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Arte no Declínio do Império Romano




Arte no Declínio do Império Romano


Os últimos tempos do Império Romano são conhecidos pela desordem administrativa interna e social, revolta, crises do escravismo, perdas de territórios e invasões “bárbaras“ que acabaram levando à queda do Império Romano do Ocidente em 476 d.C., marcando a passagem da Idade Antiga para a Medieval.


Durante esse período, as influências clássicas que tinham sido predominantes na arte romana, passam a ceder espaço para outros estilos, assimilados entre as mais distintas regiões. A proporção clássica, por exemplo, já não era mais tão respeitada ou valorizada, abrindo caminho para uma arte que iria fortalecer-se na Idade Média.


Diocleciano, que começou seu reinado no ano 284 da era cristã, introduziu profundas reformas no Império, no intuito de prolongar sua sobrevivência. Uma das mais importantes foi a divisão administrativa: o ocidente seria administrado pelo próprio Diocleciano (um Augustus), auxiliado por um sub-imperador (um caesar). No oriente essa mesma forma administrativa seria mantida, sendo Maximiano o principal governante.


Esse sistema, conhecido como tetrarquia, teve sua representação artística na estátua dos Tetrarcas, realizada em 305 em Veneza (São Marcos). Os quatro imperadores representados juntos deveriam transmitir a idéia de uma forte união. Já pode ser notada a ausência das proporções clássicas.


Entre as construções arquitetônicas do período destacam-se o Palácio de Diocleciano, na região da atual Iugoslávia. É uma fortificação que ilustra bem a arte desse período: mistura características extremamente variadas, sobrevivendo a ênfase nos arcos. A luxuosa casa de campo de Maximiano, do começo do século IV d.C., também apresenta enorme variedade arquitetônica. Seus mosaicos com cenas de caçadas, alegorias ou figuras femininas (vestidas com peças semelhantes aos nossos biquínis) são bastante famosos.


Entretanto, o sistema de Diocleciano acaba sendo destruído por Constantino, que toma para si todo o poder no Império, inaugurando um sistema de dinastia familiar.


A basílica de Constantino e Maximiano, completadas por Constantino, exprime bem a arquitetura desse período, com seu grande hall de 35 metros, sua estrutura arqueada, suas enormes colunas e seu interior suntuosamente decorado com mármore.


Nessa basílica podia ser encontrada uma monumental estátua de Constantino, com uma cabeça da altura de 2,6 m. Os olhos saltam nessa representação já bastante distanciada dos padrões clássicos, com menor atenção aos traços do rosto e com seu pescoço cilíndrico.


O Arco de Constantino, seguindo a tradição romana dos arcos do Triunfo, é outra construção arquitetônica característica desse período. Foi realizado para celebrar sua vitória sobre Maximiano, possuindo esculturas comemorativas. Constantino apropriou-se de trabalhos realizados para outros imperadores, como  Marco Aurélio, Adriano ou Trajano, para identificar-se a eles, considerados “bons“ governantes. Com esse procedimento, tornou mais nítido o contraste entre as esculturas realizadas em períodos anteriores e os trabalhos de sua época. A diferença na proporcionalidade talvez seja o dado mais marcante, com suas grandes cabeças e comparativamente pequenas estaturas. Além disso eram bem menos articulados do que suas predecessoras. É importante notar que essas características talvez não indiquem falta de conhecimento dos artistas, mas apenas opção estética devido à assimilação de outras influências.


Com a fundação de Constantinopla e a mudança de Constantino e sua corte para o antigo sítio grego, vemos o início da ruptura entre o mundo oriental e o ocidental que marcaria os próximos momentos da História.



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Arte no Egito Antigo




Arte no Egito Antigo


A civilização egípcia é uma das que mais exercem fascínio sobre os homens, grande parte associada a sua religiosidade, suas práticas de conservação de cadáveres e mumificação - até hoje não totalmente desvendadas - e suas construções grandiosas como as Pirâmides e a Esfinge.


Começou a formar-se há mais ou menos quatro mil anos antes de Cristo, nas proximidades do Rio Nilo. O rio, um verdadeiro oásis no deserto, foi essencial para a concentração de uma população mesclada entre mediterrâneos, asiáticos e africanos, que, principalmente a partir de 3300 a.C., tinham na agricultura e no pastoreio suas principais atividades, guiadas pelas cheias do Nilo. Juntamente com os povos Mesopotâmicos, os egípcios foram os primeiros a atingir o estado de civilização.


Após a unificação do norte e sul, por volta de 3000 a.C., o Egito foi cada vez mais se desenvolvendo. Nesse período inicial da história antiga do país - conhecido como período Pré- Dinástico - encontramos alguns aspectos da cultura e arte egípcia que acabariam por orientar as épocas subseqüentes. A escrita dava seus primeiros passos, bem como as técnicas sobre metais (em especial os mais moles como o ouro e o cobre), a tecelagem e a cerâmica. Já é dessa fase o hábito de se representar os governantes, como Narmer (provavelmente o rei que unificou os reinos do Norte e do Sul) em larga escala, em tamanho muito superior aos demais objetos representados - essa característica da representação egípcia permanece durante quase toda sua história.


Outras características importantes das representações humanas egípcias também já aparecem nessa época, como cabeças e pés vistos de perfil, com os olhos mostrados frontalmente e braços e pernas apresentados por inteiro.


A respeito dessas representações contorcidas, extremamente conhecidas da arte egípcia, cabe fazer algumas observações. Elas eram realizadas, por exemplo, a partir dos ângulos que melhor representassem determinada parte do corpo. Assim, a cabeça, braços e pernas são mais facilmente vistos de lado, os pés, melhor vistos de dentro (preferiam o contorno partindo do dedão, o que muitas vezes dava a impressão de dois pés esquerdos). Os olhos, por sua vez, de frente são mais expressivos, bem como a metade superior do tronco, mais nítidas se observadas de frente. O “Retrato de Hesire“, esculpido numa porta de túmulo há cerca de dois mil e setecentos anos antes de Cristo é uma boa amostra dessas representações de figuras humanas.


A arte e a cultura egípcia, de uma maneira geral, era bastante conformista e tradicional. As mudanças não eram bem vistas e os padrões estéticos mantiveram-se praticamente sem alterações por praticamente três mil anos (com exceção da época de Akhenaton, que veremos a seguir). O “talento“ de um artista dependia menos de sua originalidade (não era esperado isso dele) do que do rigor com que reproduzia a arte do passado.


O período da História egípcia, entre aproximadamente 2780 a.C. e 2200 a.C., é conhecido como Antigo Império ou Reino Antigo. São dessa época as primeiras construções de pirâmides, monumentos funerários extremamente elaborados, que são uma das marcas registradas do antigo Egito. Essas enormes construções geométricas de pesadas pedras, simbolizando profunda solidez e força, eram construídas para abrigarem, em seu centro, a múmia do faraó. Possuíam, além da própria câmara funerária (normalmente repleta de tesouros), várias câmaras “decoradas“ com imagens e fórmulas mágicas.


Talvez as mais conhecidas pirâmides sejam as três construídas na quarta dinastia: a de Quéops, Quefren e Miquerinos, de Gizé, perto de Mênfis (então capital do Império).


A esfinge, com corpo de leão, cabeça e busto de mulher, com 19,8 metros de altura, também dessa época, já demonstra o gosto egípcio por esculturas em larga escala. Um exemplo mais típico de escultura do período é a enorme estátua do Rei Quefrem, na posição solene que seria outra marca registrada das representações de faraós do país: sentado, com ar de autoridade e poder e as mãos sobre o joelho (nesse exemplo só a direita está exatamente pousada sobre a perna respectiva).


A crença egípcia na vida após a morte, além de ter nos deixado as pirâmides, (e no casos dos mais abastados, que não eram faraós, as mastabas, ou túmulos de tijolos), ainda forneceu algumas representações de rostos com os aspectos essenciais da cabeça. Combinam uma rigidez geométrica ao naturalismo (não extremo), como demonstra um busto em rocha calcária encontrada num túmulo em Gizé e hoje no Museu Kunsthistorìsches, de Viena.


A pedra calcária e a madeira eram os principais materiais com que as esculturas dessa época eram realizadas. As esculturas em relevo e as pinturas, principalmente decorando paredes de tumbas, também aparecem nesse período. Seus temas normalmente referiam-se à vida egípcia, como caçadas, pescas e o cultivo da terra, além de mostrar os animais característicos da região, revelando grande poder de observação. Um dado interessante nas pinturas era a extrema importância dada ao colorido.


Depois de um Período Intermediário, entre 2134 e 2065 a.C, após o enfraquecimento das dinastias do Antigo Império, começa o Médio Império, sob a liderança de Mentuhotep, tendo Tebas como a principal cidade. Estendeu-se de aproximadamente 2065 a.C. a 1785 a.C..


A arte, de uma maneira geral, manteve o estilo que se consolidou no Alto Império. Um exemplo da arte realizada nessa época pode ser dado pelas pinturas realizadas na parede do túmulo de Chnemhotep, cerca de mil e novecentos anos antes de Cristo, nas proximidades de Beni Hassan. Trata-se de um alto funcionário, sacerdote e amigo do Imperador, como se desprende pelos hieróglifos (escrita mais refinada egípcia, utilizada nos monumentos, com sinais da flora e fauna do país). Em tamanho maior que as outras representações da pintura, é mostrado do lado direito pescando, e do lado esquerdo, caçando aves perto de sua mulher, de sua concubina e de seu filho, em tamanhos menores. Chenemhotep novamente é representado em cima da porta, apanhando aves, agora com o auxílio de uma rede, utilizando-se de métodos de caçada egípcios. Num friso abaixo, pescadores puxam uma pescaria. A composição e a ordem aqui presentes são uma marca da pintura egípcia.


Nessa época, o granito já é o material predominantemente utilizado nas esculturas. É ainda contemporâneo ao período os colossos de Memnon e Ipsambul e os templos talhados na própria rocha.


O Novo Império estendeu-se entre 1580 e 1200 a.C.. Iniciou-se após a expulsão dos hicsos (povos asiáticos que invadiram o país a partir do delta do Nilo, redividindo o Império entre 1785 e 1580 a.C.) e o restabelecimento da autoridade do faraó.


Um dos principais acontecimentos desse período foi a revolução religiosa e cultural promovida por Amenófis IV. Ao invés dos vários deuses que sempre governaram a vida egípcia, tentou instituir o culto a um único deus: Aton, que deveria ser representado como um sol. Mudou seu nome para Akhenaton e transferiu a capital do Império de Tebas para El-Amarna.


A arte dessa época, que até então mantinha-se fiel às tradições do passado, foi bastante modificada. Tornou-se menos pesada e mais descritiva. As representações dos faraós, que mantinham-se praticamente inalteradas desde o começo da história do país, agora eram realizadas de uma maneira menos formal e solene, em poses mais relaxadas. Cenas como o faraó passeando com a esposa pelos jardins ou pondo a filha no colo eram encomendadas pelo governante, chocando os austeros padrões egípcios. É famoso o retrato de Amenófis IV, realizado em relevo num calcário que o mostra como um homem feio, com ênfase no queixo e lábios, numa representação muito provavelmente pouco idealizada e talvez próxima à face real do Imperador.


O busto “Rainha Nefertiti“ - esposa desse faraó que muito o ajudou na implementação da reforma religiosa - é outra famosa representação do período, com uma graça e fluidez jamais vista na arte egípcia. Após sua morte, o reinado de seu filho Tutancâmon logo restabeleceu as antigas crenças (os sacerdotes obrigaram a mudar seu nome para Tutancâmon). Apesar disso, o estilo artístico da época anterior prosseguiu durante seu reinado. Em seu túmulo, encontrado intacto em 1922, pode ser encontrada a talha dourada pintada no seu trono, em que ele é mostrado numa cena doméstica com sua esposa, de uma maneira relaxada e tendo acima de sua cabeça a representação do Sol.


Entretanto, esse período foi bastante atípico na arte egípcia e logo após Tutancâmon voltaram os padrões tradicionais de arte, consagrados desde a época Pré-Dinástica e o Antigo Império.


Após o reinado de Ramsés II (aproximadamente 1200 a.C.), o Egito entra cada vez mais em decadência. Esse soberano é conhecido por suas construções, em especial seu próprio templo mortuário talhado em pedra e guardado por quatro estátuas, representando sua figura, de 18,3 metros.


Os persas, o exército de Alexandre Magno e posteriormente os romanos acabaram por dominar definitivamente o Egito, que nunca mais teve um período de apogeu tão grande quanto o verificado nessa época histórica.



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Arte no Japão




Arte no Japão


O Japão apresenta grande influência da arte estrangeira em sua própria produção. Na história da arte japonesa é comum o processo de assimilação da arte continental, transformada pela cultura do país.


Como tipicamente japonesas do período entre 8.000 a.C. e 552 d.C. (antes da introdução do budismo) podemos citar alguns tipos de cerâmicas, placas de bronze desenhadas e os Haniwa (literalmente círculos de argila), com suas formas cilíndricas, que ficavam afixados ao redor das tumbas dos imperadores. Na arquitetura, apesar de não haver remanescentes do período, acredita-se que tenha sido grande a influência do xintoísmo (religião primitiva do Japão), com seus ideais de beleza, pureza e dignidade.


Com a introdução do budismo no país (através da Coréia), a arte tem grande desenvolvimento, apesar de sofrer bastante influência chinesa. As estátuas de Buda são obras notáveis na arte japonesa e, Zingoro (século XVII), um dos escultores mais importantes do Japão, com especial habilidade também para representar animais.


Típicas da arte japonesa são as máscaras, tanto de uso ritualístico como teatral. O teatro, de maneira geral,  fornece bastante inspiração temática à arte japonesa. Os artefatos necessários para a cerimônia do chá (inicialmente associadas aos samurais Zens), bem como sua ritualística, são outra amostra da arte japonesa nativa. Na arquitetura, há abundância de curvas sinuosas e despreocupação com a simetria. A influência do budismo e do xintoísmo é especialmente forte nessa manifestação. Os japoneses foram mestres, ainda, em adaptar aos materiais próprios de seu país a arte realizada no estrangeiro, atingindo elevados graus técnicos.


A pintura japonesa é considerada extremamente peculiar e importante na história da arte. Influenciou bastante os artistas ocidentais. Caracterizam-se basicamente por precisão, leveza, linhas expressivas e fluídas. Uma forma de pintura bastante conhecida do país são os caquemonos feitos em cima da sede ou do papel que se enrolam num cilindro de bambu.


