga referentes aos séculos XVI, XVII e XVIII. E representando a pintura espanhola dos séculos XVI e XVII destacamos Velázquez, Zurbarán, F, Ribalta, J. Ribalta, El Greco e Ribera.



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Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand

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Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand




Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand


O Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand foi aberto ao público em 1947. Mas somente em 1968 foi transferido para o magnífico prédio da Avenida Paulista, construído pela Prefeitura do Município de São Paulo, sob Faria Lima, juntamente com o Museu. Foi fundado por Assis Chateaubriand a 2 de outubro de 1947 e inaugurado na sua atual sede da Paulista pela rainha da Inglaterra Elizabeth II, a 7 de novembro de 1968.


O edifício foi projetado pela arquiteta Lina Bo Bardi, em 1957. O diretor do museu, o dinâmico e incansável Sr. Pietro Maria Bardi, grande conhecedor de arte, não se limitou à criação de um museu, mas conseguiu empreender um grande centro cultural. Essas atividades culturais já aconteciam quando o museu se achava instalado na sede dos "Diários Associados", à rua Sete de Abril. Eram verdadeiros cursos, como desenho industrial, história da  arte, rádio, gravura, cinema, pintura, teatro, balé, propaganda e música. Este último era um dos mais movimentados, tendo chegado a organizar a orquestra 


Sinfônica Juvenil da qual Isaac Karabtschevsky participou; o departamento de música tinha cursos a partir do nível de iniciação musical.


Atualmente, o MASP além de um grandioso museu, aparece como um centro artístico-cultural bastante dinamizado. Especializou-se na divulgação da música popular e erudita, apresentando inúmeras programações em seu teatro. Faz também excelentes exposições temporárias, além de divulgar o cinema nacional e estrangeiro, promovendo também cursos e palestras.


O acervo é exposto através de um sistema de rodízio que pode obedecer a diferentes formas:


- formação de grupos de determinados autores ou escolas; 


- formação de grupos escolhidos por gêneros; 


- retratos (o museu possui exemplares famosos de praticamente todos os períodos em que este foi cultivado).


A maneira como estão expostos os quadros em placas de cristal, e não numa parede opaca, é também bem diferente e bastante agradável, fornecendo um visual muito bonito. Apresentam na parte de trás informações elucidativas. Falando-se no acervo, após o fundador Assis Chateaubriand, Pietro Maria Bardi foi o segundo maior doador de obras para o MASP. Entre os doadores podemos citar alguns: Walter Moreira Salles, Santos Vahlis, Lourdes Prado, Maria Helena Morganti, Severino Pereira da Silva, Leão Gondim de Oliveira, Marina Crespi, Mário Simonsen e Geremia Lunardelli.


O acervo da  pinacoteca do MASP tem na escola francesa a sua parte mais completa. A coleção de obras de Renoir do MASP é das mais representativas da carreira do pintor.


O acervo consta também de esculturas bastante belas e importantes, além de outros objetos.


Alguns pintores e suas respectivas obras significativas presentes no acervo do MASP são: os italianos Bernardo Daddi (“Madona e Menino”), Giovanni Bellini (“Madona e Menino Jesus”), Andrea Mantegna (“São Jerônimo”), Piero di Lorenzo (“Madona com Menino Jesus e São João”), Francesco Raibolini-Il Francia (“Madona com Menino Jesus e São João”), Rafael (“Ressurreição de Cristo”), Ticiano (“O Cardeal Cristofaro Madruzzo”), Giovanni Antonio Pellegrini (“ A Rainha Thomyris”), Giovanni Battista Pittoni (“Baco e Ariadne”);os franceses e da Escola de Paris François Clouet (“O banho de Diana”), Nicolas Poussin (“Oferenda floral a Himeneu, ou Dança em honra a Príapo”), Jean-Baptiste Pater (“Reunião num parque”), Jean-Baptiste-Simeon Chardin (“Retrato de Auguste-Gabriel Godefroy”), François-Hubert Drouais (“O Duque de Berry e o Conde de Provence quando crianças”), Jean-Honoré Fragonard (“A Educação faz tudo”), Jean-Auguste-Dominique Ingres (“Angélica acorrentada”), Camille Corot (“A gitana com bandolim”), Gustav Courbet (“Juliette Courbet”), Edouard Manet (“O artista”, “Amazona”), Degas (“Quatro bailarinas em cena“), Paul Cézanne (“O negro Cipião”, “Madame Cézanne em vermelho”, ”O grande pinheiro”), Claude Monet (“A canoa sobre o Epte”), Pierre-Auguste Renoir (“O pintor Lecoeur na Floresta de Fontainebleau”, “Banhista com Cão Grifo”, “Rosa e Azul”, “Dama sorrindo”, “Menina com espigas”, “Banhista enxugando-se”), Paul Gauguin (“Pobre pescador”), Vincent van Gogh (“O escolar”, “Arlesiana”, “Passeio ao Crepúsculo”), Henri de Toulouse-Lautrec (“Paul Viaud como Almirante“, “Monsieur Fourcade”, “Divã”), Henri Matisse (“Torso de gesso”), Fernand Léger (“Compoteira de pêras”), Pablo Picasso (“Atleta”, “Retrato de Senhora”), Amedeo Modigliani (“Léopold Zborowski”), Max Ernst (“Bryce Canyon Translation”); os espanhóis e portugueses El Greco (“Anunciação”), Francisco Zurbarán (“Santo Antonio de Pádua “), Diego Velázquez (“Conde-Duque de Olivares”), José Vital Malhoa (“O artista e a modelo”); os flamengos, holandeses e alemães Hans Holbein, o Jovem (“Retrato de Henrique Howard, Conde de Surrey”), Hieronymus Bosch (“As tentações de Santo Antão”), Rembrandt van Rijn (“Auto-Retrato da barba nascente”), Frans Hals (“Retrato de um oficial”, “O casal van der Horn”), Anthony van Dyck (“A Marquesa Lomellini e seus filhos”); os ingleses Joshua Reynolds (“Os filhos de Edward Hollen Cruttenden”), Thomas Lawrence (“Os meninos Fluyder”), John Constable (“A catedral de Salisbury”), Joseph Mallord William Turner (“Castelo de Caernarvon”), Joe Tilson (“Studio I”), Winston Spencer Churchill (“Sala azul em Trent Park”). Entre as representações voltadas a retratar o Brasil, empreendidas por brasileiros e estrangeiros, estão Henry Chamberlain (“Ponta da Armação em Niterói”), Frans Post (“Cachoeira de Paulo Afonso”, “Paisagem de Pernambuco com Casa Grande”), Jean-Baptiste Debret (“Caçador de Escravos”), Nicolas-Antoine Taunay (“Lagoa Rodrigo de Freitas”), Maria Graham (“Vista da Baía da Guanabara”), Luís Carlos Peixoto (“A revolta de 6 de setembro de 1893”), Pedro Américo de Figueiredo e Melo (“Paz e Concórdia”), Benedito Calixto de Jesus (“Cais do Mercado em 1885”), Nicola Antonio Facchinetti (“Recanto da Ilha Grande”), José Ferraz de Almeida Júnior (“Moça”), Vitor Meireles de Lima (“Desterro”), Belmiro de Almeida (“Meninos jogando Bilboquê”), Lasar Segall (“Interior de Indigentes”), Emiliano di Cavalcanti (“Cinco moças de Guaratinguetá”), Flávio Rezende de Carvalho (“Nu deitado”), Anita Malfatti (“Estudante russa”) e Cândido Portinari (‘Retirantes”). Entre os escultores no acervo do Masp estão: Seguidor de Gian Lorenzo Bernini (“Diana adormecida”), Valerio Villareale (“Bacante adormecida”), Jean-Antoine Houdon (“Voltaire”), Edgar Degas (“Bailarina de 14 anos” e as demais adoráveis bailarinas - vale a pena conhecê-las), Pierre-Auguste Renoir 


(“Vênus vitoriosa”), August Zamoisky (“Retrato de Assis Chateaubriand”) e Ernesto de Fiori (“O brasileiro”).



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Museu de Arte Moderna




Museu de Arte Moderna


Fundado em 1929, localiza-se em Nova York. Estimular e desenvolver o estudo das artes modernas é o que pede o estatuto de criação do museu. O edifício atual do museu sofreu inúmeras ampliações entre os anos de 1939 e 1963. Foi projetado em 1939 por Philip L. Goodwin e Edward Durell Stone. Novas expansões tomaram lugar de 1950 a 1960 planejadas pelo arquiteto Philip Johnson. Em 1984 houve novas ampliações no edifício projetadas por Cesar Pelli.


O Museu de Arte Moderna é uma instituição educacional sem fins lucrativos, sustentada principalmente por taxas de matrícula, quotas do quadro de associados, vendas de publicações e serviços, além de contribuições.


O acervo do museu cresceu por demais. A coleção já conta com mais de cem mil pinturas, esculturas, reproduções, desenhos, modelos e projetos arquitetônicos e objetos, além de fotografias. Constam também por volta de dez mil filmes e três milhões de fotos de cenas de filmes no acervo, além de oitenta mil livros livros e periódicos, os quais estão abrigados no Museu Biblioteca.


A coleção de pinturas e esculturas acha-se cronologicamente instalada, começando com trabalhos do pós-impressionismo no segundo andar e continuando no terceiro andar com obras de 1940 a 1960, concluindo com as obras de arte contemporânea. Alguns artistas presentes no acervo são Salvador Dali, Miró, Picasso (a famosa “Guernica” lá se encontra), Matisse, Bacon, Magritte, Oldenburg, Chagall, Rodin, Modigliani. A família Sidney Janis muito contribuiu para o enriquecimento do acervo do museu, sendo que em 1967 doaram mais de cem obras de sua coleção particular. Foi Janis quem intercedeu junto a Picasso, a fim de que o artista cedesse ao Museu a obra “Guernica”.


As reproduções e livros ilustrados incluem litografia, tela para reprodução, água-forte e xilogravura produzida em múltiplas cópias. Na entrada destas galerias do terceiro andar, existe uma área de estudos com materiais referentes à história e técnicas da arte de imprimir.


Os desenhos, únicas coleções em papel, abrangem carvão, pastel, colagem, lápis, tinta, aquarela e outros, podendo ser vistos no segundo andar. A instalação de desenhos muda com freqüência, assim como a de reproduções e livros ilustrados. As galerias são reinstaladas três vezes por ano com seleção de trabalhos históricos, contemporâneos e temáticos.


Os modelos e projetos arquitetônicos podem ser apreciados no quarto andar. São pôsteres, modelos de arquitetura e desenhos e objetos produzidos em série, do século XIX aos dias de hoje. Exposições temporárias são freqüentes na galeria frontal.


As fotografias situam-se no segundo andar. As fotos, datadas das origens da fotografia nos idos de 1830 até a atualidade, relatam o desenvolvimento deste meio de expressão. A parte frontal da galeria costuma oferecer exposições temporárias.


O departamento de filmes possui a mais vasta coleção internacional nos Estados Unidos, a qual inclui todos os gêneros e períodos. Programações de filmes são exibidas nos dois teatros do museu diariamente: no The Roy Theater e no Niuta Titus Theater. Programações de vídeo também são mostradas com regularidade nos teatros do museu e na galeria de vídeo no terceiro andar.


O Museu de Arte Moderna de Nova York trabalha sempre com muito dinamismo acompanhando as tendências artísticas quase que inumeráveis do século XX. As exposições temporárias mudam com freqüência, a fim de evidenciar novos movimentos, estilos e artistas.


Para complementar a maravilhosa indumentária do Museu de Arte Contemporânea, tem-se o ”The Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden”, um celebrado jardim, logo na entrada do museu, com árvores, fontes, pequenos lagos com refletores e belas esculturas de mestres modernos como Matisse, Picasso, Rodin, Smith, Moore e Lachaise. Durante os meses de julho e agosto acontece neste jardim o chamado “Summergarden”, que são noites musicais abertas ao público.


O museu é fechado às quartas-feiras, no Dia de Ação de Graças e de Natal. Está aberto aos sábados, domingos, segundas e terças das 11:00 às 18:00 horas; às quintas e sextas, das 12:00 às 20:30 horas. O endereço do museu é West 54 Street.


Existe um calendário mensal trazendo todos os eventos do museu e que pode ser obtido no balcão de informações ou pelo telefone 708 -9480. Existem cadeiras de rodas disponíveis sem qualquer tarifa para aqueles que as necessitem. Também há um setor que cuida dos achados e perdidos, cujo telefone é 708-9460. É permitido fotografar somente nas galerias de coleções permanentes com flash e com máquinas sem tripé. O flash não é permitido nas coleções de fotos. A filmagem é permitida somente no saguão, no andar térreo, no hall do jardim e no Jardim da Escultura. As fotos tiradas no museu não podem ser reproduzidas, distribuídas ou vendidas sem permissão do próprio museu.


O MOMA, como é carinhosamente chamado o Museu de Arte Moderna de Nova York, possui também serviço de café, bar e restaurante, livraria, loja de desenhos, estacionamento. O metrô é E, F, para a 5 Avenue / 53 Street, bem na entrada do Museu. Ônibus: M1,2,3,4,5 para 53 Street. Quem quiser ser associado ao MOMA gozará de inúmeros privilégios. É só ligar para 708-96 96.



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Museu de Arte Moderna de São Paulo




Museu de Arte Moderna de São Paulo


O Museu de Arte Moderna de São Paulo, localizado dentro do Parque do Ibirapuera, na marquise projetada pelo arquiteto Oscar Niemeyer, foi fundado em 1948 por Ciccilo Matarazzo Sobrinho, um industrial de origem italiana.


Foi o museu que instituiu as bienais. É especializado em arte do século XX. Promove atividades como exposições, palestras e cursos. Em seu acervo constam pinturas, esculturas, gravuras e desenhos; também existem esculturas ao ar livre. Sua coleção permanente contém obras nacionais e estrangeiras, num total aproximado de duas mil e trinta obras, onde 60% são em papel (desenhos e gravuras), 30% são pinturas e o restante equivale ao conjunto das esculturas.


Entre os artistas estão presentes Alfredo Volpi, Mario Zanine, Victor Brecheret, Francisco Rebolo, Lívio Abramo, Tomie Ohtake e tantos outros notáveis nomes da arte.


Realizou em 1996 exposições importantes, como a mostra do artista plástico catalão Joan Miró (1893-1983) e do famoso poeta e dramaturgo espanhol Federico García Lorca (1899-1936).


O acervo do MAM forma-se através do salão anual “Panorama da Arte Brasileira”, através de doações de colecionadores e artistas.


O museu ganhou novos espaços com as recentes reformas. Tem um auditório com capacidade para cento e oitenta e duas pessoas, onde devem ser apresentadas mostras de vídeo e cinema, além de eventos de música, palestras, conferências e workshops. Criou também um ateliê infantil e o curso de gravura continua sempre bem. A biblioteca é levada à informatização para melhores e mais rápidos resultados. 


O restaurante do museu foi reformulado e mostra-se decorado com esculturas de Alfredo Ceschiatti. Ainda dentro do museu existe a livraria com livros e objetos artísticos muito interessantes. No Jardim das Esculturas, do lado externo, obras de Tunga, Amílcar de Castro e Ivens Machado embelezam e definem o ambiente de modernidade do museu.


Uma importantíssima exposição foi preparada para o ano de 1998: o Beaubourg de Paris traz parte de sua coleção para uma mostra. Todos  sabem que o Centro Nacional de Arte Contemporânea Georges Pompidou, carinhosamente conhecido como Beaubourg, é especializado em arte do século XX. 


O telefone do MAM é (011) 549-96 88 / fax 549-23 42


Horário de atendimento: terça à sexta das 13:00 às 19:00 horas, sábados e domingos das 11:00 às 18:00 horas. 



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Museu de Arte Sacra da Bahia




Museu de Arte Sacra da Bahia


Fundado em 1959, localiza-se em Salvador, num antigo convento na Universidade Federal da Bahia. A arquitetura seiscentista do velho edifício do convento assemelha-se a do Convento dos Remédios de Évora, em Portugal.


O convento-museu de quatro pavimentos apresenta uma área construída de 5.261 metros quadrados. Além da sacristia e igreja, capela interna, biblioteca e sala capitular, existem dezessete salões, doze celas, doze salas e duas escadarias largas de pedra; seis portões de ferro, vinte e quatro portas grandes, vinte e seis portas de dois batentes e cinqüenta portas regulares, tudo feito em madeira de lei. Há muito boa ventilação e luz para as obras de arte, pelo simples fato de existirem dezoito janelas de vidro e cento e vinte e oito janelas-postigos.


O acervo é em parte proveniente do velho convento, e por outra, advindo de doações. Compõe-se de esculturas em madeira, pedra-sabão, marfim, barro cozido; prataria, azulejos e pinturas.


Para melhor precisar, o museu conta com duzentas e cinqüenta e uma esculturas, nove altares, cinqüenta pinturas, sessenta e sete peças de mobiliário, dezesseis peças têxteis, vinte e nove oratórios, nichos e sacrários, setenta e oito objetos diversos, cento e trinta peças de ourivesaria, além da azulejaria.


O museu promove atividades tais como exposições, seminários, concertos, cursos, projetos com a comunidade, oficinas e atividades educativas.


Endereço: Rua do Sodré, 276, Centro, CEP 40060-240, Salvador, Bahia


Telefones: (071) 243-65 11 / fax 243-63 10 


Horário de atendimento: segunda à sexta das 12:30 às 17:30 horas.



Verbete:
Museu de Arte Sacra de São Paulo




Museu de Arte Sacra de São Paulo


O Museu de Arte Sacra de São Paulo foi fundado em 29 de junho de 1970 e localiza-se no Mosteiro de Nossa Senhora da Luz, construído no estilo colonial no século XVIII.


O Arcebispo Dom Duarte Leopoldo e Silva, desde o início do século XX, começou a reunir as peças sacras das velhas capelas e igrejas paulistas, do interior do Estado e da capital, e também de outros locais do Brasil.


O acervo está acomodado em salas e galerias e consiste de imagens em madeira, barro cozido, entalhadas, com ou sem policromia, peças de culto, alfaias religiosas, mobiliário, tocheiros, crucifixos, jóias e objetos de ouro e prata, oratórios, relíquias, quadros sacros e retratos, arcas, objetos sacros, cruzes, porta-bíblia, vasos, lampadário de prata, arandelas, talhas e retábulos, entre outras coisas. Há também a Pia Batismal de São Paulo, do século XVIII, em granito e mármore.


Entre os escultores, encontramos obras de Antonio Francisco Lisboa, cognominado “o Aleijadinho”, Elias do Monte Carmelo, Frei Agostinho de Jesus e outros.


Nos pintores, temos obras de Torrini, Benedito Calixto, I. Vedras, Oscar Pereira da Silva, entre outros. Há também um pequeno quadro de Veronese.


Lá encontramos obras do século XVI ao XX.


O endereço é Avenida Tiradentes, 676, na cidade de  São Paulo. O museu funciona das 13:00 às 17:00 horas, exceto às segundas-feiras.



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Museu de Geociências da Universidade de São Paulo

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Museu de Geociências da Universidade de São Paulo




Museu de Geociências da Universidade de São Paulo


O Museu de Geociências da Universidade de São Paulo, pertencente ao Instituto de Geociências do mesmo local, originou-se do antigo Museu de Mineralogia, tendo este sido fundado em 1934. O responsável pela fundação do Museu foi o Prof. Dr. Ettore Onorato.


O acervo vem sendo formado por doações de professores, alunos e particulares. Três coleções contribuíram na iniciação do museu: a coleção Araújo Ferraz, a coleção Luiz Paixão, em 1954; a coleção C.L. Schnyder, em 1984.


O museu reorganizou-se a partir de 1981, tendo sido restruturado e diversificado. Passou a ter, além de amostras minerais, amostras de meteoritos, gemas, rochas e fósseis paleontológicos; passou a ser, pois, um Museu de Geociências.


O museu acha-se instalado, desde 1991, num espaço de 460 metros quadrados do primeiro andar do edifício principal do Instituto de Geociências, na Cidade Universitária.


O museu possui metas a atingir e seus objetivos são muito definidos, a seguir: didático (ajudar os alunos dos cursos da USP e do curso de Geologia, este fundado em 1960); educativo (orientar alunos e professores do II grau sobre identificação de amostras, organização de visitas ao Museu e de feiras de ciências etc.); divulgação (este objetivo é conseguido com a realização de palestras em colégios, com a organização de cursos e excursões temáticas, com a organização de exposições temáticas 


temporárias, com a disposição do acervo a pesquisadores, a publicitários, a fotógrafos e a editores de livros didáticos); científico (guardar meteoritos e minerais usados em pesquisas dos docentes do Instituto de Geociências e outros).


O acervo do Museu, atualmente, abarca dez mil amostras. Destas, cinco mil estão em exposição permanentemente. A coleção consta de minérios, rochas, gemas, minerais, meteoritos e fósseis. Tanto pelo número de amostras como pela sua variedade, o acervo deste museu é um dos mais completos da América do Sul. As gemas da exposição são bastante variadas, os minerais acham-se organizados conforme suas composições químicas.


A coleção, em sua maioria, é proveniente do Brasil; outros espécimes são de várias partes do mundo. Quanto aos meteoritos, o Museu de Geociência tem o Itapuranga (terceiro maior do Brasil e que pesa 628 quilogramas). Deve-se ter especial atenção com a Ágata Olho, muitíssimo interessante. Muito bela é também a Malaquita Cristalizada, da África do Sul.


Horário: de segunda à sexta-feira das 8:00 às 12:00 horas e das 13:30 às 17:00 horas.


Visitas em grupo devem ser organizadas com antecedência.


Seu endereço é Rua do Lago, 562, Cidade Universitária, São Paulo, CEP 05508-900.


Fone: (011) 818-3952 Fax: (011) 210-4958.



Verbete:
Museu de História da Arte de Viena




Museu de História da Arte de Viena


A galeria, composta de oitocentas a mil pinturas, foi formada durante quatro séculos por uma só família: a família imperial dos Habsburgos. Foi aberta ao público em 1781. Nesta época, todo o acervo era ainda propriedade particular da família dos Habsburgos e o público da classe média que visitava o local era como hóspede ou visita dos anfitriões da família imperial.


O Imperador Rodolfo II (1552-1612), por volta da segunda metade do século XVI, havia feito uma considerável coleção de arte em sua residência em Praga. Paralelamente, fez também uma coleção de curiosidades e maravilhas da natureza. O local onde ele exibia suas coleções em casa chamava-se Kunstkammer, ou seja, Salão de Arte. Mas a verdade é que esse patrimônio dos Habsburgos, concentrado nas mãos de Rodolfo II, com exceção de algumas obras que foram para Viena, foi levado pelos suecos durante a ocupação em Praga.


Considera-se, desse modo, o Arquiduque Leopoldo Guilherme (1614-1662) como fundador da coleção que viria mais tarde a abrir-se ao público, tornando-se um museu. Governador da Holanda católica, Leopoldo Guilherme foi um colecionador notável, muito criterioso e que, apesar da situação política bastante difícil do século XVII, esforçou-se por comprar as melhores obras que conseguia encontrar dos diferentes países.


A grande paixão do Imperador Rodolfo II em colecionar obras de arte e maravilhas da natureza teve influência muito forte na formação do caráter colecionador da família imperial de Habsburgo e também na colocação na segunda metade do século XIX de um museu de História Natural bem em frente ao de História da Arte em Viena. Para Rodolfo II, a ciência e a arte estão reciprocamente ligadas ao reino da sabedoria, da sapientia.


O Museu de História Natural e o Museu de História da Arte de Viena foram construídos na cidade de Viena, no estilo da Renascença Italiana, sob a direção dos arquitetos Carl Hasenauer e Gottfried Semper, tendo sido concluída a construção em 1881. A inauguração aconteceu em 1891 pelo Imperador Francisco José I (1830-1916) que teve longo reinado.


Com o surgimento da primeira República Austríaca (1918-1938), ao final da Primeira Guerra Mundial (1914-1918), as coleções imperiais passam a ser também propriedades do povo.


Com o término da Segunda Guerra Mundial, os quadros que haviam sido escondidos devido aos danos no edifício não puderam ser recolocados de imediato. Sendo assim, a situação de incertezas levou, a partir de 1946, a um programa de exibições móveis de quadros e outras obras de arte do Museu de História da Arte de Viena, exibições essas feitas na América e em importantes cidades da Europa Ocidental. Nos anos da década de 50, os danos das bombas foram resolvidos e as obras voltaram ao museu.


Atendo-se à pinacoteca do Museu de História da Arte de Viena, podemos destacar alguns dos muitos pintores: da Alemanha, Albrecht Dürer, Lucas Cranach (o Velho), Albrecht Altdorfer, Hans Holbein (o Jovem); de Flandres, Rogier van der Weyden, Jan van Eyck, Hans Memling, Hugo van der Goes, Pieter Bruegel, Hieronymus Bosch, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck; da Holanda, Frans Hals, Rembrandt van Rijn, Jan Vermeer, Jacob van Ruisdael; da Itália, Andrea Mantegna, Pisanello,Giovanni Bellini, Lorenzo Lotto, Giorgione, Rafael, Perugino, Ticiano, Correggio, Bronzino, Parmigianino, Jacopo Bassano, Jacopo Tintoretto, Paolo Veronese, Caravaggio, Giovanni Battista Tiepolo, Canaletto; da Espanha, Diego Velázquez de Silva; da França, Camille Corot, Auguste Renoir; da Suíça, Ferdinand Hodler.



Verbete:
Museu de História Natural




Museu de História Natural


O Museu de História Natural, situado em Londres, é a casa das coleções nacionais de plantas e animais fósseis e vivos. O Museu abriga também coleções de meteoritos, minerais e pedras. Todo o seu acervo desperta incrivelmente o interesse de quem o visita.


O museu apresenta inúmeras exibições de grande importância, que proporcionam uma visão bastante viva, e ao mesmo tempo informal, da história natural moderna. Para exemplificar algumas das tais exibições, temos “Os dinossauros e seus parentes vivos”, “O lugar do homem na evolução”, “Biologia Humana”, “Introdução à Ecologia”, “Origem das Espécies” e tantas outras.


O edifício onde se encontra o Museu de História Natural de Londres já tem mais de cem anos e é uma construção muito interessante do ponto de vista arquitetônico. O museu também abriga uma instituição de pesquisa científica. Possui inclusive uma loja vendendo livros e lembranças, além de um restaurante.


Existe uma programação regular de filmes, conferências e outras atividades, quase sempre livres de qualquer ônus.


O Museu está aberto das 10:00 às 18:00 horas, de segunda a sábado, e das 14:30 às 18:00 horas aos domingos. A visita ao museu é geralmente gratuita; eventualmente, paga-se entrada em algumas exibições temporárias especiais. O endereço é Cromwell Road, bem próxima à estação South Kensington do metrô. O telefone é 01-589 63 23.



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Museu do Folclore Rossini Tavares de Lima

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Museu do Folclore Rossini Tavares de Lima




Museu do Folclore Rossini Tavares de Lima


Fundado em 1947, existia no Conservatório Dramático Musical de São Paulo; oficializou-se em 1960. Possui um acervo riquíssimo, a saber: dez mil objetos, cinco mil livros, seis mil periódicos, quatrocentos diapositivos e fotografias, trezentas fitas de áudio, nove fitas VHS, oitenta discos e oito mil documentos escritos.O museu desenvolve atividades como exposições, pesquisa, cursos e monitorias.


Endereço: Avenida Pedro Álvares Cabral, s/n, Pavilhão Governador Garcez, Parque do Ibirapuera, CEP 04098-900, São Paulo.


Telefone : (011) 575-80 45


Horário de atendimento: terça à sexta das 14:00 às 17:00 horas; sábados e domingos das 10:00 às 17:00 horas.



Verbete:
Museu do Louvre




Museu do Louvre


O Museu do Louvre, instalado no palácio do mesmo nome, situa-se em Paris, mais precisamente junto ao Palácio das Tulherias,  tendo sido inaugurado em 1793. Era originariamente uma fortaleza medieval construída sob o reinado de Filipe Augusto por volta de 1200 para melhorar as defesas de Paris. O Louvre manteve a aparência de castelo feudal até o final do reinado de João, o Bom (1364). Nessa época, os reis davam preferência a fixar residência no Palácio da Cidade e no "Louvre", onde armazenavam metais preciosos, tecidos, jóias, mobiliário, moedas e, enfim, todos os seus tesouros. Também lá prendiam os seus inimigos. O ar demasiadamente austero da fortaleza começou a ser modificado por Carlos V, cognominado o Sábio. Ele contratou o arquiteto Raymond du Temple para realizar as mudanças no castelo. Mas ele próprio não foi viver lá: Carlos V residia ora no Hôtel Saint-Paul, ora no Palácio da Cidade. Sua biblioteca, com novecentos manuscritos, esta sim foi transferida para o Louvre. Em 1378 recebeu o imperador Carlos IV no Louvre, em cujos jardins foram colocados uma granja com celeiros e eiras, um aviário e uma estufa com leões. Mas com a guerra civil, os ingleses e as desordens, tem-se a ruína do Louvre dessa época. Com Luís XI torna-se de novo uma prisão e com Luís XII  tem-se um arsenal. Como se não bastasse, em 1527 o rei mandou demolir a Torre Grande.


Francisco I, que iria receber Carlos V, em 1540 cuidou da restauração interna do Louvre. Mas a estrutura arquitetônica do edifício destoava tremendamente do seu interior. O arquiteto Pierre Lescot foi contratado para a construção do novo palácio em 1546. Em 1547 morreu Francisco I que o admitira. O sucessor de Francisco I foi Henrique II. Após a morte deste último, o novo Louvre passa a ser realmente uma residência régia.


Os projetos da Pequena Galeria do Louvre são atribuídos a Jacques Androuet du Cerceau, que foi contratado em 1582, sucedendo a Pierre Lescot. Em 1596, um novo arquiteto foi nomeado sob Henrique IV: Louis Métezeau. Foi encarregado da construção de parte da Grande Galeria. Androuet du Cerceau foi incumbido, na Grande Galeria, do Pavilhão Lesdiguières ao Pavilhão de Flora. Henrique IV alojava no próprio Louvre os carpinteiros, pintores, ourives, escultores e tecelões, com o intuito de possibilitar maior rendimento ao serviço da arte e aumentar o prestígio da produtividade nacional.


Sob o reinado de Luís XIII, que adotou residência em Versalhes, novas modificações no edifício do Louvre foram empreendidas: o Cardeal de Richelieu mandou demolir a Torre da Biblioteca e respectivo corpo, da época de Filipe Augusto, pois não tolerava nada que lembrasse o poderio feudal. Jacques Lemercier construiu neste novo espaço o Pavilhão do Relógio-o atual Pavilhão de Sully.


Com Luís XIV e Mazarino, o Louvre continuou o seu rejuvenescimento até o desaparecimento cabal das suas vestimentas feudais. As partes novas do museu foram trabalhadas por quinze anos, destacando-se os nomes de Le Brun e Le Vau.