Os artistas japoneses mais conhecidos no Ocidente são Maruyama Okyo (século XVIII) pintor realista, provavelmente influenciado por missionários portugueses, Genrocau Corin, Gochin (século XVIII), Quio, o animalista Sosen, Cosut Cavo, Utamaro, conhecido por suas estampas coloridas, o poético Iosai,  (século XIX), o paisagista Hirochigué e o desenhista do século XX, Fujita, que mescla elementos da arte européia à japonesa.


A cromotipia japonesa, utilizadas nas estampas populares, influenciou muito os impressionistas europeus e pintores como Van Gogh e Gauguin. Atingiram sua mais alta expressão no século XIX. De extrema perfeição técnica e simplicidade, essas xilogravuras coloridas mostravam cenas da vida do povo. Merece destaque o artista Hokusai, possuidor de um estilo próprio e considerado um dos grandes gênios da história da arte.  “A Onda“, uma das xilogravuras da série “Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji“ (1823 - 1829), é extremamente célebre.



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Arte no Mundo Asiático




Arte no Mundo Asiático


O mundo oriental, em diferentes momentos da história, exerceu grande influência sobre os ocidentais. Seja através de sua religiosidade, seus conceitos filosóficos ou sua visão de mundo. Em diferentes épocas o comércio ou as invasões e guerras produziram o contato cultural entre esses dois mundos - cabendo à arte um lugar de destaque nesse processo. Em contrapartida, houve também influência do “mundo ocidental“ no oriental, causando necessidades de mudança na sólida tradição artística característica do oriente.


Na arte oriental, a religião e a filosofia têm um papel de destaque importantíssimo. Pode-se dizer que esses conceitos não se separaram durante um longo período do processo artístico (não que no mundo ocidental não existisse esse inter-relacionamento, mas no mundo oriental ele era mais intenso). O próprio “homem oriental“, com sua visão de mundo característica, não pode ser excluído quando se fala da arte de seu mundo. Por ter sido bastante utilizada de forma a expressar conceitos e forças religiosas, pode ser observada sua utilização de forma doutrinal.


Um dado importante que merece consideração são os longos intervalos de tempo em que certos conceitos artísticos persistem na arte oriental. Deve ser lembrado que é próprio da cultura oriental a imobilidade e que ela não valoriza a efervescência e constante ruptura com o passado (próprio do ocidente, em que um movimento artístico normalmente nasce em contraposição ao seu antecessor), mas ao contrário disso valoriza a tradição. Quando o difícil processo de busca e aceitação do novo acontece, este costuma geralmente ser incorporado ao já existente, ao invés de negá-lo. Além disso é próprio da cultura oriental a aceitação de paradoxos convivendo em harmonia, em contraposição à cultura ocidental excludente.


A partir dessas observações, podemos tentar compreender esse tipo de arte. A enorme penetração do budismo na Ásia é responsável pelos grandes pontos em comum que encontramos entre a arte desses países.


O contato entre os dois hemisférios começou ainda na antiga Mesopotâmia, através do comércio. E foi o comércio um dos grandes responsáveis pelos contatos sucessivos, como a “Rota da Prata“, ainda na Antiguidade. A época das grandes navegações possibilitou o início do intercâmbio sistemático entre essas culturas. Portugal, por exemplo, trazia da China e da Índia peças de porcelana e cerâmica que comercializava para o resto da Europa.


Movimentos ocidentais como o barroco (e o rococó), tiveram clara influência da arte realizada na Ásia (em especial, China e Japão). Além disso, o mundo oriental inspirou a imaginação romântica de pintores e arquitetos.



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Arte no Período Medieval




Arte no Período Medieval


A arte romana do baixo Império (período de declínio romano) já não apresentava observação restrita aos padrões clássicos. Com a conquista de reinos cada vez mais distantes e a assimilação dessas culturas à arte grega, que até então tinha tido um papel de destaque no Império Romano, começa a dar vez a novas escolhas estéticas. Portanto, já antes do Cristianismo e do começo da Idade Média, podemos perceber padrões artísticos próximos desse período histórico. Essas observações vão de encontro às crenças de que os artistas na Idade Média perderam o conhecimento da arte clássica. Estudos recentes têm apontado na direção de que menos que uma perda de técnica, essa transformação da arte implicou numa escolha dos artistas fundamentada em gosto estético.


Entretanto, as invasões “bárbaras“, tiveram também contribuição decisiva na cultura e arte que observamos na Idade Média. Os povos que entravam nas regiões que pertenciam ao Império Romano traziam consigo seus próprios valores e expressões artísticas. Nesse contato inicial, a arte mais monumental cedeu espaço para a arte realizada em pequena escala, aos objetos portáteis, devido à própria condição migratória desses povos.


A tradição decorativa era sua bagagem mais freqüente, normalmente através de formas abstratas e, principalmente, estilização de animais. Além disso, traziam técnicas artesanais de trabalhos com metais preciosos e conhecimento na realização de jóias, armas, ornamentação, etc.


“O cervo“, uma estátua de ouro de 32 cm de comprimento, realizada por essas tribos nos séculos VI ou VII a.C., atualmente em museu russo, costuma ser considerado um dos melhores exemplares desses trabalhos. Em sua tradição, era comum, por exemplo, a estilização dos cornos desse animal. Além disso, as representação costumava levar em conta mais os aspectos observáveis na superfície do que um real estudo anatômico.


A conversão de muitas dessas tribos ao cristianismo, marca o início de uma arte mais familiar à Idade Média, com temas do imaginário cristão unidos às formas abstratas, estilização de animais e um resto da tradição clássica.


Um exemplo da junção da cultura dessas tribos ao mundo romano pode ser dado pelos gauleses celtas, que entraram em contato com a arte chinesa, com a arte etrusca e a da Grécia Antiga através de comércio e invasões. Seus motivos artísticos como espirais ou os três ramos que partiam de um centro em espirais e curvas, acabaram sendo incorporadas à posterior iluminação de manuscritos.


Talvez tenham sido as ilhas britânicas o cenário que abriga a maior quantidade de expressões artísticas dessa época migratória. Os celtas da Irlanda e da Escócia, cristianizados, atribuíam grande valor à vida monástica. Com a unificação dos Irlandeses e Anglo-Saxões, surge uma arte bastante rica, baseada em elementos de cada uma dessas tradições. O Lindisfarne Gospels contém belíssimas imagens de ilustrações de manuscritos feitas no monastério da Ilha de Lindisfarne. Retratos de evangelhistas ocupando páginas inteiras, profunda simbologia, cores, figuras abstratas e estilizadas são algumas das características dessas iluminações consideradas uma das mais belas do período.


É interessante assinalar a posição dos monastérios durante o início da Idade Média. Tendo aparecido logo no começo da época, acabaram fornecendo ao mundo medieval conturbado e confuso pelas constantes invasões e hegemonias rápidas que se sucediam, uma garantia de unidade e estabilização, preservando as características civilizatórias já atingidas pela humanidade.


O estudo, a aprendizagem e a literatura eram tradições nos monastérios, principalmente esses assuntos ligados à produção da antiguidade. Com essas normas, acabaram ajudando na preservação de aspectos culturais que poderiam estar perdidos. Os mosteiros beneditos, por suas normas e pioneirismo, tiveram especial atuação nessa tarefa.


Apesar do grande número de povos que invadiram os domínios do Império Romano, vamos nos centrar, em especial, na arte dos lombardos e visigóticos.



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Arte Otomana




Arte Otomana


Os séculos IX e X já vinham sendo de um certo caos devido ao enfraquecimento da dinastia carolíngia. Após 911, com a morte do último soberano pertencente a essa dinastia, as invasões às terras européias acentuaram-se. É nesse cenário que vemos despontar a figura de Otto que, casando-se com uma nobre lombarda, restabeleceu a autoridade real. Sua corte deu continuidade às conquistas culturais do Império Carolíngio, período também conhecido como renascimento, inaugurando um período da História da arte conhecido como arte Otomana.


A dinastia Otomana reinou de 919 a 1024. Entretanto, o estilo artístico associado a ela continuou no século II. Teve grande influência da arte Bizantina - consolidada a partir do casamento de Otto II com a princesa bizantina Theophana - e marcou uma retomada do interesse pelas aquisições artísticas do novo Cristianismo.


Na arquitetura, vemos o desenvolvimento de sistemas que seriam a base para o posterior período romanesco. Os templos continuaram a ser as principais obras arquitetônicas européias, levando adiante a tradição da disposição de várias torres, já encontrada no período carolíngio. As construções otomanas costumavam ser feitas com seis torres.


Exemplos de construções desse período podem ser dados pela Abadia de São Miguel, em Hildesheim, Alemanha - construída entre 1010 e 1033, uma continuidade das construções medievais que haviam sendo feitas até então - e a Catedral de Speyer, também na Alemanha,  construída em 1030 (note que mesmo após o fim da dinastia otomana as construções ainda obedecem seus princípios) por Conrad e que deveria servir também como mausoléu familiar.


Na escultura, temos a volta dos trabalhos realizados em larga-escala, principalmente a partir do bronze, despontando a figura de Bernward de Hildesheim (960 - 1022) como patrono das artes (além de religioso, canonizado em 1192). Foi a pedido dele que foram realizadas os grandes portais de bronze (5 por 1, 22 m) e a grande coluna de bronze (3,8 m), na sofisticada fundição de seu monastério beneditino em Hildesheim. Talvez sejam os trabalhos mais importantes do período.


Essas obras foram ainda decoradas com esculturas em relevos. Nas portas temos sofisticadas correlações. “A História de Adão e Eva”, por exemplo, começa no alto da porta esquerda e a expulsão do paraíso encontra-se em baixo. Já na porta direita temos a “Vida de Cristo”, com sua infância em baixo e a crucificação em cima. A leitura que queriam imprimir era a de oposição entre, por exemplo, a queda do homem e a crucificação de Cristo (redenção humana).


Outra obra bastante prestigiada do período foi o “Crucifixo de Gero”, na Catedral de Cologne. A cruz, em tamanho natural, (mais ou menos 1, 90) foi feita entre 969 e 976. Cristo é mostrado no momento de sua morte, num posicionamento de músculos que sugerem grande sofrimento.


Porém, os trabalhos em marfim e metais, apesar de não serem tão famosos, eram os mais abundantes na época, principalmente nos relevos de altares.


Novamente nesse período, a iluminação de manuscritos aparece como a grande fonte de estudo da arte Otoniana. Apesar das origens diferentes, tem grande unidade, baseada principalmente no destaque da figura humana, com grande expressividade, garantida por seu rosto e gestual. As cores brilhantes e a riqueza dos trabalhos também são outras características do período.


O Evangelho de Otto III, feito aproximadamente no ano 1000, pode exemplificar os manuscritos reais. De uma forma bastante energética, Otto aparece entronado majestosamente, tendo atrás de si seu palácio, ao lado direito, dois sacerdotes com evangelhos e dois soldados à sua esquerda.


Os evangelistas, profetas e anjos também podem ser vistos nesses manuscritos, além de ilustrações de textos que chegam a ocupar uma página inteira.



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Arte Paleocristã ( Arte Cristã Primitiva )

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Arte Paleocristã ( Arte Cristã Primitiva )




Arte Paleocristã (Arte Cristã Primitiva)


O cristianismo sofreu muito com as perseguições do Império Romano. Apesar disso, apresentava um crescimento extraordinário. Uma das principais causas de sua não aceitação pelo Império era o fato de se negarem a cultuar o Imperador como um ser divino.


O Imperador Constantino foi o primeiro a proclamar a tolerância à nova religião. Após um período em que seu sucessor tentou refortalecer o paganismo sem grande sucesso, devido ao enorme fôlego do culto cristão, o Imperador Theodosio  acabou por decretar o Cristianismo a religião oficial do Império.


Antes dessa data não havia muitos exemplos de arte cristã. Algumas razões eram fundamentais para essa ausência : a construção de obras de grande porte,  como templos, poderia denunciar os primeiros cristãos que tinham que se manter escondidos, uma vez que sua religião foi proibida durante cerca de 3 séculos. Outra razão era a própria existência humilde pregada por Cristo, que não valorizava a ostentação. Quanto à reprodução de imagens, o Cristianismo herdou a desconfiança do judaísmo (uma das fontes de origem da religião) de que a realização de imagens poderia causar idolatria, próxima ao paganismo.


Os primeiros locais destinados aos cultos cristãos costumavam ser casas ou salas adaptadas para tal fim. Um dos principais pré-requisitos que esses lugares necessitavam preencher era a possibilidade de abrigar grupos de pessoas, uma vez que trata-se de uma religião em que se valoriza os cultos comunitários. Esses lugares ficaram conhecidos como domus ecclesiae.


Um deles foi encontrado em escavações na atual Síria, numa localidade chamada Dura- Europos. Era composta (talvez no século III a.c) por salas próprias para o culto além de uma espécie de sacristia e um batistério. Nesse último local havia pinturas murais e outras realizadas em pequena-escala, especialmente relacionadas à simbologia do batismo, como as figuras de Adão e Eva e a evocação do “ pecado original “ do qual esse sacramento livraria os homens.


Essas representações com finalidades associadas aos ensinamentos cristãos começaram a ser bastante típicas na religião. Outro exemplo dessas pinturas é “ Os Três Homens na Fornalha Ardente “, no mural da Catacumba Priscilla, de Roma (provavelmente século III a.c), cuja finalidade principal era recordar uma história bíblica mais do que a ênfase na possível beleza do trabalho. Numa representação com poucos traços mostra três homens totalmente vestidos (como narra o livro de Daniel, III) dentro de uma fornalha de fogo sem que, entretanto, se queimem, pois de acordo com a história foram salvos por Deus. A ajuda celeste é simbolizada por uma pompa que paira sobre suas cabeças. Seus braços estão levantados em atitude de prece e o desenho é extremamente simples.


Como exemplifica o modelo dessa representação acima descrita, as catacumbas eram os principais locais onde as pinturas eram realizadas nessa primeira época . Outro exemplo famoso de pinturas realizadas para cultos fúnebres é a representação de “ Cristo com São Pedro e São Paulo “, no Sarcófago de Junius Bassus, em Roma (Cripta de São Pedro, possivelmente realizada cerca de meados do século IV). Nela podemos perceber claramente a influência da arte helenística misturada ao simbolismo cristão. Esse tipo de mistura era freqüente nos locais onde foram encontradas amostras de arte dos primeiros adeptos da nova religião. Cristo é mostrado jovem, ao lado dos apóstolos de tipos físicos próximos aos  gregos. O mais surpreendente é que a figura de Zeus aparece também na figura, sustentando o firmamento em que Cristo pisa, numa possível tentativa de simbolizar que Jesus pertencia ao Reino dos Céus.


Entretanto, com a tolerância e posteriormente oficialização do Cristianismo, tornou-se necessário a construção de locais específicos para seu culto. Aqui não cabia a adaptação de antigos templos romanos, entre outras razões pelo fato de que a nova religião tinha outras necessidades, como a já mencionada ênfase nos cultos grupais. As igrejas deveriam então serem amplos espaços e não mais apenas locais onde se depositavam imagens dos deuses como na época pagã. A solução encontrada foi a adaptação de uma construção do Império Romano, as Basílicas, próprias para as reuniões romanas, ou funcionais como tribunais de justiça.


 “ A Basílica de Santo Apolinário “, em Ravena, é um exemplo dessas igrejas cristãs primitivas, construída aproximadamente no ano 530 d.c. Costumavam ser salões vastos e compridos, chamados naves, com colunatas (que paulatinamente foram sendo decoradas) separando-os de partes mais estreitas e baixas, as alas. Havia uma abside (estrado semicircular que ficava numa das extremidades do salão), onde o altar principal começou a ser erigido.


Havia ainda outros modelos de templos, circulares, octogonais ou quadrangulares. A Igreja de Santa Constança, em Roma, de aproximadamente meados do século IV d.c, é outro bom exemplo dessas primeiras construções cristãs. Foi construída primeiramente como um mausoléu e depois passou a ganhar características de templo.


Os Mausoléus como o de Galla Placidia eram também freqüentes nesses tempos. Esse local funerário era extremamente adornado com mosaicos, um tipo de decoração que, juntamente com os afrescos, foi tornando-se popular na nova religião.


As representações nas primeiras épocas cristãs tinham normalmente finalidade pedagógica. Para vencer a resistência dos fiéis, como já foi dito, receosos de que imagens religiosas pudessem acabar gerando a idolatria, o papa Gregório, o Grande (século VI a.c) disse uma frase que tornou-se célebre : “ A pintura pode fazer pelos analfabetos o que a escrita faz para os que sabem ler “ . A partir de então ficava justificada representações com o objetivo de ensinar e lembrar as pessoas as crenças do cristianismo.


 “ O Milagre dos Pães e dos Peixes “, mosaico na Basílica de Santo Apolinário, pode ser um bom exemplo dos rumos que tomava a arte cristã. Trata-se da representação da história da multiplicação dos pães e dos peixes, milagre realizado por Cristo. A maneira como é feita a composição da figura ressalta as características essenciais do episódio sagrado, com ênfase em um solene Cristo jovem no centro do quadro com braços estendidos como numa benção, olhando fixamente para frente (possivelmente visando fitar o fiel) e os alimentos multiplicados.Quatro apóstolos encontram-se um pouco mais atrás em atitudes solenes. Apesar das figuras serem planas e desprovidas de movimento, apresentam evidências que a arte grega não havia sido totalmente desprezada, como o escorço e o cair das túnicas sobre o corpo, marcando-o. Assinalam a mistura de técnicas desenvolvidas pela antiguidade clássica com os novos valores e necessidades dessa época da humanidade.


As ilustrações de manuscritos eram outras atividades artísticas que já começavam a ser realizadas pelos primeiros cristãos, como era tradição entre os clássicos. Exemplares do século V foram os principais remanescentes dessa arte.



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Arte Persa




Arte Persa


Os persas surgiram no século VI a. C. Entre os séculos VI e IV a.C. erigiram um império de dimensões colossais. O Palácio de Persépolis possuía várias colunas estriadas, apresentando estas uma média de 12,0 metros de altura, e ainda capitéis representando touros e leões, apoiando o vigamento do teto. Embora a cultura assíria tenha inspirado muito a própria cultura do povo persa, os relevos sobre pedra calcária encontrados possuem características e identidade próprias.



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Arte Popular no Brasil




Arte Popular no Brasil


Nas camadas populares muitos artistas realizam suas obras, normalmente em seus dias de folga, nas horas tiradas do trabalho na lavoura ou demais ocupações, solitariamente ou com a ajuda da família. Em alguns casos, há dedicação integral para a tarefa, entretanto, são poucos os que conseguem sobreviver somente dos trabalhos artísticos realizados. Feiras e mercados são os principais compradores desses produtos que normalmente acabam sendo usados nas decorações de casa, nas brincadeiras infantis ou até mesmo nos altares de igrejas. Os objetos de arte popular normalmente têm fins decorativos e as peças ora podem ser independentes, ora podem ser criadas para enfeitar outros objetos ou substituir aqueles de uso doméstico.


A arte sacra sempre foi importante meio de expressão de nossos artistas populares. O culto católico aos santos criou condições propícias para que muitos artistas populares se expressassem. Além disso, deve se levar em conta que não existiam escolas de arte acadêmica no Brasil até o século XIX e muitos de nossos artistas criavam seus trabalhos sem praticamente nenhum contato com a "arte erudita". Aleijadinho, um de nossos maiores artistas, pode, sob vários aspectos, ser considerado um artista popular. Outro fator que espanta na arte popular é a semelhança observada em algumas peças produzidas por artesãos sem estudo artístico com obras encontradas em outras épocas e culturas, podendo dar indícios de fatores inconscientes que atuam nessas criações. Um exemplo disso são os santos brasileiros semelhantes às representações medievais que aparecem na arte popular, como os realizados por Severino de Iracunhaem. Além disso, são famosos em nossa arte os "santeiros", principalmente no interior do país e em Minas Gerais, que realizam suas obras seguindo as determinações da Igreja. Assim, por exemplo, uma representação de Santo Antônio deve seguir as características que a tradição religiosa imprime ao santo. 


A arte popular normalmente exprime um sentimento comum ao meio onde se desenvolve. Não costuma ser esperado do artista popular originalidade ou expressão individual, mas sim domínio artesanal e capacidade para executar as obras, normalmente encomendadas e ditadas pela sociedade em que ela se insere, que determina tanto a temática como, em alguns casos, a própria forma que o trabalho deva assumir.


Bichinhos, figuras humanas e tipos (como o cangaceiro, a lavadeira, o padre), além de santos são os temas mais freqüentes da arte popular. Normalmente o artista popular tira da realidade em que vive seus assuntos, podendo às vezes imprimir doses de humor e crítica social às suas representações, como ilustram pequenas esculturas nordestinas de moças brancas dançando com negros de nariz tapado. Famosos pela sutil ironia são Mestre Vitalino e Zé Caboclo, ambos de Caruaru.


O artista popular costuma ser auto-didata, sem contato com a arte erudita, retirando da tradição as técnicas que precisa para realizar seu trabalho. Pode inclusive criar recursos próprios para solucionar seus problemas. A personalização da tradição da sociedade em que esse artista está inserido pode gerar obras de grande valor artístico. 


As pequenas esculturas costumam ser as manifestações mais freqüentes da arte popular, especialmente a cerâmica. Devido às particularidades do trabalho com o material,  existem  pequenas oficinas (pelo menos inicialmente familiares) que se dedicam ao ofício. As oficinas de cerâmicas estão presentes em várias localidades do Brasil , destacando-se as da região oeste do país, as amazônicas, nordestinas e as do Rio Grande do Sul. Cidades como Caruaru, com suas esculturas mais sofisticadas, com valorização do movimento e realismo são influentes centros regionais que acabam por determinar padrões nordestinos.


As esculturas em barro têm centros na região norte do país, em cidades como Belém - destacando-se principalmente as formas de animais locais, como os jacarés; no Sudeste, em cidades como Vitória e artistas como Mãe Ana; no Sul, em São José (Santa Catarina) e as misturas de seres fantásticos com pessoas e animais no conjunto das treze figuras coloridas do boi-de-mamão (realizadas por artistas como Anésia de Silveira). Ainda no Sudeste, vemos fortes centros em lugares como o Vale do Paraíba paulistano, cuja produção é especialmente intensa no Natal de figuras relacionadas à festa, como anjos, meninos e estrelas do oriente. O folclore do vale também é representado através de peças feitas para a tradicional "Festa do Divino". No Centro-Sul são famosas as esculturas de intenção religiosa.


No Nordeste são especialmente conhecidas as figuras que, por seus trajes e atitudes, caracterizam aspectos da vida da região. Chamam a atenção também pela sofisticação que as representações apresentam, com detalhes como feições do rosto atentas aos tipos físicos do local. 


Ainda no Nordeste, as carrancas nos barcos que cruzam o São Francisco, usadas na intenção de espantar malefícios ou mesmo monstros folclóricos fluviais, são outros bons exemplos de arte popular.


Os ex-votos também são considerados uma das mais importantes manifestações artísticas populares. Os milagres costumam enfatizar a região do corpo a que os fiéis pedem atenção divina. Nas cabeças, em que se apelam para mortos, tanto pode ser visto padrões comuns quanto preocupações artísticas em retratar as feições do falecido.


O "Padinho Cícero", por exemplo, é um tema regional bastante empregado nas esculturas religiosas nordestinas, especialmente as de Juazeiro do Norte. A Umbanda também fornece grande inspiração para os artistas populares, como as figuras de Exus, caboclos e preto- velhos, especialmente fortes na Bahia, bem representadas por Cândido. É também típico do estado as figuras das "baianas", com suas vestes e formas anatômicas mais realistas.


Principalmente através do Modernismo e de sua nacionalidade alguns artistas populares começaram a ser reconhecidos em círculos de arte erudita, sendo valorizados e realizando até mesmo exposições dentro e fora do país. 


Um dos primeiros desses artistas mais afinados com as tradições populares descobertos foi Cardosinho (José Bernardo Cardoso Júnior), português que veio ao Brasil com três anos de idade. Tendo começado a pintar com sessenta e oito anos, chama a atenção por suas composições fantásticas e misteriosas, que não se preocupam com o realismo nas proporções (como demonstram as borboletas enormes de seus quadros, copiadas em tamanho natural). Chegou mesmo a realizar uma mostra com Portinari.


Djanira da Mota e Silva, nascida no interior de São Paulo e fixa no Rio de Janeiro é outra artista popular que realizou exposições, inclusive nos Estados Unidos. Entre algumas de suas obras estão: "Figuras na Rua" (1946) e "A Casa de Farinha" (1956) ou a pintura da Capela de Santa Bárbara, no túnel Catumbi - Laranjeiras, no Rio de Janeiro (1961- 1963).


Chico da Silva, com seus animais fantásticos, como pássaros e dragões ligados ao folclore do norte-nordeste do país é mais conhecido na Europa (graças à intervenção do pintor suíço Jean Pierre Chabloz que o descobriu em Fortaleza) do que no Brasil.


A tradição afro-brasileira e o aspecto contemplativo das esculturas do baiano Agnaldo Manuel dos Santos também o caracterizam como importante artista popular, como suas figuras sobre mãe e filho ou obras como "Totem" de 1973.


Mestre Vitalino (ver verbete) de Caruaru, o carioca Heitor dos Prazeres, o pernambucano Manezinho Araújo, a paulista Maria Auxiliadora da Silva, são outros nomes de pintores populares que acabaram por ficar conhecidos em círculos eruditos.



Verbete:
Arte Pré-Colombiana




Arte Pré-Colombiana


Presume-se que a América já fosse habitada cerca de vinte mil anos antes da chegada de Colombo. Os povos do continente estavam nos mais diferentes estágios: desde aqueles que estavam na Idade da Pedra Lascada (como os índios brasileiros), até outros com civilizações avançadíssimas.


A arte produzida por esses povos era basicamente simbólica e tinha vários pontos de contato com a arte asiática. Os seus temas, geralmente eram ligados às religiões ou à mitologia das sociedades que a produziam, ou eram instrumentos religiosos. A arquitetura e a escultura em alguns locais tiveram notável desenvolvimento.


Quanto à pintura, parece não ter tido desenvolvimento tão grande. Entretanto, em Teotihuacán (um dos quatro focos de civilização no primeiro milênio, no vale do México, dominada posteriormente pelos toltecas, que absorveram sua cultura), por exemplo, foram descobertos edifícios decorados, com elementos construtivos decorados à semelhança dos gregos, além da utilização de murais. Um bom exemplo desse tipo de pintura é a que representa o Paraíso Indígena, composto por homens com expressões felizes, brincando e cantando. Outro dado importante nessa obra, além da força artística, é a aproximação realista da representação.


Outras manifestações importantes da pintura pré-colombiana são os livros, chamados códices. A escrita, pictórica, fazia do pintor, que registrava os seus mais diversos conhecimentos, um sábio. Feitos sem o uso da perspectiva, com cores puras, revelam um apurado sentido de composição.


Os toltecas (um dos futuros componentes da civilização asteca), povo que chegou ao vale do México no século IX, atingindo um estado brilhante no século XI, tem uma bom desenvolvimento artístico. Sua capital, de acordo com a lenda, foi fundada pelo deus Quetzalcoatl (a serpente emplumada), que legou aos homens várias artes. São conhecidos pela forte imaginação que impregna suas obras, o que lhes permite, por exemplo, representar com formas fantásticas o deus fundador de sua capital. Outro traço característico dessa civilização são as linhas, preferencialmente retangulares, que compõem suas esculturas.


Os astecas, que dominavam praticamente todo o território do México, quando os espanhóis chegaram, tinham uma arquitetura extremamente desenvolvida. Prova disso é a pirâmide Cholula, maior em volume que as próprias grandes pirâmides egípcias (porém, de menor altura). Parece que a cidade asteca de Tenochtitlán possuía, por exemplo, vários canais utilizados como vias, ruas e avenidas (chegou a ser comparada a Veneza pelos Espanhóis), palácios extremamente imponentes e dois extensos aquedutos para o abastecimento de água.


Dominavam a técnica de esculpir retratos, como a cabeça do homem morto ou talhar, em basalto, figuras como Coatlicue, monolito que simbolizava a deusa da terra e da morte. Essa peça demonstra apurado sentido construtivo e rítmico. Outro bom exemplo dessas figuras em basalto é o Calendário Asteca - Cuauxicali de Tízoc - pedras em forma de tigre destinadas ao recolhimento de sacrifícios. Suas obras eram normalmente dotadas de grande emoção religiosa.