Em 1665, com Colbert, grande organizador da estabilização financeira da França, iniciou-se o interesse pela fachada principal do Louvre. O projeto da colunata de Claude Perrault foi o escolhido pelo rei Luís XIV; Le Brun aperfeiçoou-o e Le Vau o construiu. No Palácio do Louvre, até então, realizavam-se festas, bailes, espetáculos, o teatro de Molière e de Corneille, música e, enfim, toda a vida vibrante dos reis e rainhas da França. Colbert leva o rei  Luís XIV a colecionar obras de arte no Palácio. Começou, assim, uma das coleções mais famosas do mundo: a do Louvre. Obras como a Gioconda de Leonardo da Vinci e outros inúmeros trabalhos italianos são adquiridos, além de obras de Holbein, Van Dyck, Giorgione e Correggio, sendo que, quando Luís XIV subiu ao trono da França, a coleção estava por volta de duzentos quadros e, ao fim de seu reinado, já chegavam a dois mil. As obras, raras vezes, podiam ser apreciadas por estrangeiros importantes, homens da corte e do povo.


Em 1678, o Palácio de Versalhes tornou-se a residência oficial dos reis. O Louvre, com seus salões vazios, passou a agregar academias: Academia da Arquitetura, da Escultura, da Pintura, das Ciências e outras. Essas organizações acadêmicas realizavam sessões públicas, as quais traziam um considerável público ao Louvre.


Quando Luís XV era ainda um garotinho residente no Palácio das Tulherias, o Palácio do Louvre já estava necessitando de reparos e muitos cuidados novamente. Havia partes do palácio que caminhavam para a ruína por não terem sido concluídas. Nesse momento da história do Palácio do Louvre, entra em cena uma famosa marquesa: Madame Pompadour. Entre inúmeras melhorias há que destacar a reabertura dos canteiros do Louvre em 1753. Já nessa época articulava-se a feliz idéia de fazer do Louvre um museu.


Em 1774, sob Luís XVI (1774-1792), começaram os preparativos para a exposição permanente. Mas tal era o estado da Grande Galeria do Louvre que, antes de qualquer melhora, tiveram de expulsar os morcegos que ali se encontravam. Com a Revolução de 1789, as coleções particulares da Igreja e dos aristocratas que abandonaram a França foram confiscadas em larga escala. Em 1791, numa assembléia, Barrère diz: "É preciso restaurar o Louvre e fazer dele um museu célebre!" A  idéia, aceita em 10 de agosto de 1792, tomou corpo a 27 de julho de 1793, quando a Convenção Nacional, através de decreto, solicitou que todos os objetos artísticos provindos de invasões e saques revolucionários a solares, conventos e igrejas, bem como da antiga Casa Real, fossem levados ao acervo do Louvre. Em agosto de 1793 houve uma exposição de quinhentos e trinta e sete quadros em parte da Grande Galeria, que fechou e abriu várias vezes por falta de instalações adequadas à ordenação das obras.


Em 1798, chegaram ao Louvre, através do general Napoleão Bonaparte, obras de arte dos países conquistados e obras-primas da Antigüidade e do Renascimento vindas da Itália .Mas em novembro de 1815 mais de cinco mil dessas riquezas já estavam novamente em seus países, à exceção de umas cem obras que estão até hoje no Louvre.


As modificações na construção do Palácio do Louvre para aumentar seu tamanho e embelezá-lo continuaram tanto sob Napoleão I (Bonaparte) quanto sob os poderes parlamentar e da Segunda República (período subseqüente ao de Napoleão I) .Porém, o estilo clássico prevalece no atual Louvre.


Sob o governo de Napoleão III, foi lançado em 12 de março de 1852 o decreto que ordenava a conclusão do Palácio do Louvre. O projeto geral teve como autor o arquiteto Visconti, que morreu em 1854. Seu sucessor foi o arquiteto Lefuel. A conclusão deu-se em cinco anos, a 14 de agosto de 1857. Napoleão III, em 1863, fez crescer bastante o acervo com a compra de admiráveis coleções. La Caze legou ao Louvre oitocentos quadros, cinco anos após, tendo entre eles Rubens, Rembrandt, Fragonard, Watteau e outros.


O acervo do Louvre está estruturado em seis departamentos:


- departamento de antigüidades orientais: Suméria, Palmira, Assíria, Síria, Palestina, Cartago, Fenícia e Chipre;


- departamento de antigüidades egípcias;


- departamento de antigüidades gregas e romanas


- departamento de pinturas e desenhos


- departamento de escultura


- departamento de objetos artísticos: jóias da coroa, representações de todas as artes decorativas a partir da Idade Média.


O Louvre possui também uma seção de antigüidades cristãs, tratando-se de uma imensa biblioteca de arte e arqueologia que consta de mais de oitenta mil volumes; um setor laboratorial para a análise científica das obras pertencentes à instituição, fundado em 1931; e a Escola do Louvre, que ensina Arte e Arqueologia, voltando-se à formação técnica e de conservação, tendo sido fundada em 1881.


Obras muito conhecidas como a Vênus de Milo e a Vitória de Samotrácia encontram-se no Louvre. O Louvre concentra obras de todos os tempos e lugares, num acervo monumentalmente extenso.



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Museu Egípcio




Museu Egípcio


O Museu Egípcio foi fundado em 1857 e localiza-se, atualmente, no Cairo. O arqueólogo francês Mariette, responsável por sua fundação, quando ainda o museu se localizava em Bulaq, foi sucedido por G. Maspero que transferiu as instalações do Museu para El-Ghiza. Somente em 1902 estabelece-se finalmente no Cairo.


As coleções foram feitas através das escavações feitas no decurso dos anos e as peças são provenientes, principalmente, de túmulos de reis e cortesãos. Tais peças propiciaram o estudo da arte e dos costumes daquela civilização e fizeram do Museu Egípcio o melhor do mundo no gênero. São obras de valor inestimável que abarcam o período desde a primeira dinastia até a época bizantina, onde se destaca uma vasta coleção de retratos de reis. Entre as esculturas, podem ser salientadas a do rei Quefren e a de Miquerinos. Merecem muita atenção os restos do túmulo de Tutancamon encontrados em 1922.



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Museu Estatal do Ermitage




Museu Estatal do Ermitage


Situado em Leningrado e fundado em 1852, o Ermitage é um dos maiores museus do mundo. Possui cerca de quatrocentas salas e três milhões de monumentos das diferentes épocas, países, civilizações e povos: pinturas, cerâmicas, esculturas, tapeçarias etc.


Com a criação do Museu Russo, em 1898, quase toda a pintura russa deixou o Ermitage. Isto, porém, deu novo caráter ao acervo do Museu Estatal do Ermitage, que recebeu a coleção do Palácio do Inverno, onde predominam objetos de arte decorativa e aplicada de interesse histórico-cultural e também a coleção do Museu de História dos Costumes.


Uma das mais famosas colecionadoras de arte de todas as épocas, a Imperatriz Catarina II da Rússia, foi indiretamente responsável pela formação do acervo do museu. Na metade do século XVIII, Catarina II adquiriu uma série de quadros de artistas flamengos e holandeses, cedidos pelo comerciante berlinense Gotzkowski como pagamento de um débito seu para com o erário russo.


Os quadros foram desembarcados em 1764 na margem do Neva e colocados para a ornamentação de algumas salas do Palácio do Inverno, que havia sido recentemente construído; neste mesmo local foi fundado mais tarde, em 1852, o Ermitage.


O Ermitage possui um acervo muito rico de exemplares de todas as formas de arte decorativa aplicada russa, que vai do século XII ao início do século XX: são trajes, tecidos e rendas, paramentos, porcelanas, pedras decorativas, vidros de todas as manufaturas russas, ourivesaria, pratas e os mais diferentes objetos do artesanato artístico camponês.


As coleções do museu se dividem em seis seções: arte histórica russa, pré-história e proto-história da Rússia, arte da Ásia Central e do Cáucaso, arte dos países do Oriente, arte da antigüidade clássica e arte ocidental.


Entre as obras pertencentes ao Ermitage podemos ressaltar as seguintes seções: arte greco-romana, a pintura francesa do século XVIII com Jean-Honoré Fragonard (o óleo sobre tela “O beijo roubado”, por exemplo), Jacques-Louis David, Edgar Degas, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Pierre-Auguste Renoir, Henri Matisse; o escultor Auguste Rodin; a pintura italiana, citando nomes como Leonardo da Vinci, Rafael e Caravaggio; a pintura espanhola, com El Greco, Velázquez, Zurbarán e outros; a pintura holandesa e flamenga, somando por volta de trinta e oito quadros somente do mestre Rembrandt; ainda entre os flamengos e holandeses, Rogier van der Weyden, Frans Hals, Vincent van Gogh e outros.


O acervo do museu é da maior grandeza, tanto pelas variadas culturas ali representadas como pela extensão cronológica: vai do IV milênio a.C. ao século XX.



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Museu Geológico




Museu Geológico


O Museu Geológico, localizado em Londres, tem todo o seu material abrigado em três andares abertos ao público. O andar térreo possui um acervo de grande interesse popular: “A história da Terra”, “Bretanha antes do homem” e “Fósseis britânicos”. Neste museu encontra-se um pedaço da Lua e uma belíssima coleção de pedras preciosas, além de materiais das mesmas. No primeiro andar constam a geologia regional e o panorama da Grã-Bretanha. O segundo andar traz mostruários em construções de pedras e depósitos econômico minerais do mundo.


O museu possui uma loja para venda de livros e lembranças. Faz também uma programação regular de conferências, filmes e outras atividades, normalmente sem cobrar nada. O museu fica bem próximo à estação South Kensington do metrô e não cobra entrada. Às vezes, torna-se necessário pagar uma taxa para entrar em exposições temporárias especiais. O museu está aberto das 10:00 às 18:00 horas, de segunda a sábado, e das 14:30 às 18:00 horas aos domingos. O endereço é Exhibition Road e o telefone é 01-589 3444.



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Museu Guggenheim




Museu Guggenheim


O Museu Solomon R. Guggenheim, localizado em Nova York, abriga-se num edifício que é uma verdadeira obra-prima. O responsável pelo projeto é Frank Lloyd Wright, que conseguiu na sua construção um efeito bastante diferente do comum. A impressão que se tem ao visitar o museu é das melhores, mostrando algo, de certa forma, revolucionário no estilo de um museu. 


O acervo possui uma das mais belas e requintadas coleções de arte moderna e contemporânea do mundo. Enquanto vai-se subindo a grandiosa rampa que se curva do chão em direção à cúpula, podemos apreciar inúmeras obras-primas de mestres da arte dos séculos XIX e XX, tais como Chagall, Giacometti, Brancusi, Calder, Delaunay, Kandinsky, Braque, Klee, Picasso, Léger, van Gogh e Miró .


Há também o Museu Guggenheim Soho, uma outra parte, situada no bairro do Soho, em uma construção do século XIX projetada por Arata Isozaki. Neste edifício, além de outras exposições, há um enfoque especial para a arte de multimídia.


Em ambas as localidades do museu existe a “Museum Store”, oferecendo a venda de publicações de arte, pôsteres, reproduções, jóias, camisetas e outros artigos.


Sob o Museu Guggenheim Soho esta o "T", uma casa de chá e restaurante que oferecem uma seleção bastante exótica de chás, além de um bar e cozinha de comida natural.


Já no outro edifício, projetado por Frank Lloyd Wright, existe, também feita por Wright, uma montagem muito original chamada “Café do Museu” ou, melhor dizendo, “Museum Café”.


Trata-se de um lugar onde se pode fazer o desjejum, o almoço, o chá da tarde, ou mesmo, um jantar leve. A comida é deliciosa e as sobremesas são incomparáveis.


Os visitantes que necessitam de cadeira de rodas lá a encontram e os que apresentam deficiências auditivas e visuais podem receber melhores informações pelos telefones (212) 423-3699 e (212) 423-3607.


O endereço do Museu Solomon R. Guggenheim é 1071 Fifth Avenue (na 88th Street).


O museu está aberto de domingo à quarta-feira, das 10:00 às 18:00 horas, e nas sextas e sábados das 10:00 às 20:00 horas. O museu permanece fechado às quintas-feiras. Os ônibus utilizados para se chegar até o museu são  M1, M2, M3, M4  na Madison on Fifth Avenue.


Metrô: 4, 5, ou 6 para 86th Street. O endereço do Museu Guggenheim Soho é 575 Broadway (na Prince Street). Este fica aberto de domingo e quarta-feira, quinta-feira e sexta-feira das 11:00 às 18:00 horas. Aos sábados, o horário é das 11:00 às 20:00 horas. Permanece fechado às segundas e terças-feiras. Metrô: 6 para Spring Street ou N, ou R para Prince Street. Maiores informações sobre exposições especiais e serviços e programas do museu são obtidas pelo telefone (212) 423-3500.



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Museu Jeu de Paume




Museu Jeu de Paume


Inaugurado a 29 de janeiro de 1862, sob o arquiteto Viraut, é o Museu do Impressionismo francês. Tomou este nome pelo fato de Napoleão III ter instalado para seu filho, o Príncipe Imperial, um jogo de bola no terreno dos Cistercienses nas Tulherias. Situa-se em Paris, ao lado da Praça da Concórdia, no Jardim das Tulherias.


O Jeu de Paume dedicou-se a exposições temporárias desde o início do século XIX até 1941. Em 1932 começaram a entrar para o acervo permanente obras de arte estrangeiras. 


Quando os nazistas se apoderaram de obras de arte, elas foram alojadas no Jeu de Paume antes de viajar para a Alemanha. Em 1945 foi instalado neste Museu o Serviço de Recuperação dos bens provenientes da Alemanha.


Em 1947, o Conservador Chefe do Departamento de Pinturas do Museu Jeu de Paume, René Huyghe, colocou aí as coleções impressionistas. As salas do museu, cheias de janelas mostrando a luz que foi o fator de preocupação primordial do impressionismo, receberam os nomes dos colecionadores das obras que formam o acervo, nomes como Moreau-Nélaton, Camondo, Personnaz, Caillebotte e Gachet.


Em 1954, Germain Bazin modificou todo o museu para adequá-lo mais ao acervo ali apresentado, o qual aumentara sensivelmente.


A 17 de maio de 1927 foi inaugurada a decoração das Ninfas, doação de Claude Monet ao Estado, que tem apresentação permanente em duas salas da Orangerie das Tulherias. Monet, falecido alguns meses antes, não presenciou a inauguração.


Alguns pintores e obras respectivas a serem destacados no Museu Jeu de Paume: Edouard Manet (“O almoço sobre a relva”, “O balcão”, “Retrato de Emílio Zola”, “A mulher de chapéu negro”, “Jarrão de Peônias  sobre misula’’, “Olímpia”), Edgar Degas (“O salão de dança”, “A família Bellelli”, “Dançarina com ramo, saudando”, “Os músicos da orquestra”, “Retrato de uma jovem”), Camille-Jacob Pissarro (“Entrada ao Povo de Voisins”, “Os telhados vermelhos”, “Mulher num cercado”), Paul-Camille Guigou (“Caminho da Gineste, cerca de Marselha”), Paul Cézanne (“A mulher da cafeteira”, “Maçãs e Laranjas”, “Uma moderna Olímpia”, “Banhistas”, “Os jogadores de cartas”), Alfred Sisley (“A ilha da Grande Jatte”, “A inundação em Poty-Marly”, “A estrada vista do caminho de Sèvres”, “A neve em Louvenciennes”), Claude Monet (“A Catedral de Rouen” “As papoulas”, “Mulheres no jardim”), Berthe Morisot (“O campo de trigo”, “O berço”), Georges Seurat (“O Circo”), Auguste Renoir (“Torso de mulher ao Sol”, “A leitora”, “Caminho ascendente entre as altas relvas”, “Jovens ao piano”, “As banhistas”), Paul Gauguin (“Os Alyscamps”, “Arearea”, “Vairumati”, “Mulheres de Taiti na praia”, “O cavalo branco”), Henri de Toulouse-Lautrec (“Jane Avril bailando”, “O leito”, “A dança da Goulue e de Valentin le Desossé”) e Vincent van Gogh (“Auto-retrato”, “Retrato do Doutor Gachet”, “A sesta”, “A habitação de Van Gogh em Arles”, “A Igreja de Auvers-sur-Oise”). 



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Museu Madame Tussaud's




Museu Madame Tussaud's


Localizado em Londres, trata-se de um museu bastante diferente e interessante, onde personalidades importantes de diferentes épocas e setores de vida acham-se reunidos como se estivessem numa grande festa. As personalidades, que parecem realmente vivas, são feitas de cera e trajam-se com suas roupas próprias da época. Ali estão presentes Liza Minelli, bem como Henrique VIII, por exemplo, duas personalidades distantes no tempo e pertencentes a diferentes setores sociais.


Este museu, tão famoso no mundo todo, foi fundado por Madame Tussaud no século XVIII e, desde então, tem continuado a desenvolver-se.


O Museu está aberto diariamente, exceto no dia de Natal. O horário é das 10:00 às 17:30 horas de segunda à sexta e a partir das 9:30 horas nos fins de semana e feriados bancários. A estação de metrô bem próxima ao Museu é a Baker Street Station. E junto ao Madame Tussaud's encontra-se o Planetário de Londres e a Galeria de Astrônomos, sem dúvida nenhuma formando uma opção de passeio magnífica. O endereço é Marylebone Road, London NW15LR. Seu telefone é 01 935-6861.



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Museu Metropolitano de Arte




Museu Metropolitano de Arte


Fundado em 1870 e localizado em Nova York, o Metropolitan teve o general italiano Luigi Palma di Cesnola como seu efetivo diretor de 1876 a 1904.


Seu acervo abarca quase cinco mil anos de história da humanidade e está dividido em vários departamentos: pinturas e esculturas norte-americanas, arte antiga do Oriente Próximo, arte do Extremo Oriente, arte egípcia, armas e armaduras, Instituto do Traje, desenhos, pinturas européias, arte grega e romana, arte islâmica, arte medieval e os claustros, escultura européia e artes decorativas, instrumentos musicais, arte primitiva, coleção têxtil, gravuras e fotografias e arte do século XX.


Dentre os pintores destacamos, da Itália, Filippo Lippi, Giovanni di Paolo, Giovanni Bellini,


Andrea Mantegna, Andrea del Verrocchio, Sandro Botticelli, Piero del Pollaiuolo, Ticiano, Lorenzo Lotto, Bronzino, Paolo Veronese, Tintoretto, Caravaggio, entre outros. Da França,


podemos citar Georges de La Tour, Jean-Auguste Dominique Ingres, Jean-Baptiste Camille


Corot, Ferdinand Victor Eugène Delacroix, Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir, Paul Gauguin, Henri Matisse . Entre os alemães, temos Albrecht Dürer, Lucas Cranach o Velho, e Hans Holbein o Moço, do qual podemos evidenciar o belo retrato de um membro da família Wedigh, trabalhado em têmpera e óleo sobre madeira, que nos mostra um ar extremamente rafaelesco como tantos outros famosos retratos por ele executados. De Flandres e dos Países Baixos podemos apreciar belíssimas obras de Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Pieter


Bruegel o Velho, Peter Paul Rubens, Frans Hals, Rembrandt van Rijn, Jan Vermeer e Vincent van Gogh, entre outros. Da Espanha salientamos El Greco, Diego Rodriguez de Silva y Velázquez, Francisco de Goya y Lucientes e Pablo Picasso . Da Inglaterra e Estados Unidos citamos nomes como Thomas Gainsborough, Robert Peake o Velho, John Constable e Joseph Mallord William Turner.


O Metropolitan possui uma sucursal no The Cloisters - os claustros. Aí temos o claustro românico catalão de Cuixá reproduzido e uma vasta apresentação da arte e arquitetura da Idade Média.


As esculturas e objetos de arte do Metropolitan pertencentes ao antigo Egito, à Grécia, à Roma Antiga, bem como à Índia, Indonésia, China, Japão, África, Oceania e América pré-colombiana são de uma rara beleza e convidam-nos a apreciá-los mais de perto.



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Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa




Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa


Conhecido popularmente como Museu das Janelas Verdes e situado na rua de mesmo nome, o Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa está instalado num antigo palácio do século XVIII, o Palácio dos Condes de Alvor (o qual sofreu muitas modificações no decorrer dos tempos), e também num edifício anexo, o qual foi fundado em 1940 e ocupa o lugar do antigo Convento de Santo Alberto.


Em Portugal, a idéia do Museu de Belas Artes só foi realmente adiante quando se deu uma visita real ao país e uma Exposição de Arte Ornamental, acontecida em 1882 nas salas do Palácio dos Condes de Alvor.


A iniciativa para esta exposição veio através de uma representação portuguesa que esteve em Londres em 1881 para mostrar a arte da Península Ibérica. D. Fernando II, presidente de honra e patrocinador, reforçou a concretização da idéia da exposição e emprestou muitas peças da sua própria coleção. Delfim Guedes foi o comissário da exposição, à qual vieram setenta peças do Museu South Kensington de Londres e cerca de duzentas e cinqüenta peças espanholas. Esteve presente Afonso XII de Espanha. Ele e D. Luís, rei de Portugal, inauguraram a exposição em 12 de janeiro de 1882, a qual contou com cem mil visitantes.


Com o sucesso desta bela e polêmica exposição, chegou-se à conclusão de que havia necessidade premente da escolha de um local para o futuro museu. Foi criado em 1884 o Museu Nacional de Belas Artes e Arqueologia, instalado no Palácio Alvor, que para tal foi comprado pelo Estado e recebeu as coleções de arte que se achavam guardadas pela Academia.


Em 1911, com a implantação da República, o Museu de Artes passa a ser chamado Museu Nacional de Arte Antiga. 


O acervo do Museu Nacional  de Arte Antiga advém, pois, das peças dos conventos extintos em 1834 e muitas outras peças que se lhe agregaram durante o período da Academia e já durante o período da própria existência do Museu Nacional.


Essas referidas peças vieram para o museu através de muitas fontes: 


- peças adquiridas com verbas ofertadas para tal por D. Fernando II e D. Luís I; 


- peças do espólio vendido da rainha Carlota Joaquina; 


- peças que a Academia de Belas-Artes adquiriu; 


- peças advindas de legados diversos ou adquiridas com verbas de legados; 


- peças provenientes de leilões; 


- peças que entraram para o Museu após a implantação da República, advindas das sés, de palácios episcopais e dos palácios reais. Desde a I República é concedida uma verba anual ao Museu para adquirir peças no mercado de arte.Esta verba, em casos especiais, pode ser bastante aumentada; 


- peças provenientes do Grupo dos Amigos do Museu;


- peças depositadas por entidades particulares e oficiais (por exemplo, mil e quinhentas esculturas advindas da Coleção Vilhena).


Alguns pintores e obras relevantes a serem citados do acervo do Museu Nacional de Arte 


Antiga de Lisboa são Ramon Destorrents (“Santa Ana e a Virgem”), Mestre Desconhecido -Escola Holandesa século XV (“Casamento Místico de Santa Catarina”), Hans Memling (“A Virgem e o Menino”), Gérard David (“Repouso na fuga para o Egito”),Quentin Metsys (“Nossa Senhora das Dores”), Mestre do Paraíso-Escola Portuguesa século XVI (“A Anunciação”) Mestre do Retábulo de São Bento - Escola Portuguesa século XVI (“Apresentação no Templo”), Mestre Desconhecido - Escola Portuguesa primeira metade do século XVI (“Adoração dos Magos”), Frei Carlos - Oficina do Espinheiro (“Anunciação”), Jan van Scorel (“A Virgem e o Menino”), Cornelis van Cleve (“A Virgem da Anunciação”), Cristóvão de Morais (“O rei D. Sebastião”), Mestre Desconhecido - Escola Portuguesa meados do século XVI (“Jovem Cavaleiro”), Albrecht Dürer (“São Jerônimo”), Mestre Desconhecido - Escola Portuguesa meados do século XVI (“Senhora com um Rosário”), Joachim Patinir ou Patenir (“Paisagem com São Jerônimo em Oração”), Hieronymus Bosch (“ Tentações de Santo Antão”), Mestre Desconhecido - Escola Portuguesa segunda metade do século XVI (“Circuncisão”), Domingos Vieira, "O Escuro" (“Retrato de D. Isabel de Moura”), Pieter de Hooch (“Conversação”), Francisco Vieira-conhecido por Vieira Portuense (“Leda e o Cisne”), Giambattista Piazzeta (“Mulher com um Pichel”), Domingos Antonio de Sequeira (“ Retrato do Conde de Farrobo”, “Retrato de Mariana Vitória de Sequeira”), Giovanni-Battista Tiepolo (“Fuga para o Egito”), Jean Honoré Fragonard (“As duas primas”), Alessandro Magnasco, chamado Lissandrino (“Monges em oração”, “O poeta e o pássaro”), Fernão Gomes (“Ascensão de Cristo”), Giovanni-Carlo Galli Bibiena (“Estudo para Cenário”) e Giovanni-Battista Tiepolo (“Alegoria às Artes”).


O museu possui um acervo bastante rico de arte decorativa, incluindo porcelanas, tapetes, mobiliário, prataria, barro cozido e também muitas peças religiosas.


Na escultura, citemos o “Torso de Apolo”, peça mais antiga da coleção do Museu, datada de 450-400 a.C., proveniente da Grécia, em Mármore de Paros e altura de 1,16 metros. Também há Auguste Rodin, com “Danaide”, cuja altura é 0,29 metros.



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Museu Nacional de Artes Decorativas




Museu Nacional de Artes Decorativas


Os fundos do Museu Industrial, criado em 1871, deram origem ao Museu Nacional de Artes Decorativas, hoje instalado em um palacete em Madri. Do acervo consta uma coleção muitíssimo variada de objetos dos séculos XV a XIX e de alguns do século XX.


Ambientes da vida doméstica estão reproduzidos nas salas, como por exemplo a cozinha valenciana, onde se encena o preparo de uma chocolatada em 1604 nos azulejos de Manises, datados do século XVIII. Existe no museu uma bela coleção de móveis espanhóis pertencentes aos séculos XVI e XVII. Na Sala de Tapeçarias mostram-se artesanatos, tapeçarias, móveis, tapetes espanhóis e cerâmica. O museu também apresenta objetos em vidro e couro, porcelanas e objetos artísticos em metal, jóias, leques, bordados e brinquedos, além de uma coleção de presépios.


Endereço: Montalbán, 12.


Telefones: 91/ 5326499 e 5221740 .



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Museu Nacional de Ciências Naturais




Museu Nacional de Ciências Naturais


Localizado em Madri, o Museu Nacional de Ciências Naturais se instaurou no final do século XIX, nos Altos do Hipódromo. Em 1752, Fernando VI já havia inaugurado o Real Gabinete de História Natural.


Realmente reformado, o museu conta com coleções de Paleontologia, Geologia, Zoologia (esta abrangendo Malacologia e Entomologia) e Mineralogia, tendo sido agregados painéis e sistemas audiovisuais explicativos.


Os acervos de meteoritos e de animais fósseis são de uma riqueza inestimável. Existe lá, por exemplo, o fóssil de um gasterópodo de quinhentos e cinqüenta milhões de anos; há inclusive esmeraldas e pepitas de ouro, uma delas pesando 440 gramas, que são herança da América colonial. Também é mostrada a evolução do homem desde os primórdios até o homo sapiens. 


Endereço: José Gutiérrez Abascal, 2.


Telefones: 91/4111328 e 5618607.



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Museu Nacional de Escultura Policromada




Museu Nacional de Escultura Policromada


Situado em Valladolid, na Espanha, foi fundado em 1933. O maravilhoso acervo de esculturas espanholas pertencentes ao período entre os séculos XIII e XVIII acha-se instalado no Colégio de São Gregório, construção datada de 1488 (século XV). Consta também do mesmo acervo um setor de pinturas (do século XV ao XVIII) que está abrigado na antiga Igreja da Paixão, cuja fachada principal é em estilo barroco.


O Colégio de São Gregório, em estilo isabelino, possui uma fachada em retábulo, cuja construção atribui-se a Gil de Siloé, e um claustro em estilo plateresco.


O acervo do Museu foi formado por desamortização feita em conventos e igrejas. Dentre os escultores destacamos Alonso Berruguete, Gregorio Fernández, Juan de Juni, Alonso Cano, Pedro de Mena, Martínez Montañés, Felipe de Vigarny, Pompeyo Leoni.


Entre os pintores, cujas obras se encontram na antiga Igreja da Paixão, podemos citar


Bartolomé González, Antonio de Pereda, Rizzi, Juan de Roelas, Carducho e o flamengo Boschaert.


Endereço: Escultura-Cadenas de San Gregorio, 1. Telefone: 983/ 250375. Pintura-Pasión, s/n. Telefone: 983/ 353282.



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Museu Nacional de Estocolmo




Museu Nacional de Estocolmo


O Museu Nacional de Estocolmo foi fundado a 28 de junho de 1792, um ano antes do Museu do Louvre. O museu foi criado  para evitar a dispersão da coleção real; mas apesar de estar nas mãos do Estado, os reis até hoje têm muito zelo pelas coleções, direito que lhes cabe de controle e conseqüente desenvolvimento do museu.


Na Suécia do século XVII, inumeráveis obras de arte de grande teor artístico chegaram até lá, advindas de butim: a guerra com a Alemanha favoreceu o enriquecimento do patrimônio


artístico da Suécia através de butim, e não de heranças ou compras. Cristina, uma princesa sueca do século XVII, filha de Gustavo Adolfo II, dedicou-se a compras de obras pictóricas, livros, desenhos e esculturas, assessorada por especialistas estrangeiros. Foi ela a primeira a trazer para a Suécia esculturas da antigüidade. Mas muito se perdeu na guerra.


Nas coleções artísticas da Suécia devem ser lembrados os nomes do grande colecionador e arquiteto Nicodemus Tessin, o Jovem, e de seu filho Carlos Gustavo Tessin. Este último, de todos os colecionadores de arte que atuaram na Suécia, foi o que mais deixou marcas da sua passagem na história da coleção.


O museu foi fundado, a princípio, com o nome de Real Konglig Museum, disposto junto à Biblioteca Real, numa das alas do palácio dos reis. Ao público permitiu-se a entrada através de uma pequena porta apenas para pessoas interessadas em arte e em educação refinada.


Posteriormente, foi construído um edifício bastante grande no centro de Estocolmo, no estilo renascentista de Veneza. Chamou-se Museu Nacional. Para lá foram as coleções de arte antiga e as pinturas e esculturas contemporâneas.


O interesse da Suécia pelas coleções era, em grande parte, de cunho patriótico; muitos são os quadros de tema histórico presentes no acervo. As esculturas se alojavam na parte térrea, sendo que, para se chegar às pinturas, havia a necessidade de subir imensas escadarias.


O museu passou a ser formado de pessoas academicamente bem preparadas para fazer seleção de obras artísticas. Para os artistas suecos vivos, o governo passou a proporcionar a primeira verba em 1856.


Em 1866 foi inaugurado o museu atual, projeto do arquiteto alemão F. A. Stüler, especialista em museus.


Em uma nova etapa, na época da Primeira Guerra Mundial, estabeleceu-se uma preocupação em atrair maior número de visitantes ao museu. Criaram-se cursos culturais em 1917 no andar térreo do edifício. A luz elétrica foi instalada em 1928, o que permitiu visitar as coleções também à tarde. Com o passar do tempo, foi construída uma parte para os laboratórios e oficinas de restauração, além da construção de mais dois museus satélites na vizinha Ilha de Skeppsholmen, sendo um de arte oriental e outro de pintura e escultura modernas. O velho palácio foi reformado em parte, obtendo-se um auditório, elevadores e outras mudanças. O museu realiza exposições temporárias e em 1966 foi comemorado o seu centenário a partir de sua instalação na construção atual.