Os maias, ocupantes dos territórios onde hoje se encontram o sul do México, Guatemala, Honduras e Honduras Britânica, são conhecidos como "os gregos das Américas". As ruínas existentes das várias cidades dessa civilização podem nos esclarecer sobre o alto grau de desenvolvimento de sua arquitetura, com a construção de templos, palácios e observatórios. Uma boa amostra é o conjunto de Chitchen-Itza, formado há 1400 anos (hoje só restam ruínas), composto de vários templos e estádios.


Sua escultura, feita com pedra mole, calcária, tem formas sensuais; suas estátuas, painéis de baixo-relevo, por suas características e temáticas, sugerem que os maias tinham a harmonia como um alto valor. Um bom exemplo disso pode ser o "Quadrângulo das Monjas", em Uxmal, que costuma ser comparado às obras gregas.


Os maias também decoravam com pinturas seus interiores, principalmente os templos, conforme demonstra as decorações encontradas em Bonampak (ao norte de Chiapas). Trata-se de uma procissão de sacerdotes, seguidos por músicos tocando estranhos instrumentos. Apesar de grandes espaços pintados com uma só cor, o colorido do trabalho é bastante vivo.


A civilização chavín (na região do atual Peru), que posteriormente foi dominada pelos incas, é conhecida por suas esculturas em forma de paralelepípedos. A civilização chimu, que também antecedeu os incas, produziu representações de seres humanos extremamente realistas, destacando-se pela grande presença de humor desses trabalhos. Os "Huacos", como eram chamadas essas esculturas de barro, por seu valor artístico, tornaram-se peças bastante famosas.


Os próprios incas realizaram poucas inovações, uma vez que haviam recebido um imenso legado cultural dos povos dominados em sua expansão pelos territórios das atuais Colômbia, ao norte da Argentina e Chile.


Machu Picchu e Cuzco são extremamente famosas por suas ruínas, atraíndo bastante curiosos. Na arquitetura inca, em que se destacam as construções monumentais, são utilizadas pedras talhadas em ângulos irregulares, com perfeito encaixe entre si. Realizam um tipo de cerâmica com formas bastante harmoniosas e proporcionais, também sendo comparados, nesse ponto, aos gregos. Suas técnicas de tecelagem também foram bastante desenvolvidas e, ainda hoje, são utilizadas naquelas regiões.



Verbete:
Arte Primitiva




Arte Primitiva


Em algumas regiões do mundo, inúmeros fatores contribuíram para que os povos que nelas viviam não atingissem o estado de civilização, permanecendo num estágio de desenvolvimento próximo ao que conhecemos nas culturas neolíticas.


A produção artística desses povos, baseada em lógicas diferentes das que costumamos observar em nosso mundo, costuma ser chamada de arte primitiva, etnográfica ou nativa.


Normalmente, essa arte tem uma função definida dentro da sociedade em que se origina sendo freqüente sua ligação a aspectos religiosos da vida dessas pessoas. Objetos para o uso cotidiano ou objetos ritualísticos pertencentes a essas culturas podem ser, para nós, impressionantes trabalhos de arte.


A maneira como as populações primitivas, que temos contato hoje em dia, vivem podem nos ajudar a tornarmo-nos um pouco mais próximos de alguns aspectos de nosso passado antes da invenção da escrita. Além disso, podemos perceber, talvez mais nitidamente, elementos que parecem inerentes ao homem, pontos de contato entre a humanidade. A reprodução de imagens, freqüente entre os povos primitivos, por exemplo, parece ser uma exigência comum da espécie humana, talvez guiada por aspectos da mente subconsciente.


Ídolos, figuras fetichistas, máscaras e pinturas pelo corpo são bons exemplos de expressão da arte primitiva. Os principais objetos trabalhados são matérias primas naturais, como a madeira e a pedra,  através de técnicas parecidas com a dos homens da Idade do Bronze. Além disso, é notável o senso de desenho que essa arte costuma apresentar. As crenças, rituais e tradições dos povos fornecem ampla temática para as suas mais variadas manifestações.


O contato com ela foi de extrema importância para a definição dos rumos que a arte do século XX acabaria tomando. Picasso, Braque, Gauguin, Modigliani foram alguns dos artistas bastante impressionados com as representações primitivas, levando suas influências para o trabalho que realizavam.



Verbete:
Arte Profana




Música Profana


Desenvolvida pelos trovadores, a música profana recebeu esta denominação para que não fosse confundida com a música sacra. A partir do século VI, a música popular ficou nas mãos de músicos ambulantes. Nos séculos XIII e XIV atinge seu apogeu, coincidindo com o florescimento de uma época brilhante para a civilização ocidental.



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Arte Quinhentista




Arte Quinhentista


A arte quinhentista corresponde à arte do século XVI (1501 a 1600). É durante esse período que temos, na Itália, a Alta Renascença, a escola de Veneza e o maneirismo. O auge do renascimento produziu gênios como Leonardo da Vinci, Michelângelo e Rafael. Em outros países do continente a renascença ganha força e espalha-se. Temos então Dürer, Bruegel, El Greco, entre outros.


A literatura também teve grande importância na arte quinhentista. Em alguns países em que as artes plásticas não tiveram desempenho compatível à Italiana, é através dela que o renascimento encontra sua maior manifestação. É o caso, por exemplo, da Inglaterra de William Shakespeare, considerado um dos maiores dramaturgos da humanidade. Imortaliza-se com obras como, "Macbeth", "Hamlet", "Ricardo II", "Henrique V", "Romeu e Julieta", entre outras. Utiliza-se das medidas poéticas italianas e da adaptação do soneto a seu idioma.


O humanismo, bastante fortalecido e com penetração em toda a Europa, é um dos fatores do notável desenvolvimento artístico. Expressa um homem que, ao contrário da Idade Média, em que a figura divina era a central em seu mundo (teocentrismo), torna-se o próprio centro (antropocentrismo), fortalecendo a razão sobre a fé.


A ambição dos intelectuais humanistas, numa época em que a ciência ainda não tinha delimitado as áreas do saber, era a de dominarem os mais amplos níveis de conhecimento humano.


Além do humanismo, outros fatores encorajavam e forneciam um terreno propício para o apogeu artístico atingido: o desenvolvimento da ciência, em especial a matemática (aperfeiçoando as noções de perspectiva) e a anatomia (estudada por grandes escultores do período para a confecção de suas obras); a disputa entre as cidades (italianas) na tentativa de mostrarem-se mais ricas e mais belas que as demais, via ostentação de grandes obras de arte; e a própria condição do artista que passa a ser visto de uma forma diferente, ganha status e liberdade - de apenas um artífice torna-se alguém que assina suas obras, conferindo prestígio às mesmas e escolhendo as encomendas que gostariam de realizar.


Entretanto, apesar das condições descritas acima (que não "nasceram" nesse século, mas encontravam-se bastante desenvolvidas então) e o apogeu da arte renascentista no cinquecento, é ainda no século XVI que assistimos os primeiros sinais de decadência da Itália renascentista.


As inúmeras invasões sofridas pelo país, aliadas à ascensão de Portugal e Espanha (que iniciavam o ciclo das grandes navegações) e a Contra- Reforma, que termina com a relativa liberdade do artista perante à Igreja, são apontadas como alguns dos fatores dessa decadência.


Aparecem as primeiras manifestações do maneirismo, um estilo artístico que faz a transição entre a alta renascença e o barroco. Apesar de possuir características renascentistas, é uma nova forma de arte, que sobrepõe o estilo à forma e antecipa, sob alguns aspectos, o barroco.


Nesse período temos ainda a chamada "Escola de Veneza", que começou a manifestar-se no século XV, chegando ao século XVI. Veneza, em constante contato com a cultura bizantina e com o norte da Europa, desenvolve uma arte própria, fora dos centros italianos renascentistas, que exerceu grande influência sobre muitos artistas europeus.


Houve uma certa demora de Veneza na aceitação dos ideais renascentistas do restante da Itália, mas quando o fez, pode-se dizer que o estilo adquiriu um novo esplendor e vivacidade. A extrema valorização das cores, o uso da luz e dos espaços entre as figuras, são algumas das características que diferenciam a pintura veneziana de suas contemporâneas, (como as de seu próprio país). Outra característica temática forte da escola veneziana são as poesias gregas antigas e o desafio da transposição de seu simbolismo para as artes plásticas. Na arquitetura, a Biblioteca de São Marcos, do arquiteto Jacopo Sansovino, (1486 - 1573) é um ótimo exemplo da arte quinhentista veneziana, que apresenta grande proximidade aos edifícios do período helenístico.


Giovanni Bellini (1430 - 1516), mestre da pintura veneciana, influenciou artistas como Giorgione e Ticiano no uso da cor e da luz para unificar as obras. Giorgione (1478 - 1510), seguindo a orientação do mestre, atinge resultados surpreendentes, como exemplifica "A Tempestade", harmonioso pela luz e ar que o impregnam.


Ticiano (1488 - 1576), o mais famoso nome dessa escola, divide notoriedade com os grandes gênios da alta renascença em Roma, como Michelângelo. Ignorou as regras de composição de seu tempo, confiando na cor, como seus antecessores, para conferir unidade à obra. Em "Nossa Senhora com os Santos", o deslocamento da virgem do centro da pintura e o posicionamento de São Francisco e S. Pedro como participantes da cena, sem estarem simetricamente um de cada lado, dão mostras de seu gênio original. Ticiano é ainda tido como um grande retratista. Sua pintura conhecida como "Jovem Inglês", possui olhar profundo e intensa expressão.


O pintores Jacopo Robustini (1518 - 1594), (um dos líderes maneiristas venecianos), Paolo Caliare (1528 - 1588) e o arquiteto Andrea Palladio (1508 - 1580), (que escreveu um tratado sobre arquitetura, Os quatro livros na Arquitetura) - são outros importantes nomes dessa escola.


O início do Renascimento Italiano


O Renascimento artístico surgiu na Itália, no século XV, em especial em Florença. A situação do país fornecia condições para sediar o movimento: vida urbana e comercial intensa, que amenizava as características do feudalismo, forte no resto da Europa (a Itália, ainda no século IX, auge do feudalismo, mantinha comércio com o Oriente) e emancipação pioneira da burguesia e dos artesãos livres das cidades. No caso de Florença, em especial, temos ainda as famílias de banqueiros como os Médici e os Strozzi, que acabam por patrocinar as artes.


Essa nova arte, criada nesse cenário, foi inspirada por Boccaccio, Petrarca e os filósofos humanistas do século XIV e XV, bem como pelos ideais clássicos.


É importante notar que o termo Renascimento foi utilizado pelos próprios artistas renascentistas para contraporem os trabalhos da época aos da Idade Média, que designavam como "Idade das Trevas". Não é um termo correto pois, além de pressupor a ausência de manifestações artísticas desde a Antiguidade, sugere que tenha havido um retorno estrito à cultura greco-romana. Apesar dos artistas do período terem efetivamente se inspirado na cultura clássica, suas obras estão impregnadas com os valores da época em que viviam. Esses valores imprimiam aos seus trabalhos características próprias.


Brunelleschi (1377- 1446), Masaccio (1401-28) e Donatello (1386 -1466) são considerados os artistas mais representativos do início da renascença italiana, tendo construído as bases do movimento e inspirado seus sucessores.


Na arquitetura, Filippo Brunelleschi pode ser considerado o principal mestre dos artistas italianos do quatrocento. Procurou criar um processo de construção novo, utilizando-se das formas da arquitetura clássica na criação de harmonia e beleza. Um exemplo disso é a Catedral de Florença, em que cobriu o imenso espaço entre os pilares para assentar um zimbório com a medida clássica, inspirada na arquitetura romana.


Além de ser considerado um dos pais da arquitetura da renascença, a ele é atribuída a descoberta de um novo esquema de perspectiva, largamente utilizada por outro grande nome do período: o pintor Masaccio, em trabalhos como "O Imposto". (Alguns autores defendem que essa invenção foi conjunta de Brunelleschi, Masaccio e Donatello).


Masaccio, apesar da vida curta e das poucas obras deixadas, provocou uma verdadeira revolução na pintura. "A Trindade", afrescos da Igreja Dominicana de Santa Maria Novella, é uma boa amostra de sua arte. A perspectiva nesse trabalho foi utilizada para conferir dramaticidade a cena representada.


Na escultura do período temos o mestre florentino Donatello. Como exemplo de seu trabalho, a escultura de São Jorge realizada para a igreja florentina de Or San Michele. Seus pés estão fincados ao chão, seu rosto mostra concentração e energia. Os contornos são precisos, baseados em observação do corpo humano.


Alto Renascimento na Itália


Esse curto período (1500 - 1520) concentra trabalhos brilhantes de artistas que são admirados como verdadeiros ícones da civilização ocidental. Alguns autores de história da arte tradicional (como Giorgio Vasari) chegam mesmo a afirmar que trata-se do período ápice da história da arte - afirmação bastante controversa, uma vez que os parâmetros para tal tipo de avaliação são bastante subjetivos e envolvem uma série de julgamento de valores. De qualquer forma, tamanho foram as realizações desse período, que muitos artistas e críticos que o sucederam ficavam com a impressão que não restava mais nada a ser feito, ou nada que pudesse suplantá-los.


Não resta dúvida que a arte produzida na Alta Renascença pode ser considerada como elevadíssima, de uma qualidade impressionante. Teve profunda influência sobre as gerações de artistas que o sucederam e sobre os próprios parâmetros artísticos.


Vários mestres conviveram nesse período desenvolvendo ótimos trabalhos, mas as figuras absolutamente geniais de Leonardo da Vinci (1452- 1519), Michelângelo (1475 - 1564) e Rafael Sanzio (1483 - 1520) ofuscam outros artistas que não fosse a comparação com esses mestres, poderiam ser considerados também gênios. Nesse período Roma torna-se o centro da cultura da renascença, ultrapassando Florença e a igreja romana, a grande patrocinadora das artes.


Leonardo da Vinci, tendo pesquisado diversas áreas do conhecimento humano, personifica o ideal humanista. Atuou, em diversas fases de sua vida, como arquiteto, engenheiro, urbanista, escultor, mecânico, fisiólogo, químico, biólogo, botânico, cartógrafo, físico. Antecipou ainda a aviação, a hidráulica, o escafandro, a balística e o pára-quedas. Um dos aspectos mais intrigantes de sua personalidade é o fato de ter se dedicado a um montante incrível de projetos que raramente chegavam a um fim satisfatório.


Entretanto é conhecido também por obras famosíssimas e admiradas em todo mundo, como "A Última Ceia" e "Monalisa" e por seu talento na pintura e desenho em geral.