Destaques entre pintores e obras respectivas do acervo do Museu Nacional de Estocolmo são o Mestre da Lenda de Santa Catarina (“A Virgem com o Menino”), ícones russos dos séculos XV e XVI, François Desportes (“Fruteira com pêssegos”), Paul Cézanne (“Cupido de Gesso”), Paul Gauguin (“Paisagem da Bretanha”), Berthe Morisot (“No jardim”), Jan Sanders van Hemessen (“A Virgem com o Menino”), Jean Massys “Metsys” (“Venus Citérea”), Jan Brueghel (“Jarra de flores e insetos”), Judith Leyster (“Jovem tocando flauta”), Auguste Renoir (“O Lago”), François Boucher (“O triunfo de Venus”), Rembrandt van Rijn ('“Santo Anastácio”), Thomas Gainsborough (“Lady Eardley”), El Greco (“Os Apóstolos São Pedro e São Paulo”), Francisco de Goya y Lucientes (“Alegoria da Verdade, do Tempo e da História”), Alexander Roslin (“Dama com Mantilha”),Carl Larsson (“Ternura Maternal”), Johan Fredrik Hockert (“A filha de Kerstin Andersdotter”).



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Museu Nacional do Prado




Museu Nacional do Prado


Situado em Madri, foi inaugurado em 19 de novembro de 1819, tendo sido Fernando VII seu fundador.


O edifício foi construído por Juan de Villanueva (1731-1811), sob Carlos III, o Borbon, vindo de Nápoles para reinar na Espanha. Carlos III quis destinar este edifício a Museu de Ciências Naturais, mas isto não aconteceu. Seu sucessor, Carlos IV, ao ser destronado, deu lugar a Fernando VII, que submeteu o edifício a uma série de restaurações após a Guerra da Independência. Fernando VII, que havia sido privado da coroa, voltou ao trono em 1814, ordenando a criação de um Museu de Pinturas, fato que só veio a se concretizar em 1819.


O acervo foi feito através de legados, transferências, doações e aquisições, tendo o número de obras aumentado consideravelmente desde a fundação do museu até os dias de hoje.


Quando Isabel, filha de Fernando VII, foi destronada com a revolução de 1868, a coleção de Artes foi nacionalizada e o Instituto perdeu o nome "Real" para passar a ser chamado "Nacional de Pintura e Escultura". Em 1873 consagrou-se, em definitivo, a denominação "Museu do Prado".


O acervo do museu é predominantemente de arte da Espanha e agrega obras desde as pinturas românicas espanholas do século XII até os quadros de Vicente López, retratista valenciano do século XIX. Os reis espanhóis tinham os artistas em altíssima consideração. Na fabulosa coleção do Prado, três pintores devem ser ressaltados por lá estarem se apresentando com obras numerosas e altamente representativas: El Greco, Velázquez e Goya . Outros pintores presentes a serem destacados são Zurbarán, Ribera, Botticelli, Rafael, Tintoretto, Ticiano, Bosch, Rubens, Brueguel, Van Dyck, Rembrandt, Dürer, Cranach, Watteau, Poussin, Reynolds.


Além de quadros, o museu agrega esculturas, peças de ourivesaria, tapetes e móveis com significação histórica e artística.



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Museu Nacional dos Coches Reais




Museu Nacional dos Coches Reais


Localizado em Lisboa, no picadeiro do Real Paço de Belém, residência de veraneio da Família Real. Trata-se do acervo mais antigo de carruagens do mundo, mostrando coches do início do século XVI até os primeiros anos do século XX.


Fundado em 1905, com um acervo de cinqüenta e seis carruagens, arreios e acessórios de equitação das cocheiras reais da Calçada da Ajuda, do Colégio dos Nobres e da Tapada das Necessidades. A idéia foi dada por D. Amélia de Orleans e Bragança em 1904. Essas carruagens pertencem a um tempo em que as artes eqüestres reinavam e o cavalo era o responsável pelos transportes.


No início do século XX o transporte de tiro já estava sendo substituído pelos automóveis das marcas Fiat, Dion-Bouton, Hudson e Brazier. Era o fim do poder do luxo e dos cerimoniais. Para a fabricação de tais carruagens, havia necessidade de uma série de especialistas: ferreiros, marceneiros, entalhadores, carpinteiros, correeiros, serralheiros, ourives, escultores, pintores, estofadores e douradores.


No museu são promovidas também exposições anexas, como a que aconteceu em 1984 reunindo quatro carruagens do Palácio Nacional de Belém, doze do Palácio Nacional da Ajuda, quinze do próprio museu, que estavam sendo arrecadadas em Lisboa, e vinte e seis de colecionadores. Esta exposição teve lugar no Paço Ducal de Vila Viçosa.


O coche acolhia até quatro passageiros. Era transporte dos fidalgos, dos altos servidores e do próprio rei, sendo ideal para distâncias curtas.


Além dos coches cedidos ou comprados de coleções particulares, o museu abriga berlindas, seges (coche de duas rodas e um assento), liteiras, carrinhos de passeio, fardamentos e librés de gala (uniformes de criados), retratos reais e trajes da corte.



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Museu Nacional Vincent Van Gogh




Museu Nacional Vincent Van Gogh


O edifício, construído em 1973 por três arquitetos - Gerrit Rietveld, Theo van Doesburg e Piet Mondrian - localiza-se em Amsterdã, na Holanda, na Praça dos Museus, que reúne também o Rijksmuseum, o Stedelijk Museum e o Concertgebouw, uma casa de espetáculos. 


O acervo lá reunido em quatro andares consta de cerca de quinhentos desenhos, duzentas pinturas, seiscentas e cinqüenta cartas de Van Gogh, livros, sessenta telas de contemporâneos a Van Gogh e cerca de duzentas gravuras. As telas referidas foram colecionadas pelo próprio Van Gogh. Estas coleções pertenceram ao seu sobrinho Vincent, que as herdou de Theo, o dileto irmão do artista. Em 1958, o sobrinho de Van Gogh requisitou ao governo holandês a abertura de uma sede para as coleções, que incluíam também catálogos, cartas, fotos e recortes de jornal, enfim todas as referências ao grande pintor.


Surgiu, então, o Museu Nacional Vincent van Gogh. O museu possui também biblioteca e ateliê de criação.


Um detalhe muito importante na construção do edifício é o fato de as telas terem iluminação natural. O sobrinho de Van Gogh, também chamado Vincent, disse que como os quadros foram pintados à luz do dia, este deveria ser o melhor meio para se olhar e apreciar com clareza uma obra de seu tio: por esse meio, a luz vem filtrada do teto através de domos acrílicos e treliças de concreto. Quando há mau tempo, existe instalado um sistema de iluminação artificial especial que incide sobre a parede em ângulo de 45 graus, e nunca sobre a pintura. Já os desenhos, mais delicados que as pinturas, ficam fechados para as luzes externas, em uma penumbra.


O Museu Nacional Vincent van Gogh acolhe quase toda a obra do mestre, ali se concentrando o mais importante de toda a sua produção artística. Vincent van Gogh nasceu em Groot-Zundert (Brabante holandês) a 30 de março de 1853 e morreu em Auvers-sur-Oise a 27 de julho de 1890. Van Gogh é tido como precursor do Expressionismo, ao lado do pintor Munch.


Para conhecer mais profundamente a arte de Van Gogh, é aconselhável a leitura de suas cartas para o irmão Theo, inclusive editadas em livro e, sem sombra de dúvida, é aconselhável uma visita ao Museu Vincent van Gogh para se maravilhar com o encanto e a eloqüência de suas incontáveis melhores obras.



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Museu Oceanográfico




Museu Oceanográfico


O museu está inserido no Instituto Oceanográfico, criado em 1946, quando então se chamava Instituto Paulista de Oceanografia, tendo sido incorporado em 1951 à Universidade de São Paulo. Em 1976, além de centro de pesquisas, passou a ser inclusive uma unidade de ensino.


Além de possuir uma biblioteca, o Instituto está editando cinco publicações periódicas: Publicação Especial, Boletim do Instituto Oceanográfico (IO), Relatórios de Cruzeiros, Relatório Interno e Boletim Climatológico, assegurando o intercâmbio científico nacional e internacional.


O instituto proporciona curso de pós-graduação, tanto mestrado como doutorado, nas áreas de Oceanografia Biológica e Oceanografia Física e mestrado em Oceanografia Geológica e Oceanografia Química. Também o curso de graduação foi instaurado a partir de 1993, com habilitação em Oceanografia Física, junto ao Bacharelado em Física do Instituto de Física, ambos da Universidade de São Paulo, ministrados pelo Instituto Oceanográfico e pelo Instituto de Física. O Museu Oceanográfico inclui vários serviços: o acervo do museu, que está dividido em módulos, fazendo uso de recursos visuais e instrumentais para fazer ver a estrutura, a dinâmica e a biodiversidade dos oceanos; o jardim "Plantas do Manguezal", que mostra os vegetais principais de região estuarina-lagunar e sua respectiva relevância para o ecossistema; o acervo de Aquários Marinhos, que imita ambientes marinhos principais, mostrando organismos mais característicos; a excursão ecológica, destinada a alunos de segundo grau, em fins de semana, na Base Norte em Ubatuba; o empréstimo de material biológico para a finalidade de uso em feiras de ciências, exposições e aulas práticas, em que  são emprestados para alunos e professores os principais grupos marinhos, em formol ou empalhados; e as visitas monitoradas, em que, por intermédio de palestras introdutórias, os alunos são conduzidos a conhecer a multidisciplinaridade dos estudos oceânicos; as exposições itinerantes, que para citar dois exemplos, temos: a do "Ambiente Marinho" (apresenta a biodiversidade e a distribuição dos organismos nos oceanos) e a "Expo-Antártica" (painéis fotográficos relatando as expedições científicas do IO às terras geladas).


O Museu Oceanográfico funciona das 9:00 às 17:00 horas de segunda à sexta-feira. O telefone para informações é  011 818-6587 e o endereço é Praça do Oceanográfico, 191-CEP 05508-900, cidade de São Paulo.



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Museu Picasso




Museu Picasso


O Museu Picasso foi fundado em 1963 em Barcelona, encontrando-se no Palácio Aguilar, edifício do século XIII com pátio gótico do século XV.


Em 1970, as instalações do museu sofreram ampliações através do Palácio do Barão de Castellet, cujo salão está construído no estilo neoclássico do século XIX. O acervo consta de desenhos, esculturas, gravuras e pinturas. Picasso, nos seus últimos anos de vida, doou novecentas e quarenta obras de arte ao Museu Picasso. O legado Sabartés reuniu pinturas e desenhos de 1890 a 1967, obra gráfica e muitas outras peças.


Obras como “A Primeira Comunhão”, de 1896, “Ciência e Caridade”, de 1897, e tantas outras, fazem parte do acervo, pertencendo à bem representada etapa da infância e da juventude.


As fases Azul e Rosa e o Cubismo também estão ali representadas por obras significativas.


Em uma determinada época, Picasso interpretou obras de outros grandes mestres. Exemplo disto é a série “As Meninas”, de 1957 (baseada na famosa obra de Velázquez), também fazendo parte do acervo. Conhecer a obra de Picasso é ter ciência do que a arte do século XX ofereceu ao mundo em cada uma de suas fases; conhecer Picasso é estar em contato com um dos seres humanos mais criativos, geniais e talentosos de que já se teve notícia.


O endereço é Montcada, 15 e 17 . Telefones 93-3196 310 e 3197402.



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Museu Pushkin




Museu Pushkin


Fundado em 1912 em Moscou, com o nome de Museu das Belas Artes. O nome Pushkin advém do grande poeta cujo centenário da morte foi celebrado em 1937.


Muitos museus contribuíram para o aumento do acervo do Pushkin após a Revolução de Outubro de 1917: o Ermitage, o Rumanziev, a Galeria Tretjakov. O Museu recebeu obras também de coleções particulares.


No acervo constam, entre outras obras, vasos gregos advindos de escavações arqueológicas no Mar Negro, uma série de antigüidades egípcias e inúmeras cópias de obras gregas, romanas, medievais e renascentistas.


A coleção de quadros do Museu apresenta iconografia bizantina, pinturas ítalo-cretenses, assim como quadros das escolas holandesa, flamenga, italiana e francesa.



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Museu Victoria & Albert




Museu Victoria & Albert


Localizado em Londres, trata-se de um dos mais importantes museus de artes decorativas e de belas-artes do mundo, contando com pinturas, esculturas, desenhos, fotografias, reproduções, mobiliários, jóias, indumentárias, cerâmicas, armaduras, tudo isto abrigado numa área bastante grande, onde também se encontra a Biblioteca Nacional de Arte.


Além da coleção permanente são continuamente promovidas exposições temporárias.


No acervo permanente do museu existem coleções que valem ser destacadas: a coleção Constable, a Galeria das Jóias, entre outras.


O museu possui uma loja com livros e lembranças à venda e um restaurante. Possui também uma programação regular de conferências, filmes e outras atividades, sem ônus.


A entrada no Museu também é franca. Às vezes é cobrada a entrada para exposições temporárias especiais.


O museu está aberto das 10:00 às 17:50 horas, de segunda a sábado, exceto às sextas-feiras e das 14:30 às 17:50 horas aos domingos. O endereço é Cromwell Road e o telefone é 01 581 48 94 (serviço de informação gravado) e 01 589 63 71.



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Museus do Instituto Butantan




Museus do Instituto Butantã


O Instituto Butantã, entidade subordinada à Secretaria de Saúde do Estado, foi fundado em 23 de fevereiro de 1901, sob o governo de Rodrigues Alves. O motivo principal para a fundação foi a produção do soro contra a peste bubônica. Por causa disso foi chamado, a princípio, de Instituto Soroterápico.


O Instituto conta com cento e cinqüenta cientistas e dez líderes científicos, todos trabalhando na pesquisa de soluções para os problemas da saúde pública. Já publicaram cerca de quatrocentos escritos em jornais nacionais e internacionais nos últimos cinco anos.


Muito interessante é aludir à localização do Instituto. A área por ele ocupada, atualmente o bairro do Butantã em São Paulo, pertencia na época da fundação a uma imensa fazenda: Ibitatá, nome tupi-guarani, era o seu nome e passou a ser em 1925 o nome do Instituto também. Atualmente, a área ocupada pelo Instituto Butantã consistia apenas em uma quinta parte do terreno original. A fazenda deu lugar à USP (Universidade de São Paulo).


Ao abordarmos sobre o Instituto Butantã, trazemos imediatamente à lembrança a eminente figura do médico e cientista Dr. Vital Brazil, nascido na cidade de Campanha, Minas Gerais, a 28 de abril de 1865. Tendo cursado a Faculdade de Medicina do Rio de Janeiro, foi diplomado médico em 1891.


Vital Brazil foi o primeiro a ocupar o cargo de diretor do Instituto Butantã e por dois períodos: 1901 a 1919 e 1924 a 1927. Foi ele quem criou o soro anti-ofídico: o soro específico, e depois polivalente, contra mordeduras de cobras. 


Quando em 1899 surgiu uma epidemia em Santos, foi ele quem a identificou como peste bubônica. Ele próprio a contraiu e quase morreu. Nessa época, Emílio Ribas era o diretor dos Serviços Sanitários do Estado e, percebendo as dificuldades no combate a este mal, resolveu criar o Instituto Butantã. Vital Brazil foi chamado para lá trabalhar.


O Instituto Butantã cresceu muito desde sua fundação em 1901. Um centro de Biologia e Medicina Experimental foram aí desenvolvidos pelo Dr. Vital Brazil, voltados primordialmente


ao enfoque de animais venenosos e seus venenos.


As atividades culturais atuais do Instituto Butantã foram também iniciadas pelo Dr. Vital Brazil já naquela época.


A Divisão para o Desenvolvimento da Ciência pertencente ao Instituto compreende doze laboratórios diferentes com cerca de cento e cinqüenta pesquisadores trabalhando em investigações básicas nas Ciências Biomédicas. Além disso, existe o Hospital Vital Brazil também dentro do Instituto.


O Instituto conta também com um Centro de Biotecnologia R&D, inaugurado em 13 de janeiro de 1988, com sessenta pesquisadores que têm, como um de seus principais objetivos, o desenvolvimento da tecnologia na produção de drogas imunobiológicas.


Na produção dos imunobiológicos estão quarenta e quatro profissionais, trinta e quatro tecnólogos e oitenta e quatro funcionários.


Na parte da divisão cultural encontramos, na verdade, dois museus: o Museu de Biologia e o Museu de História.


O MIB - Museu do Instituto Butantã - na verdade, Museu de Biologia, mostra animais peçonhentos vivos (escorpiões, aranhas, serpentes e outros) em ambiente natural (nas ruas dentro do Instituto), preparações didáticas e em vídeo. É um museu inebriante, despertando sensações muito diferentes no ser humano que não está acostumado a ver seus habitantes no dia-a-dia. Realmente, vale a pena apreciar e entender.


O Museu Histórico reconstitui o primeiro laboratório onde Vital Brazil trabalhou incansavelmente em suas experiências científicas.


Os museus, tanto um como outro, promovem exibições temporárias. O horário de funcionamento é de terça a domingo das 9:00 às 17:00 horas; cobra-se pequena taxa para a entrada.


O Instituto possui uma Divisão de Desenvolvimento Cultural com cursos especiais e publicações  Há um restaurante e uma biblioteca, esta funcionando de segunda à sexta, das 8:00 às 17:00 horas, no Prédio Central. Aberta ao público, é especializada em Biomedicina, apresentando mais de sessenta mil volumes, entre livros e periódicos.


Atendimentos didáticos são feitos mediante solicitação prévia e alguns outros requisitos. Há também oferta de estágios nas áreas em que atua o Instituto.


O endereço é Avenida Vital Brazil, 1500, Butantã, CEP 05503-900, São Paulo.


Telefone : (011) 813-7222  ramal 2117 Fax : (011) 815-1505


As visitas são permitidas de terça-feira a domingo, das 9:00 às 17:00 horas.



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Museus Reais de Belas-Artes da Bélgica




Museus Reais de Belas-Artes da Bélgica


O museu belga, localizado em Bruxelas, surgiu num período bastante conturbado da história européia, logo após o ataque feito ao seu patrimônio nacional, onde palácios, igrejas e conventos foram saqueados pelas tropas revolucionárias francesas. O butim foi levado para o Museu do Louvre em Paris, juntamente com obras italianas levadas da Itália por outros comissários da República. O Museu de Bruxelas, o primeiro dos Países-Baixos, foi idealizado por La Serna Santander, fundador da Real Biblioteca, mas a concretização da idéia deve-se a G. J. Bosschaert, diretor das Academias de pintura, escultura e arquitetura.


Este conseguiu a permissão, em 1798, de dispor das obras que se encontravam em depósitos, totalmente largadas pelas autoridades da França no invernadouro do antigo palácio de Carlos de Lorena. Foi nesse palácio abandonado que Bosschaert instaurou o museu.


Napoleão Bonaparte, tendo o Louvre completamente congestionado com tantas obras resultantes de saques, resolveu decretar a formação de quinze coleções departamentais. Bruxelas, entre os beneficiários, já estava até preparada com um local.


A decadência de Napoleão em 1815 facilitou a devolução de aproximadamente cem obras que haviam sido levadas das cidades. Na volta das obras em 1816, o Museu estava de luto pelo seu primeiro e grande conservador G.J. Bosschaert.


Houve, em 1819, uma doação de vários quadros do século XVI flamengo, feita por Guilherme I dos Países-Baixos, mostrando que já nessa época o museu era destaque. Em 1830 formou-se o estado belga. Em 1834 criou-se a galeria de arte moderna do museu, preocupados que estavam com a promoção de uma arte nacional.


A 5 de dezembro de 1841 o governo belga adquiriu as coleções, pois a cidade não dispunha de recursos suficientes para sustentar os gastos de um museu em crescimento.


A 31 de março de 1846, por decreto real, outorgou-se a proteção estatal ao museu. Foram, então, adquiridas muitas obras. Houve também a doação de Wiertz, em 1868. Como a sede do museu, ou seja, o antigo palácio de Carlos de Lorena, estivesse ficando pequena, a parte de pinturas antigas e esculturas foi transferida para um palácio de belas-artes construído entre 1875 e 1885 pelo arquiteto Alphonse Balat na rue de la Régence, tendo sido inaugurado em 26 de maio de 1887. As obras modernas ficaram no palácio de Carlos de Lorena. As coleções continuaram aumentando através de compras, doações e legados.


Em 1907 foi criada a Sociedade de Amigos dos Museus Reais de Belas Artes de Bruxelas, que muito ajudou no desenvolvimento do museu e defesa de seus interesses. Mas, infelizmente, sua atividade cessou ao início da Segunda Guerra Mundial.


Em 1967 foi criada uma nova sociedade de amigos dos Reais Museus de Belas Artes da Bélgica. Desde 1927 o nome da instituição é Reais Museus de Belas Artes da Bélgica: anteriormente era Museus Reais de Belas Artes de Bruxelas. Por um decreto real de 1965, o museu foi dotado de um estatuto de organismo científico dividido em dois departamentos: um de arte antiga e outro de arte moderna.


As coleções cresceram muitíssimo mas as sedes dos museus não acompanharam tal desenvolvimento. Para tal, foram construídos novos locais.


A coleção de pintura flamenga dos séculos XV, XVI e XVII, uma das mais completas e ricas do mundo, consta de cinqüenta primitivos, uns cinco de Brueghel, uns trinta e nove de Rubens e uns dezenove de Jordaens. A coleção de pintura belga dos séculos XIX e XX é a mais importante no gênero: consta de mais de setecentos e cinqüenta quadros. O Impressionismo, o expressionismo, o surrealismo e a arte abstrata tiveram representantes muito importantes na Bélgica. Alguns belgas de grande renome na arte do século XX são Paul Delvaux, René Magritte e James Ensor.


Além de pinturas nas coleções dos museus, também constam desenhos e cerâmicas flamengas dos séculos XVII e XVIII. Inclui escultura moderna com obras de Rodin, Henri Moore, Roel d' Haese, Constantin Meunier e outros.


Há também uma biblioteca de história da arte. Pintores e suas obras em destaque nos Museus Reais de Belas Artes da Bélgica são Mestre de Flémalle (“A Anunciação”), Roger van der Weyden (“O homem da flecha”), Pieter Brueghel, o Velho (“A queda de Ícaro”, “A queda dos Anjos Rebeldes”, “O Recenseamento de Belém”), Hugo van der Goes (“Santa Ana, a Virgem e o Menino com Doador Franciscano”), Gerard David (“A Virgem da Sopa de leite”), Pieter Aersten (“A cozinheira”), Jan Gossart, Mabuse (“Venus e o Amor”), Juan de Flandes (“A menina do pássaro morto”), Peter Paul Rubens (“Cupido cavalgando sobre um Delfim”, “Cabeças de Pretos”, “O nascimento de Vênus”), James Ensor (“Carnaval na praia”), Theo van Rysselberghe (“Retrato da Sra. Charles Maus”), Gustave de Smet (“Beatriz”), Antoine Wiertz (“A bela Rosine”), Paul Delvaux (“Pigmalião”, “A voz pública”), Georges Seurat (“As margens do Sena”), Paul Gauguin (“Retrato de Susana Bambridge”), René Magritte (“O sabor das lágrimas”), Salvador Dali (“A tentação de Santo Antonio”) e Victor Vasarely (“Geminorum”). 



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Música Absoluta




Música Absoluta


O termo refere-se à música que está dissociada da poesia.



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Música na Antiguidade




Música na Antiguidade


As primeiras manifestações musicais, segundo consta, são originárias da Grécia Antiga na fase helenística de sua história (776-323 AC). Os gregos chamaram de música a arte das “Musas” que posteriormente o latim traduziu como “Ars musica” e que de forma abreviada é chamada de música até os dias de hoje.



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Música na China Antiga




Música na China Antiga


A China influenciou as culturas do Extremo Oriente tais como o Japão, Coréia, entre outras. A música chinesa é muito simples em sua essência. As obras traduzem a beleza ideal e para apreciá-las é fundamental conhecer o que expressam. Os chineses entendem que música é emoção, razão pela qual a música é emocionante. O sistema sonoro adotado pelos chineses tem o nome de Liu, constituído de doze sons, correspondendo às doze luas do ano. Os instrumentos musicais antigos eram as siringes, órgãos, pedras sonoras e cítaras.



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Música na Grécia Antiga




Música na Grécia Antiga


Embora nenhum instrumento musical tenha sido criado na Grécia, a música, “Arte das musas”, foi utilizada como complemento da poesia do teatro e da dança. Na Grécia a música tornou-se extremamente popular. Havia música para todas as ocasiões. A música exercia uma ação oculta sobre o homem. Determinadas combinações sonoras fortaleciam ou debilitavam o caráter do indivíduo. Os mitos musicais foram criação dos gregos. Para o povo não existia festa maior do que assistir a eventos culturais onde a música estava presente. No auge da tragédia grega, por volta de 600 a. C., o canto coral era parte integrante de diversas etapas dos espetáculos. Com a evolução para o drama, a música deixou de ser tão importante na estrutura das obras.



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Música na Idade Média




Música na Idade Média


A mais importante conquista nesta fase da evolução da música foi o sistema de notação musical criado por Guido d’Arezzo, além do auge da polifonia e a utilização do órgão no culto religioso.


Música Bizantina


A igreja oriental adotou o sistema musical grego, embora muito mais simplificado. Destacaram-se, neste período, os compositores Andrés de Creta, João Damasceno e Cosme de Majuma.


Música Ocidental


Algumas modificações da teoria dos gregos possibilitaram o desenvolvimento dos modos eclesiásticos, razão pela qual a denominação das tonalidades diferiam, na Idade Média, do


sistema usado na Grécia. São Ambrósio, Bispo de Milão (340-397), utilizou quatro modos gregos, e Gregório I (540-604) adotou mais quatro modos, chamando os primeiros de autênticos e os restantes de plagais. São Ambrósio introduziu o canto das Antífonas (cantadas entre os salmos) e dos hinos. Gregório I, por sua vez, depurou a música religiosa, excluindo os cantos que considerava indignos.



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Música na Índia Antiga




Música na Índia Antiga


A música  tinha um caráter religioso na Índia. Para os hindus a música significava a harmonia do Universo. Ao contrário das escalas musicais os hindus desenvolveram as ragas, que são a combinação de uma melodia tradicional com uma escala. Com este conjunto sonoro, a música desenvolveu-se como um tema com variações onde o executante improvisava livremente. O instrumento principal na Índia era o vina, que tem sete cordas e uma sonoridade delicada e mística.



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Música na Palestina Antiga




Música na Palestina Antiga


Para os judeus, a música constituía um culto. Davi e Salomão utilizaram cantores, sendo que Davi é o responsável pelo aparecimento da música religiosa. O Apogeu da música nesta fase, ocorreu no reinado de Salomão (1020-962 a. C.). Proclamado Rei, colocou a serviço do Templo de Jerusalém quatro mil sacerdotes músicos, divididos em vinte e quatro grupos com doze regentes. Segundo consta, aconteceram execuções com a participação de duzentos mil instrumentistas. A música na Palestina é originária da música oriental.



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Música na Roma Antiga




Música na Roma Antiga


A paixão dos gregos pela música acabou influenciando o povo romano. A incorporação da Grécia ao Império Romano, em 146 a. C., influenciou decisivamente para a popularização da prática musical em Roma. Na época, foram criadas orquestras, corais; e a aristocracia romana empenhava-se em adquirir uma cultura musical. Quem era músico tinha privilégios especiais e havia dezenas de pessoas que se dedicavam exclusivamente a esta atividade. Segundo consta, Nero organizou inúmeros concursos musicais, dos quais participava com grande entusiasmo.



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Música na Síria Antiga




Música na Síria Antiga


Segundo consta, nas costas asiáticas do Mediterrâneo a música alcançou um desenvolvimento considerável. A arte musical síria foi conservada através dos tempos pela tradição e prática do seu povo. A Liturgia da Igreja Católica e o Canto Gregoriano são originárias da Síria. Grécia e Roma sofreram influência dos Sírios, sendo que Roma tornou-se um importante reduto de instrumentos e instrumentistas Sírios.



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Música no Egito Antigo




Música no Egito Antigo


Embora não exista nada de concreto referente a estas primeiras manifestações musicais, diversos desenhos comprovam que a música já era difundida mesmo na época do Velho Reino Em diversos desenhos podem ser observados harpistas e flautistas, bem como pequenos grupos musicais. Os instrumentos eram bastante rudimentares e a flauta era uma pequena vara de bambu com menos de um metro de comprimento. As harpas, em geral de pequeno porte, aparecem no colo dos executantes e raras vezes no chão, sendo que o músico tinha que se ajoelhar para tocar. Segundo consta, na passagem do Reino Antigo para o Reino Médio e, com a penetração de nômades sírios em território egípcio, o Egito sofreu influência dos povos asiáticos, que tinham manifestações culturais bastante desenvolvidas já em 2000 AC.



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Música Pop




Música Pop


Chamada pop music em seu país de origem, os Estados Unidos, como termo abreviativo para popular music ou música popular, a música pop dificilmente poderia ser classificada como um gênero musical singular, dada a grande heterogeneidade de estilos compreendidos sob esta designação. Portanto, poderíamos convencionar que é chamada música pop aquela que, muitas vezes distante de quaisquer tradições musicais populares, possui no entanto grande apelo junto à massa consumidora. Portanto, ainda que precariamente, poderíamos chamar música pop do ponto de vista mercadológico e não necessariamente musical: genericamente, a música pop tem por intenção fundamental agradar ao grande público. Qualidades que definem ainda genericamente o conjunto da produção da música pop são as melodias e ritmos “fáceis”, de rápido acesso, ou seja, melodias e ritmos que resultem em imediato agrado a um grande público. Ainda a dificuldade de uma definição precisa da música pop deriva do fato que, não sendo propriamente um estilo musical que sempre apresentará os mesmo padrões rítmicos e melódicos, a “intenção pop” ainda é vinculada a certos padrões de comportamento de massa relativo ao visual, ao modo de vestir e até ao modo de posicionar-se diante do mundo, sobretudo dos jovens consumidores dessa música. Combinando uma diversidade de tendências musicais, por vezes até contraditórias, a produção da música pop trata-se de um grande fenômeno do ponto de vista de sua esfera de abrangência, tendo sido desenvolvida paralelamente ao grande desenvolvimento dos meios de comunicação e da indústria fonográfica, sobretudo a partir do início da década de 60. Um exemplo claro desta relação entre a música pop e os meios de comunicação reside numa das primeiras transmissões televisivas via satélite, em que os Beatles se apresentaram com sua canção “All You Need Is Love”. 


O termo “pop” teve sua origem no início dos anos 60. Sua origem é indissociável à própria origem do rock’n’roll, este sim um estilo originalmente marcado por características bastante peculiares como a utilização massiva de praticamente uma única estruturação harmônica de três ou quatro acordes básicos, com ritmos ora rápidos e agressivos, ora lentos, ambos “românticos” ou “rebeldes”. Apesar dos adeptos radicais que pretendem estabelecer a total autonomia musical do rock em relação à pop music, ambos os estilos musicais nasceram de um mesmo fenômeno musical e mercadológico da indústria fonográfica. 