 "A Última Ceia", chegou até nós em péssimo estado de conservação, mas ainda era perceptível a excelente composição e a expressividade das figuras. Os doze apóstolos, divididos em grupos de três, são interligados por gestos e movimentos. A extrema realidade com que o ato sacro é representado, aliada à utilização da luz, do volume, à perspectiva da sala, bem como à solidez das figuras, põe essa obra entre as maiores da alta renascença.


 "Monalisa", a esposa florentina do banqueiro Giacondo, com sua extrema vivacidade e sorriso enigmático, é considerada mesmo um dos grandes ícones da arte ocidental.


A escultura renascentista tem seu auge em Michelangelo Buonarroti, cujos trabalhos como "Davi" e "Moisés", de dimensões gigantescas, provam sua maestria em desenhar o corpo humano em qualquer posição e o perfeito domínio que o artista possuía de seus movimentos. Davi, na frente do Palazzo della Signoria, pode ser um exemplo de sua enorme habilidade em esculpir, ainda que em um imenso bloco de mármore, extremamente difícil pelo tamanho e peso (Michelângelo era conhecido pelo gosto por desafios). Ele é representado como adolescente, evidenciado pelas proporções das mãos, cabeças e pés.


Os afrescos do teto da Capela Sistina, que tomaram quatro anos de trabalho sistemático (1508 a 1512) do escultor são outra amostra de monumental beleza de seu trabalho. Repleto de imagens, como a anunciação da vinda de Cristo, a história da criação e de Noé, madonnas e cenas como "Tentação de Adão e Eva" e "Criação de Adão" - talvez as mais famosas. São características desse trabalho o jogo de sombras, as alternações entre o claro e escuro e a suavidade do esquema de cores. As figuras são heróicas, revelando um ideal de mundo em perfeito equilíbrio e solidez. Impressionam pela simplicidade e força.


 "Pietá", a virgem segurando o menino, outra famosa obra de Michelângelo e grande tema da religiosidade humanista, demonstra ainda seu domínio da pintura de afrescos e do desenho.


Rafael Sanzio ou Santi (1483 - 1520), influenciado por Michelangelo e Leonardo da Vinci, pode ser considerado o expoente máximo da pintura renascentista. Famoso pelas madonnas, sua obra "Madonna del Granduca", em que a virgem segura o menino em perfeito equilíbrio, perpetuou-se como modelo de perfeição para várias gerações.


A beleza pura de suas figuras, como a ninfa Galatéia no Mural da Villa Farnesina, em Roma, não inspiradas, segundo o próprio pintor, em nenhum modelo humano, mas sim num ideal de perfeição, deslumbra o observador pela simplicidade e força.


Primeiras manifestações de Arte Quinhentista em outros países europeus


Durante quase todo o século XV, a Renascença foi um fenômeno tipicamente italiano, não encontrando respaldos em outras partes da Europa. A diferença nas tradições em que vinham caminhando esses países pode ser uma das chaves para se compreender essa questão. Na Itália, por exemplo, a penetração do estilo gótico não foi tão forte quanto no resto da Europa. Os países do norte do continente absorveram muito desse estilo, que encontrou terreno fértil para se desenvolver naquelas culturas. Havia, portanto, uma certa resistência em abandonar as tradições antigas em nome da "novidade" italiana.


A França, a Alemanha, Espanha, Inglaterra, Holanda e Portugal - com sua arte tipicamente nacional, o manuelismo - permaneceram fiéis aos seus próprios estilos até o cinquecento. Acredita-se que as viagens de artistas europeus para os centros da cultura renascentista na Itália, no século XVI, foi o fator que possibilitou o contato com esse estilo de arte e a sua penetração posterior nos países de origens desses viajantes.


A arquitetura provavelmente foi um dos maiores focos de resistência, fora da Itália, ao estilo renascentista. Normalmente a introdução desse novo tipo de construção ocorreu por insistência de príncipes e nobres que, após visitarem a Itália, queriam estar atualizados. Os resultados são algumas construções fundamentalmente góticas, mas com alguns traços renascentistas, concessão muito superficial ao novo estilo.


O pintor e artista gráfico alemão Albert Dürer é considerado o principal nome do renascimento fora da Itália e também um dos grandes responsáveis por espalhar essa escola na Europa. Acreditava ser sua "missão" transportar os ideais renascentistas à alma alemã, assimilado através de viagens à Itália, para aprender com os grandes mestres. A maneira como o artista, sem a mesma tradição italiana, experimenta incansavelmente as regras de proporção humana, no objetivo de atingir o equilíbrio proposto pelos renascentistas, é admirável. A gravura de Adão e Eva é uma das que mais se utilizam de suas descobertas nesse campo, sem contudo perder sua própria tradição artística: há o nítido destaque de seus contornos, contra o fundo escuro de uma floresta. Assinala a adaptação dos ideais do sul a sua própria cultura.


Suas xilogravuras, bastante famosas, como a série "Apocalipse", ilustrando o Apocalipse de São João, em que descreve as visões aterradoras do evangelista, são tão vigorosas que influenciam na própria aceitação da expressão artística através de xilogravuras. "Os quatro cavalheiros do Apocalipse", com temática e características da arte gótica (cavalheiros sinistros, o inferno, o céu turbulento) misturam-se aos seus estudos renascentistas, (principalmente aos estudos de arte de Mantegna) e seu talento para transformar imagens verbais em artes plásticas.


Interessante é contrapor Dürer, ao outro principal artista alemão do período: Grünewald, de quem temos poucos conhecimentos sobre sua vida. A temática de seus trabalhos é fundamentalmente mística. Apresenta um trabalho original, com composição e uso de cores tão próprios que dificultam identificá-lo a uma escola. Utiliza algumas técnicas renascentistas em sua composição, mas não segue outros de seus preceitos: utiliza-as somente quando elas se ajustam a seus próprios conceitos artísticos. O painel central do "Altar de Isenheim" em que ele despreza conceitos como equilíbrio de proporções e beleza em nome da "significação espiritual" do mesmo, (apesar de conhecer esses conceitos) nos dá uma noção de sua assimilação seletiva aos ideais italianos. Dürer e Grünewald exemplificam bem as diferentes maneiras como foi absorvida a renascença fora da Itália.


Renascença na Espanha


A Espanha no século XVI era uma grande potência européia, anexando a si territórios da Europa e América e extremamente rica pelos tesouros trazidos do novo mundo. Foi um dos berços da Contra Reforma que instituiu o Concílio de Trento, a Inquisição e a forte ordem religiosa dos jesuítas.


A Renascença na Espanha, profundamente enraizada em seus próprios estilos artísticos, que adaptava elementos góticos à sua própria cultura, entrou através da intervenção de Charles V e Philip II, no século XVI. Sua principal influência foi a escola renascentista de Veneza.


Charles V, que patronava o pintor renascentista Ticiano, da escola de Veneza, demonstrava admiração pelos preceitos artísticos italianos. Contratou, para a construção de seu palácio em Granada, o arquiteto e pintor Pedro Machucha. Determinou que a obra fosse realizada utilizando-se dos padrões renascentistas de arquitetura. Entretanto, a construção não foi finalizada.


Já Philip II teve mais sucesso no comprimento de sua ordem de execução do Palácio Escorial, perto de Madrid, entre 1563 e 1584. Além de Palácio para a monarquia e residência, a enorme construção deveria incluir igreja e monastério.


A influência clássica no austero complexo tem suas raízes no estilo dórico. A coleção do Museu do Prado, em Madrid, teve sua origem na coleção que foi guardada nesse palácio por Philip II.


Na pintura, temos a figura de El Greco (1541- 1614), como principal expoente da arte renascentista (será desenvolvido posteriormente em verbete à parte). De origem grega, bastante influenciado pela escola de Veneza (em particular Ticiano e Tintoretto), viveu um período de sua vida na Itália, antes de mudar-se para a Espanha. Apresenta características como o descaso às formas e cores naturais; dramaticidade e emoção de suas cenas. É considerado um pintor maneirista que reflete em sua temática, a crise que se instaura durante a Contra-Reforma promovida pela Igreja Católica.


 "O Enterro do Conde Orgaz", na Igreja de São Tomé é considerado uma de suas principais peças e um bom exemplo de sua habilidade em lidar com temas místicos.


A arte de pintar retratos também encontra bastante desenvolvimento nessa época, sendo seus maiores expoentes Antonio Moro, Sánchez Coello e Pantoja. As principais características dessas representações são a nobreza das atitudes e a fidelidade das expressões.


A renascença espanhola atinge ainda um alto grau de desenvolvimento na literatura, através, principalmente de Miguel de Cervantes (1547 - 1616) e seu clássico Don Quixote de La Mancha.


Renascença na França


A França possuía uma forte tradição de arte medieval, oferecendo bastante resistência à assimilação da renascença Italiana. Luís XII (1462 - 1547) e principalmente Francis I (que governou o país de 1515 a 1547), fizeram grandes campanhas na tentativa de trazer a nova arte ao país. Francis I chega mesmo a fazer propostas de trabalho a artistas como Leonardo da Vinci (no caso, aceita).


Porém, foi com o estilo maneirista que os artistas franceses melhor adaptaram-se e o que teve mais repercussão no país. O estilo observado no Palácio de Fontaineblau, logrando atender as ambições de Francis I, acabou influenciando vários artistas franceses, sendo conhecido como escola de Fontainebleau os artistas associados a seu estilo. Maneiristas italianos como Rosso e Primaticcio, responsáveis pelo reboque e pinturas decorativas da galeria com cenas mitológicas, são alguns dos nomes responsáveis pelo projeto, adaptando seus estilos próprios ao gosto francês. Resulta daí um maneirismo que incluí sensualidade, propensão para o decorativo e elegância.


O arquiteto Pierre Lescot (1510 - 1578) que, a pedido de Francis I, iniciou um projeto para reconstrução do Museu do Louvre, é um dos principais nomes do movimento. O estilo clássico que ele imprimiu ao museu permaneceu às várias transformações sofridas pelo mesmo desde então.


Na escultura temos, como um dos maiores artistas do renascimento francês, Germain Pilon (1535 - 1590). Apresenta profundas diferenças entre seus trabalhos no decorrer da carreira. Da influência do maneirismo de Fontainebleu das primeiras obras, suas esculturas vão progressivamente ganhando realismo, como Henry II.


Outro nome importante do período é o escultor Jean Goujon (1510 - 1565), cujo estilo alongado, (sem ser desproporcional) também marcou presença na reconstrução do Louvre. A escultura é bastante presente nas construções renascentistas do norte europeu. Seus mestres foram os italianos Primaticcio e Cellini.


As esculturas em relevo de Goujon, representando ninfas graciosas e elegantes na "Fonte dos Inocentes em Paris", são boas amostras de seu estilo.


Renascença nos Países Baixos


Juntamente com a Itália, os países baixos foram um importante pólo do capitalismo comercial, possuindo ainda uma vida urbana desenvolvida e um mercado que poderia consumir obras de arte. Em alguns trabalhos de Jan van Heyck, pintor famoso do século XV, a quem é atribuída a introdução da técnica de pintura à óleo, pode serem vistos alguns traços renascentistas. Entretanto, a força da tradição gótica no local dificultou bastante sua assimilação da Renascença Italiana. Costuma-se dizer que isso só foi possível no país graças à figura do alemão Dürer, que passou um período de sua vida na Antuérpia, cidade que se tornou o centro cultural da Holanda.


O Pintor Quentin Massys (1465 - 1530), um dos que tiveram influência direta de Dürer, era considerado como um dos principais artistas da Antuérpia da época. Seu painel central feito para a Irmandade de Santa Ana, mostra os familiares de Maria e José. Dos modelos renascentistas italianos, absorve o ajuste simétrico das figuras; da escola de Veneza, as cores e perspectiva (é cogitada a hipótese do próprio artista ter visitado Veneza, devido a aproximação de suas obras com essa escola).


Já na pintura "Lamentação", do Museu Real de Belas-Artes, na Antuérpia, pode ser notada a influência dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Rafael, estreitando seus laços com a Renascença.


As paisagens naturais ganham bastante importância nas obras dos pintores norte-europeus da época. Joachim Patinir, que imprimia importância extraordinária às paisagens em sua pintura, ficou famoso por suas vistas de campos, vilas e montanhas, tendo à frente figuras em tamanho reduzido.


Seu São Jerônimo em paisagem aberta, que enfatiza mais o cenário que a vida do santo, ganhou várias versões do artista. Nelas podemos observar características da arte norte-européia como a abundância de detalhes, bem como a utilização de uma perspectiva diferente da adotada na Escola de Veneza.


Mabuse, ou Jan Gossaert (1478 - 1535), visitou a Itália e procurou assimilar os preceitos renascentistas em suas obras. É claramente influenciado por Dürer e os artistas holandeses que o precederam.


Especialmente conhecido pelos nus que realizava, à semelhança dos italianos, "Netuno e Anfitrite", pode ser uma boa amostra de sua habilidade. É composto de figuras mitológicas nuas em um cenário arquitetônico renascentista.


Entretanto, alguns de seus críticos defendem que o pintor, ávido por mostrar conhecimento e domínio da arte italiana, por vezes apropria-se dessas técnicas, sem contudo obter resultados satisfatórios. Um exemplo disso pode ser o quadro de São Lucas pintado a Virgem. É influenciado pelo pintor holandês Jan van Eyck e pelas técnicas italianas, como a perspectiva científica e o jogo de luz e sombra. As figuras aqui também estão assentadas num cenário de arquitetura italiana. Entretanto, apesar dos valores de encanto que o quadro possui, parece não ter atingido a harmonia nem de seus inspiradores em sua própria cultura nem dos italianos.


Pieter Bruegel (1525 - 1569), é considerado o maior pintor flamenco do século XVI. É conhecido pela complexidade temática, apesar de boa parte deles referirem-se ao cotidiano dos camponeses. Seu talento é continuamente comparado ao setecentista Rembrandt, principalmente no que se refere à capacidade de enxergar a natureza humana. "Caçadores na Neve" é um bom exemplo de seu trabalho.



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Arte Romana do Apogeu do Império




Arte Romana do Apogeu do Império


Nessa fase da história romana, vemos grandes desenvolvimentos nas técnicas do concreto e no uso dos arcos. O Coliseu - ou o Grande Anfiteatro Flaviniano - é talvez a mais famosa das construções romanas.


Realizado pelo Imperador Vespasiano, o primeiro da dinastia Flaviana, desperta atenção até hoje tanto pela monumentalidade de suas ruínas, quanto por sua utilização. Era o cenário de sangrentas batalhas entre gladiadores, entre animais, ou mesmo entre homens e animais.