 



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Mussete




Mussete


Tipo de Gavotte.



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Narrativa Contínua




Narrativa Contínua ou Representação Contínua


Trata-se de uma prática pictórica que funde, em uma mesma imagem, dois ou mais acontecimentos de uma narrativa. Foi bastante comum na Idade Média, por adequar-se perfeitamente à arte da época. Entretanto, pode aparecer fora desse período.


Um exemplo de sua utilização é o quadro “José no Egito“, do artista Pontormo (Jacopo Carucci; 1494 - 1557), um dos precursores do maneirismo italiano, realizado em 1515. Trata-se de uma ilustração, realizada em quatro episódios, do livro bíblico Gênesis. Na obra de Pontormo, esses quatro episódios aparecem juntos no mesmo painel. A personagem José, por exemplo, aparece em todos esses episódios separadamente.



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Naturalismo




Naturalismo


Esse termo normalmente refere-se a trabalhos de arte baseados na observação dos objetos que representam e não em estilizações ou conceitos pré-forjados a respeito dos mesmos.


Em seu sentido mais amplo, seria a aproximação máxima realizada pelo artista entre a obra e a natureza daquilo que pretendia ser representado. Entretanto, uma obra em que não pode ser observada uma rígida preocupação em descrever algo com o máximo de detalhes verossímeis, ainda assim (em alguns casos) pode ser considerada naturalística, se apresentar coerência com o aspecto geral.


Os gregos são os primeiros a receberem a denominação de naturalistas na História da Arte, principalmente devido a sua produção do Período Clássico. Apesar da idealização de uma beleza física (conhecida como padrão de beleza clássico), suas obras são baseadas no estudo e na observação das estruturas do corpo humano. A idealização, portanto, não aparece aqui como antônimo de naturalismo.


Os renascentistas italianos também são conhecidos pelo naturalismo em suas obras, uma vez que esse era um dos padrões estéticos da arte grega que pretendiam resgatar.


Além disso, costuma-se usar a expressão arte naturalista em oposição à arte abstrata, ou como sinônimo de realismo (note-se que realismo, quando em letra maiúscula, refere-se a uma escola presente na História da Arte e nesse sentido, não é correto o uso indistinto dos dois termos).


Pode ainda referir-se a uma escola pictórica determinada. Nesse caso é designada para nomear os caravaggistas, artistas bastante influenciados pelo estilo do italiano Caravaggio, que fazia questão de ressaltar em suas obras a verossimilhança, independente de um resultado final  agradável. O crítico de arte e colecionador italiano Giovanni Pietro Bellori (1615 - 1696),  conhecido por seus estudos do período barroco, foi o primeiro a utilizar-se desse termo pretendendo designar essa escola.



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Natureza-Morta




Natureza-Morta


Trata-se de um gênero na pintura em que os temas representados são coisas ou seres inanimados, como frutas, objetos, plantas e animais mortos.


Apesar de ser bastante utilizado por artistas amadores em seu aprendizado (com resultados bastante distantes daqueles que podem ser considerados “obras-primas”), muitos artistas talentosos ocuparam-se do tema.


Esteve sempre bastante presente na História da Arte, mas no Barroco, em especial, esse estilo de pintura torna-se bastante valorizado, sobretudo na Holanda. Alguns artistas do período, inclusive, ficaram famosos por ele.


Um dado importante a ser considerado é que, na obra de um artista talentoso, a representação da natureza acaba sempre vindo através de sua própria interpretação, mostrando traços de sua personalidade e estilo. Esse “quê“ a mais talvez seja o fator que diferencie dos demais os quadros de natureza-morta com valores artísticos.


Comida e bebida, restos de refeições, móveis, utensílios de cozinha são alguns dos temas preferidos desses pintores barrocos. Suas representações elegantes e precisas, de efeitos belos, podem levantar a questão sobre a necessidade de temas grandiosos para a manifestação artística.


Willem Kalf (1622 - 93), por exemplo, é conhecido por sua busca de harmonia entre objetos retratados, cores e contexturas. Além disso, a reflexão da luz em vidros coloridos era outro objeto de sua pesquisa a partir dos quadros de natureza-morta.


Jan Vermeer Delf é outro grande nome desse estilo. Costuma representar naturezas-mortas com a presença de criaturas humanas, com extrema precisão de formas e cores. Entretanto, apesar de um olhar atento demonstrar grande domínio técnico por parte do pintor, os efeitos de sua pintura são de enorme simplicidade e harmonia, com contornos suaves, porém precisos. Sua obra “A Leiteira“ é um bom exemplo de seu estilo.


William Claez, Heda, Rachel Ruysch são outros importantes artistas do barroco holandês que desenvolveram com grande perícia esse tema.



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Neo-Impressionismo




Neo-Impressionismo


O Neo-Impressionismo foi um desenvolvimento do Impressionismo e também uma reação a ele - que buscava fundamentalmente trabalhar com a cor e a luz a partir de conhecimentos científicos, como a ótica e as cores em progresso, baseados em autores como Eugène Chevreul e David Sutter e Charles Henry. Nesse ponto, diferencia-se, portanto do Impressionismo, mais baseado na espontaneidade.


Os principais expoentes desse movimento francês expuseram junto com os Impressionistas na Exibição Final deste grupo, em 1886. O primeiro a utilizar-se dessa denominação foi o crítico Félix Fénéon.


O pontilhismo, ou divisionismo, como preferiam nomear uma das técnicas bases do movimento estudava a decomposição de cores naturais nos matizes (nuanças) que as compunham. A partir daí, esses matizes deveriam ser passados para a superfície onde a pintura seria realizada em seu estado mais puro ou primário, como pinceladas mínimas ou simples pontos. Deixavam para o observador das obras a função de reconstituir esses matizes, misturando-os visualmente.


Esses pontos de cores em estado primário, quando observados numa distância calculada, deveriam apresentar o máximo de luminosidade, realidade de cores e brilho. Suas composições eram altamente formalizadas, com pinceladas calculadas para melhor atingir os efeitos cromáticos pretendidos e poses calculadas.


Georges Seurat (1859 - 1891) é considerado o principal nome do movimento, deixando em sua curta vida, obras e princípios que iriam exercer grande influência sobre os movimentos  modernistas do século XX. Artistas como Picasso e Braque foram impressionados pelos seus trabalhos.


“Tarde de Domingo na Ilha La Grande Jatte“, de 1884, é considerado o seu melhor trabalho (e possivelmente o mais famoso, atualmente no Instituto de Arte de Chicago). Mostra figuras se entretendo, passeando ou descansando nas margens de um rio. Apesar da atmosfera despreocupada, elas são cuidadosamente posicionadas, de forma a criar um efeito de equilíbrio e balanço.


Seurat foi também o grande elaborador do pontilhismo, tendo ainda trabalhado em pesquisas sobre o traço e as linhas de um quadro  (descobrindo técnicas que possivelmente possam explicar a qualidade de seus trabalhos considerada superior a outros Neo-Impressionistas que restringiam-se ao estudo das cores). É famosa a sua “Estética“ em que discute, principalmente, a questão da harmonia.


Paul Signac (1863 - 1935) e Camille Pissarro (1830 - 1903) foram os principais seguidores de Seurat (este último temporariamente), ambos com passado impressionista.


Signac, após a morte de Seurat, encarregou-se de liderar o grupo Neo-Impressionista. Publicou, em 1899, “D’ Eugène Delacroix au néo-impressionnisme“, livro considerado uma das principais fontes teóricas do movimento, apesar de possuir características mais próximas a um manifesto neo-impressionista. Apesar da devoção do pintor às idéias de Seurat, seus trabalhos mais valorizados são aqueles em que as cores atinge grande brilho, num estilo mais livre do pregado pelas idéias científicas do movimento.


Pissarro, um dos principais nomes impressionistas, o único que expõe em todas as oito exposições do grupo, após conhecer Signac e posteriormente Seurat, acabou adotando suas técnicas por alguns anos da década de 80 do século XIX. Entretanto, acaba voltando ao seu estilo próprio, já previamente desenvolvido e que serviu de influência a grandes nomes do Impressionismo.


As principais críticas ao movimento partiram dos “les fauves“ (as feras), em especial seu líder Henri Matisse (1869 - 1954). Visava principalmente a  teoria divisionista e seu metodismo que, segundo ele, acaba por dar mais ênfase à lógica, num resultado mecânico e “uma superfície convulsiva, espasmódica“, com indiferenciação no tratamento dos objetos. Matisse acreditava que os “únicos valores autênticos“ das obras de Seurat, por exemplo, eram os “valores humanos próprios do pintor“.



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Neo-Romantismo




Neo-Romantismo


O Neo-Romantismo foi um movimento da arte inglesa (em especial da pintura) forte entre 1935 e 1955 (abrangendo a época da Segunda Grande Guerra Mundial e a ameaça nazista). Sua principal característica era a revalorização do século XIX, principalmente o Romantismo, através de uma leitura contemporânea.


As pinturas de paisagens, extremamente populares no século XIX, voltaram à tona através do neo-romantismo, imbuídas de aspectos nacionalistas (muito provavelmente exaltados diante da guerra e dos nazistas). William Blake era um dos artistas do passado mais cultuados.


Os principais expoentes do neo-romantismo foram Michael Ayrton (1921 - 1975), John Piper (1903 - 1992) e Graham Sutherland (1903 - 1980).


Ayrton era um artista de forte personalidade e estilo próprio com várias aptidões: a pintura, a escultura, as ilustrações de livros, a cenografia e a literatura de arte. Era especialmente conhecido pela recorrência na temática de Dédalo e Ícaro, identificando a história mítica da fuga do labirinto em Creta com o próprio trabalho artístico.


Piper foi considerado um dos artistas ingleses contemporâneos mais versáteis, também trabalhando como pintor, artista gráfico, designer e escritor. Após uma fase como artista abstrato (um dos mais importantes da Inglaterra), acaba adotando o naturalismo, principalmente pintando paisagens e vistas arquitetônicas. São famosas suas representações de edifícios, destruídos pelas bombas da Segunda Grande Guerra Mundial.


A pintura de paisagens, bastante influenciada pelo romantismo de Samuel Palmer (1805 - 1881) era uma das principais temáticas da obra de Sutherland. São famosas suas pinturas com grande dose de abstração, como “Entrance to a Lane“. A pintura religiosa (como a prestigiada tapeçaria “Christ in Glory”) e os retratos também foram bastante explorados pelo artista. Seu retrato do estadista inglês Winston Churchill foi destruído por sua mulher, num episódio anedótico, uma vez que a representação feita por Sutherland era odiada pelo casal.


O Poeta Dylan Thomas e o cineasta Michael Powell, por certas características de suas obras que relembram os valores do século XIX, também podem ser considerados neo-românticos.



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Neoclassicismo (artes)




Neoclassicismo (artes)


O Neoclassicismo foi tendência dominante na arte européia entre o final do século XVIII e início do século XIX. Caracteriza-se principalmente pela revalorização dos valores artísticos gregos e romanos, provavelmente estimulada pelas escavações e descobertas que estavam sendo realizadas no período nos sítios arqueológicos de Pompeu, Herculano e Atenas. Os heróis gregos e a simplicidade da arte eram alguns aspectos extremamente admirados dessas civilizações. A valorização do passado que o Movimento propôs é uma de suas principais características que levam a uma boa parte dos críticos  crerem que o Neoclassicismo pode ser visto como uma face do Romantismo .


O aparecimento do Neoclassicismo também é considerado uma reação contra os exageros do Rococó, cultuando principalmente a razão, a ordem, a clareza, a nobreza e  a pureza, atributos que acreditavam ser inerentes às culturas gregas e romanas. A valorização desses aspectos parece ainda estar intimamente relacionada à época histórica do Movimento, chamado Iluminismo ou “ Era da Razão “ .


Roma era considerada um dos principais centros do movimento, cidade onde vivia o crítico de arte alemão Joachim Winckelmann (1717 - 1768), considerado o fundador teórico do neoclassicismo, principalmente através de obras como “ História da Arte Antiga “ .


Um dos trabalhos arquitetônicos considerados precursores do gosto neoclássico é a “ Chiswick House “, em Middlesex, perto de Londres, construída por Lorde Burlington (1695 -1753)  - que gozava de grande prestígio na época - e  William Kent (1685 - 1748). Foi influenciada pela obra “ Os Quatro livros de Arquitetura “, de Andrea Palladio, inspirada na Villa Rotonda, de Palladio.


Entretanto, o arqueólogo e arquiteto James Stuart (1713 - 1788) foi um dos primeiros a se utilizar deliberadamente de formas gregas (além de ter escrito um livro, juntamente com Nicholas Revett que é considerado um verdadeiro marco na valorização das formas arquitetônicas dessa antiga civilização: “ Antiquities of Athens “). Inspirou-se no estilo dórico, construindo uma espécie de templo grego visto frontalmente no Hagley Park, em 1758.


Fora da Europa o estilo neoclássico também encontrava adeptos. O terceiro presidente dos EUA, Thomas Jefferson (1743 - 1826) era também um arquiteto amador, afinado com as principais tendências européias (britânicas em especial). Projetou sua residência Monticello com várias características neoclássicas, além de estar associado à planificação de edifícios públicos, principalmente em Washington e Virginia que também obedecessem ao movimento de revalorização da arquitetura grega.


O estilo neoclássico na França recebeu um grande auxílio dos ideais da Revolução Francesa de 1789 para se popularizar. O barroco e o rococó costumavam estar associados à aristocracia vencida, enquanto o neoclássico, baseado em construções de cidades como a democrática Atenas, era o estilo que deveria agradar ao país.


Napoleão foi um grande incentivador do movimento, estimulando construções como a Igreja de Maria Madalena, projetada por Pierre Barthelmy Vignon (1762 - 1828), com inspirações clássicas como os templos coríntios romanos.


O arquiteto, teórico e professor francês Étienne-Louis Boullée (1728 - 1799) parece ter sido bastante importante para a divulgação dos ideais neoclássicos entre seus alunos. Realizou projetos de monumentos baseado em formas simples e geométricas.


Na arquitetura neoclássica alemã, destaca-se Karl Gotthard Langhans (1732 - 1808) e seu Portão Brandenburg, em Berlim, construído entre 1789 e 1794.


Principalmente a partir do século XVIII, é importante ressaltar o fortalecimento das “ academias “ como instituições de ensino de arte e organizadoras de exposições de trabalhos de seus membros. Foram extremamente importantes  para a sobrevivência do neoclassicismo na pintura e na escultura.


Jacques-Louis David (1748 - 1825) é considerado um dos principais pintores neoclássicos, bastante prestigiado pelo governo após a revolução francesa, realizando trabalhos como desenhos de trajes e cenários para eventos oficiais, como o “ Festival do Ser Supremo “, em que Robespierre autodenominava-se Sumo Sacerdote. O espírito heróico dos gregos e romanos era um valor que os franceses gostariam de que estivesse associado ao seu próprio país após a Revolução. David era ainda membro da Royal Academy.


 “ Marat Assassinado “, de 1793, que de uma maneira simples representou heroicamente a morte do revolucionário (e amigo de David) Marat, assassinado por Charlotte Corday, é considerada uma de suas melhores obras. Mostra o líder francês morto, debruçado em sua banheira, segurando uma petição (que provavelmente fora lhe dada por Charlotte na intenção de distraí-lo), uma caneta com a qual tencionava assinar o papel e a faca com que o crime fora realizado.


Entretanto, obras suas posteriores, como “ Coroação de Napoleão e Josefina “, de 6.1 por 9.3 metros, com sua profusão de cores e pompa, realizada entre 1805 e 1807, já extrapolam o gosto neoclássico e a austeridade que marcam trabalhos anteriores.


Jean-Auguste Dominique Ingres (1780 - 1867) foi um dos alunos e seguidores de David e é outro importante pintor, também conhecido pelas discussões públicas que tinha com Delacroix, defendendo o Neoclassicismo enquanto seu rival defendia o Romantismo.


Suas obras eram marcadas principalmente pelo domínio técnico, precisão e clareza. Tinha profunda admiração pela antiguidade clássica e pelo trabalho de seu mestre, David. “ A Banhista “, de 1808, é um bom exemplo de seu trabalho, com suas formas, contornos, textura e composição simples demonstrando alto domínio técnico ao representar uma mulher nua sentada numa cama.


 “ Grande Odalisque “, de 1814,  é outro quadro de Ingress em que utiliza-se de uma mulher nua com contornos baseados na arte clássica. Entretanto, o próprio uso de uma figura como uma odalisca, exótica mulher ligada à cultura árabe, parece bastante próximo ao Romantismo, mais uma vez provando a tênue diferença que havia entre os dois movimentos.


Na escultura neoclássica não há grande destaques. Um dos principais nomes da escultura do período, por exemplo, era Jean-Antoine Houdon (1741 - 1828), mas seus trabalhos, apesar de terem algumas características neoclássicas, não podem ser efetivamente enquadrados como obedientes à esse movimento.


Antonio Canova (1757 -1822) foi bastante ativo em defender os ideais neoclássicos mas suas obras, apesar serem consideradas efetivamente  pertencentes à escola, não exercem a mesma atração que as pinturas do período. A mais famosa delas é a representação da irmã de Napoleão como Vênus vitoriosa segurando uma maçã, referindo-se ao episódio em que Péris é intimado a ser juiz em uma competição de beleza entre deusas gregas, “ Maria Paulina Borghese como Vênus Victrix “ .



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Neoclassicismo (música)




Neoclassicismo (música)


Tendência musical surgida no século XX na qual compositores como Hindemith e Stravinsky, entre outros, utilizaram elementos formais do classicismo em suas composições.



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Neoplasticismo




Neoplasticismo


Neoplasticismo foi a denominação dada pelo artista Piet Mondrian (1872 - 1944), para um estilo de arte baseado na abstração geométrica que acabou se tornando uma de suas principais características.


Nascido do cubismo, defendia uma arte construída somente a partir de elementos abstratos, não naturalista e sem pretensões de representar detalhes de objetos naturais. No Neoplasticismo, de acordo com Mondrian, a arte reduziria a versatilidade da natureza à expressão plástica com relações claras.


A pintura deveria ser realizada a partir de linhas verticais e horizontais e formas retangulares. As cores utilizadas seriam as primárias - o vermelho, o azul e o amarelo - juntas com o branco, o preto e o cinza.


Com sua teoria artística Mondrian pretendia instaurar uma arte anti-individulista, intuitiva, que representasse as características do cosmos ou da harmonia universal.


Mondrian foi bastante influenciado pela filosofia do holandês M. H. J. Schoenmaekers e pela teosofia, elementos que podem ter inspirado suas elaborações neoplásticas. O livro Do espiritual em arte, em especial popular entre alguns artistas vanguardistas do período, parece ter sido lido por Mondrian na elaboração de suas idéias.


“Composição em Vermelho, Amarelo e Azul“, com seus retângulos formados por linhas horizontais e verticais é um bom exemplo da aplicação de sua teoria.


Mondrian e Theo van Doesburg eram ainda os principais líderes do movimento modernista holandês De Stijl, uma das futuras influências do Bauhaus. Entre os membros do De Stijl,  destacam-se os arquitetos Oud, responsável pelo planejamento urbano de Roterdã (1918), Robert Van’t Hoff  e Gerrit Thomas.



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Nicolas-Antoine Taunay




Nicolas-Antoine Taunay (1755 - 1830)


Nicolas-Antoine Taunay (1755 - 1830) foi um pintor bastante famoso em sua época na cidade de Paris e que veio ao Brasil em 1816 na Missão Artística Francesa. É considerado o mais importante pintor dessa expedição.


Começou a pintar aos treze anos de idade, realizando sua primeira exposição pública em 1877. Seu prestígio era tamanho que seus quadros figuravam no Louvre e outras importantes galerias européias.


Uma vez no país ficou responsável pela cadeira de paisagens da Academia de Belas- Artes do Rio de Janeiro, fundada pela missão. Entretanto, acabou permanecendo no país apenas cinco anos, uma vez que discordava do direcionamento da Academia brasileira. Retornou à França em 1821.


Suas principais obras no Brasil são paisagens, retratos infantis, temas históricos e bíblicos, entre os quais podem ser citados: “Menino Apoiado na Cadeira“, “Largo da Carioca em 1816“, “Outeiro da Glória“, “Cena Marítima no Rio de Janeiro“, “A pregação de São João Batista“ e “Festa Napolitana“.


Em 1822 expôs algumas obras realizadas no Brasil no Salão de Paris. O MASP, em São Paulo, possui alguns exemplares de suas obras.



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Notação




Notação


Notação é o conjunto de símbolos convencionais pelos quais são indicados os sons da música, bem como de sua interpretação. Até os dias de hoje, a notação passou por diversas etapas. Em seus primórdios utilizou uma linha que simulava a sinuosidade da voz. Considerada insuficiente, foram acrescentadas mais quatro linhas para definir corretamente os intervalos. Guido D’Arezzo, Monge Beneditino (995-1050), definiu a maioria dos símbolos que são utilizados até hoje. A partir da primeira sílaba de cada estrofe de um hino a São João Batista, criou o nome das notas musicais.


UT-queant laxis


RE-sonare fibris


MI-ra gestorum


FA-muli tuorum


SOL-ve polluti


LA-bii reatum


SI-ancte I oannes


Posteriormente, os italianos substituíram a sílaba UT pela sílaba DO, por ser mais sonora. Outra importante inovação introduzida foi a definição da notação proporcional, que utiliza sete símbolos, expressando a duração das notas.


Máxima


Longa


Breve


Semibreve


Mínima


Semínima


Fusa


Nos dias de hoje, a Máxima, a Longa e a Breve caíram em desuso, tendo sido acrescentadas a colcheia, a semicolcheia e a semifusa, na seguinte ordem:


Semibreve


Mínima


Semínima


Colcheia


Semicolcheia


Fusa


Semifusa


Além do pentagrama e das notas foram criados outros símbolos, como claves, acidentes, duração dos compassos, pausas etc...



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Nouvelle vague




Nouvelle vague


Movimento empreendido por diretores do cinema francês originado ao final dos anos 50. As idéias principais que deram forma ao movimento eram a defesa ao chamado “cinema de autor” em oposição ao cinema de estúdio, além de uma renovação da linguagem cinematográfica em oposição à narrativa convencional então predominante no cinema francês considerado estagnado pelo movimento. A Nouvellle vague (ou literalmente “nova onda”) reuniu, em sua causa, diretores hoje amplamente reconhecidos pela crítica mundial, entre eles Jean-Luc Godard, Louis Malle, François Truffaut e Alain Resnais. A Nouvelle vague, da qual foram originados filmes como Acossado (de Godard), Os Incompreendidos (de Truffaut), teve suas principais produções cinematográficas caracterizadas pelo emprego de pequenas equipes de produção e tomadas em lugares públicos, exercendo grande influência, por exemplo, sobre algumas idéias centrais do Cinema Novo no Brasil.  


 



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Novo Realismo




Novo Realismo


O termo Novo-Realismo  costuma ser usado para designar uma certa tendência entre as reações ao Expressionismo Abstrato que se manifestou no final da década de 50, início da década de 60. Denomina os trabalhos que se utiliza de imagens dos meios de comunicação de massa, ou os produtos manufaturados, utilizados para o dia a dia e feitos em série, em montagens, ou grudados às superfícies dos trabalhos.


Pode, ainda, designar (mais raramente é utilizado nesse segundo sentido) uma tendência de revalorização de um maior naturalismo e objetividade. Nesse caso, como sinônimo de Super-Realismo, refere-se a um estilo na pintura e escultura que privilegia ao máximo a minúcia de detalhes, criando, paradoxalmente, um efeito de não realidade. A pintura através da fotografia é uma técnica comum Super-Realista, razão porque o estilo recebe ainda o nome de Fotorrealismo ou Realismo Fotográfico.


O trabalho do pintor americano Philip Pearlstein, que buscava um retorno ao naturalismo como reação ao expressionismo abstrato, é as vezes considerado Super-Realista. Retratos não idealizados e com grande abundância de detalhes são os principais aspectos de suas obras que permitem essa classificação. Entretanto, alguns críticos defendem que a enorme carga emocional de seu trabalho o desloca do Super-Realismo.



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Obelisco




Obelisco


Uma enorme e alongada coluna de pedra, normalmente granito, monolítica, de secção quadrada ou retangular, com a extremidade superior piramidal. Foram construídos largamente no Egito antigo, de onde foram levados para a Europa e, lá, reerguidos.



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Oboé & Corne Inglês




Oboé & Corne Inglês


Instrumento musical criado no século XVII, para utilização em recintos fechados. Acredita-se que os primeiros oboés foram desenvolvidos pela família Hotteterre e usados na Corte de


Luis XIV. No século XIX, sofreu importantes modificações, com a inclusão de chaves, tal como na flauta e no clarinete. O oboé pertence ao grupo das madeiras na orquestra sinfônica e é um instrumento de palheta dupla. Na orquestra serve de base para a afinação dos demais instrumentos. Além do instrumento convencional são utilizados o oboé d’amore e o corne inglês.



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Oitava




Oitava


Intervalo de doze semitons entre dois sons. As notas de uma oitava têm o mesmo nome.



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Ópera




Ópera


Performance teatral cantada onde a música é o elemento principal.



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Oratório




Oratório


Composição musical para solistas, coro e orquestra. O Messias de Handel é um dos oratórios mais famosos já produzidos.



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Ordem




Ordem


Na arquitetura clássica, uma ordem é composta de dois elementos essenciais; coluna, com base (com exceção da Dórica), fuste e capitel, e entablatura, composta de três partes: arquitrave, friso e cornija, decoradas e proporcionadas de acordo com um dos modos aceitos. Existem as ordens gregas (Dórica, Jônica e Coríntia) e as ordens romanas (Toscana e Compósita).


O Dórico, o mais antigo dos modos, não apresenta base e obrigatoriamente tem êntase. O Jônico, originário da Ásia no século VI a.C., apresenta capitel com volutas e relevos na cornija. A ordem Coríntia surgiu em Atenas no século V a.C. e foi posteriormente desenvolvida pelos romanos; difere da Dórica principalmente por seu capitel ornado com folhas de acanto, oliva ou louros de onde se originam oito pequenas volutas. A Toscana, também conhecida por Dórica Romana é a mais simples das ordens e se caracteriza pela ausência de base e pela presença, não obrigatória, do êntase. Finalmente a ordem Compósita, ou ordem Românica, desenvolvida pelos romanos, é uma combinação de elementos das ordens Jônica e Coríntia (seu capitel reúne as folhas do modo Coríntio e as volutas do modo Jônico); é a mais elaborada das cinco e também a que admite maior variação entre suas representações. 



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Orfismo




Orfismo


O Orfismo foi um movimento que se desenvolveu a partir do cubismo, tendo uma de suas personalidades-chave na figura do pintor Robert Delaunay (1885- 1941). Essa denominação foi dada por Guillaume Appolinaire, em referência à figura mitológica de Orfeu, poeta e músico. Talvez Apollinaire quisesse, com isso, referir-se ao lirismo que os orfistas queriam imprimir às formas cubistas. Além disso, orfismo foi um termo bastante utilizado pelos simbolistas.


Assim se referiu Apollinaire sobre o movimento: “a arte de pintar novas estruturas a partir de elementos que não foram tomados da esfera visual mas foram inteiramente criados pelo próprio artista e por este dotado de plena realidade. As obras do artista orfista devem simultaneamente propiciar um puro prazer estético, uma estrutura que é evidente em si mesma e um significado sublime, ou seja, o tema”.  A partir daí tira-se a importância do abstracionismo para o movimento. De fato, Delaunay e Frank Kupka (outro importante membro do movimento) foram um dos primeiros artistas desse século a utilizarem-se de formas não representativas, buscando pontos de contato entre a música e a abstração pura.


Entre os outros pintores que se utilizaram das premissas orfistas, destacam-se: Fernand Léger, Francis Picabia, e Marcel Duchamp.


Uma característica marcante do orfismo era a importância da cor. “Só a cor é simultaneamente forma e motivo“ - de acordo com o próprio Delaunay. Tanto como o cubismo, preocupa-se em combinar figuras e objetos em uma mesma obra. Além disso, Delaunay, por exemplo, foi cada vez mais desligando-se do motivo natural para basear sua obra em padrões geométricos de cores. Essa busca pelo abstracionismo o aproxima bastante de Kandisky. Os dois artistas chegaram mesmo a trocar suas experiências e tentar fortalecer juntos suas idéias,


Foi um movimento de duração muito pequena e de grande influência sobre a pintura alemã, (inclusive sobre Paul Klee) e sobre o Sincromismo posterior.  



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Orquestra




Orquestra


Conjunto musical tradicionalmente constituído de cordas, madeiras, metais e percussão.



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Ostinato




Ostinato


Figura rítmica ou melódica que se repete continuamente.



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Ouvido Absoluto




Ouvido Absoluto


Refere-se ao indivíduo que tem a habilidade natural de perceber o número real de vibrações por segundo de um som. Os instrumentos musicais tem uma afinação standard, onde o lá central vibra a 440 Hz por segundo. Possuidores de ouvido absoluto reconhecem com facilidade mínimas variações na afinação dos instrumentos.



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Pablo Picasso




Pablo Picasso (1881 - 1973)


O espanhol Pablo Picasso (1881 - 1973) é considerado um dos mais importantes artistas de todos os tempos, tendo sido a grande influência entre os movimentos e demais artistas da primeira metade do século XX.


Extremamente original e versátil, Picasso deixou produções de genial qualidade em meios distintos como a pintura, a escultura, a arte gráfica, a cerâmica e o desenho. Seu talento não pode ser reduzido à identificação somente com uma escola ou estilo, tendo ele transitado durante sua vida por várias tendências, fornecendo constantemente inspiração para a vanguarda do século XX.


Foi um dos fundadores do Cubismo, mas sua arte extrapola as fronteiras desse movimento. Entre seus trabalhos há aqueles mais afinados com tendências distintas como o realismo, o surrealismo e o classicismo, sempre filtradas pelo gênio de Picasso. Além disso, num mesmo período costumavam aparecer em suas obras diferentes temas e estilos, mais uma prova de sua originalidade e particularidade que o transformaram no artista mais famoso do século.


Picasso começou a pintar ainda criança, desenvolvendo seu talento precocemente. Talvez o começo de sua carreira possa ser considerada uma fase um pouco mais constante, destacando-se o Período Azul (1901- 1904), exemplificado por La Vie, de 1903 - dominado principalmente por pinturas  abordando temática social como a pobreza, com predominância de tons azuis - e o Período Rosa (1904- 1906) - com seus tons predominantemente rosas e temas menos austeros como dançarinas e arlequins. Entretanto, duas obras suas do chamado período Rosa, realizadas em 1905 “ A Bela Holandesa “ e “ Mãe e Filho “ já possuem características extremamente contrastantes, relativizando essas definições.


Por esse período Picasso já havia se estabelecido em Paris (ano de 1904, após constantes viagens entre Paris e Barcelona desde 1900), relacionando-se com um círculo de artistas que seriam posteriormente conhecidos como grandes nomes da vanguarda. Por exemplo, relacionava-se com Matisse e os Fauves.


A pintura de Cézanne e as esculturas africanas e ibéricas foram as principais influências que, somadas, inspiraram o pintor a realizar uma das obras que é considerada de maior importância para o século XX e precursora do Cubismo: “ Les Demoiselles d’ Avignon “ . A tela começou a ser pintada em 1907, mas o própria artista afirmou que só foi concluído posteriormente. Com suas formas ilógicas  de cinco mulheres nuas (prostitutas das ruas de Avignon, em Barcelona) foi considerada incompreensível até mesmo para artistas de sua geração, somente sendo exibida publicamente a partir de 1937.


A partir de “ Les Demoiselles d’ Avignon “ desenvolveu suas experimentações cubistas, juntamente com Braque . Porém, já a partir de 1915, pode ser notado uma maior realismo em suas pinturas. Em 1917, viajou para Roma (com Jean Cocteau), desenhando costumes e cenários para espetáculos da cidade. A partir desse contato com a Itália, a influência da arte clássica em suas obras também cresce. “ Mãe e Criança “, de 1921, é um exemplo de suas inclinações neoclássicas.


Entretanto, durante essa mesma época, Picasso também sentia-se inclinado pelo imaginário surrealista, (exemplificado, por exemplo, pela tela “ As três dançarinas “, de 1925) com seus mitos inconscientes e arquétipos, ao mesmo tempo que as formas cubistas também não são totalmente abandonadas em suas obras. Devemos ter sempre em mente que qualquer tentativa de pontuar as “ fases “ de Picasso é um esforço vão, devido suas oscilações e inúmeras atividades. “ Os três músicos “, de 1921 (em suas duas versões), “ As três garças “ de 1924  e a já citada obra “ As três dançarinas “, de 1925, podem exemplificar a variedade de seu estilo num pequeno intervalo de tempo.


 “ Guernica “, de 1937, é um de seus trabalhos mais famosos que expressa um violento protesto contra o bombardeio da capital basca de Guernica realizado por alemães durante a guerra civil espanhola. Revela um artista sensível e profundamente envolvido com os problemas de sua época. Na ocasião chega a escrever que um artista “ é ao mesmo tempo um ser político, constantemente alerta para eventos dolorosos, graves ou felizes, a que reage de todas as maneiras “ .  É uma obra monumental, extremamente passional e com grande significado simbólico. “ Minotauromaquia “, de 1935, já revela o aumento do interesse de Picasso pelos mitos e pelo simbolismo .


As esculturas de Picasso também demonstram grande talento e talvez o mestre poderia ser considerado como um dos grandes escultores do século se a fama de suas pinturas não lhes fizessem sombra. Além disso, sua dedicação à arte escultórica era esporádica. “ Cabeça de Búfalo, Metamorfose “ é um grande exemplo de seu trabalho com esse meio. É considerado um dos pioneiros em realizar esculturas a partir de junção de diferentes materiais.


Seus trabalhos gráficos  são considerados magníficos e possuidores de forte estilo pessoal, como as águas-fortes “ O ateliê do escultor “, de 1933. Também são famosas as suas ilustrações de livros. Quanto às cerâmicas, a partir de 1946 e o fim da guerra, tornou-se uma de suas importantes atividades.


Há museus dedicados especialmente à sua obra em Paris e Barcelona, além de trabalhos seus espalhados pelos principais acervos do mundo.



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Paolo Veronese




Paolo Veronese (1528 - 1588)


Paolo Veronese (Paoli Caliari; 1528 - 1588) foi um pintor maneirista ativo na Escola de Veneza (apesar de ter nascido em Verona, de onde deriva seu apelido). A pintura veneziana posterior deve muito à sua influência, em especial, o século XVIII, quando pôde ser assistido um “resgate“ de sua obra, inspirando artistas da cidade num momento de grande efervescência veneziana.


Discípulo de Ticiano, competiu com Tintoretto em prestígio na sua época, recebendo inúmeras encomendas, para as quais foi necessário montar um ativo estúdio (dificultando, em alguns casos, a identificação de sua obra). Costuma-se afirmar que Paolo Veronese desenvolveu um estilo próprio cedo em sua carreira, mas que o desenvolveu relativamente pouco depois.


É considerado grande decorador, com domínio do uso de cores e minuciosidade de detalhes. Costumava utilizar-se de materiais caros e suntuosos em sua arte, como o mármore e o veludo, provavelmente facilitados pela riqueza de Veneza, que na época passava por sua “Idade do Ouro“.


Um dos episódios mais famosos que cercam a vida desse artista foi sua chamada perante a Inquisição no intuito de prestar esclarecimentos sobre uma obra sua intitulada “A Última Ceia“. Nela, o gosto pela ornamentação e riqueza de detalhes o levou a situar, numa mesma cena, Jesus e seus discípulos, além de bufões, soldados alemães, servos com nariz sangrando, anões, cachorros e papagaios, entre outras figuras.


Questionado sobre quem acreditava estar realmente na Ceia, responde que alguém pode encontrar Cristo e os apóstolos, mas se na cena há espaços vazios, ele pode enriquecê-lo com figuras. A Inquisição prossegue, interrogando se alguém encomendou as figuras de alemães ou bufões na pintura, ao que ele responde: “ Não, senhores, mas eu recebi a encomenda para decorá-la de acordo com meu julgamento. A pintura é grande e me pareceu poder suportar outras figuras”. Não contente, a Inquisição continua, perguntando-o se artistas como ele estão acostumados a adicionar em pinturas aquilo que supõe ser cabível ou apropriado ao assunto, ao que ele responde firmemente: “Eu faço pinturas como julgo cabíveis e como meu talento permite. “Essa passagem é considerada um dos depoimentos mais honestos e firmes na defesa de um trabalho já vistos na História da Arte.


Para solucionar o problema com a Inquisição, ao invés de retirar da cena da Última Ceia as figuras consideradas inadequadas, Veronese, preferiu mudar o nome do quadro para “Cristo na Casa de Levi“.


Outra obra sua bastante conhecida é “As Bodas de Caná“, em que retrata pintores venezianos como Ticiano, Tintoretto, Jacopo Bassano e ele próprio tocando instrumentos musicais num ambiente festivo. São comuns ainda em suas pinturas temas mitológicos, religiosos, leigos e retratos.



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Parapeito




Parapeito


Muro ou parede, de pequena altura, que cerca e delimita um espaço que termina em queda brusca. Os parapeitos são utilizados em construções dispostas a alturas elevadas em relação ao solo, como terraços e pontes. Podem possuir ameias, isto é, pequenas elevações de forma retangular normalmente dispostas separadamente em distâncias regulares, bastante comuns em edificações como castelos e terraços das torres antigas.



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Passacaglia




Passacaglia


Peça musical ternária, de andamento moderado, onde o tema aparece nas regiões graves e agudas alternadamente.



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Pastel




Pastel


O termo pastel pode tanto referir-se ao bastão colorido feito de pigmentos em pó colados, utilizado para desenho ou pintura, quanto às próprias pinturas e desenhos realizados a partir dessa técnica. Nesse caso, as partículas de cor, ao aderirem o suporte sobre o qual a pintura está sendo realizada, permitem esbatidos que produzem um efeito aveludado e de iluminação da obra.


A grande vantagem dos pastéis é a possibilidade do artista saber qual o efeito que a cor terá na obra ao escolhê-la, uma vez que são meios intermediários de pintura interferindo. Na grande maioria dos métodos há diferenças (mesmo que pequenas) entre a cor aplicada e a cor do resultado final, depois de seca.


A desvantagem é a dificuldade de fixação nos suportes que o método apresenta. Além disso, o toque, ou mesmo uma leve vibração pode modificar a pintura. O melhor meio de proteger uma obra realizada através dessa técnica é o uso de vidros nos quadros e o cuidado no manuseio, uma vez que nem mesmo os fixadores resolvem os problemas acima descritos sem realizar interferências nas pinturas, como a redução de seu brilho.


O pastel é uma evolução da técnica do uso do giz nos esboços, desenvolvido na Itália quinhentista (costuma-se fazer referência a Barocci, como um dos pioneiros em obter bons resultados do método). Desde então, essa forma de pintar apresentou notável evolução. Em seus primórdios havia grande restrição de cores: somente o preto, o branco ou o avermelhado podiam ser usados. A partir daí, difundindo-se, em especial entre os paisagistas do século XVIII como Alexander Thiele ou os retratistas como Chardin, suas possibilidades cromáticas foram alargando. O aumento das possibilidades do pastel deve-se principalmente à francesa Rosalba Carriera, que se dedicou integralmente à pesquisa e desenvolvimento da técnica em sua pintura, introduzindo-a em seu país.


Posteriormente, os impressionistas trataram de popularizar o pastel, empregando-o em larga escala em seus trabalhos. Desde então a técnica do pastel vem sendo cada vez mais desenvolvida. Hoje costuma ser associada à possibilidade de se justapor cores, sem contudo misturá-las. Além disso, é usada para representar as mais diferentes temáticas e estilos. Degas, Renoir, Cassat e Toulouse-Lautrec são exemplos de artistas mais próximos que se valeram da técnica.



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Paul Cézanne




Paul Cézanne (1839 - 1906)


O pintor francês Paul Cézanne (1839 - 1906) é considerado um dos artistas de maior importância para o desenvolvimento da Arte Moderna. Sua influência pode ser notada em praticamente todos os movimentos vanguardistas europeus do século XX. É considerado um pós-impressionista e fez parte da geração de pintores que ajudaram a romper com as noções de arte tradicional pregadas pelas academias. Entretanto, apesar de sua importância, seu valor somente começou a ser reconhecido no final de sua vida.


Camille Pissarro e Delacroix por sua vez, foram uma das principais influências do pintor em seu começo de carreira. Cézanne chegou a expor com os impressionistas nas exibições de 1874 e 1877, mas nunca pode ser considerado efetivamente um impressionista. Após a recusa do pintor em expor com o grupo mais uma vez em 1979, vai aprofundando cada vez mais pesquisas  que seriam fundamentais para o trabalho dos artistas que o sucederam.


A principal delas referia-se a uma obsessão em pintar a verdadeira natureza do mundo. Buscava escapar das influências interpretativas da razão e dos sentidos para captar “ objetivamente “ a realidade imutável (daí já percebe-se sua fundamental diferença com os Impressionistas que baseavam-se na subjetividade das impressões causadas pelo exterior). E a partir dessa idéia aparentemente simples, Cézanne foi capaz de realizar uma verdadeira revolução na História da Arte.


Para isso, julgava necessário encontrar um foco, para poder “ realizar “ (dar existência efetiva) o seu “ motivo “ (o objeto de que partiria a obra), sem contudo deixar de pintá-lo em sua plenitude, a mesma que possuía fora da tela. Uma das principais técnicas de que se valia para tentar realizar tão difícil tarefa  era a “ modulação “ compreendida como o ajuste do material em que a pintura era realizada à sua intensidade  (por exemplo, a cor). A busca desse foco que permitiria enxergar as coisas sem distorções de percepção deu origem à formas geométricas que posteriormente exerceriam grande influência sobre o Cubismo (apesar de já desvirtuadas da finalidade de Cézanne). O uso das cores, principalmente com efeitos fragmentados como mosaicos coloridos integradas ao todo, foi outro método utilizado pelo pintor na busca de suas metas.


Entre as obras do artista, podem ser citadas: “ O Jardim de Lauves “, as aquarelas “ Paisagem com Moinho “ ou “ Mulher com Cafeteira “ .


As pinturas de paisagens  foram também extremamente utilizadas por Cézanne em sua pesquisa de formas. Destaca-se a montanha Sainte- Victoire, no sul da França (perto de sua propriedade em Aix-en -Provence, localidade onde nasceu), como um de seus temas preferidos. “ A Montanha Sainte Victoire “, de 1904 é uma dessas representações.



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Paul Gauguin




Paul Gauguin (1848 - 1906)


O pintor Eugène-Henri-Paul Gauguin (1848 - 1906) exerceu enorme influência sobre a arte do século XX.  Começou a pintar relativamente tarde, aos vinte e cinco anos de idade, dedicando-se desde então com afinco à nova atividade. Tendo sido colecionador de arte, estudou bastante por conta própria e aprendeu muito com os principais nomes das pintura na época: Cézanne e Degas, entre eles (sua turbulenta relação com Van Gogh é diferente, uma vez que tencionava guiá-lo na pintura). Entretanto, suas obras, terminam por negar o impressionismo de seus mestres que “se dirigia à periferia do olho e não ao misterioso centro do pensamento“ e a transcender ao próprio simbolismo, escola com a qual mais se identifica.


Morou durante alguns anos de sua infância no Peru, tudo indica que com muito conforto e sem nenhuma espécie de dificuldades financeiras. Muitos críticos chegam a cogitar que sua pintura foi bastante influenciada por esses primeiros anos de vida, uma vez que o sentimento de recuperação de uma espécie de “paraíso perdido“, em contraste com sua vida turbulenta, é algo visível em seus quadros. De qualquer forma, acreditava ser descendente de incas e muitas de suas obras, buscando o resgate do primitivo, referem-se ao “índio selvagem“ que ele afirmava ser parte dele mesmo.


Acreditava que a pintura deveria ser feita de memória, que a arte era uma abstração e que as figuras não deveriam ser representadas segundo a natureza. Entretanto não deveriam deixar de expressar qualidades e o universo daquilo a que se referem, “invocar belos pensamentos com a forma e a cor “. Compartilhava do pessimismo do filósofo Schopenhauer, de sua crença no poder da vontade e da sua admiração pelo budismo.


A Bretanha e o Taiti, alguns locais em que o pintor fixou residência após adulto (além da tumultuada França da época, que passava por intensa turbulência social), tiveram influências específicas em sua obra.  “A visão depois do sermão“, quer expressar a fé das aldeãs bretãs que lhes possibilita, após um sermão, ter visões sobre o que lhes foi relatado.  A idéia nasceu de um quadro do amigo Bernard - “Mulheres bretãs na campanha“ (aldeões vestidos para o Perdão do Pont-Aven, dividindo a cena com mulheres vestidas com roupas da cidade). Suas alterações em relação ao quadro do amigo foram mudanças de cores (pinta de vermelho o verde do quadro de Bernard), a mudança da igreja de Pont-Aven para uma menos moderna da aldeia vizinha e a introdução de Jacó e o anjo de forma conflitante. Pinta o círculo de mulheres melhor do que o amigo e tenta, antes de mais nada, transcender o tema naturalista da obra que o inspira. Pode ser considerado o melhor trabalho do início de sua carreira.


Além disso, ele próprio costuma aparecer em suas pinturas, seja em “Bom dia, Sr. Gauguin“, seja retratado como um demônio no “Auto retratado caricaturado“, seja como o Cristo em “A Agonia do Jardim“,  “A Crucificação“ e a “Deposição“.


Da fase em que morou no Taiti, destaca-se “Manao Tupapau, o Espírito do Morto Vigia“, sobre o medo do escuro e da própria morte por parte do homem. Uma menina deitada é vigiada por um espírito “o espírito de uma alma viva unida a de um morto“, nas próprias palavras de Gauguin. Foi inspirado em Teha’amana, uma garota de 13 anos por quem se apaixonara no Taiti.


“De onde viemos? O que somos? Para onde vamos? “, são as palavras escritas em uma de suas últimas pinturas, em que um homem colhe fruto em uma árvore. A cena é repleta de animais, crianças e “Selvagens infantis“, num mundo cheio de erotismo. Procura ser uma declaração filosófica sobre a vida.


Morre em 1903, vítima da sífilis. Três anos mais tarde é feita uma grande exposição sobre sua obra no Salão de Outono em Paris que exerce grande influência sobre as futuras gerações.



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Pavane




Pavane


Dança cortesã de origem espanhola.



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Pedestal




Pedestal


Na arquitetura clássica, um pedestal era a base de um elemento portante (uma coluna por exemplo), também podendo aparecer sustentando uma estátua ou alguma outra estrutura. Quando detalhado de acordo com uma das ordens consiste de plinto (base), a primeira parte, dado, a parte intermediária, corpo do pedestal e coroando o elemento; a cornija.


Balaustrada é um conjunto de pedestais, com ou sem função estrutural intercalados por balaústres (pequenas colunas redondas ou poligonais geralmente trabalhadas com algum relevo, podendo ser de madeira ou pedra, que sustentam um parapeito ou um corrimão). 



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Pedro Américo




Pedro Américo (1843 - 1905)


Pedro Américo de Figueiredo e Melo (1843 - 1905) nasceu em Areia, Paraíba e em 1856 ingressou na Escola de Belas-Artes do Rio de Janeiro. O estilo acadêmico que começou a absorver através da escola marcaria toda a sua carreira.


Com boas relações com a corte brasileira, o Imperador custeou uma viagem de Pedro Américo à França, onde permaneceria por cinco anos, completando seus estudos de pintura. Também  doutorou-se em Ciências Físicas e Naturais, em Bruxelas.


Suas pinturas são grandiloqüentes, conforme atestam os quadro históricos pintados em Florença por encomendas oficiais brasileiras como: "Grito do Ipiranga" e "Batalha do Avaí". "Batalha de Campo Grande", "A Primeira Missa no Brasil", "Paz e Concórdia" e "Joana D’Arc" são outros exemplos da obra do pintor, fortemente influenciado pelo neoclassicismo.


Pedro Américo é considerado um dos principais expoentes da pintura histórica brasileira oitocentista, juntamente com Victor Meirelles (principalmente por trabalhos como "A Batalha de Avaí", exposta em 1879 e tida como uma das melhores obras da segunda metade do século    XIX).


Apesar de ser prestigiado em sua época, a preservação do academicismo em seus trabalhos e sua indiferença às mudanças que vinham ocorrendo na pintura de seu tempo, principalmente na Europa, continente que freqüentava e, portanto, tinha oportunidade de entrar em contato, é uma crítica freqüente feita ao artista.


Pedro Américo foi ainda escritor, realizando obras como : "A Ciência e os Sistemas" (científico) e "Holocausto" (romance).


Morreu em Florença, na Itália.



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Pentatônica




Pentatônica


Escala composta de cinco notas. A escala mais comum é formada pelas cinco teclas pretas do piano.



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Pérgula




Pérgula


Também chamado de Pérgola ou Pergolado é um elemento encontrado em parques e jardins. 


Consiste de uma estrutura geralmente formada por duas fileiras de pilares que sobre si sustentam vigas. Essas vigas normalmente se apresentam cobertas por algum tipo de vegetação montante que faz sombra sobre a passagem tornando-a assim mais confortável.



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Período Proto-Histórico




Período Proto-Histórico


A cultura dos povos da Mesopotâmia já apresenta desenvolvimento anteriormente ao ano de 3.000 a.C. Desenvolvia-se neste período a linguagem na forma escrita. Na construção das casas, dos muramentos que cercavam as cidades e ainda dos templos de culto eram utilizados tijolos de barro. Já neste período, a confecção de diversos utensílios domésticos era desenvolvida: em escavações arqueológicas nestas cidades, foram encontrados diversas vasilhas, vasos e outros objetos similares.



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Perspectiva




Perspectiva


Denomina-se perspectiva qualquer sistema de representação que permita que  possamos ver um objeto representado sobre um plano como ele nos aparece quando efetivamente o olhamos. Em outras palavras, é um sistema que garante tridimensionalidade para as figuras representadas em pinturas ou desenhos dimensionais.


Há várias métodos de se criar efeitos de perspectiva. Uma perspectiva aérea, por exemplo, é realizada pela redução da intensidade das cores  e da minúcia de objetos distantes, recriando os efeitos da atmosfera (outro nome pela qual é conhecida).


Foi mais freqüente o uso e valorização da perspectiva a partir do Renascimento Italiano. Brunelleschi é um dos prováveis “ inventores “ da perspectiva matemática, a partir de um ponto de vista fixo e central. Masaccio é considerado um dos primeiros a melhor explorar seus efeitos práticos. Desde então, praticamente até o século XIX, era inconcebível a obra de um pintor ser considerada de qualidade se não houvesse perspectiva em suas representações.


Entretanto, nem sempre foi assim na História da Arte. A arte de povos primitivos, por exemplo, dificilmente apresenta domínio dessa técnica. Na Idade Média, ela não era totalmente desprezada, mas realizada a partir de um curioso sistema intuitivo de linhas divergentes (justamente as linhas que na perspectiva  tradicional iriam convergir).


Orientais, como os chineses, desenvolveram seu próprio sistema de perspectiva: a perspectiva paralela.



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Piero Della Francesca




Piero Della Francesca (1410/20 - 1492)


Piero della Francesca (1410/20 - 1492) foi durante muito tempo apenas conhecido como excelente matemático. Recentemente foram resgatas suas obras e reconhecido seu valor como um dos principais artistas italianos do século XV, que abriram caminho para os grandes artistas da Alta Renascença.


Tendo se empenhado profundamente no estudo das obras e descobertas de artistas que o precederam e as de seus contemporâneos - é considerado um dos principais herdeiros de Masaccio - Piero Della Francesca foi hábil para unificar esse tipo de conhecimento e ampliá-lo. Aliado a sua própria aguda percepção matemática, criou um estilo próprio, monumental, com brilhante uso da perspectiva (assunto sobre o qual inclusive escreveu um livro), da dramaticidade, simplicidade e dos jogos de luz.


Apesar de ser Florença o grande centro artístico da época, Piero somente passou lá um breve período de treinamento. Trabalhou efetivamente em cidades ao norte da Itália, como Arezzo, Urbino e Ferrara.


“O Sonho de Constantino“, em que o pintor se reporta ao sonho do Imperador Romano que converteu-o ao Cristianismo, é um ótimo exemplo da maestria desse artista no uso da luz. Além de modelar a forma das figuras, auxilia na criação do próprio efeito de perspectiva ao dar a noção de profundidade e na instauração de uma atmosfera misteriosa propícia ao tema retratado.


“A Lenda da Verdadeira Cruz“ é consideradaum de seus principais trabalhos. Trata-se de uma série de afrescos na Igreja de São Francisco, cidade de Arezzo, cujo tema é uma lenda medieval bastante fantástica e complexa. Combinava a história de origem da cruz como um pedaço de madeira preservado da Árvore da Vida paradisíaca e sua redescoberta por Santa Helena. O talento de Piero transformou-a em imagens serenas, delicadas e solenes.


Seus últimos trabalhos foram realizados na corte do humanista Frederico da Montelfreto. Lá xecutou várias obras, sendo a mais famosa “A Flagelação“. Extremamente enigmática, com uso fantástico de perspectiva e geometria espacial, foi alvo de várias interpretações. É cogitado que seja desde o sonho de São Gerônimo até o arrependimento de Judas.


Cogita-se que o pintor tenha ficado cego nos últimos anos de sua vida (hipótese não totalmente comprovada) e que isso tenha interrompido sua carreira.



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Pierre- August Renoir




Pierre- August Renoir (1841- 1919)


Renoir é considerado um dos mais importantes e famosos pintores impressionistas. Apesar de suas obras no início da carreira terem sofrido forte rejeição, por serem demasiadamente diferentes aos padrões da arte vigente, alcançou grande notoriedade ainda em vida. Uma prova disso foi a compra de um quadro seu pelo governo francês, em 1892.


Afirmando que existiam coisas desagradáveis suficientes no mundo para que a arte também o fosse, Renoir imprime aos seus quadros, que refletem bem a belle époque, um clima leve, descontraído e de exaltação à vida. Pintava cenas agradáveis, mulheres e crianças belas exprimindo felicidade. Abusava das cores e dos brilhos. Seu estilo, denominado pelo crítico da época Louis Leroy de impressionista, uma vez que não captava a perenidade das coisas e sim as impressões do momento, acabou por firmar-se em importante capítulo da história da arte.


Nascido a 25 de janeiro de 1841 em Limonge, França, logo muda-se com a família para Paris e frequentando aulas de pintura em porcelana e desenho. Já adolescente, dedica-se também à pintura de leques e tecidos, desenvolvendo sua habilidade manual. Aos vinte e um anos ingressa na Escola de Belas- Artes, em Paris e passa a frequentar, juntamente com outros jovens como Monet (seu grande amigo futuro), Sisley, Pissarro e Bazile, o atelier do pintor Gleyre.


 "A Hospedaria da Mãe Anthony" é um de seus primeiros quadros, bastante influenciado pelo pintor realista Courbet, mal visto pelos críticos da época. Capta uma cena cotidiana sem falsidade ou pretensão, com personagens e situações do mundo real.


Bastante influenciado pela fotografia, une-se a Manet, Cézanne, Monet, Pissarro, Degas, Sisley e Bazille, na defesa de sua arte dinâmica, da impressão subjetiva contra "o conservadorismo" da arte oficializada nos salões, fundando a "Sociedade Anônima dos Pintores, Escultores e Gravadores". Extremamente rejeitados pela crítica, vão ganhando progressivamente aceitação até o ano de 1879. Renoir, então, ganha notoriedade e recebe pedidos para realizar retratos como "A Senhora Monet lê Le Figaro".


Viaja para a Itália, procurando ampliar seus conhecimentos e modificando suas formas, principalmente as femininas, que ganham maturidade. Da moça "Lise", do início da carreira, mulher não idealizada, vestida de branco, misturando-se levemente às manchas verdes que lembram árvores ao fundo, chega a tipos como "As Banhistas". Nesse último já não há fusão entre as mulheres nuas e o ambiente, os corpos femininos destacam-se separados de todo resto de maneira clara e definida.


Atacado por reumatismo em 1905, continua a pintar, já tendo obtido inegável sucesso artístico, imortalizando obras como "O Baile no Moulin de la Galette“ (1876). Nele representa de forma festiva uma tarde de encontro entre jovens em praça pública, dançando e conversando. Possui a forma de composição revolucionária imposta pelos impressionistas, o uso abundante de cores e luz característica dessa escola, e o enfoque em certos detalhes da cena.


Jean Renoir (1894 -1979), conhecido diretor de cinema, é um de seus filhos.



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Pilar (arquitetura)




Pilar (arquitetura)


Elemento construtivo de sustentação, que, diferentemente da coluna, não segue nenhuma ordem. Geralmente apresenta seção retangular ou poligonal, mas podem existir pilares de seção circular. Os pilares podem apresentar-se como elementos isolados ou ser estruturados exatamente como uma coluna (com base, fuste e capitel). Nessa situação não diferem muito da coluna; exceto pela ausência do êntase. Outro elemento construtivo bastante similar ao pilar é a pilastra; o que difere é que a pilastra sobressai da parede. Algumas das variações do pilar são: pilares cruciformes: apresenta, no centro da seção, um quadrado de onde se propaga um pilar para cada lado; pilar fasciculado: reúne diversas meias-colunas ou ¾ de coluna, geralmente dispostas bilateralmente, que prosseguem pela abóbada ou arcadas, formando os arcos transversais ou as nervuras.



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Pilastra




Pilastra


	*ver Pilar 



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Pinacoteca Antiga de Arte de Munique




Pinacoteca Antiga de Arte de Munique


O edifício, grande e imponente, onde se concentra a Pinacoteca Antiga de Arte, localiza-se em Munique e possui estilo neoclássico. Projeto do arquiteto Leo von Klenze, foi construído entre 1826 e 1836, tendo Luís I como grande incentivador.


O acervo de arte da Pinacoteca Antiga de Munique compreende coleções de pinturas desde o século XV até a primeira metade do século XIX. Trata-se de uma coleção bastante rica com cerca de mil e quatrocentos quadros, que incluem artistas de países como Alemanha, Flandres, Holanda, Itália, Espanha e França. Citando os nomes de alguns dos expoentes de cada país presente na Pinacoteca Antiga: da Alemanha, Stephan Lochner (“Mestre da Vida da Virgem”, “Mestre do Retábulo de Aix-la-Chapelle”), Albrecht Dürer, Hans Baldung, Lucas Cranach o Velho e Lucas Cranach (o Moço, filho do anterior), Albrecht Altdorfer. Christoph Amberger e Hans Muelich (ou Mielich); de Flandres, Pieter Bruegel o Velho, Peter Paul Rubens (com um número de obras bem representativas). Ainda no acervo de Flandres, vale a pena conhecer a tela de um Artista Flamengo Anônimo denominada “Retrato de Família”, datada por volta de 1630, obra de nítidas tendências humanistas e de excelente cunho retratista. Da Holanda, temos Frans Hals, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Gerard Ter Borch, Pieter Janssens Elinga (quadro “Mulher lendo”), Jan van Huysum (quadro “Cesta de flores”);


da Itália, Giotto, Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael, Ticiano, Tintoretto; da Espanha, El Greco, Diego Velázquez de Silva, Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo e Francisco de Goya y Lucientes;da França, Nicolas Poussin, Jean François Millet e François Boucher.


As primeiras obras pertencentes ao Museu são provenientes da época do Arquiduque Guilherme IV (1493-1550). As obras desta fase podem ser divididas em três grupos: primitivos alemães, pintura italiana renascentista e pintura barroca européia.


O Duque Albrecht V (1550-1579), filho de Guilherme IV, foi um colecionador. Em sua época, o patrimônio da Pinacoteca Antiga cresceu com antigüidades e objetos decorativos.


No século XVIII, a pinacoteca foi altamente enriquecida com a aquisição de obras de Van Dyck, Murillo, Rubens e Bruegel.


No século XIX, novas obras entraram para o acervo: pinturas primitivas alemãs, pinturas de Holbein o Velho, de Tintoretto, de Rubens, de Albrecht Dürer, de Giotto, Lippi, Botticelli, Rafael, Fra Angelico, Altdorfer e tantos outros.


O Museu não teve adequada assessoria administrativa em boa parte do século XIX, pois seus diretores e conservadores eram pintores acadêmicos que se preocupavam em ficar pintando nos escritórios do museu, colocando a administração em completo segundo plano. Para se ter uma idéia da situação, basta dizer que leiloaram novecentos e setenta e um quadros do acervo em 1852, entre os quais um retrato de Albrecht Dürer (vendido por apenas trinta florins), sem ao menos terem estudado seriamente todas as tais obras. Para o bem da Pinacoteca Antiga, um perito em arte, Von Reber, foi designado para a direção do museu em 1875.



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Pinacoteca de Dresden




Pinacoteca de Dresden


Fundada em 1722 pelo príncipe eleitor Augusto II, conhecido como Augusto o Forte. Este veio a morrer em 1733, tendo sido sucedido por seu filho Frederico Augusto III, o qual era um grande aficionado pela arte de colecionar.


A aquisição de obras de arte cessou com o início da Guerra dos Sete anos. Muitos quadros, em 1759, foram levados para a fortaleza de Königstein, tendo alguns sofrido irreparáveis danos.


O edifício da Pinacoteca foi construído entre 1847 e 1855, sob projeto de Gottfried Semper (1803-1879). Seu estilo é o renascentista italiano e, logo que terminado, acolheu duas mil e duzentas obras. Após tentativas anteriores não tão bem sucedidas, foi confiada a direção da Pinacoteca a Karl Woermann (1847-1933), que a assumiu em 1882. Ele era um historiador e um estudioso da arte.


Em 1836 instituiu-se um “Comitê”, mais tarde “Comissão”, com o objetivo de cuidar das pinturas e conservá-las, entre outras coisas.


Somente na segunda metade do século XVIII a Pinacoteca foi aberta a visitantes estrangeiros. Antes  disso, a entrada era facultada apenas à família real, à corte e a alguns privilegiados (burgueses e aposentados ricos). Ainda na metade do século XIX o acesso à Pinacoteca era vedado aos camponeses, ao povo, aos operários e aos artesãos, muito embora a Pinacoteca já estivesse estatizada, visto que o regime absolutista saxão transformara-se em monarquia constitucional (1831). Entre 1946 e 1965 a pinacoteca teve o castelo de Pillnitz como sede temporária.