É composto por três ordens de arcos sobrepostos, que sustentam o grande anfiteatro interior. Sua estrutura oval tem 52 metros de altura. Podem ser notadas as três formas de construções utilizadas nos templos gregos: o andar térreo apresenta mais influências dóricas (como as métopes e tríglifos), o segundo andar é bastante influenciado pela arquitetura jônica e o terceiro e o quarto andar, pela coríntia. Esse uso da arquitetura grega foi comum em Roma e é descrito no já mencionado tratado de Vitruvius.


Os “Arcos Triunfais“, presentes em várias regiões do Império, foram também obras romanas majestosas. Neles as ordens gregas eram utilizadas para acentuar o pórtico principal e para manterem a seu lado portais menores. “O Arco Triunfal de Tibério“, em Orange, Sul da França, é um bom exemplo dessas construções.


A construção de abóbadas foi outra técnica que teve grande desenvolvimento na engenharia romana, permitindo construções sofisticadíssimas como Panteão, o templo de todos os deuses. Foi construído entre os anos 118 e 124 d.C. e mantém-se em bom estado de preservação. O seu interior, extremamente amplo, é circular e seu teto em abóbada tem uma abertura, também circular, que permite a visão do céu. Apesar da construção monumental - 46 metros de altura - transmite um efeito de leveza e serenidade, tendo sido sempre utilizado para cultos religiosos (transformou-se em igreja, no início da era Cristã). Apesar da falta de janelas, o ambiente é iluminado, devido à abertura superior.


Os conjuntos utilizados para banhos romanos são construções características do Império. Os mais sofisticados, além das piscinas com águas nas mais diferentes temperaturas, chegavam a conter jardins ao seu redor, livrarias, restaurantes, lojas, etc. Eram verdadeiros complexos para atividades culturais e de lazer. Os Banhos de Caracala são amostras desses requintados complexos.


Havia ainda os Fóruns romanos, verdadeiros centros da vida desse povo que poderiam atender aos mais diversos fins, dos religiosos aos comerciais e cívicos. Existentes desde a fundação da cidade-estado, começam a apresentar problemas de superlotação na época do Império. Júlio César, em 46 d.C., construiu o último e maior deles, o Fórum de Trajano.


Na escultura, as grandes influências romanas foram novamente os gregos e os etruscos. Os retratos, que tinham finalidades especiais desde o início da religião romana, agora eram realizados principalmente através dos bustos de imperadores, que deveriam ser tratados com respeito religioso - era necessário, por exemplo, que os romanos queimassem incensos diante deles, em adoração. (Esse tipo de exigência inclusive causou grandes problemas aos primeiros cristãos que se recusavam a seguir tais normas por considerarem-nas idolatria).


O busto do Imperador Vespasiano, datado de aproximadamente 70 d.C., em tamanho um pouco superior ao natural, é uma boa amostra da realização dessas representações. Apesar das características clássicas, esses retratos já não eram tão idealizados quanto os gregos, muito provavelmente devido ao legado dos etruscos, grandes retratistas.


A Coluna de Trajano, erguida pelo Imperador para relatar e exaltar suas vitórias militares na Dácia (atual Romênia), provavelmente recebeu direta inspiração do costume oriental de realizar obras com tais temáticas. Mostra, com vários pormenores, a campanha da batalha, desde o embarque dos soldados até o combate. O equilíbrio grego aqui já cedeu espaço para os elementos narrativos. Os soldados, por exemplo, são normalmente representados maiores que os edifícios ou seus cavalos. Antecipa várias tendências na arte posterior em diferentes regiões do Império, seguindo seu exemplo várias colunas romanas posteriores.


A famosa “Estátua Eqüestre de Márcio Aurélio“,  feita entre 161 e 180 d.C., extremamente admirada por mestres renascentistas como Michelângelo, também representa o imperador muito maior que seu cavalo. Em bronze, mostra-os de forma majestosa e inspirando autoridade.



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Arte Suméria




Arte Suméria


Por volta do ano de 3.000 a.C. os sumérios surgiram nas regiões mesopotâmicas. De origem desconhecida, os sumérios foram responsáveis pela introdução de novos elementos na região: em suas construções, tanto ocorrendo em templos como em casas e muramentos, já utilizavam tijolos de barro bastante similares aos de hoje em dia. Os maiores templos sumérios apresentavam uma característica comum: eram geralmente cercados por largos e altos muros, que chegavam a atingir, em média, a altura de 12 metros.



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Arte Visigótica




Arte Visigótica


Em 519, os visigodos invadiram a Gália, posteriormente atingindo a Espanha. Com a chegada dos francos, ficaram limitados à Península Ibérica. No início do século VIII, os árabes acabaram invadindo a Espanha, isolando-os em pequenas áreas ao norte e noroeste do país. Com a abertura de rotas como a de Santiago de Compostela, aumentaram seu contato com o resto da Europa.


Sua arte é particularmente hábil no trabalho com os metais. O trabalho mais famoso é a riquíssima coroa do rei Recceswinth, com seus 20 cm de diâmetro realizada a partir de ouro, pérolas e safiras. Feita durante o século VII, comporta ainda o nome do rei em um pendente também adornado com ouro e safiras.


A arte realizada nos monastérios, principalmente na região noroeste da Espanha, possui grande influência visigótica. Costuma ser denominada mozárabe, apesar de não ter quase pontos em comum com a arte árabe.


A iluminação de manuscritos era a principal expressão artística desses monastérios. Os manuscritos Beatus (assim nomeados devido a seu autor, o monge  Beatus de Liebana), do século VIII são os mais conhecidos, atualmente na Pierpont Morgan Library, em Nova York.


Retratam o Apocalipse com cores vívidas e imagens bastante criativas e únicas, típicas da arte visigótica que passou tanto tempo isolada de outras influências.



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Atonal




Atonal


Que não tem tom ou que não tem uma tonalidade tradicional definida. Refere-se à musica produzida no século XX.



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Auguste Rodin




Auguste Rodin (1840 - 1917)


O escultor francês Auguste Rodin (1840 - 1917) é considerado um dos mais importantes artistas de sua época, tendo tido o mérito de novamente valorizar a escultura numa época em que a pintura consolidava-se como a principal manifestação plástica (desde Bernini, nunca mais houve um escultor europeu de grande prestígio). A recuperação da escultura como meio expressivo poderoso foi de fundamental importância para a arte do período posterior, principalmente a arte do século XX.


Os críticos acreditam que o trabalho de Rodin condensa vários estilos artísticos do século XIX, como o Romantismo, o Realismo, o Simbolismo e o Impressionismo. Apesar disso, possui um forte estilo próprio que emerge dessas várias influências num trabalho único e considerado genial.


Apesar de seu enorme talento e prestígio posterior, foi recusado três vezes na Escola de Belas- Artes de Paris, uma vez que não era considerado, no início da carreira, apto o suficiente para freqüentar a instituição.


As esculturas de Rodin são marcadas pelo profundo traço pessoal do artista. Michelângelo foi sua principal fonte de inspiração e, segundo as palavras do próprio artista, o renascentista libertou-o do academicismo. A originalidade e a recusa ao convencional de suas obras para os padrões da época lhe acarretaram vários problemas, como a proibição de expor alguns trabalhos prontos feitos sob encomendas.


É famoso o caso de não aceitação, por exemplo, de sua escultura de Balzac encomendada pela Société des Gens de Lettres, que levou cinco anos para ser realizada (1892 a 1897) e a princípio não pode ser colocada nas ruas de Paris. Era extremamente expressiva e radical, menos um retrato, mais uma marca do gênio do artista. Apesar de sua rejeição na época, o monumento que é considerado a mais original estátua pública realizada no século passado, era tido por Rodin como “o resumo“ de toda a sua vida.


Desde suas primeiras representações como “Homem da Idade do Bronze“, de 1876 - bastante influenciado por Michelângelo -, Rodin já impressionava pela realidade e vida que imprimia à suas esculturas. “A mão de Deus“, de 1898 é outra amostra de seu estilo ímpar de intensa expressividade que, para grande choque do público, podia deixar parte da pedra em estado bruto, sugerindo a formação da figura no exato momento em que era vista pelo observador.


São extremamente conhecidas ainda as peças que realizou como um conjunto para o Musée des Arts Décoratifs, em Paris. Foi encomendado ao artista um portal de bronze, que apesar de ter trabalhado nele por cerca de dez anos (de 1880 a 1900), nunca foi terminado. Chamou-se “Os Portões do Paraíso“ e era composto por quase duzentas peças, entre elas, o popular “O Pensador“, sem dúvida uma das peças de escultura mais conhecidas no mundo inteiro.


No começo desse século já era considerado o maior escultor vivo. Seus últimos trabalhos são marcados principalmente por maior presença do erotismo nas representações. Além das esculturas, Rodin realizava trabalhos gráficos. Fazia ainda retratos de personalidades de sua época. Há um Museu Rodin em Paris e outro na Filadélfia que possuem vários exemplares da obra do artista.



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Aumentado




Aumentado


Veja Intervalos.



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Automatismo




Automatismo


Trata-se de um método de produção artística que prioriza a atividade subconsciente sobre a consciente. Baseia-se na crença dos potenciais criativos liberados quando o subconsciente controla a expressão, tentando suprimir-se a possível censura realizada pela mente consciente.


Esse método foi bastante desenvolvido no século XX, com as vanguardas artísticas, principalmente através dos Surrealistas, Expressionistas Abstratos e Pintores Ativos.


Jackson Pollock, por exemplo, membro deste último grupo, acreditava que o automatismo deveria ser regra fundamental de todo o processo criativo, a grande diretriz de qualquer composição. Nesse ponto, é interessante contrastar com a metodologia surrealista, em que o automatismo alcança grande desenvolvimento.


Apesar dos artistas surrealistas realmente utilizarem-se do automatismo como instrumento de criação, processo que liberaria imagens, posteriormente costumavam-se debruçar-se sobre o que foi criado dessa maneira, procurando aumentar seu potencial artístico, utilizando-se de expedientes típicos da mente consciente. Ou seja, o inconsciente poderia trazer à tona a inspiração, mas esta posteriormente seria trabalhada para atingir uma forma mais adequada.


Atribui-se o pioneirismo, no uso desse método, ao artista russo estabelecido na Inglaterra,  Alexandre Cozens (1717- 86). Em seu tratado “Um Novo Método para Auxiliar na Invenção nas Composições de Desenhos Originais de Paisagens“, defende o uso de rabiscos ou manchas incidentais no estímulo imaginativo, que daria origem posterior às formas de paisagem. Nesse mesmo tratado, Cozens atribui a Pablo Picasso a inspiração para sua teoria, quando este declara algo parecido em seu próprio “Tratado de Pintura“. O artista renascentista sugere que ao olhar para uma parede suja, por exemplo, ou a indefinida aparência de uma pedra, pode-se descobrir vários desenhos. Dentro da confusa massa de objetos, a mente seria alimentada abundantemente com desenhos e assuntos totalmente originais.



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Ayre




Ayre


Melodia simples.



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Badinerie




Badinerie


Peça musical de origem francesa utilizada nas suítes compostas no século XVIII.



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Bagatelle




Bagatelle


Peça curta e leve escrita normalmente para piano.



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Baixo




Baixo


Abreviatura de Contrabaixo. Indica a afinação possível de vários instrumentos. Refere-se ao segundo grupo de vozes masculinas de um coro convencional.



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Baixo de Alberti




Baixo de Alberti


Acompanhamento musical caracterizado por acordes quebrados, que são executados pela mão esquerda, em geral.



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Balada




Balada


Canção que tem estrofes normalmente baseada em temas folclóricos.



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Balaustrada




Balaustrada


	*ver Pedestal 



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Balaústre




Balaústre


	*ver Pedestal 



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Ballet




Ballet


Performance teatral baseada na dança.



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Banda (música)




Banda (música)


Grupo musical em que predominam instrumentos de sopro e percussão.



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Barcarolle




Barcarolle


Música geralmente associada aos gondoleiros venezianos.



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Bargello - Museu Nacional




Bargello - Museu Nacional


O edifício que abriga o Bargello - Museu Nacional localiza-se em Florença e é uma das mais belas obras arquitetônicas civis do trecentismo  italiano, exalando elegância e força.


Sua construção foi iniciada em 1256, tendo um estilo tipicamente medieval. A pedidos do último Grão-duque de Toscana, foi aprovada a restauração da construção em 1858, tendo sido completada em 1865. Pensou-se, então, na criação de um museu dentro do edifício recém-restaurado. O museu foi fundado  em 1874 e consta, primordialmente, de esculturas toscanas do século XIV ao XVIII. São obras riquíssimas em sensibilidade e fineza artísticas.


Alguns artistas a serem ressaltados e obras são Donatello (“Davi”-bronze, “Amor-Atys”- bronze),Michelozzo de Bartolomeo (“Madona com o Menino”, relevo em mármore), Luca della Robbia (“Madona do Roseto”), Antonio del Pollaiolo (“Busto de guerreiro”, em terracota, “Hércules e Anteu”), Andrea della Robbia (“Madona dos Arquitetos”, relevo de terracota em vitral), Il Verrocchio (“Davi”-bronze), Michelangelo (”Bacco”, em mármore), Benvenuto Cellini (“Retrato de Cosimo I de Médici”, em bronze), Bartolomeo Ammannati (“Leda com o cisne”, em mármore), Gianbologna (“A arquitetura”, em mármore) e Lorenzo Bernini (“Costanza Bonarelli”, em mármore).



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Barroco (artes)




Barroco (artes)


O termo barroco costuma designar o estilo artístico que floresceu na Europa entre o final do século XVI e meados do século XVIII. O aparecimento dos ideais barrocos parece intimamente ligados à Contra- Reforma Católica. Apesar de ter sido um estilo internacional, percebemos sua maior força entre países como a Itália, Espanha e Áustria, não tendo atingido muito os países protestantes como a Inglaterra. Além disso, o barroco apresenta características regionais nas diferentes localidades em que se desenvolveu. A personalidade forte de alguns artistas do período também é um grande diferencial dentro desse estilo artístico que deixava campo aberto à subjetividade.


Suas principais características são a teatralidade das obras, o dinamismo, a urgência, o conflito e o forte apelo emocional. Este último, para provocar o observador, abusa da verossimilhança das cenas retratadas, daí a importância também na observação da natureza. O artista para atingir esses efeitos lança mão principalmente de cores, texturas, jogos de luz e sombra, diagonais e curvas, bem como o domínio do uso do espaço. Os temas místicos e os tirados da vida cotidiana são freqüentes no período.