Durante a Segunda Guerra Mundial, duzentas e seis telas foram destruídas. Mas o catálogo das perdas relacionava mais de quinhentas e sete obras em falta, com destino até hoje duvidoso. Em 1937, já antes da Guerra, a ação nazista da "Entartete Kunst" (arte degenerada) arrebatara da Neue Meister (um setor da Pinacoteca de Dresden dedicado à arte do século XIX), do gabinete das gravuras e da coleção de esculturas um total de quatrocentas e trinta e sete obras. 


Em 1945, quatrocentos e setenta e oito quadros foram temporariamente levados para Kiev e setecentos e sessenta e dois para Moscou; outros para Leningrado, onde foram restaurados em parte. O 164°  Batalhão do V Exército do I Fronte ucraniano, a 8 de maio de 1945, sob o comando do major Perevostcikov, recebeu ordem para achar e colocar a salvo as obras de arte escondidas. Foi com grande dificuldade que soldados, oficiais, além de estudiosos, técnicos, artistas e restauradores empreenderam um belíssimo e exemplar comando de salvamento. Recuperadas, as obras foram temporariamente acolhidas nos Museus de Kiev, Moscou e Leningrado, muitíssimo bem cuidadas pelos soviéticos. Em 1955, essas mil duzentas e quarenta obras-primas voltaram para Dresden.


A guerra levou a perdas irreparáveis também para os outros museus de arte alemães. Em 1958, a então União Soviética fez a restituição das obras dos museus alemães e também de mais seis coleções de Dresden.


O edifício da Pinacoteca, projetado por Semper, ficou muito danificado por bombardeios na noite de 13 de fevereiro de 1945. Na época da reconstrução, as obras de Dresden ficaram no Museu Pushkin de Moscou; de novembro de 1955 a abril de 1956 as obras ficaram na Galeria Nacional de Berlim. Em 3 de junho de 1956, nos festejos de 750 anos da cidade, foram inauguradas a parte oriental e a central da Pinacoteca e reedificara-se uma primeira parte da construção. A 31 de outubro de 1960, totalmente reconstruída, a Pinacoteca de Dresden foi inaugurada, comemorando 400 anos das Coleções de Arte de Dresden. O diretor da Pinacoteca, Henner Menz, proferiu um discurso. Os arquitetos responsáveis pela reedificação foram Zimmermann e Frenzel.


Os burgueses progressistas, já no século XIX, pediram que se abrisse o Museu para o povo e que a arte fosse utilizada " como meio muito eficaz de educação nacional ".


Na Pinacoteca de Dresden destacam-se a seguir pintores e respectivas obras significativas: na pintura italiana (século XIV-XVIII), Lorenzo de Credi (“Retrato de jovem”), Sandro Botticelli (“Cenas da vida de São Zenóbio: último milagre do santo”), Rafael (“Madona Sistina”), Francesco del Cossa (“A Anunciação”), Correggio (“Adoração dos pastores ou A Noite”, “Madona de São Jorge”), Francia (“A adoração dos Magos”), Parmigianino (“Madona da Rosa”), Andrea Mantegna (“Madona com o Menino e santos”), Valentim de Boullogne (“Os jogadores de cartas”), Cima da Conegliano (“Apresentação da Virgem no templo”), Giorgione e Ticiano (“Venus adormecida”), Ticiano (“Retrato de uma jovem, “Cristo e a moeda do tributo”), Leandro Bassano (“Moisés”), Veronese (“As Bodas de Canaã”, “A família Cuccina apresentada à Madona”), Bernardo Strozzi (“A tocadora de violoncelo”), Canaletto (“Praça São João e Paulo em Veneza”), Bernardo Bellotto (“Vista de Dresden da margem direita do Elba”, “Mercado novo em Dresden”), Rosalba Carriera (“A condessa Orzelska”); na pintura flamenga e belga (séculos XV-XX), Jan van Eyck, Peter Paul Rubens (“Mercúrio e Argos”), Anthonis van Dyck (“Os filhos de Carlos I da Inglaterra”, “Homem com armadura”), James Ensor (“Natureza-morta com repolho crespo”);na pintura holandesa (séculos XVI-XIX), Joos Momper o Jovem (“Paisagem de montanha com moinho”), Rembrandt van Rijn (“Sansão propondo um enigma aos convidados do casamento”, “Auto-retrato com Saskia”, “Retrato de Saskia com chapéu”, “Saskia segurando um cravo vermelho”, “O rapto de Ganimedes”), Jan Vermeer (“Jovem mulher lendo uma carta”), Gerard Gerrit Dou (“Auto-retrato de pintor em seu estúdio”), Adriaen van Ostade (“Auto-retrato do pintor em seu estúdio”), Vincent van Gogh (“Natureza-morta”); na pintura espanhola (séculos XVI-XVII), El Greco (“Cristo cura o cego”), Velázquez (“Don Juan Mateos”); na pintura alemã (séculos XV-XX), Albrecht Dürer (“Altar de Dresden : Madona com o Menino, Santo Antão Abade, São Sebastião”), Lucas Cranach o Velho (“Duque Henrique o Pio”, “Duquesa Catarina von Mecklenburg”), Hans Holbein o Jovem (“Charles de Solier, Sieur de Morette”), Anton Raphael Mengs (“Auto-retrato com manto vermelho”), Joseph Heintz o Velho (“O rapto de Prosérpina”), Caspar David Friedrich (“A Cruz na montanha”), Wilhelm Leibl (“Retrato de uma moça”), Emil Nolde (“Barcos à vela no mar amarelo”), Lyonel Feininger (“Uma rua à noite”); na pintura francesa (séculos XVII-XIX), Nicolas Poussin (“Pã e Siringe”), Claude Lorrain (“Paisagem com fuga para o Egito”. “Paisagem com Ácis e Galatéia”), Antoine Watteau (“Conversação num parque”), Jean Etienne Liotard (“Moça com o chocolate”), Maurice Quentin de La Tour (“O conde Maurício da Saxônia”), Edouard Manet (“Retrato de Jeanne Martin ou A mulher em rosa”), Edgar Degas (“Duas bailarinas conversando”), Claude Monet (“As margens do Sena em Lavacourt”), Paul Gauguin (“Duas mulheres taitianas sentadas”) e Pierre Auguste Renoir (“O Capitão D'Arras”).



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Pinacoteca do Estado de São Paulo




Pinacoteca do Estado de São Paulo


A Pinacoteca do Estado de São Paulo foi fundada em 1905 por Ramos de Azevedo, Freitas Valle, Adolfo Pinto e Sampaio Viana. O acervo inicial formou-se de doações de obras, entre outros, de Pedro Alexandrino, Almeida Júnior e Oscar Pereira da Silva.


A 24 de dezembro de 1911 aconteceu a primeira grande exposição coletiva sob o nome “I Exposição Brasileira de Belas Artes”, que durou um mês. Ao final de 1912 foi realizada a “II Exposição Brasileira de Belas Artes” e que não teve mais seqüência.


É muito interessante observar que o acervo foi crescendo com as doações feitas pelos próprios artistas que, como “Pensionistas do Estado” e portadores de bolsa de estudo, deviam em troca doar obras que atestassem seu desenvolvimento artístico. Entre estes artistas podem ser citados: Victor Brecheret, Alípio Dutra, Túlio Mugnaini, Anita Malfatti, entre outros.


Após várias passagens bastante conturbadas e sem muito destino, a Pinacoteca em 1965 chegou a organismo autônomo, desligando-se do Liceu de Artes e Ofícios e da Escola de Belas Artes, vinculando-se à Secretaria da Cultura, Esportes e Turismo.


Em 1989 a Pinacoteca do Estado passa a tomar novamente o piso superior do edifício, que estava ocupado pela Faculdade de Belas Artes há mais de quarenta anos. O Museu passou, pois, a ocupar o edifício na sua totalidade, ou seja, cerca de 10.000 metros quadrados.


O acervo foi-se constituindo numa linha clássica, com uma coleção exemplar de obras de artistas do século XIX.


A arte do século XX passou a ser introduzida após as reformas do prédio (ocorridas de 1970 a 1980), quando também se ampliaram as atividades do museu através de exposições, programas educativos e cursos.


Foram adotadas técnicas museológicas mais atualizadas. Com as gestões de Aracy Amaral


(1975-1979) e Fábio Magalhães (1979-1982), deu-se um grande impulso à divulgação de arte contemporânea e ao centro de estudo da Pinacoteca, dinamizando a biblioteca, o setor de documentações, a restauração e conservação de todo o material, com uma maior valorização da arte brasileira.


O edifício da Pinacoteca foi projetado por Ramos de Azevedo e tombado a 5 de maio de 1982.


O museu desenvolve inúmeras atividades como exposições, cursos, palestras, e o acervo atual mostra obras acadêmicas, modernas e contemporâneas, num total aproximado de quatro mil.


Nas coleções constam obras de pintura (mil e cem obras), desenho, gravura (novecentas e vinte e nove obras ao todo), escultura (cento e quarenta e cinco peças), fotografia (cento e onze ao todo), xerografia, arte objeto, artes gráficas, tapeçaria, cerâmica, colagem, objetos e mobiliário, medalhas e máscaras mortuárias.


Entre alguns expoentes presentes na Pinacoteca do Estado temos: na pintura, José Ferraz de Almeida Júnior, Belmiro Barbosa de Almeida, Oscar Pereira da Silva, Tarsila do Amaral, Rodolfo Amoêdo, Oswald de Andrade, Manuel Araújo, Dario Villares Barbosa, Pedro Alexandrino, Aldo Bonadei, Antonio Bontempo, Mário Gruber, Samson Flexor, Antonio Gomide, Clóvis Graciano, Arcângelo Ianelli, Benedito Calixto, Aldemir Martins, Pedro Américo de Figueiredo e Melo, Emiliano di Cavalcanti, Tomie Ohtake, Antonio Parreiras, Cândido Portinari, Luís Sacilotto, Lasar Segall, Flávio Shiró Tanaka, Eliseu Visconti, Alfredo Volpi e outros; no desenho, Samson Flexor, Henrique Bernardelli, Tarsila do Amaral, Lívio Abramo, Luís Sacilotto, Cândido Portinari e muitos outros; na gravura, Lívio Abramo, Octávio Ferreira de Araújo, Maria Bonomi, Iberê Camargo, Marcelo Grassmann, Renina Katz e Fayga Ostrower; na escultura, Victor Brecheret, Auguste Rodin (a Pinacoteca adquiriu sete esculturas recentemente), Lygia Clark, Bruno Giorgi, Lasar Segall, Franz Weissmann e Aristide Maillol (a Pinacoteca adquiriu uma escultura recentemente).


Endereço: Avenida Tiradentes, 141 e Praça da Luz, 2, São Paulo.


Telefones: (011) 227-63 29   /  229-07 95  /  fax 228-96 37 


Horário de atendimento: terça a domingo das 13:00 às 18:00 horas. Possui uma livraria em funcionamento. 



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Pináculo




Pináculo


	*ver Contraforte 



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Pintura




Pintura


Pintura é a atividade artística que consiste na aplicação de pigmentos coloridos em um plano bidimensional, geralmente em uma superfície previamente preparada para tal uso. A superfície de aplicação dos pigmentos também pode variar, desde murais e paredes até as telas próprias para pintura. A pintura pode ser vinculada tanto à produção de imagens decorativas quanto imagens de reapresentação, seja esta figurativa ou abstrata. Há vários tipos de pintura, como os afrescos, pintura a óleo - através de pigmentos diluídos num solvente -, pintura mural - feita ou aplicada sobre uma parede -, pintura a têmpera - pigmentos dissolvidos num adstringente, como a cola, etc. Os mosaicos também são considerados uma espécie de pintura.


Pincéis, pedaços de vidros ou ferramentas apropriadas podem ser utilizados nesse processo.


Essa forma de expressão artística existe há muito tempo na História da humanidade, como demonstram as pinturas rupestres, realizadas por homens pré-históricos em rochas ou cavernas.


A atividade da pintura já surge nos primórdios da história do homem, como pode ser observado nas pinturas encontradas nas cavernas em Altamira (Espanha) e Lascaux (França). Tais pinturas consistiam da representação de animais a serem caçados, provavelmente tendo a função de "bom agouro" para as caçadas que se sucediam. A pintura deste momento apresentava formas bastante rudimentares, com a representação extremamente concisa de animais como cavalos e búfalos. A cultura egípcia foi a cultura mais antiga que produziu um conjunto considerável de obras na pintura. O conjunto de sua pintura, desenvolvido ao longo de três milênios, refletiu as tradições da cultura em que esteve contextualizada através das convenções iconográficas que marcavam o uso de imagens. Essas convenções baseavam-se em signos visuais utilizados para a representação de objetos e ações, o que tornava a obra bastante acessível e compreensível. Os artistas de Creta e das civilizações minóicas (por volta de 2000 a.C.) apresentavam conceitos estéticos bastante diversos dos egípcios. Os exemplares que restaram das pinturas dessas civilizações - fragmentos de afrescos e mosaicos - demonstram uma arte bem diversa da dos egípcios: a fluidez das imagens, a representação de ações vigorosas. A pintura minóica teve a ênfase representativa direta no desenvolvimento da arte grega, da qual restaram apenas alguns exemplares, pois toda a pintura em larga escala foi perdida com os tempos. O que restou da pintura grega são pinturas em vasos, que revelam um crescente naturalismo em suas representações, naturalismo este que no período helênico influenciaria a arte e a arquitetura romana. Os propósitos e o estilo da pintura foram radicalmente alterados com a queda das civilizações antigas e com a chegada da era cristã. Passou a ter grande importância, a exemplo da pintura egípcia, o simbolismo, na representação da realidade. A arte cristã e bizantina tendeu ao estilo hierárquico e estático, com algumas reminiscências da arte clássica. Já no final do século XIV, a arte gótica surgida da França, reintroduziu a representação das figuras humanas, havendo o desenvolvimento de um naturalismo mais preciso e articulado, que registrou as sutilezas de iluminação e atmosfera. Houve uma retomada dos padrões artísticos da antiguidade clássica, que avançaram em meio ao século XV. Passou a ter grande importância, nas representações gráficas encontradas nos manuscritos, a organização espacial das imagens. Os conceitos materialistas que surgiam com o aparecimento da classe burguesa foram se infiltrando na representação pictórica, que passou a possuir um caráter mais objetivo. O período da Renascença, em que a pintura passou a possuir uma organização espacial coerente e equilibrada, teve seus conceitos irradiados sobretudo a partir do grande foco das artes européias de então, a Itália. Neste período, surgiram nomes como Boticelli, Giorgoni, Veronese, Reni, Corregio, Caracci, Perugino, Ticiano e outros. Os afrescos das capelas italianas mais famosos até hoje foram produzidos neste período por  Michelangelo (afrescos da Capela Sistina). No século XVI, os vestígios mais tardios da Renascença, caracterizados pelo que hoje é chamado de estilo maneirista, manifestavam-se através de trabalhos como os de Pontormo e Rosso Fiorentino, em que as proporções clássicas tornaram-se exageradas e as composições assumiam características mais assimétricas, revelando um novo crescimento do subjetivismo. A produção de El Greco teve características bastantes pessoais dentro do estilo maneirista. Na era barroca, são encontradas grandes diversidades nas produções dos diversos artistas da época, diversidades estas que surgem tanto em nível de estilo pessoal quanto em termos de nacionalidade da produção. No entanto, algumas características são constantes: o jogo de luz e sombra, o que na verdade representou o espírito do homem da época da contra-reforma. No século XVIII, surge um novo foco dispersor das tendências artísticas na Europa. A França, mais precisamente Paris, passou a ser o centro das atividades artísticas. O barroco abriu caminho para o estilo de caráter eminentemente decorativo; o estilo hoje chamado rococó. Este estilo foi se encaminhando cada vez mais para a mera frivolidade decorativa, enquanto surgiam pintores que, inspirados pela Revolução Francesa, fundaram as bases para o Romantismo e o Neoclassicismo. Tal período artístico deu-se no final do século XVIII. O Romantismo caracterizou-se basicamente pela representação mais subjetiva e emocional da realidade, incluindo a reapresentação de visões pessoais. O escritor e gravador William Blake explorou o mundo da imaginação mítica, enquanto Eugene Delacroix buscou a representação do imaginário exótico das terras distantes, assim como do poder primitivo dos animais e de imagens veinculadas à tragédia. Já o espanhol Francisco de Goya buscava explorar a face destrutiva e obscura da natureza humana. Com o século XIX, surgiram novos ideais estéticos e artísticos. A obra de arte passou a ser encarada como instrumento de denúncia da realidade social, desafiando a estética subjetiva romântica com a representação de caráter eminentemente objetivo. Um dos primeiros representantes dessa nova perspectiva artística na pintura francesa foi Gustave Courbet, cuja obra é marcada pela constante representação de figuras de extração popular. A concepção artística assumiu uma postura de preocupação com o desmascaramento dos fatos sociais. Um grupo de jovens artistas surgiu no período dos meados ao final do século XIX, tendo sido rotulados de impressionistas por uma crítica hostil as suas produções. Paul Cezanne foi responsável pela introdução de um tipo de representação pictórica em que havia a dissolução atmosférica dos objetos. Vincent Van Gogh foi o grande representante do pós-impressionismo. Na primeira década do século XX, uma verdadeira explosão experimentalista tomou conta das artes, desencadeada pelos mestres pós-impressionistas. Foi o momento das vanguardas artísticas, que inicialmente teve Paris como centro, mas logo foi deflagrada por toda a Europa e pelas Américas. Surgiram tendências diversas nesse contexto, como o Futurismo, o Expressionismo e o movimento mais proeminente na pintura, o Cubismo, tendo sido desenvolvido por Pablo Picasso e Georges Braque. O artista passou a realizar uma verdadeira reordenação da realidade através de sua obra, caminho este que foi seguido pela chamada arte abstrata, que se baseia em conceitos subjetivos, não possuindo referência no mundo objetivo. Representantes dessa tendência foram Piet Mondrian e Wassily Kandinski. Na década de 20 surgiu uma nova tendência, que explorava imagens e realidades do subconsciente humano, tendo sido denominada Surrealismo. Salvador Dali foi o representante máximo dessa tendência. Nos anos 60, uma nova tendência artística foi surgindo como crítica e sátira à massificação industrial e ao consumismo, arraigados aos costumes da sociedade moderna. Foi a chamada "Pop Art", cujas bases foram criadas por Richard Hamilton e da qual um dos mais célebres representantes foi Andy Warhol. 



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Pintura Brasileira




Pintura Brasileira


No Brasil colonial a arte em geral girava em torno da Igreja Católica e dos cultos religiosos. Religiosos europeus como os jesuítas, franciscanos e beneditinos vinham ao país para catequizar seus habitantes. Alguns, com experiência em pintura, escultura e arquitetura adquiridas no velho continente foram os primeiros a realizar obras artísticas no país e a recrutar artesãos e artífices para a decoração de suas construções.


Os artistas do período costumavam ser auto-didatas ou então orientados por esses religiosos, nos moldes da tradição ibérica. A pintura começa a aparecer nas construções nordestinas como em Salvador, então sede do Governo. Algumas pequenas amostras de desvinculação da arte à religião também dão seus pioneiros passos por volta do século XVII. Um exemplo disso pode ser dado pela pintura no teto da Igreja de Santa Casa da Misericórdia, ainda em Salvador, que apresenta figuras como santos e anjos com roupas como se usavam na época que o artista fez a obra e rostos mais livres daqueles aprendidos com os sacerdotes, baseados nos tipos vistos pelos pintores nas ruas da cidade baiana.


Destaca-se ainda como pintor religioso do século XVII o Frei Ricardo do Pilar, que pintou o mosteiro de São Bento no Rio de Janeiro e obras como "O Senhor Crucificado", de 1688 ou "O Senhor dos Martírios", de 1690. 


A ocupação holandesa em Pernambuco, no século XVII traz artistas como pintores e naturalistas ao país que iriam, pela primeira vez, registrar a natureza brasileira. O conde de Nassau, que aqui permaneceu entre 1637 e 1644 foi o responsável por grandes projetos de urbanização na cidade de Recife e trouxe com ele artistas holandeses como Frans Post ("Ilha de Itamaracá" é sua primeira obra aqui realizada) e Eckhout (exemplificado por "Índio Tupi”) . Entretanto, apesar da ocupação holandesa e da estadia desses pintores no Brasil ser considerada como de grande importância no século XVII, alguns autores discordam que tenha sido tão decisiva para a pintura brasileira, uma vez que foi um acontecimento isolado e os pintores que por aqui passaram não deixaram aprendizes ou começaram alguma tradição que pudesse dar continuidade aos seus trabalhos. Não se pode deixar de destacar, contudo, que foram possivelmente as primeiras manifestações de pintura efetivamente fora do domínio religioso.


No século XVIII a pintura tem maior desenvolvimento, principalmente devido à concentração de artistas em centros que então se desenvolviam, como Rio de Janeiro, Salvador e Vila Rica (atual Ouro Preto). A partir de então pode-se falar em escolas distintas no país, como a fluminense, com pintores como José de Oliveira Rosa, Leandro Joaquim, com seus retratos e representações da cidade do Rio de Janeiro e Manuel da Cunha e suas pinturas religiosas e retratos. Ainda no Rio de Janeiro em 1732, Caetano da Costa Coelho começa a realizar na Capela-Mor da Igreja da Ordem III de São Francisco da Penitência aquela que seria a primeira pintura perspectivista do Brasil; em Salvador, na então escola baiana do século XVIII, vivia-se a transição do barroco ao rococó e nela eram típicas principalmente pinturas de perspectiva ilusionista. Destacam-se José Joaquim da Rocha, como teto da Igreja de N. Senhora da Conceição da Praia, considerada uma das obras-primas da pintura barroca brasileira (1773). 


A mais famosa dessas "escolas", entretanto, é a escola mineira, extremamente valorizada pela sua originalidade. O ciclo da mineração possibilitou a concentração de riquezas em Minas Gerais e a transformação de algumas cidades mineiras em verdadeiros centros urbanos da colônia. A primeira pintura de teto em Minas Gerais é realizada por Antônio Rodrigues Belo, em 1755, na capela-mor da matriz de Nossa Senhora de Nazaré, em Cachoeira do Campo. A partir de então Minas avança como ativo centro artístico nacional. O estilo dos artistas mineiros de então era o barroco com forte presença do rococó, sem contudo deixar de lado as formas brasileira. O escultor Aleijadinho, um dos principais nomes de nossa arte talvez seja o nome mais conhecido dessa escola. Na pintura destaca-se principalmente Manuel da Costa Ataíde. Outros pintores mineiros do período foram Manuel Rebelo e Souza e Bernardo Pires, João Nepomuceno Correia e Castro, entre outros. Ainda no século XVIII, fora desses centros, destaca-se João de Deus Sepúlveda com sua pintura "São Pedro Abençoando o Mundo Católico", em Recife, na Igreja de São Pedro dos Clérigos.


Em 1800 há a primeira iniciativa de ensino de arte no país com a Aula Pública de Desenho e Figura, no Rio de Janeiro e seu regente, Manuel de Oliveira. Em 1808 a Família Real e a Corte Portuguesa transferiam-se para o Brasil e a partir daí teríamos uma enorme mudança nos rumos que a arte brasileira seguia até então. D. João VI manda buscar em Paris artistas que queiram instituir o ensino das artes oficiais no já Reino Unido a Portugal e Algarves. Em 1816 chega então a Missão Artística Francesa, um grupo de artistas e artífices franceses de formação neoclássica que iriam exercer  uma profunda influência na pintura brasileira da metade do século XIX até praticamente a Semana de Arte Moderna de 22. Na Missão Artística Francesa encontravam-se artistas como Nicolas-Antoine Taunay e Jean Baptiste Debrét. Este último, em 1826 instalava a Academia Imperial de Belas-Artes no Rio de Janeiro e três anos depois eram abertas as primeiras exposições oficiais de arte brasileira.


Pela primeira vez chegava ao país um estilo artístico sem defasagem com o que estava acontecendo na Europa: o neoclassicismo. Seu prestígio, tanto pela "modernidade" quanto por ter caráter de arte oficial foi enorme. Em poucos anos ocorreu uma brusca ruptura  (dirigida) com o barroco-rococó que era comum nas nossas pinturas para um estilo mais frio, racional e acadêmico, sem muitas afinidades com a cultura brasileira de então. Um exemplo de sua falta de ligação com o país pode ser dado pela sugestão de um pintor do período de se importarem modelos europeus, uma vez que não havia no Brasil pessoas que poderiam seguir os padrões estéticos acadêmicos.


Entretanto, apesar de distante do país o estilo acadêmico passa a ser o dominante no século XIX. Destacam-se, entre os artistas brasileiros do período, Vitor Meirelles, Pedro Américo, Rodolfo Amoedo e Henrique e Rodolfo Bernardelli.


Nas últimas décadas do século XIX, tendências realistas e românticas surgiam entre nossos artistas como uma das poucas manifestações de rebeldia ao estilo acadêmico. Entretanto, essas tendências manifestavam-se efetivamente mais na escolha temática (como Moema, de Vitor Meirelles) do que na forma, que continuava acadêmica e presa ao neoclassicismo.


A Belle Époque brasileira parece ter se estendido de 1889 a 1922. Nessa época, apesar da influência da academia ser ainda a principal, começam a ser notadas mais manifestações de estilos europeus: além do Romantismo e do Realismo, o Impressionismo, O Simbolismo e "Art Nouveau" (estilo decorativo, com uso de formas sinuosas e elementos vegetais). Almeida Júnior parece ter sido um dos primeiros a libertar-se das influências acadêmicas, realizando quadros como tipos e cenas brasileiras, sem idealizações neoclássicas. 


No começo do século XX, Eliseu Visconti, com suas propostas Neo-Impressionistas adquiridas em estudos em Paris é um dos pioneiros na modernização da arte brasileira. Entretanto, a primeira mostra de arte que romperia com o academicismo brasileiro foi feita por um estrangeiro, Lasar Segall em 1913. Quatro anos mais tarde Anita Malfatti realizaria uma exposição que abalaria os padrões artísticos vigentes e reuniria jovens ansiosos por mudanças nas artes brasileiras e que acabariam por realizar a Semana de Arte Moderna, em 1922, na cidade de São Paulo.


Começava então o Modernismo brasileiro que procurava atualizar a arte brasileira e quebrar com o academicismo que a orientava, realizando trabalhos que nada devessem à arte européia de vanguarda, ao mesmo tempo que preservasse e valorizasse a cultura nacional.


Com o fim da II Guerra, os museus modernos são abertos e as Bienais facilitam a penetração da arte internacional no país. Por volta de 1960, vemos as últimas manifestações que podem ser consideradas pertencentes ao Modernismo, com os abstracionistas e Neo-Concretos. As décadas de 60 e 70 assistem a variadas tendências e estilos, em que podem ser destacadas a a influência da pop art e uma grande busca de liberdade de expressão e experimentação. A década de 80 assistiu um particular "boom" na pintura, principalmente em seus primeiros anos, com grande números de novos pintores e produções de caráter híbrido. Emmanuel Nassar pode ser considerado um bom exemplo da pintura contemporânea, da década de 90, com seu uso de elementos característicos brasileiros aliado ao bom domínio formal. 



Verbete:
Pintura Metafísica




Pintura Metafísica


A Pintura Metafísica foi um estilo criado em 1913 por Giorgio de Chirico e que acabou popularizando-se na Itália e sendo adotada por outros artistas, em especial Carlo Carrà e Giorgio Morandi (1890 - 1964). Carrà foi introduzido à Pintura Metafísica num hospital militar que esteve junto com Chirico em 1917 e os dois juntos acabaram por fundar um movimento. Apesar do estilo não ter sobrevivido à Primeira Guerra Mundial, vemos suas influências no Movimento Surrealista que iria se desenvolver.


Uma prova dessa influência da Pintura Metafísica no Surrealismo foi o fato do nome desse segundo movimento ter sido dado pelo poeta francês Apollinaire, inspirado, entre outros trabalhos, (como o de Marc Chagall), no de Chirico.


Caracteriza-se principalmente por imagens misteriosas, ilógicas e sugestões de alucinações, normalmente realizadas através de um uso típico da luz e da perspectiva. Ícones - como estátuas substituindo homens - e justaposição de figuras também eram bastante presentes na Pintura Metafísica. Diferentemente de algumas tendências vanguardistas do século XX, dava extremo valor às influências da arte do passado, principalmente o período do Renascimento Italiano.


O periódico italiano “Valori Plastici“ do fim da primeira, início da segunda década do século, foi um dos primeiros a se interessar pela pintura metafísica e procurar definir seus confusos padrões estéticos.



Verbete:
Pitoresco




Pitoresco (ou Pinturesco)


O termo pitoresco, de um modo geral,  indica algo próprio para ser pintado e refere-se, na História da Arte, a um tipo de comportamento em relação às paisagens - tanto reais quanto pintadas - comuns nos séculos XVIII e início do XIX.


Tentativas de teorização a respeito do tema eram comuns nesse período. A maioria não mostrava grande coerência interna, tampouco consistência. Quanto às paisagens naturais, por exemplo, eram julgadas de acordo com seu mérito ou ausência dele em figurar numa pintura de algum artista famoso (de preferência ao agrado dos críticos que formulavam essas teses). O gosto desses teóricos recaía sobre as formas mais complexas e irregulares, repletas de minúcias e formas. Os castelos medievais, as ruínas romanas ou os moinhos holandeses podem ser amostras daquilo que era considerado pitoresco.


Procurava-se criar uma categoria particular que se situasse entre o belo - compreendido como a serenidade - e o sublime - repleto de espírito - sem contudo que as paisagens se identificassem efetivamente com qualquer um desses conceitos. O pitoresco costumava ser definido como aquilo que deleita os olhos e oferece um bom tema para uma pintura.


Havia artistas, em especial, que gozavam de certos privilégios quando o assunto dos críticos era o pitoresco. O pintor francês de enorme sucesso na Inglaterra Gaspar Dughet - (chamado Gaspard Poussin 1615- 1675), que muito ajudou na formulação desse conceito - Girtin e Turner, com suas buscas nos campos das paisagens que pudessem tocar sua sensibilidade e despertar seu potencial criativo nas aquarelas  - eram alguns deles .


As publicações acerca do tema foram bastante criticadas, principalmente por seu caráter evasivo e um tanto quanto pedante. Entretanto, constituem-se em valiosa fonte de informação sobre as alterações no gosto artístico do período que envolve, ajudando de certa forma a esclarecer o lento abandono dos pressupostos neoclássicos e a adoção de ideais românticos, como o dinamismo e a subjetividade.



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Pizzicato




Pizzicato


Técnica utilizada nos instrumentos de corda em que o arco é substituído pelo dedo que aciona a corda, tal como no violão. O Pizzicato é muito comum nas obras orquestrais do classicismo.



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Plano de Entrada




Plano de Entrada


Fotograma escolhido durante a montagem do filme para a abertura de um plano.



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Planta Alta




Planta Alta


As faces externas de uma construção; também um desenho feito em projeção num plano vertical, visando demonstrar qualquer face (ou planta alta) do edifício em questão.



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Polifonia




Polifonia


Por definição, polifonia é a escrita de duas ou mais vozes em contraponto. Nos séculos XI e XII, a polifonia consolidou-se dentro da liturgia. Uma melodia era acompanhada por outra voz, a uma distância variável da primeira, terminando sempre em uníssono ao final de cada frase. A polifonia na música litúrgica foi desenvolvida pelo monge Hubaldo da Abadia de São Antonio (840-930). Criador do organum, desenvolveu o Cantus Firmus que era a voz principal. O organum evoluiu para o discantus e, posteriormente, para o faux bordon que, embora sem liberdade artística, permitiu dar caráter polifônico ao Canto Gregoriano.



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Polirritmia




Polirritmia


Superposição de ritmos diversos em diferentes vozes de uma composição musical. No século XX, muitos compositores escreveram peças onde a coordenação de diferente ritmos simultâneos é um desafio para a técnica de músicos e regentes.



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Polonaise




Polonaise


Dança ternária nacional da Polônia.



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Pop Art




Pop Art


Trata-se de um estilo artístico baseado no reprocessamento de imagens populares e de consumo. Surgiu a partir do final dos anos 50, principalmente na Inglaterra e Estados Unidos (Londres e Nova York eram seus principais centros) e recebeu esse nome pelo crítico Lawrence Alloway. A princípio, o movimento parecia centrar-se numa provocação e rompimento radical com as belas-artes. À medida que novos artistas começam a utilizar-se do estilo, parece começar a haver uma compreensão maior de seus objetivos de exploração dos potenciais da arte gráfica comercial (principalmente notado no trabalho de Andy Warhol).


Richard Hamilton definiu as imagens vinculadas nos meios de comunicação de massa, base de inspiração da arte pop, como  “populares, transitórias, consumíveis, produzidas em massa, jovens, em escala empresarial, de baixos custos, humorísticas, sexy, ardilosas e glamourosas“. Hamilton, responsável por obras como “O que torna os lares de hoje tão diferentes, tão atraentes?“, acabou por imprimir à arte pop uma base intelectual.


Nos Estados Unidos, os trabalhos de Jasper Johns (“Bandeira sobre Branco“ com colagem) e Robert Rauschenberg (colagens, combinações com garrafas de coca-colas e quadros como “Cama“) tiveram bastante influência sobre os artistas pop.


Andy Warhol (verbete à parte), em obras como o silkscreen “Marilyn‘, seu uso de fotografias, cédulas de dólares, imagens de Mona Lisa ou o presidente Mao, é considerado um dos principais expoentes da arte pop americana (e talvez o artista símbolo da arte pop). Na escultura pop americana, Claes Oldenburg e seu uso de elementos como hambúrgueres se destacam.


Além disso, é típico da pop arte americana o uso de recursos teatrais. Além da própria utilização de elementos da vida real às pinturas (como, por exemplo, uma cama), eventos montados e encenados por artistas, como os happenings, tornaram-se extremamente presentes no panorama cultural americano.


A arte pop inglesa já apresenta um certo romantismo evasivo, menos recursos dramáticos e impacto que a americana. Peter Blake, artista pop inglês, por exemplo, imprime elementos nostálgicos à sua obra. Um bom exemplo de seu trabalho pode ser dado por “Doutor K. Tortur“, de 1965. David Hockney, com sua irreverência, seus “trocadilhos visuais“, um certo maneirismo e estilo próprio de lidar com as imagens populares, também é um artista de destaque do período. “O Chape“ (no original “The Splash“) é uma boa amostra de sua produção. Allen Jones e suas esculturas eróticas talvez divirjam desse estilo mais romantizado que a arte pop assumiu na Inglaterra.


Fora dos Estados Unidos e Inglaterra, temos  Oyvind Fahlström, na Suécia e Martyal Raysse, na França, como bons expoentes desse estilo.


Há ainda um certo pessimismo na arte pop, talvez personalizado por Wharol, com sua repetição de imagens banais e crença na fama instantânea e passageira que todo homem pode vir a ter.



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Pós-Impressionismo




Pós-Impressionismo


Pós-Impressionismo é o nome que se dá a diferentes estilos e tendências artísticas cuja origem encontra-se no Impressionismo, tanto como uma reação contrária a ele como visando um desenvolvimento maior da escola.


A maioria dos artistas considerados pós-impressionistas participaram das exibições impressionistas, mas acabaram por tomar outros rumos na realização de sua arte. A forma das pinturas, o tratamento das cores ou a linha podiam ser objetos de discordância com os impressionistas. Tendências como o simbolismo e até o expressionismo já se encontram nas obras de alguns desses pintores pós-impressionistas.


A divergências dos principais nomes considerados pós-impressionistas com os impressionistas normalmente se concentravam na momentaneidade e extrema subjetividade enevoada em que os últimos baseavam seus trabalhos ou as tendências naturalistas do impressionismo (essas divergências, entretanto, manifestavam-se de maneiras e intensidades diferentes nos vários estilos pós-impressionistas).


Os movimentos modernistas também devem muito ao pós-impressionismo, principalmente pela figura de Paul Cèzanne (1839 - 1906) e sua obstinação em alcançar a natureza real atrás das aparências, criar uma arte com vida própria, “concretizar“ suas impressões pessoais e “realizar o motivo“. Acredita-se que de uma forma ou de outra (como por, exemplo, a compreensão considerada errônea realizada pelo cubismo da pintura do artista), todos os artistas e movimentos expressivos do século XX tenham sido influenciados por Cèzanne. 


O Neo-Impressionismo de Seraut e sua extrema valorização das cores também estão inseridos dentro dessa tendência maior pós-impressionista.


Gauguin e a proximidade de sua obra com o movimento poético simbolista, sobrevalorizando as idéias e desprezando o naturalismo também é considerado um pós-impressionista.


Van Gogh e seu mundo atormentado foi outro artista de extrema importância da pintura do século XIX, considerado um dos precursores do expressionismo que pode ser encaixado dentro dessas tendências pós-impressionistas.


Até mesmo Toulouse-Lautrec conhecido pela particularidade de seu estilo que se desenvolveu independentemente de escolas ou movimentos pode ser visto como um artista afinado com as tendências pós-impressionistas.



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Pratos




Pratos


Instrumento de percussão utilizado na orquestra sinfônica. Constituído de dois pratos metálicos, é muito utilizado em momentos de grandiosidade, nas obras em que aparece.



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Pré- História




Pré-História


A arte pré-histórica, aquela que floresceu antes da existência da escrita, suscita um sem número de especulações entre os estudiosos de hoje. A partir dela, normalmente é realizado o estudo dos povos primitivos. A compreensão do tipo de experiências daqueles povos é imprescindível para analisar a arte do período.


Além dos problemas de falta de informações sobre a época, uma outra dificuldade é tentarmos compreender os tipos de pensamento dos homens de então, estritamente relacionado à arte produzida. Por exemplo, é quase certo que tivesse sido uma arte fundamentalmente criada para servir a propósitos definidos.


Os objetivos de tais propósitos são os que inquietam os pesquisadores (antropólogos e historiadores em geral). Uma das hipóteses existentes é de que existia a crença de que a reprodução de uma imagem (como um animal a ser caçado), podia trazer algum poder especial sobre ela (talvez aí se encontre os primórdios da reverência a imagens, tão presentes nas culturas posteriores). O uso mágico das habilidades criativas humanas no período é uma especulação bem aceita entre os pesquisadores. De qualquer forma, a relação entre a arte produzida e o que esta significava para o grupo de homens ou a tribo a ela relacionada parece ser a chave para sua compreensão.


Nossas primeiras informações sobre a produção de objetos artísticos são de aproximadamente 37.000 anos atrás. Não existem registros de possíveis trabalhos praticados antes dessa época.


Paleolítico


Esse período vai de cerca de 35.000 anos a.C até o começo do uso de ferramentas de pedra, provavelmente perto de 8.000 a.C. Desse período encontramos principalmente esculturas (normalmente esculturas em relevo feitas em cavernas) e pinturas.


Um exemplo famoso da arte na época é a Venus de Willendorf, provavelmente um símbolo de fertilidade (um nu feminino) esculpida em pedra de mais ou menos 25.000 anos antes de Cristo.


Há esculturas pequenas feitas no paleolítico e anteriores a 15.000 a.C. Quanto às figuras representadas, pode-se dizer que são, em sua grande maioria, femininas, possivelmente relacionadas a ídolos de fertilidades. Os animais estão também bastante presentes entre os temas da época, como bisões, mamutes, renas e cavalos. Os materiais utilizados eram a pedra, presas de mamutes, marfim ou chifres.


Há ainda esculturas maiores, feitas em relevo de cavernas, normalmente do tamanho dos animais que pretendem representar. Foram descobertas no século XIX, no sul da França e Espanha, e datam de, aproximadamente, 15.000 a 10.000 a.C. São representações animadas, vigorosas e naturais, possibilitadas pela observação da caça.


Quanto às pinturas, são também encontradas em cavernas (como Altamira, na Espanha ou Niaux nos Pirineus Franceses) representando além de animais, figuras humanas. Um dado importante sobre essas manifestações artísticas realizadas nas cavernas é a dificuldade de acesso dos lugares em que normalmente foram descobertas: os corredores são baixos e estreitos e as próprias cavernas escolhidas para esses fins são especiais - as mais escondidas e não utilizadas para habitação. A particularidade dos locais reforça a idéia de usos mágicos dessas pinturas. Além disso, as pinturas são normalmente escoriadas ou pintadas uma sobre as outras, sem ordem aparente (a exceção de algumas, como o teto da caverna de Lascaux, nos Pirineus Franceses).


Outra característica importante das representações do Paleolítico, além da energia e vigor das imagens (próprias de povos primitivos) é a exatidão das imagens, principalmente as relacionadas aos animais, que demonstram uma capacidade de observação apurada: formas e sugestões de proporção e movimento são bastante presentes nas representações. Em contrapartida, as figuras humanas são bastante pobres em detalhes, normalmente desarticuladas e feitas somente em contornos gerais. Essa diferenciação nas formas de reprodução de imagens humanas e animais pode provavelmente ser explicada pelas funções que esse tipo de arte tinha no grupo ao qual pertencia, além das crenças e superstições envolvidas com a atividade.


Mesolítico


Esse é um período de transição entre o Paleolítico e o Neolítico, que compreende de aproximadamente 10.000 a 8.000 a.C na maioria das culturas, mas pode ser estendido até o ano 3.000 a.C em outras. É marcado principalmente pelo fim das eras glaciais e adequação da temperatura da terra à prática da agricultura, o que facilita os assentamentos humanos.


Devido às novas condições e aos avanços do período, os humanos deixam de viver em cavernas. Suas manifestações artísticas, portanto, passam a ser realizadas preferencialmente nas superfícies das pedras.


As pinturas e os desenhos são os trabalhos mais expressivos do Mesolítico. Os animais ainda têm a preferência temática: espécie de cenas de caçadas são reproduzidas, dividindo a preferência com as cenas de guerra.


O homem descobre novos materiais e técnicas a serem utilizados na confecção das ferramentas de trabalho, como instrumentos de caça mais eficientes e avançados. Os materiais utilizados normalmente são o sílex, os ossos e os chifres. É durante esse período que encontramos as primeiras manifestações do uso da cerâmica.


A Espanha e as regiões mediterrâneas de maneira geral são os principais locais dos sítios mesolíticos.


Neolítico


O período Neolítico, por seu alto desenvolvimento da agricultura e definitivo assentamento dos grupos humanos, que passam de nômades a sedentários, é considerado a época que fornece os subsídios necessários para o nascimento das civilizações. Apesar da importância, esse período que se inicia por volta de 8000 a.C e termina em épocas diferentes de acordo com o grau de desenvolvimento dos povos, (por exemplo, no oriente próximo, como Egito e Mesopotâmia seu fim foi entre 3500 e 3000 a.C aproximadamente, com o florescimento das civilizações da época, enquanto na Europa continuou até cerca de 1500 a.C.), há poucos legados da época.


Talvez os mais famosos sejam as estruturas megalíticas (grandes pedras), como os menhires, dolmens e cromlechs, que apresentam ainda, em alguns casos, esculturas em relevo em estado bruto. Apesar de não ter havido consenso entre os pesquisadores sobre suas variadas utilizações, presume-se que tenham normalmente fins religiosos, ou mesmo possam ter servido de túmulos (algumas correntes de arqueólogos chegam mesmo a dividir o período segundo a forma desses túmulos, dado sua importância), ou como observatórios astronômicos (devido ao alinhamento das pedras).


Menhires são pedras erguidas verticalmente no solo, de cerca de 2,6m a 5,2m (podem chegar até 12 m), levantadas sozinhas ou em colunas. Dolmens são compostos de duas pedras verticais que dão suporte a uma grande pedra horizontal. Já os cromlechs são formações circulares feitas a partir de dolmens ou menires. O mais famoso deles é Stonehenge, no Reino Unido, considerado uma das maravilhas do mundo criada a cerca de 2000 a.C. e que provoca inúmeras especulações sobre suas funções.


Com os assentamentos humanos, é possível, portanto, observar edificações de cidades e muralhas de defesa, (como Jericó, no oriente próximo), templos e túmulos.


As habitações do Neolítico europeu eram feitas de madeira (material não durável) e foram encontradas inclusive palafitas, (habitações sobre lagos) em lugares como a Suíça e Alemanha, ligadas à terra por pontes longas e protegidas pela construção de diques.


Temos ainda algumas amostras de peças de cerâmica decorada na arte do neolítico. Pinturas em paredes e muralhas também podem ser observadas na arte neolítica do oriente próximo.



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Preciosismo




Preciosismo


Preciosismo foi um movimento pictórico tipicamente americano especialmente desenvolvido a partir de 1920 - embora seus primeiros indícios sejam datados de cinco anos antes. Apesar de não se constituírem exatamente em um grupo propriamente dito, os preciosistas costumavam realizar suas exposições em conjunto.


A temática urbana e industrial era o forte preciosista. A tecnologia americana era extremamente prestigiada, sem grandes críticas sociais. Não havia presença humana nas obras, que eram realizadas a partir de objetos da vida moderna pintados de maneira agradável e regular, com uma grande precisão e técnica, resultando em formas precisas e definidas. Por esse motivo, eram considerados próximos aos cubistas e às vezes chamados de Cubistas Realistas ou Esterilistas.


A luz tem importância fundamental para esse movimento. Deve ser brilhante e clara e há uma escolha geométrica de formas. No preciosismo já podem ser notadas características posteriormente desenvolvidas na Pop Art. Além disso, foi bastante influente no Realismo Fantástico (ou Mágico) Americano.


Seus principais expoentes foram Giorgia O’ Keeffe (1887 - 1986) e Charles Demuth (1883 - 1935), ambos artistas pioneiros do modernismo americano. Dermuth, por ter passado vários anos em Paris e por seu contato com artistas como Duchamp, é considerado inclusive como um dos principais responsáveis pela introdução do modernismo no país. Mas talvez o mais famoso preciosista tenha sido Charles R. Sheeler (1883 - 1965).


Sheeler, também influenciado pelo modernismo em suas visitas pela Europa, ganhava a vida como fotógrafo. Da fotografia e do cubismo aprendeu as formas precisas e bem acabadas de suas pinturas. Pretendia reduzir as formas naturais a um alto grau de abstração, retendo apenas aquelas que julgava fundamentais para o desenho.



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Prelúdio




Prelúdio


Os prelúdios mais famosos foram escritos por Bach na obra 48 Prelúdios e Fugas. São como uma preparação, uma introdução à obra principal.



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Quincunce




Quincunce


Elemento da arquitetura em que quatro colunas são dispostas de maneira a marcar uma área delimitada por um quadrado perfeito, e uma coluna no centro geométrico deste quadrado formado. Portanto, totalizam cinco as colunas utilizadas.



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Quiosque




Quiosque


Denomina-se quiosque um pavilhão leve e aberto, às vezes utilizado como moradia de verão, suportado por pilares e muito comum na Turquia e na Pérsia. Adaptações ocidentais transformaram-no em coretos de jardins e praças, por exemplo.



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Raiz (anatomia)




Raiz (anatomia)


É a parte oculta do dente na cavidade óssea do maxilar, no alvéolo. A raiz fixa o dente ao osso. Dependendo do trabalho e da intensidade do trabalho realizado pelo dente durante a mastigação do alimento, a raiz possuirá uma forma que permita ao dente desempenhar sua função, sem se desprender do osso. Como a raiz é a ligação do dente com o osso, ela é oca e por ela passam os vasos sanguíneos, linfáticos e as terminações nervosas que inervam o dente.



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Rapsódia




Rapsódia


Peça musical de forma similar à Fantasia e muito comum no século XIX. Liszt escreveu Rapsódias de rara beleza e difícil execução.



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Ready Made




Ready Made


Uma roda de bicicleta em cima de um banquinho. Esse foi o primeiro trabalho designado pelo termo  “ready made“. Marcel Duchamp, o criador da obra, em 1913, e o primeiro a usar o termo, pretendia com ele referir-se a uma espécie de trabalho feito através de produtos produzidos em série, escolhidos ao acaso.


A estética, ou a particularidade de um objeto não importa ao ready made. Ao contrário, dentro de uma massa de objetos iguais escolhe-se qualquer um e mostra-o como uma obra de arte. É nesse ponto que o ready made distingui-se fundamentalmente do object trouvé (diferenciação que Duchamp fez questão de deixar clara).


O object trouvé, como o próprio nome já sugere (em português, objeto encontrado) implica numa seleção baseada em características individuais, uma escolha, normalmente baseada em valores estéticos, como beleza. O mesmo não deve ser observado no ready made, por este não ser um objeto único, mas apenas um dentre uma porção de objetos iguais.



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Real Museu de Belas Artes de Antuérpia




Real Museu de Belas Artes de Antuérpia


Os belgas constituem um povo tenaz, que sabe lutar pelo que é seu por direito, e ademais, têm um natural amor e respeito à arte tão especiais que tornam a história da formação de seus museus artísticos ainda mais interessante e cheia de dinamismo e coragem.


O Real Museu de Belas Artes de Antuérpia foi inaugurado em 1890, tendo suas origens não em coleções principescas, mas na união de um povo e, em especial, de pintores e escultores.


No século XV, mais precisamente em 1442, fundou-se a Gilda de São Lucas, onde pintores e escultores eram a maioria. No final do século XV, a Antuérpia foi convertida na mais complexa e viva metrópole dos Países-Baixos.


No livro de ouro da Escola Antuerpiana, do início do século XVI, aparece o nome de Quentin Metsys, pintor flamengo, o primeiro grande pintor da escola de Antuérpia, como o primeiro da lista. A Gilda reunia-se na Câmara dos pintores Schilderscamer, nome que apareceu em 1530. Aí, com o passar do tempo, começou a surgir uma belíssima coleção de arte, algumas originadas da doação do próprio artista, como por exemplo o caso de “A Virgem do papagaio”, com que o genial Rubens presenteou a Antuérpia, e o auto-retrato que Albrecht Dürer doou à Gilda durante uma recepção bastante calorosa de seus colegas quando, em 1520, esteve em Antuérpia. A Academia de Belas Artes apareceu em 1664.


Em 1794, os exércitos republicanos da França saquearam igrejas, conventos, a câmara de pintores e a Prefeitura, levando sessenta e três quadros (sendo que trinta deles eram de Rubens e nove de Van Dyck).  Mas a firmeza e a capacidade de luta dos antuerpianos mostrou-se muito aguçada quando, em 1797, à supressão dos conventos, conseguiram impedir o roubo, a venda ou a própria destruição de trezentos e oitenta quadros que estavam no convento dos Carmelitas Descalços, local onde se situava a Escola Central.


Uma outra grande vitória foi quando Paris deu permissão ao retorno de duas obras de Peter Paul Rubens: “A Virgem do papagaio” e a “Virgem rodeada de Santos”, quadro que, na Igreja de Saint-Jacques, enfeitava o túmulo do pintor desde sua morte.


Em 1815, quarenta das sessenta e três obras roubadas pelos exércitos republicanos franceses em 1794 retornaram à Antuérpia. Isso foi conseguido através de gestões diplomáticas muito bem assessoradas pelas autoridades antuerpianas. Houve muitas festas entre o povo da Antuérpia. O convento dos Recoletos, que continua sendo a sede da Academia Real de Belas Artes, acolheu vinte e seis dessas obras.


O Cavalheiro Florent van Ertborn, burgomestre de Antuérpia, doou em 1840 sua coleção magistral de cento e quarenta e um quadros de mestres dos séculos XV e XVI. Desta coleção constam primitivos flamengos como Memling, Van der Weyden, Patinir, David, Metsys,. Van Eyck. Ainda fazem parte da coleção outros grandes pintores como Antonello da Messina, Cranach, os Fouquet, Simone Martini e muitos outros.


A coleção Florent van Ertborn, juntamente com as obras que regressaram de Paris em 1815 e que, além de Rubens, incluía Van Dyck e Jordaens, constituem a glória do Real Museu de Belas Artes de Antuérpia na atualidade.


O acervo ia crescendo e o local que o acolhia já estava pequeno demais. Desse modo, 


Antuérpia, a cidade mecenas da Bélgica, e o Estado juntaram-se para a edificação de uma nova sede, que é também a atual.


O edifício do Real Museu de Belas Artes de Antuérpia, de 1890, é realmente imponente. Seus arquitetos foram Van Dyck e Winders, que tiveram inspiração nos Museus de Viena e de Munique.


Em 1927 houve uma reforma na planta do edifício para ampliar as instalações e melhor abrigar a seção moderna. Em 1967 chegou-se à conclusão que um novo edifício deveria ser construído.


A seguir constam pintores a ser destacados no Real Museu de Belas Artes de Antuérpia e respectivas obras bastante significativas: Simone Martini (“O anjo e a Virgem da Anunciação”), Jean Fouquet (“A Virgem e o Menino com anjos”), Jan van Eyck (“Santa Bárbara”), Roger vander Weyden (“A Anunciação”), Jan van Eyck (“A Virgem da Fonte”), Thierry Bouts (“Maria e o Menino Jesus”), Quentin Metsys (“Enterro de Cristo”), Lucas Cranach o Velho (“Caritas”), Mestre da Adoração de Antuérpia (“A Adoração dos Magos”), Joachin Patinir (“Paisagem com a Fuga para o Egito”), Peter Paul Rubens (“O Cristo da Palha”, “A última comunhão de São Francisco”, “A Adoração dos Magos”), Antonvan Dyck (“Retrato do pintor Martin Pepyn”), Henri de Braekeleer (“O homem da cadeira”), Jean-Auguste -Dominique Ingres (“Auto-retrato “), James Ensor (“Música na rua de Flandres”, “A intriga”), Amedeo Modigliani (“Nu sentado”), Constant Permeke (“Mulher de pescador”, “A verbena”), Paul Delvaux (“Os laços rosas”), René Magritte (“A vingança”).



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Realismo (artes)




Realismo (artes)


O termo realismo, de uma maneira geral, é utilizado na História da Arte para designar representações objetivas, sendo utilizado como sinônimo de naturalismo. Normalmente implica numa não idealização dos objetos representados e numa preferência por temas ligados ao homem comum e à existência cotidiana.


Entretanto, em meados do século XIX, Gustave Courbert, com a crença na pintura como uma arte concreta, que deveria ser aplicada ao real, acaba por se tornar o líder de um movimento chamado Realista, juntamente com Édouard Manet. Esse movimento, especialmente forte na França, reagia contra o Romantismo e pregava o fim dos temas ligados ao passado (como temas mitológicos) ou representações religiosas em nome de uma arte centrada na representação do homem da época, em temas sociais e ligados à experiência concreta.


Um dos primeiros pintores considerados realistas é Jean-Baptiste Camille Corot (1796 - 1875) que, com sua pintura de paisagens provocou a admiração de artistas posteriores como Cézanne. Foi um dos pioneiros a considerar os desenhos que realizava ao ar livre como obras acabadas, que não necessitavam dos estúdios. “Ilha de São Bartolomeu“ é  um exemplo de sua obra.


Extremamente importante para o Movimento Realista foi a Escola de Barbizon (Corot era associado a ela), que se propunha observar a natureza “com novos olhos“, seguindo a inspiração do paisagista inglês John Constable, que exibiu suas obras em Paris na década de 1820. Seu nome deriva-se da reunião de um grupo de pintores na aldeia francesa de Barbizon, floresta de Fontainebleau. Buscava distanciar-se da pintura tradicional, concentrando-se em aspectos da vida cotidiana de homens simples, como os camponeses do local. Jean-François Millet (1814 - 1875) era um de seus principais líderes.


Millet foi um dos pioneiros a incluir a representação de figuras entre os objetos que deveriam ser representados de forma realista (o realismo de Corot, por exemplo, restringia-se mais às paisagens). Queria pintar cenas da vida real, sem apelos dramáticos, como atesta sua tela “As Respigadeiras“ em que três mulheres não idealizadas, com movimentos lentos, pesados e corpos fortes e robustos trabalham na terra. Diferentemente do neoclassicismo, quando representava figuras no campo, esse quadro não possui exaltação ou idílio da vida fora da cidade, apesar de valorizar o ato de colheita pelo arranjo e equilíbrio da pintura.


Theodore Rousseau (1812 - 1867) e Narcisse-Vergille eram outros nomes de destaque dentro da escola Barbizon, conhecidos por seus trabalhos com as paisagens e estudos de luz e cor que iriam posteriormente influenciar movimentos como os Impressionistas.


Gustave Courbet, com sua busca da “verdade“ nas representações e sinceridade em suas representações, bem como seu objetivo de “chocar“ a burguesia com o rompimento dos padrões estéticos acadêmicos foi outra grande influência para os artistas da época, que se baseavam em seu estilo para realizar suas pinturas.


Honoré Daumier (ver caricatura), com suas estampas satíricas, normalmente visando atacar a política de sua época, é outro expoente importante e diferenciado do Movimento Realista. “Rua Transnonain, 24 de abril de 1874“ é um dos trabalhos do artista em que a crítica social é mais enfatizada. Mostra soldados massacrando a população em represália às revoltas da época, ressaltando a desumanidade do ataque governamental.


O Realismo também se espalha fora da França, em especial na Inglaterra, Alemanha e Estados Unidos.


Na Inglaterra é especialmente expresso pela “Irmandade Pré-Rafaelita“ (ver primitivismo) que acreditavam que a arte, a partir de Rafael, passou a desvalorizar a verdade em busca de uma beleza idealizada. Deveriam, portanto, voltar à época anterior ao mestre Renascentista. A irmandade tinha ainda forte apelo religioso, pretendendo exaltar Deus através de suas pinturas “sinceras“. “A Anunciação“, de Dante Gabriel Rossetti é uma importante obra dessa escola.


Na Alemanha, destacam-se Adolph von Menzel (1815 - 1905), Hans Thoma (1839 - 1934) e especialmente Wilhelm Leibl (1844 - 1900), com sua obra mais conhecida “Três Mulheres numa Igreja de Vila“. As fiéis são retratadas de maneira simples e forte, com atenção aos detalhes e influências de mestres alemães do passado como Dürer.


Nos Estados Unidos, destacam-se Winslow Homer (1836 - 1910), com suas cenas da vida e paisagem americana e as da Guerra Civil e Thomas Eakins, que assimilou o Realismo em seu treinamento em Paris. Chegou mesmo a perder seu posto de professor na Academia de Belas Artes da Pensilvânia por insistir na observação de modelos nus em suas aulas de desenho.



Verbete:
Realismo Fantástico




Realismo Fantástico


O Realismo Fantástico foi uma escola que teve origem em Viena, na Áustria, em 1945, após a Segunda Grande Guerra Mundial. Combinava a fantasia e o devaneio a elementos naturalistas.


Um das principais fontes de inspiração da escola era o artista quinhentista dos Países Baixos Pieter Bruegel (1525 - 1569) - extremamente conhecido pela enorme quantidade de obras suas presentes em Viena. A arte do passado, de uma forma geral, fazia parte do interesse dos Realistas Fantásticos, bem como os personagens literários.


A escola, entretanto, não era homogênea e possuía trabalhos de qualidade variada e diferentes estilos.



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Recitativo




Recitativo


Trecho musical caracterizado por uma estrutura musical mínima. O intérprete fica livre para recitar o trecho, embora, na prática, a estética e valores das épocas sempre tenham influenciado na forma de interpretar os recitativos. Muito comum na ópera, foi magistralmente utilizado por Beethoven na Nona Sinfonia.



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Reforma Luterana




Reforma Luterana


Martinho Lutero (1483-1546) procurou aproximar o povo da celebração do culto, além de introduzir o canto coral coletivo na igreja. O Canto Gregoriano foi substituído por canções rimadas e divididas em estrofes, muitas delas oriundas do cancioneiro popular. Consciente dos grandes valores do canto litúrgico, Lutero introduziu, na música religiosa, sensíveis modificações, que culminaram com a popularização dos Corais.



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Regionalismo ( nos EUA )




Regionalismo (nos EUA)


O regionalismo foi um movimento americano forte na década de 30 e começo da década de 40 desse século que tinha fortes inclinações patrióticas. Deriva-se de uma tendência mais ampla na arte do país, o American Scene Painting (Pintura da Cena Americana) que pretendia ser uma reação aos vanguardistas e abstracionistas do período entre as duas grandes guerras mundiais.


O American Scene Painting, utilizava-se da temática americana, como as paisagens do país ou a vida do povo, representando-as de forma naturalista. Do mesmo modo procediam os regionalistas, com especial ênfase no meio-oeste e extremo sul nacional.


Também eram animados pelo mesmo espírito de rejeição aos novos modelos artísticos vindos do modernismo europeu. Procuram consolidar uma arte genuinamente americana, que glorificasse o país, principalmente naquilo que tinha de mais típico, como as pequenas cidades do interior. Procuravam mostrá-las como superiores aos grandes centros urbanos. Dentro dos Estados Unidos eram extremamentes populares por suas metas. Costumavam afirmar que essa receptividade ao seu trabalho era devido ao fato de simbolizarem esteticamente o que ia na mente dos americanos.


Entre os líderes do movimento, destacam-se Thomas Hart Benton (1889 - 1975), seguido por Andrew Wyeth (1917 -), John Steuart Curry (1897 - 1946) e Grant Wood (1892 - 1942).


Benton esteve em Paris logo no início de sua carreira, tendo contato com as tendências modernistas e efetivamente tentando realizar seus trabalhos baseando-se nessas orientações de vanguarda. Entretanto, não obteve sucesso por esse caminho e terminou voltando-se para a temática americana e para a consolidação de uma arte nacional. Seus trabalhos eram dotados de muita energia e ele próprio era considerado o maior defensor do regionalismo.


Curry também é considerado outro líder do movimento com suas dramatizações de cenas da vida do meio-oeste americano, ou a vida dos primeiros colonizadores. Lecionou Arte na Universidade de Wisconsin.


Andrew Wyeth é outro polêmico nome do regionalismo, considerado por alguns críticos como um mestre e desprezado por outros. É famoso por suas paisagens de Chadds Ford, 


Pennsylvania e as ao redor de Cushing, Maine.