A questão da harmonia também é importante para o barroco. Entretanto, ela é vista numa obra de forma diferente do renascimento. Para o renascentista, a harmonia do todo era garantida por cada detalhe da obra em perfeito equilíbrio, cada detalhe separadamente como um todo harmônico. Já para o barroco, a harmonia do conjunto é mais importante, a fusão harmônica dos diferentes componentes de um trabalho. A harmonia individual pode ser sacrificada em nome da harmonia do todo. Além disso, essa valorização da unidade geral, entrelaçou muito a arquitetura com a escultura e com a pintura. O ideal das construções passou a ser o do inter-relacionamento desses elementos, dialogando harmonicamente para o bem do conjunto.


O Barroco surgiu na Itália, aproveitando-se de alguns elementos renascentistas e transformando-os. Nesse ponto é bom nos determos. O renascimento italiano influenciou sobremaneira a arte posterior. Costuma-se dizer que vivíamos o estilo renascentista de construção, por exemplo, quase até o século XX, com a entrada em cena do modernismo. O barroco também se inspira, em certo sentido, na arquitetura clássica. Mas recebe esse nome pelos críticos do período (com o significado de grotesco) exatamente por não respeitar as combinações e a utilização dos gregos e romanos. Apesar de utilizar-se de formas naturalistas, não se pode dizer que seja uma mera continuação do renascimento.


A Espanha foi um dos países que mais desenvolveu esse estilo que se espalhou pela Europa. Além disso, importante no período é o fato do mecenato sair das mãos da Igreja para concentrar-se na aristocracia.


O homem barroco é um ser dividido, em conflito, repleto de energia e extremamente místico. Os artistas da época expressavam essa energia e suas convicções espirituais em suas obras. Um bom exemplo disso é a figura de Bernini. Entretanto, Rubens é considerado um dos maiores expoentes do movimento. O italiano Caravaggio também é extremamente importante, com influência por várias partes da Europa.



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Barroco (música)




Barroco (música)


Período na história e evolução das artes que se estende de 1600 até 1750 D. C. Posterior à Renascença, produziu na música compositores como Caccini, Gabrielli e Monteverdi, na


fase inicial. Purcell, Lully, Handel, Vivaldi e Bach  são os autores da segunda fase. Em termos formais foram produzidos Oratórios, Missas, Paixões e Cantatas. O Baixo Contínuo e o Contraponto, o Prelúdio e a Fuga atingem o seu apogeu.



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Barroco em Diversas Regiões no Brasil




Barroco em Diversas Regiões no Brasil


O barroco manifestou-se também de forma característica fora dos grandes centros da colônia, porém normalmente bem mais tímido. Pode ser citado, por exemplo, Goiás com seu barroco mais simples e José Joaquim da Veiga Vale que, embora tenha nascido no século XIX, afinava-se com o estilo. Auto-didata, realizava obras religiosas como "São José de Botas". Uma das características fortes de suas imagens era usarem um manto com estampas douradas, estampas estas diferentes entre si.


No Sul destaca-se a influência das Missões Jesuíticas, que transmitiam aos nativos técnicas artísticas européias. Algumas obras revelam espantosa capacidade de assimilação dessas técnicas unidas à sensibilidade e originalidade indígena. Algumas esculturas e cerâmicas produzidas então sobreviveram aos massacres bandeirantes.


Já São Paulo, isolado durante esse período, mostra uma arquitetura extremamente simples e peculiar. Seus melhores exemplos são estabelecimentos rurais e construções jesuítas de grande porte, como o Conjunto da Igreja de Nossa Senhora do Rosário, em Embu. Tipicamente paulista eram ainda santos de bairro cozidos, conhecidos como "paulistinhas", de postura hierática. Possivelmente frei Agostinho da Piedade em passagem pelo estado, originou a prática.



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Barroco em Minas Gerais




Barroco em Minas Gerais


O barroco mineiro merece destaque especial na História da Arte Brasileira. Em Minas Gerais o ciclo do ouro estimulou a criação artística e o sentimento nacionalista e o barroco revelou um de nossos maiores artistas: Aleijadinho.


Um dos traços mais admirados do barroco em Minas foi a inventividade das soluções para a harmonização da arquitetura com a escultura e pintura e, principalmente, a enorme qualidade obtida através da união de influências ibéricas a traços que já despontavam de nossa cultura nacional. 


Minas Gerais até o ciclo da mineração era uma região ignorada pela metrópole. Com a descoberta de ouro passou a atrair pessoas das mais diversas regiões da colônia, além de portugueses sonhando com a riqueza fácil. 


A metrópole portuguesa proibia a existência de grandes ordens religiosas na região, visando proteger suas riquezas das autoridades eclesiásticas. Para satisfazer as necessidades religiosas dos habitantes, começaram a surgir associações religiosas leigas, ordens terceiras, irmandades e confrarias que rivalizavam entre si. Uma das maneiras de prevalecer sobre as demais era a construção de vistosos templos. Além disso eram proibidas ainda a imprensa e as escolas. Os mineiros, então bastante isolados, realizavam suas obras com grande liberdade, devendo pouco a modelos consolidados e podendo inventar uma tipologia característica. Esses fatores foram importantes para a evolução do barroco no estado.


As grandes matrizes foram as primeiras a serem construídas nos principais centros mineradores como Caeté, Mariana, Vila Rica do Pilar (atual Ouro preto) e Sabará. Vila Rica, então capital de Minas Gerais, tinha mesmo duas matrizes: uma mais antiga, a Nossa Senhora da Conceição de Antônio Dias e a Nossa Senhora do Pilar, um dos mais belos exemplos barrocos mineiros, com sua incrível talha dourada.


Entretanto, merecem destaque especial na exemplificação do barroco-rococó mineiro principalmente as capelas das Ordens Terceiras e Irmandades. Destacam-se a capela Franciscana de Vila Rica e a da Igreja da Ordem Terceira de São João Del-Rei.


Entre as igrejas mais pitorescas que podem ser visitadas em Ouro Preto estão a Igreja de Santa Efigênia e a Igreja de Nossa Senhora do Rosário, as duas de irmandades de negros, de original simbologia reveladora de influências da cultura africana. 


Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho é o principal nome do barroco mineiro e um dos principais nomes da arte brasileira. Destacam-se as esculturas que realizou para o conjunto do Bom Jesus do Matosinho, em Congonhas do Campo, como uma de suas principais obras-primas.


Na pintura, Manuel da Costa Ataíde e seus santos e anjos com traços mulatos são outro grande destaque do barroco mineiro. Além dele podem ser citados o português José Soares de Araújo e o uso de ouro para pintar as igrejas de Diamantina, João Batista de Figueiredo e Silvestre de Almeida Lopes.



Verbete:
Barroco na Alemanha




Barroco na Alemanha


O Barroco na Alemanha começou muito tardiamente em relação ao resto da Europa. Isso se deve ao fato de o país estar em guerra  durante longo tempo, dificultando a expressão artística. Entretanto, quando o estilo realmente floresce nas terras alemãs, ele tem bastante força e personalidade.


Além disso, alguns críticos costumam se referir a duas modalidades de barroco na Alemanha. Uma peculiar ao note do país, mais severa e grave e outra que se desenvolve no sul, mais brincalhona e emocional.


O artista de maior destaque do barroco nas terras alemãs é o austríaco Johann Fischer von Erlach (1656 - 1723). Estudou em Roma e Nápoles, sendo grande a influência barroca em suas obras, em especial a do arquiteto Borromini.


Um bom exemplo disso pode ser dado pela Igreja de Charles Borromeu (Karlskirche), construída por Von Erlach entre 1716 e 1737, em homenagem ao imperador Charles VI. Suas influências mais marcantes, além de Borromini (em especial a Igreja de Santa Agnese, desenhada pelo arquiteto), são a arquitetura grega (há pontos de contato com o Pantheon, por exemplo) e a história romana.



Verbete:
Barroco na Bélgica




Barroco na Bélgica


A Bélgica, principalmente a Antuérpia, abrigou artistas barrocos de grande talento e importância, extremamente reconhecidos inclusive em sua própria época. Entre eles destacam-se aquele que é considerado um dos maiores pintores barrocos: Pedro Paulo Rubens (1577 - 1640) e seu famoso assistente Anthony van Dick (1599 - 1641).


Rubens passou uma parte de sua vida na Itália, onde entrou em contato com os grandes mestres renascentistas e barrocos. Entretanto, nunca abandonou totalmente a tradição da pintura flamenga, misturando-a à italiana em um estilo próprio de resultados fantásticos. Era extremamente famoso na época e sua predileção pelas telas gigantescas, na decoração de igrejas e palácios, ajustava-se bem ao gosto dos governantes. Recebia inúmeras encomendas, chegando praticamente a monopolizar os pedidos de príncipes e monarcas. Para dar conta dos trabalhos precisava manter um produtivo ateliê. Acredita-se que, às vezes, ele apenas pintava um esboço colorido de uma figura, deixando ao encargo de seus alunos completarem o quadro. No final, limitava-se a dar os retoques finais com suas características pinceladas para que a obra ganhasse surpreendente efeito vivo. Além disso, costumava ser encarregado de missões diplomáticas por seu livre trânsito nas cortes, como a bem sucedida tentativa de instaurar a paz entre Inglaterra e Espanha.


Seu quadro “Alegoria Sobre as Bênçãos da Paz“, por exemplo, foi especialmente realizado para ser oferecido pelo artista a Carlos I. Trata-se de uma alegoria sobre as bênçãos da paz, em contraste com os horrores da guerra. Extremamente exuberante e vigoroso, associa a paz à extrema fartura (típica de seu estilo), enquanto Minerva expulsa Marte e a Fúria de cena. É impressionante como realiza um conjunto harmonioso a partir da profusão de formas aparentemente disparatadas.


Outro exemplo de sua obra pode ser o excepcional retrato “Cabeça de Criança“. Sua preocupação em representar o que via (o mundo real era mais valorizado por Rubens que a beleza clássica) está muito bem representado nesse quadro extremamente vivo de uma menina de lábios úmidos, olhos expressivos, delicado formato do rosto e modelação de cabelo - possivelmente a filha mais velha do artista. Também realizou auto-retratos e retratos de sua mulher. O uso dos efeitos de luz e suas pinceladas demonstram incrível técnica.


Além disso, Rubens era considerado uma pessoa excepcional, dotado de extrema energia e capacidades geniais. Conta-se, por exemplo, que era capaz de pintar, ao mesmo tempo que conversava, ditava uma carta e ouvia uma leitura de texto, sem contudo perder a concentração de nenhuma das atividades realizadas simultaneamente.


Anthony van Dick, o assistente que mais se destacou em seu concorrido ateliê, também era conhecido por suas especiais habilidades como retratista - é considerado, inclusive o Fundador da Escola Inglesa nesse ramo, quando de sua permanência como pintor da corte de Charles I - e na realização de estampas.


Foi bastante influenciado pelo mestre, porém conta-se que diferia bastante do mesmo em temperamento, uma vez que era bastante melancólico. Seu retrato “Carlos I da Inglaterra“ mostra um rei imponente, desprovido de praticamente qualquer acessório para realçar um poder que advém de sua própria figura. Suas obras, pelo tom aristocrático, valorizando o refinamento nobre (diferente das formas exuberantes de Rubens), são consideradas grandes registros da sociedade inglesa.



Verbete:
Barroco na Espanha




Barroco na Espanha


A Espanha vivia com particular intensidade as conseqüências da Contra-Reforma, com seus ideais ascestas, a prática de torturas como a Inquisição e a forte presença da ordem religiosa  jesuítica. Além disso, era também o período de sua colonização na América recém-descoberta. Essa conjuntura espanhola influenciou bastante a sua expressão barroca.


Além da forte influência católica, Caravaggio e os pintores flamengos eram outras inspirações dos artistas espanhóis. A escultura e principalmente a pintura são de ótima qualidade, devendo muito ao naturalismo e busca por simplicidade dos pintores. Além dos temas religiosos, os retratos e as natureza-mortas foram bastante desenvolvidos por esses artistas. A arquitetura ganha maior liberdade no emprego das ordens clássicas, que se alteram em proporções e formas.


Diego Velásquez (1599- 1660) é considerado o principal mestre do período (ver verbete à parte). Brilhante retratista e pintor da corte de Philip IV, é particularmente conhecido pelo incrível efeito que produziu em seu quadro “As Meninas“.


José de Ribera (1591 - 1652), apesar de seu estilo claramente influenciado por Caravaggio, mostra traços da pintura de Carracci, em particular o idealismo deste (em contraste com o ideal de representação do outro italiano). Uma espécie de regionalismo é forte na pintura desse artista. Mesclou à influência do estilo barroco internacional, aspectos característicos da pintura espanhola e o chiaroscuro. Possuidor de forte estilo é bastante conhecido ainda por suas estampas.


“O Martírio de São Bartolomeu“, que apresenta o santo sendo preparado para torturas, é um trabalho seu que apresenta uma temática extremamente adequada à época.


Francesco de Zurburan foi outro pintor que enfatizou o misticismo em seu trabalho, como atesta  “São Francisco em Oração“.



Verbete:
Barroco na França




Barroco na França


O barroco francês foi muito influenciado por seus vizinhos europeus. Entretanto, o país soube adaptar esse estilo internacional à sua própria cultura, longe de simplesmente imitá-los. Um traço forte no barroco do país é a influência dos renascentistas italianos e norte-europeus ser maior do que a influência de mestres barrocos do período.


Na arquitetura, a inspiração no desenho do Louvre feito por Pierre Lescot, em 1543, é enorme. Muitos artistas barrocos, como François Mansart (1598 - 1666) e Louis Le Vau (1612 - 1670), utilizam-se de elementos dessa construção em seus trabalhos.


Mansart, arquiteto real desde 1636, inspirava-se no Louvre em suas obras, acrescentando um maior senso dramático. Além disso, valia-se também da duplicação de pilastras e da proliferação de vãos. A influência grega, como o uso de colunas dóricas também pode ser observada.


Uma de suas obras mais famosas é o “Château de Maisons“, construído entre 1642 e 1650, em Maisons-Lafitte.


Louis Le Vau foi primeiro arquiteto e secretário do rei desde 1655 (trabalhou na corte de Luís XIV). Seu desenho para a château do ministro do rei Nicolas Fouquet, a “ Vaux- le Vicomte” pode ser um bom exemplo da habilidade francesa em lidar com as influências estrangeiras, sem contudo perder suas características culturais.