Além disso, havia aqueles regionalistas com preocupações que se diferenciavam um pouco de seus companheiros. Um bom exemplo deles pode ser dado pela figura de Edward Hooper, que explorava mais o lado psicológico em seus trabalhos ou Ben Shawn e sua preocupação com a denúncia social.


Grant Wood e a fantasia e sátira presentes em seus trabalhos, como “Filhas da Revolução“, também diferencia-se um pouco do conjunto dos regionalistas. Esse trabalho retrata de forma repulsiva três senhoras que se proclamam heroínas da Revolução Americana.



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Renascença




Renascença


A renascença corresponde ao período de "renascimento" das letras e das arte como um todo, movimento este iniciado na Itália no século XIV, tendo alcançado seu auge no século XVI, influenciando todas os demais países da Europa. Os termos “renascença” ou “renascimento” passaram a ser utilizados a partir do século XV para designar o retorno da cultura aos padrões clássicos. Tal movimento se iniciou com os estudos dos cânones artísticos da antiguidade clássica. O estudo da cultura clássica já constituía elemento de erudição entre os mais cultos homens da Idade Média e até entre a classe sacerdotal. Por exemplo, as figuras mitológicas pagãs eram utilizadas como elemento estético para finalidades morais e filosóficas. Gradualmente, tal conhecimento dos padrões clássicos passou a exercer influência sobre os mais variados campos de atividade humana no período posterior à Idade Média. Portanto, não se pode dizer que a exclusividade do "retorno" aos padrões da Antiguidade é de propriedade do período renascentista.


A história passou por grandes revoluções no período renascentista. A visão do homem sobre si mesmo modificou-se radicalmente pois, no período anterior, todos os campos do saber humano tendiam a voltar-se para as explicações teocêntricas, isto é, a visão do homem basicamente tinha Deus como ponto de partida para todas as discussões acerca do universo, suas origens e seus mecanismos. Na renascença, o homem passou a voltar seu olhar sobre si mesmo, isto é, houve o ressurgimento dos estudos nos campos das ciências humanas, em que o próprio homem toma-se como objeto de observação, ao mesmo tempo em que é o observador.


No campo da ciência, o período foi um dos mais férteis na história da humanidade. Galileu Galilei, mesmo perseguido pela Igreja, afirmava não ser a Terra o centro de todo o universo. Pela constatação do movimento da Terra em torno do Sol, as teorias de Galileu seguiam em rota de colisão com os próprios conceitos religiosos vigentes: tal fato, por si mesmo, já era considerado um desafio às autoridades religiosas.


 A invenção da bússola, assim como o aprimoramento das técnicas de navegação, facilitou a expansão marítima européia, resultando na nova rota marítima para as Índias, realizada por Vasco da Gama. Os avanços da tecnologia de navegação da época foram notáveis, não tardando assim o descobrimento da “nova terra”, a América, realizado por Cristóvão Colombo. Por outro lado, a pólvora, outrora utilizada meramente para a fabricação de fogos de artifício, passou a ser utilizada para fins militares. Desta forma, os colonizadores europeus passaram a obter vantagem bélica esmagadora sobre os povos dos territórios conquistados.


Leonardo da Vinci, talvez sendo aquele que mais personificou os padrões do homem renascentista, tendo sido pintor, escultor, arquiteto, cientista e músico, deixou contribuições nas artes (criou uma das mais populares pinturas na história das artes, La Gioconda, a Mona Lisa) além de realizar inúmeros experimentos científicos, entre eles os seus projetos de engenharia, que assombraram sua época. No desenho, era um mestre da perspectiva: esta constitui um efeito pictórico que “insere” o observador no espaço representado no desenho, ao contrário das obras produzidas anteriormente, em que a idéia da onisciência de Deus fornecia parâmetros como ponto de vista. A representação do ponto de vista da onisciência resultava em figuras planas, sem profundidade espacial.


A sociedade feudal, a partir da renascença, teve seus mercados alterados através do nascimento de uma burguesia urbana, que revolucionava os padrões então vigentes na produção. Os centros urbanos se multiplicaram a partir do desenvolvimento das atividades comerciais, substituindo paulatinamente os antigos feudos. Em suma, os fatos ocorridos no período renascentista eram formados a partir das bases da posterior instalação do mundo contemporâneo na história.



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Renascença (música)




Renascença (música)


Período na história e evolução das artes que se estende de 1400 a 1600 D.C. A produção musical deste período foi significativa, em parte impulsionada pela imprensa de Gutenberg. Compositores aperfeiçoaram a polifonia, escrevendo missas, motetes e canções.



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Renascimento em Portugal




Renascimento em Portugal


A arte manuelina, que floresceu em Portugal durante o reinado de D. Manuel, com seu estilo artístico essencialmente lusitano e bastante originalidade em relação ao resto da Europa, estava tão profundamente enraizada no país, que retardou a assimilação dos valores da renascença italiana. Grão Vasco, realista no modo como exprime a gravidade de seus modelos, considerado um pintor manuelino, antecipa algumas características renascentistas em sua obra.


Porém, talvez tenha sido a arte decorativa renascentista, que convivia lado a lado às formas manuelinas, a primeira influência italiana a realmente se estabelecer no território português.


O Renascimento no país costuma ser dividido em duas fases: primeira renascença, que abrange quase todo o reinado de D. João III e cujos principais representantes são João de Castilho e Diogo de Torrabra e segunda renascença.


João de Castilho é o autor das varandas que circulam o pórtico das Capelas Imperfeitas, na Batalha. Diogo de Torrabra, fiel à austeridade das formas clássicas, é autor do claustro dos Felipes do Convento de Cristo.


Além de Lisboa, Coimbra, Évora e Tomar foram regiões onde as manifestações renascentistas mais se acentuaram.


Na segunda fase da renascença, temos uma arte mais próxima ao maneirismo, (mas ainda sensível à forma clássica), relacionada, talvez, à grave crise econômica, política e espiritual da época, que se refletia na arte por certa inquietude e contradição.


Representantes desse período são Afonso Alves, arquiteto de D. João III e Felipe Tévero, contratado pelo famoso rei D. Sebastião como mestre de fortificações. Esse último, possuía um apurado sentido de proporção e monumentalidade e uma visão antecipada do estilo barroco. Através de sua escola de arquitetura, em Lisboa, influenciou artistas por quase dois séculos.


A escultura renascentista foi introduzida por arquitetos franceses, em concordância aos preceitos da Escola de Fontainebleau. Como foi visto acima, foi mais fácil de ser assimilada, uma vez que a arte manuelina não lhe fez oposição, associando-a ao estilo (principalmente arquitetônico) nacional.


A literatura em Portugal é importantíssima quando se fala de renascimento no país. A começar pelo teatro de Gil Vicente, pertencente ao primeiro renascimento português, autor de "Auto da Barca do Inferno" e "A Farsa de Inês Pereira", entre outros. Passa pela introdução, por Sá de Miranda, dos modelos poéticos renascentistas, (início do classicismo português), até culminar Luís de Camões, considerado o maior poeta de língua portuguesa.


Sua obra-prima, Os Lusíadas, é considerada a mais importante epopéia de todo Renascimento europeu, e está entre as maiores de todos os tempos. Canto de louvor à glória do povo português, inspirada na Ilíada e Odisséia de Homero e na Eneida, de Virgílio. Além de Os Lusíadas, Camões escreveu poesias líricas, sendo que grande parte delas apresentam uma certa inquietude e turbulência contrastante à sobriedade clássica. Por esses motivos, suas poesias líricas estão mais próximas ao estilo maneirista.



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Rendilhado




Rendilhado


Ornamento arquitetônico típico do Gótico, o rendilhado dá forma a janelas circulares, rosáceas, tímpanos e parapeitos. Ele geralmente se localiza na parte superior das janelas, mas também aparece como elemento decorativo nas abóbadas e nos arcos. É constituído de formas geométricas primitivas (folhas, círculos, favos, entre outras) definidas pela intersecção de nervuras e saliências. Inicialmente o rendilhado era apenas uma série de orifícios no tímpano (lente localizada na parte superior da janela). Após o Alto Gótico, passa a ser de pedra, moldada em curvas ou em linhas retilíneas, com espessura igual ou menor que as colunetas da parte inferior da janela. Existe também o Rendilhado cego, colocado diretamente sobre uma parede com intuito decorativo.



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Requiem




Requiem


Forma musical da Igreja Católica Romana, utilizada em missas fúnebres. É célebre o Requiem de Mozart, peça concluída após a sua morte.



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Rhythm & Blues




Rhythm & Blues


O termo rhythm & blues foi criado pelos norte-americanos da indústria fonográfica para designar todo e qualquer tipo de música produzida por músicos negros para ouvintes negros. Apesar do grande preconceito existente, onde brancos não ouviam música feita por negros e vice-versa, as gravadoras tentavam esconder seu próprio racismo criando denominações bastante políticas para tudo que os negros faziam. A expressão começou a ser amplamente utilizada a partir da década de 40, quando já era consideravelmente grande o número de músicos que buscavam em suas raízes africanas um ritmo mais interessante do que o tocado pelos europeus. O desenvolvimento deste estilo que misturava as técnicas vocais utilizadas na igreja com as batidas fortes típicas da África provocou a criação de uma nova vertente musical que seria incorporada à novas tendências, criando ainda mais ritmos e estilos. Na verdade, rhythm & blues é muito mais do que um termo porque, através dos tempos, tornou-se um estilo musical muito difundido nos Estados Unidos. O R&B, como foi carinhosamente apelidado, é uma espécie de mistura racial que foi desenvolvida pelos negros e passada durante gerações. Em todo este caminho, o rhythm & blues abriu uma série de portas que o diversificaram, transformando-o em uma das maiores fontes de inspiração para músicos de todas as espécies. Na sua versão mais pura, o R&B era basicamente a música vinda do coração, cantada e tocada com menos técnica e muito mais sentimento. Dentre estas portas abertas, estão a soul music, que é a mistura do R&B com a música gospel; o rock’n’ roll, junção deste ritmo com a música africana e o country, e até mesmo o rap, que é uma das últimas variações do gênero, com batidas bem marcadas e canções de protesto. 



Verbete:
Rijksmuseum-Museu do Estado Amsterdã




Rijksmuseum - Museu do Estado Amsterdã


Fundado em 1808 por Luís Bonaparte, o museu tem no Departamento de Pintura a mais rica exibição da pintura holandesa no mundo. Também acolhe a mais completa coleção de esculturas holandesas e arte decorativa da Idade Média até ao final do século XVIII. Na arte decorativa tem-se a melhor mobília holandesa, trabalhos antigos em vidro, excepcionais pratarias, as famosas cerâmicas de Delft, em azul e branco ou policromas, e tapeçarias. Há também na parte de arte e artesanato estrangeiro uma coleção rara de porcelana de Meissen.


O Museu conta, inclusive, com um Departamento de Arte Oriental e outro de História da Holanda; há também uma Livraria e o Salão de Gravura Nacional. Este salão reúne uma muito significativa coleção de desenhos e gravuras holandeses. São oitocentas mil gravuras no acervo. As pinturas estrangeiras presentes no museu não são tantas, mas são muitíssimo selecionadas.


Esse acervo maravilhoso ocupa desde 13 de julho de 1885 o magistral edifício de influência gótica, tipicamente romântica, da arquitetura do século XIX. Sua construção, projetada pelo arquiteto P. J. H. Cuypers, oferece espaços internos bastante amplos. Após 1947 foi iniciada a reconstrução e modernização do seu interior para atender ainda melhor às exigências de um acervo que cresceu consideravelmente. Para melhor atendimento público foram instalados ar condicionado, aquecimento moderno, restaurante e outras implementações. 


O acervo foi proveniente, inicialmente, de uma coleção principesca (duzentas telas); em seguida, o acervo foi acrescido de telas significativas advindas de doação da cidade de Amsterdã; ocorreram também contribuições dignas de nota provenientes de herança ou presente de colecionadores particulares.


Alguns destaques entre os pintores e nas coleções de quadros do Rijksmuseum são Fra Angelico (“Virgem e Menino”), Carlo Crivelli (“Maria Madalena”), Geertgen Tot Sint Jans (“Adoração dos Magos”, “A família da Virgem”), Jan van Scorel (“Maria Madalena”), Dirck Jacobsz (“Retrato de Pompejus Occo”), Maerten van Heemskerck (“Retrato de Anna Codde”, “Retrato de Pieter Bicker Guerritsz”), Pieter Aertsz (“A dança do ovo”), Jan Brueghel, o Velho (“Ramo de flores”, “Grande ramo de flores”), Cornelis Cornelisz van Haerlem (“Betsabé”), Hendrick Avercamp (“Grande cena de Inverno”), Aert van der Neer (“Rio gelado”, “Cena de rio ao luar”), Frans Hals (“Isaac Massa e Beatrix van der Laen”), Salomón Jacobszoon van Ruysdael (“Vista de um rio com barca”), Paulus Potter (“Cavalos pastando”), Rembrandt van Rijn (“A mãe de Rembrandt”, “A Ponte de Pedra”, “Jeremias lamentando a destruição de Jerusalém”, “A Ronda Noturna”, “A Sagrada Família à noite”, “Lição de Anatomia”, “A noiva judia”, “Auto-retrato”), Willem Kalf (“Natureza morta”), Jan Havickszoon Steen (“A adoração dos pastores”), Johannes Vermeer (“A cozinheira”, “A carta”, “Senhora lendo uma carta”, “A rua”), Jan Miense Molenaer (“Uma senhora com duas crianças ao cravo”), Jan Asselyn (“O cisne ameaçado“), Gerard Dou (“Escola Noturna”), Jan Steen (“Adoração dos pastores”, “Mulher doente”, “A toalete“, “A família feliz”), Gabriel Metsu (“A criança doente”), Pieter de Hooch (“Uma casa de campo”, “Cuidados maternais”, “A despensa”), Nicolaes Maes (“Sonhando”), Peter Paul Rubens (“Helena Fourment”), Anthony van Dyck (“Príncipe Guilherme II e sua jovem esposa Princesa Mary Stuart”), Mathieu Le Nain (“Os jogadores”) e Pierre Paul Prud Hon (“Rutger Jan Schimmelpenninck e sua família).



Verbete:
Ritmo




Ritmo


É a ordem e a proporção no tempo dos sons musicais. O ritmo é binário quando os sons não se interrompem, e ternário quando o tempo forte se prolonga. A forma mais simples de exemplificar o ritmo é um pequeno grupo ou sucessão de sons os quais se multiplicam no tempo fraco ou forte.



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Rococó




Rococó


O Rococó é um estilo artístico que nasceu na França no ano de 1700, espalhando-se pela Europa no século XVIII. É considerado uma espécie de continuação um pouco modificada da arte barroca. Diferencia-se desta principalmente pela leveza e delicadeza maior que a arte rococó exprime, menos exuberância e vigor e temáticas mostrando preferencialmente uma vida de divertimento (motivo que levou alguns artistas do período a serem acusados de futilidade).  No caso da França a vida da corte era objeto comum da arte rococó, tratada de maneira crítica ou não. Trata-se de um termo primitivamente associado às artes decorativas e que acabou sendo usado também para designar a arquitetura, a pintura e a escultura do período.


Tanto como o barroco, ganha características locais nos diferentes lugares em que se manifesta. O Sul da Alemanha e a Áustria foram países em que a arte rococó mais se desenvolveu. Na França, berço desse estilo, ele praticamente inexiste após a metade do século XVIII. Comum nesse período foi o surgimento de mestres de determinadas nacionalidades como grandes expoentes desse estilo, sem que o mesmo fosse forte em seu país de origem. É o caso de Goya, considerado um dos principais artistas do período, sem contudo que a Espanha tivesse realmente assimilado a arte rococó.


Outro ponto de contato com o barroco é a ênfase - no caso do rococó, ainda maior - no conjunto. Arquitetura, escultura e pintura deveriam se complementar num todo harmônico. Era comum ainda a colaboração de vários artistas das diferentes especialidades para obtenção de tal efeito.


Na arquitetura destaca-se Gabriel-Germain Boffrand (1667 - 1754) e Johann Balthasar Neumann (1687 - 1753).


Gabriel, extremamente popular na Paris do século XVIII, construía casas para a aristocracia francesa, preocupando-se sempre com a harmonização entre a construção e a decoração de seu interior ao estilo rococó. Um dos exemplos mais conhecidos de seu trabalho é o Salon de la Princesse no Hôtel de Soubise (1732). Trata-se de uma rica sala de recepção numa casa particular, em que elementos como janelas e espelhos são usados para dar a sensação de amplitude e fragmentar a luz. É fantástica a  integração entre as formas arquitetônicas e a decoração e pinturas presentes na moradia.


Balthasar Neumann, arquiteto alemão, é conhecido, por sua vez, pela construção de palácios para príncipes, sendo o mais famoso chamado “Residenz“, em Würzburg, uma obra de interior rico e grandioso.


Na pintura, temos grandes nomes como Giovanni Battista Tiepolo (1696 - 1770), Jean- Antoine Watteau (1684 - 1721), William Hogarth (1697 - 1764) e Francisco de Goya y Lucientes (1746 - 1828).


O veneziano Tiepolo é considerado um dos maiores artistas do século XVIII. Foi o autor das pinturas realizadas na construção de Neumann “Residenz“, celebrizando-se pelas obras. Trabalhou, além da Itália, na corte espanhola de Charles III. Iniciou na pintura vários assistentes, inclusive os próprios filhos (o mais velho, Giovanni Domenico Tiepolo, é conhecido, ao lado do pai, por suas estampas). Seu genro Francesco Guardi também é considerado excelente paisagista do período.


O pintor flamengo estabelecido em Paris, Watteau, é outro importante pintor do período, tendo recebido influências de Rubens e da Escola Veneziana. Os personagens da Comédia dell’arte e os da Comédia Francesa aparecem freqüentemente em sua obra, com belíssimos resultados. É tido como o artista que ajudou a definir o gosto rococó. Como exemplo de seu trabalho pode ser citado “Festa no Parque“ em que retrata belas damas da corte sendo galanteadas por jovens num ambiente sereno e um tanto quanto melancólico. Possui extrema delicadeza de traços e cores.


William Hogarth é tido como o fundador da famosa escola inglesa de pintura (até então a Inglaterra não tinha demonstrado realmente grandes nomes nessa expressão artística pela qual notabilizar-se-ia posteriormente). Suas preferências caíam nas pinturas de cunho moralizante tiradas de sátiras, como a extremamente bem humorada série “Marriage à la Mode“. Realizou experiências na área da escultura, ilustração de livros e escrita. Em sua obra crítica “Análises da Beleza“ defende a supremacia das linhas curvas sobre as angulares.


Francisco Goya é talvez um dos mais famosos pintores do período, conhecido, entre outras coisas, por seu trabalho de crítica sutil  na corte de Charles IV, em Madrid. Seu estilo é considerado o do rococó tardio, bastante influenciado por Tiepolo e Velázquez (vai ser desenvolvido em verbete à parte).


Na escultura temos Egid Quirim Asam (1692 - 1750), exemplificado pela obra “Assunção da Virgem“, na Abadia de Rohr, Alemanha, e Claude Michel, ou Clodion, um dos últimos expoentes do rococó francês, com sua obra “A Ninfa e o Sátiro“. Merecem destaque, ainda, as esculturas realizadas em larga escala, em especial na Alemanha e na Áustria.



Verbete:
Rodolfo Amoedo




Rodolfo Amoedo (1857 - 1941)


Nas obras de Rodolfo Amoedo (1857 - 1941) podem ser notadas influências acadêmicas, pré-simbolistas e românticas. A figura humana merece especial atenção em seu trabalho. Atento às possibilidades da ciência de seu tempo, empregava-a juntamente com processos antigos na realização de suas pinturas (por exemplo, em suas constantes buscas de materiais). A forma é extremamente importante para a pintura de Amoedo. Nus femininos, temas religiosos, retratos, paisagens, pintura de gênero, naturezas-mortas e interiores estão entre seus temas.


Nasceu na Bahia e em 1873 já ingressa no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro, (Vítor Meirelles foi um de seus professores) . Um ano depois matricula-se na Academia Imperial de Belas-Artes, onde parece não ter se destacado como aluno. 


Entretanto, contrariando as expectativas, acabou ganhando o prêmio de Viagem à Europa da Academia em 1878, com sua pintura "Sacrifício de Abel". Em 1879 vai para Paris e uma vez não tendo sido aceito no vestibular da Escola de Belas-Artes, acaba freqüentando a Academia Julian. Em 1880 realiza novamente os exames e é admitido na escola francesa, sendo aluno de Puvvis de Chavannes, entre outros.


Em 1884 prorroga sua permanência na Europa, só retornando ao país em 1887, já trazendo na bagagem obras importantes na carreira do pintor como: Partida de Jacob, o Último Tamoio, Cristo em Cafarnaum, Marabá e Narração de Filetas.


Estudiosos de sua obra (como José Roberto Teixeira Leite) afirmam que o período do artista de maior espontaneidade foi o que passou em Paris. Assim que retorna ao Brasil é convidado para lecionar pintura na Academia, e os padrões acadêmicos acabaram por limitar-lhe a criatividade, concentrando-se especialmente na técnica. Entre seus alunos destacam-se Cândido Portinari.


Em 1890 participa do grupo que reformula os regulamentos da Academia Imperial de Belas -Artes (reformulação encomendada pelo governo), que passa a chamar-se Escola Nacional de Belas-Artes.


É premiado na Exposição Internacional de Chicago em 1893. Divide seu tempo entre Brasil, a Europa e a Academia. Trabalha ainda na decoração do Supremo Tribunal do Rio de Janeiro e na  do foyer do Teatro Municipal do Rio de Janeiro.


Nas obras de Amoedo merecem atenção especial os nus femininos, como "Dorso de Mulher" e os estudos que realizava antes de se dedicar à realização da pintura definitiva. De acordo com Teixeira Leite, ele era mais sensível e pessoal nesses estudos,"pois então deixava cair a máscara acadêmica para se dar com mais sinceridade e espontaneidade".



Verbete:
Romance




Romance


No começo do século XIII, surgiu o romance, derivado das canções e das toadas espanholas. O romancista El Cid é considerado o mais importante da Idade Média. No reinado de Afonso X aparecem as Cantigas de Loores e os Milagres de Nossa Senhora, obra que foi considerada a mais importante da época.



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Romanesco




Romanesco


Arte românica é  aquela que se desenvolveu na Europa nos séculos XI e XII (apesar de modernamente, haver tentativas de mudança no conceito). É um termo utilizado primitivamente para a arquitetura do período, derivada da arquitetura do Império Romano, realizada sem a tecnologia daquela. Por extensão o termo acabou se aplicando também à pintura e escultura da época, expressões artísticas que contaram com bastante inventividade.


A arte romanesca em geral é caracterizada por sua  criatividade na resolução de problemas (principalmente arquitetônicos), tendo lançado as bases para o estilo gótico posterior.


Igrejas e mosteiros são as principais obras da arquitetura do período. Seus arcos arredondados e o sistema de abóbadas talvez sejam as influências mais diretas da arquitetura do antigo Império Romano. A ausência de conhecimentos técnicos e dos cálculos necessários para, por exemplo, abobadar grandes edificações com materiais pesados como a pedra, levaram os arquitetos do período a grandes descobertas. Um exemplo das construções romanescas são o monastério de Cluny, a Catedral de Tournai, na Bélgica e a Abadia de Fontenay.


Essas construções arquitetônicas eram decoradas com esculturas e pinturas que oscilavam entre efeitos calmos e severos à turbulências da excitação visionária. A escultura, em especial, trouxe de volta aos trabalhos o senso de monumentalidade. As figuras retratadas são esbeltas e com deformações que realçam sua expressividade. Há vários exemplos de emprego do relevo.


O “Pórtico da Glória“, na Catedral de Santiago de Compostela, é considerada uma das amostras mais fantásticas da escultura do período. Atribuídas ao imaginativo mestre Mateus, são repletas de vida e emoção.


A estilização e o alongamento de figuras são típicos da pintura romanesca. Os afrescos, de colorido sóbrio e escuros também costumam aparecer com bastante freqüência. Não é, entretanto, regra geral. A Igreja de Santa Maria, em Tahul, apresenta a Virgem e a Criança com cores expressivas.


A ilustração de manuscrito é outra importante manifestação da pintura romanesca. A decoração das grandes letras maiúsculas, capitulares, foi então bastante desenvolvida. No museu Britânico podem ser encontrados vários exemplares desses manuscritos.



Verbete:
Romantísmo




Romantismo


Período na história e evolução das artes que se estende de 1760 a 1900 D.C. Posterior ao classicismo e análogo à literatura quanto ao estilo e estética, difundiu formas musicais que incluem as baladas, fantasias, rapsódias e música de concerto. Os maiores representantes do romantismo na música são Brahms, Chopin, Schumann, Wagner , Mendelssohn e Schubert.



Verbete:
Romantismo (artes)




Romantismo (artes)


A definição do romantismo, principalmente nas artes plásticas, é bastante polêmica. Alguns acreditam que ele se estende desde meados do século XVIII até hoje, enquanto outros o vêem como uma escola que floresceu entre os séculos XVIII e XIX. Além disso, a separação entre Neoclassicismo e Romantismo é outro ponto de difícil consenso entre os historiadores de arte. Enquanto alguns acreditam que essas tendências não têm no fundo tantas diferenças entre si, como as duas faces de uma mesma moeda, outros pensam que o romantismo é uma escola à parte, que se desenvolveu depois do neoclassicismo.


Acredita-se que na música e na literatura tenha sido mais fácil sua expressão como uma escola distinta das demais. O romantismo, nas artes plásticas, talvez esteja mais ligado a um estado de espírito e crenças filosóficas do que a um estilo ou imagem visual específica. Além disso, os próprios líderes do movimento romântico, nas artes plásticas, apresentam grande diferenciação entre si.


De uma forma geral, o romantismo caracteriza-se pela valoração da experiência individual e da imaginação como principal fonte de recursos para a expressão artística. Além disso, representou uma revolta contra o conservadorismo nas artes e a moderação. Tanto como o classicismo, aspectos como a virtude ou a grandeza são valorizados, bem como um modo de vida pertencente ao passado. Um dos maiores méritos creditados aos artistas desse período foi terem conseguido imprimir mais liberdade à arte, dando espaço para suas próprias expressões pessoais (que talvez até então somente um poeta poderia expressar).


O Gótico Revival, que foi a revalorização estética dos construções da Idade Média, em especial o estilo gótico (pelo menos em suas primeiras manifestações) pode ser considerado um aspecto do romantismo. A partir do momento em que se desenvolve, entretanto, chega a ser considerado por alguns historiadores como uma escola própria, separada já do romantismo. Seus principais expoentes foram os ingleses Horace Walpole (1717 - 1797) - arquiteto amador e escritor, que tendo construído sua casa de campo Strawberry Hill, em Twickenham, como um castelo medieval, acabou por ajudar a estabelecer o estilo entre as construções do gênero do país Augustus Welby Pugin (1812 - 1852) além de arquiteto, também teórico, um dos nomes mais importantes do estilo na Inglaterra, responsável pelos detalhes góticos nas Casas do Parlamento inglês e o francês Eugène Viollet-le-Duc, que reconstruiu obras góticas e romanescas francesas, além de ter escrito um dicionário sobre a arquitetura francesa do século XI ao XVI, popularizando bastante a estética medieval.


Na pintura romântica, destacam-se a Inglaterra, a França e a Alemanha como os países mais ligadas ao romantismo.


O romantismo na Inglaterra deveu muito a estrangeiros, principalmente os americanos Benjamein West (1738-1820) e John Singleton Copley (1738-1815).


West foi o segundo presidente da Royal Academy, em Londres, pintor da corte de George III, conhecido entre outras coisas, por ter introduzido na tradicional academia britânica uma obra histórica com pessoas vestidas na maneira contemporânea (“A Morte de General Wolfe“). Copley é conhecido por seus retratos e obras como “Watson e o Tubarão“, que narra um acidente ocorrido com um seu amigo Brook Watson.


Os suíços Henry Fuseli (1741-1825) com sua excentricidade e trabalhos com fortes tendências a explorar cenas de horror, como “O Pesadelo“ e Angelica Kauffmann (1741-1807), extremamente ativa na defesa da causa feminina nas artes, utilizando-se, por exemplo, de sua própria imagem como heroína, também foram grandes artistas do romantismo inglês.


Mas talvez o maior nome do movimento seja William Blake (1757-1827), seguido de Turner. Blake era um homem místico, que desprezava a academia e era considerado visionário e louco em sua própria época. Além de pintor e gravador era poeta, tendo como hábito ilustrar seus escritos. Entre essas ilustrações destacam-se um trabalho extremamente poderoso e conhecido “O Ancião dos Dias“, feito para o poema “Europe, a Prophecy“. O criador do mundo nu, (para Blake conhecido como Urizen), segura um compasso luminoso que usa para medir o globo em uma noite de tempestade. A influência de Michelângelo, de quem era grande admirador e profundo estudioso, aparece clara na escolha temática (“A Criação de Adão“ do artista renascentista parece ter inspirado essa obra).


Na França, Eugène Delacroix (1798-1863, ver verbete à parte) e Theodore Géricault (1791 - 1824) aparecem como os principais líderes românticos. Antoine-Jean Gros (1771-1835), com seu uso de cores, pinceladas vigorosas e próprio temperamento romântico (chegou a cometer suicídio por não atingir reconhecimento de suas obras), também pode ser considerado um nome importante do movimento.


Theodore Géricault foi bastante influenciado por Gross e, por sua vez, exerceu grande influência sobre Delacroix. Foi um pintor bastante preocupado com o detalhamento e com o estudo da natureza. Estudou pormenores de um acontecimento para realizar seu dramático quadro “A Balsa da Medusa“, que relata o resgate dos sobreviventes de uma tragédia marítima que foi escândalo em sua época. “Corrida de Cavalos“, é outra obra do pintor em que se utiliza de seu talento para retratar as famosas corridas em Epsom.


Delacroix (ver verbete à parte) foi o pintor romântico francês mais conhecido em sua época, sempre à volta em discussões com os neoclássicos como Ingres e conhecido por obras como “Liberdade Guiando as Pessoas“, de 1830.


Foi ainda durante o romantismo que as pinturas de paisagem tornaram-se bastante valorizadas. Essas pinturas procuravam expressar a relação do artista com a natureza, numa época que a arte tornava-se mais livre. William Turner (1775 - 1851), por exemplo, um dos mais famosos paisagistas ingleses, seguido por John Constable (1776 - 1837) é considerado, ao lado de Blake, uma das principais figuras do romantismo no país.


Turner, em suas obras, criava cenas fantásticas, cheias de luz, movimento e efeitos dramáticos que impressionassem o público. “Vapor numa Tempestade de Neve“ é uma obra extremamente arrojada do pintor, que mostra a natureza extremamente poderosa em uma tempestade marítima, digna da imaginação romântica.


Já o estilo de Constable, apesar de contemporâneo a Turner, era bastante diferente deste último. Desprezava as tradições pictóricas e as fórmulas de representação da natureza que procuravam suplantá-la. Suas pinturas eram serenas, como demonstra “A Carroça de Feno“, uma pacata cena rural extremamente sincera e desprovida de pretensões.


Na Alemanha, destacam-se Caspar David Friedrich (1774 - 1840), famoso por suas paisagens, principalmente ambientadas no gelo e na neve, topos de montanhas e procissões funerárias.