A construção tem elementos tipicamente italianos (como seqüências iônicas) e sabe mesclá-los à particularidade da arquitetura francesa, como os tetos inclinados ou as abóbadas, tornando o conjunto extremamente nacional.


Seguindo a tradição francesa de transformações no Louvre, o rei Luís XIV chamou Claude Perralt (1613 - 1688), para construir a fachada leste dele. Ele imprimiu uma imponência tipicamente barroca à construção.


O Palácio de Versailles (para onde a corte se muda) é considerado um dos exemplos mais importantes de construção barroca, por respeitar o ideal de unidade das artes do estilo. O conjunto é garantido pela harmonia entre elementos arquitetônicos, decorativos, escultura, pinturas e até o desenho do jardim.


Inspirado no Vaux-le Vicomte, levou um período de tempo enorme para ser concluído - de 1624 a 1710 - e envolveu artistas como Jules Hardouin-Mansart (1646 - 1708, neto de François Mansart), Louis Le Vau, André Le Nôtre (1613 - 1700) e Charles Le Brun (1619 - 1690).


A Igreja dos Inválidos, em Paris, com sua inspiração na Igreja de São Pedro de Michelângelo e seus efeitos de luz dramáticos e tipicamente barrocos, pode ser considerada uma boa amostra do trabalho do arquiteto Jules Hardouin-Mansart.


Na pintura, destaca-se Nicolau Poussin (1594 - 1665), considerado o principal expoente da pintura barroca francesa. Por seus ideais de beleza, dignidade e inspiração nas estátuas clássicas, é considerado um pintor “acadêmico“. Tendo vivido em Roma boa parte de sua vida, a influência de Rafael e Ticiano em sua obra é mais expressiva que a dos artistas do barroco italiano, contemporâneos seus. Sua temática caía preferencialmente sobre coisas grandiosas, como passagens históricas, cenas heróicas e religiosas. A representação naturalista da natureza era um de seus pontos fortes.


“Et in Arcadia ego“, mostra uma paisagem ensolarada, com pastores e uma formosa jovem ao redor de uma lápide. Um deles está ajoelhado observando a inscrição na lápide em latim que dá nome ao quadro (até na arcádia estou). Notável é a composição do quadro, bem como o inter-relacionamento das figuras, que parecem responder a movimentos recíprocos. A dramaticidade é utilizada para sugerir uma atitude de tranqüilidade frente à morte.


Claude Lorrain (1600- 1682) era outro importante pintor do período, famoso por suas paisagens e estudos da natureza. Francês italianizado, trabalhou em Nápoles e Roma, sendo bastante influenciado pelos ideais de Carracci. Sua figuras, normalmente mitológicas ou históricas, eram representadas em tamanho reduzido, verdadeiras miniaturas nas paisagens. “Paisagem com Sacrifício a Apolo“ pode exemplificar sua obra.


Georges de La Tour (1593 - 1652), com seu uso de cores e luz própria e os irmãos Luís, Antonio e Mateus Le Nain, que freqüentaram a academia francesa de Belas Artes, são outros importantes pintores do barroco francês muito influenciados por pintores holandeses caravaggistas.


Ainda digno de menção na pintura do período é Jacques Callot (1592? - 1635), famoso por seu quadro “Misères de la Guerre“, freqüentemente comparado à obra de Goya “Desastres da Guerra“. Pretendendo retratar os abusos da Guerra dos Trinta Anos, ilustra bem o processo da arte estar começando a se voltar para temas de denúncia histórica, assistido no barroco.


Na escultura temos Pierre Puget (1620 - 1694) e François Girardon (1628 - 1715), como artistas de destaque.


Puget, extremamente influenciado pelo barroco italiano, em especial por Berrini, é considerado o escultor francês mais original do período. Tanto ele como Girardon buscaram inspiração na escultura grega helenística, distanciando-se pela maior intensidade emocional presente nas obras de Puget, em comparação às de Girardon.



Verbete:
Barroco na Holanda




Barroco na Holanda


Com a promoção da independência espanhola em 1581, o protestantismo ganhou enorme força no país. A nova religião proibia temas da pintura histórica renascentista, como a vida dos santos e a mitologia. Ao invés disso, deveriam ser executados os retratos, as pinturas de genre (normalmente utilizando-se da vida cotidiana como temática), representações da natureza em geral, em especial quadros de natureza-morta. Entretanto, apesar das restrições vemos uma produção extremamente forte, graças principalmente ao talento dos artistas seiscentistas.


A Itália, em especial o maneirismo (em suas últimas manifestações) e a arte de Caravaggio exerceram grande influência sobre alguns pintores holandeses do período. Podemos citar em especial Hendrick Terbrugghen (1588 - 1629) e Gerrit van Honthorst (1590 - 1656), como artistas cuja influência italiana (após terem passado um tempo no país, prática de treinamento usual entre os artistas holandeses da época) abriu novas fronteiras à pintura holandesa.


Ambos os pintores, com forte influência de Caravaggio, ajudam a popularizar no país os efeitos da arte do chiaroscuro. Como exemplo do trabalho de van Honthorst podemos citar “A Ceia“, de 1620, com seus dramáticos efeitos de luz e sombra, sua elaborada composição criando um ambiente escuro habitado por criaturas não idealizadas. Trata-se de uma pintura de genre (ou de gênero). Sobre Terbrugghen pode ser citado “A incredibilidade de São Tomé“, retomando temas de Caravaggio, mas diferenciando-se do mestre principalmente pela maior ênfase na cor presente em sua obra.


O estilo de Terbrugghen influenciou bastante os artistas holandeses do período, em especial Judith Leyster (1609 - 1660), que teve bastante sucesso em pintar cenas utilizando-se de elementos do estilo de Caravaggio, como atesta “Garoto tocando flauta“, com sua admirável composição e domínio técnico dos efeitos de luz e sombra.


Entretanto, os maiores artistas do período talvez tenham sido Rembrandt van Rijn (1606 - 1669), Frans Hals (1580 - 1666) e Jan Vermeer van Delft (apesar de terem passado grande parte da vida - ou a vida inteira, no caso de Vermeer - na pobreza).


Rembrandt é um dos pintores mais famosos da história da arte, considerado o melhor artista do barroco holandês. “A Lição de Anatomia do Dr. Tulp“, onde retrata o médico demonstrando aos membros da escola de cirurgiões a anatomia de uma mão humana, numa dissecação de cadáver (acontecimento bastante prestigiado na época), chamou a atenção para sua obra. Os dramáticos efeitos de luz e as figuras, claras, são características que merecem destaque no quadro.


Suas figuras retratadas são extremamente densas, baseadas na observação do mundo que o rodeia, não idealizadas. Excelente retratista, possuía especial habilidade  em “captar a alma humana“. Talvez seguindo a influência de Caravaggio não temesse o feio, quando este é mais verossímil. Seu talento revela-se até mesmo em  desenhos aparentemente simples, como a ilustração da história bíblica “parábola do servo desalmado“, em que, utilizando-se de poucos traços, transmite a culpa do servo diante de seu amo, por não ter como lhe pagar o devido, falhando em sua tarefa. Uma de suas obras mais famosas é “A Vigília“, com sua sugestão de mistério e personalíssimo uso de luz.


Os expressivos auto-retratos feitos pelo artista, cobrindo diferentes épocas de sua vida, numa espantosa autobiografia, bem como seus bem-sucedidos experimentos nas artes gráficas, em especial a água-forte (que consiste em cobrir a superfície do cobre com cera e realizar os desenhos com agulha), como “Cristo Pregando“, são outros pontos marcantes de sua carreira.


Frans Hals é famoso pelo efeito de suas pinceladas características e por sua assimilação da pintura de Caravaggio através de Terbrugghen. Excelente retratista, como comprova a obra  “o Banquete dos Oficiais da Companhia de Guarda de São Jorge“, com sua  preocupação em individualizar os diferentes membros da cena.


Apesar de existir poucos registros do trabalho de Jan Vermeer, já pode ser reconhecido seu enorme talento em criar pinturas extremamente expressivas, partindo de temas pequenos, não grandiosos ou da vida cotidiana (ver verbete natureza-morta).


Além disso, a arte pictórica holandesa no período barroco é especialmente caracterizada por suas paisagens nacionais, desenvolvidas por pintores talentosos como Jacob van Ruysdael  e pela qualidade de suas produções de natureza-morta.



Verbete:
Barroco na Inglaterra




Barroco na Inglaterra


A arte Barroca na Inglaterra praticamente resume-se a algumas construções urbanas de arquitetos como Inigo Jones (1573 - 1652) e Christopher Wren (1632 - 1723). Na escultura e pintura não há notável produção. O que existe de mais representativo desse estilo são as obras de artistas estrangeiros em visitas pelo país. Além disso, considera-se que somente após o século XVIII que a Inglaterra realmente tenha começado sua tradição nas artes escultóricas e pictóricas.


Como já foi dito, o Barroco foi adaptado aos diferentes países em que se manifestou. As poucas amostras do estilo existentes na Inglaterra (conhecido também pelo nome de Lily), são bastante frias e comedidas, diferenciando-se do barroco sentimental espanhol e italiano, por exemplo. Chega mesmo a cogitar-se que o que é considerado barroco na Inglaterra, por suas características, não seria considerado da mesma maneira em algum outro país (aproximando-se mais do estilo clássico).


Cristopher Wren era uma personalidade bastante famosa em sua época. Além de seu destaque na área cientista, como físico e astrônomo, era um arquiteto extremamente prestigiado. O seu sucesso como arquiteto começou quando reconstruiu a Catedral de São Paulo, em Londres, após o incêndio de 1666. Para tanto, ele utilizou-se da inspiração de várias outras construções  italianas e francesas (como a fachada do Louvre de Perrault e os livros de Palladio, por exemplo). Essas  hibridações de estilos, entretanto, resultaram num conjunto extremamente harmonioso. A partir daí, muitas outras igrejas londrinas passaram a ser redesenhadas por Wren.


Inigo Jones, outro nome da arquitetura barroca do período,  trabalhou na corte de James I e Charles I. Além disso, criava vestimentas para as personagens teatrais do poeta Ben Johnson. Seus trabalhos arquitetônicos sofreram grande influência da arte italiana que entrou em contato através da visita ao país. Neles encontram-se freqüentes traços de inspiração no arquiteto Palladio, da Escola de Veneza.


Uma boa amostra da influência de Palladio em seu trabalho pode ser dada pela Queen’ s House, em Greenwich. Entretanto, ele é mais conhecido pela Banqueting House em Whitehall. A influência da arquitetura grega é forte nessa obra.



Verbete:
Barroco na Itália




Barroco na Itália


É interessante notar, principalmente na Itália, como a arte barroca apropriou-se de elementos renascentistas (inspirados em especial em Michelangelo), transformando-os à nova realidade. Um bom exemplo disso são as obras dos arquitetos Giacomo della Porta (1553 - 1602), aprendiz de Michelangelo e as de Carlo Maderno (1556 - 1629).


Della Porta chegou a completar a abóbada desenhada pelo mestre para a Igreja de São Pedro, no Vaticano. Respeitou alguns pontos criados por ele, mas acrescentou à obra elementos tipicamente barrocos como curvas e nervuras. Além disso, é famoso por sua fachada da Igreja de Jesus (Il Gesù), que mescla elementos da arquitetura clássica (como colunas e pilastras), com elementos de uma nova arte. Um exemplo disso é a duplicação das colunas e pilastras, características da abundância barroca, bem como a preocupação com o efeito do todo e a íntima conexão entre o andar superior e inferior.


A Igreja de Santa Suzana, desenhada por Carlo Moderno entre 1597 e 1604, inspirada no trabalho de Della Porta na Igreja de Jesus, é considerada a primeira construção realmente barroca. O artista também foi encarregado de terminar a construção da Basílica de São Pedro realizando modificações nos planos de Michelângelo.


Entretanto, Gianlorenzo Bernini (1598 -1680), arquiteto e escultor, talvez seja uma das figuras mais famosas do barroco italiano (ao lado de Caravaggio). Foi o principal artista da corte do Papa Urbano VIII, em Roma. Bernini também deu sua contribuição, como arquiteto, para a Basílica de São Pedro, construindo o baldachino (uma espécie de abóbada de bronze) acima do altar principal.


“Êxtase de Santa Tereza“, em Santa Maria Della Vittoria, demonstra sua habilidade, como artista barroco, em fundir a arquitetura, a pintura e escultura, num todo harmonioso. As esculturas de Bernini (a maioria em Roma) eram dotadas de enorme dramaticidade, exibindo rostos de expressões fortes. “Plutão e Prosérpina“ é um bom exemplo de suas obras escultóricas.


Ainda na arquitetura do período destacam-se Francesco Borromi (1559 - 1667), o principal rival de Bernini na época (competindo com o artista pelo prestígio) e Guarino Guarini (1624 - 1683). Em Veneza, destaca-se Baldassare Longhena (1598 - 1682).


Na pintura barroca italiana temos a influência da Academia de Bologna, fundada pelos irmãos Annibale e Antonio Carracci, além de seu primo Lodovico. Pregava um ensino de arte formal e anti-maneirista, baseando-se nas obras de Rafael, Michelângelo e Ticiano, que se oficializou como modelo para toda a Europa.


Annibale é o mais importante desses pintores, com sua ênfase sobre a beleza idealizada. Seu harmonioso retábulo “Pietà“ apóia-se no jogo de luz e no apelo emocional.


Caravaggio (Michelangelo Merisi 1573 - 1610) é outro importante nome da pintura barroca italiana, com forte influência sobre o barroco na Europa. Seu fantástico uso da luz é mais baseado no chiaroscuro (ver verbete), com figuras extremamente naturalistas, diferentes da dos Carracci (de quem descordava de muitos princípios). De vida turbulenta (chegou mesmo a matar um homem), sua obra era nada convencional, como demonstra o quadro São Tomé. Nele vemos três apóstolos retratados como trabalhadores comuns, com sua atenção concentrada em Jesus, sendo que um deles lhe toca uma ferida. “O Chamado de São Mateus“ também é famoso por sua dramaticidade e uso de luz característico.


Artemesia Gentileschi (1597 - 1652) é uma das primeiras mulheres a serem registradas pela história da arte. Inspirada em Caravaggio, imprime grande sendo dramático à sua obra. Outro importante nome da pintura barroca italiana é Guido Reni (1575 - 1642), freqüentador de Escola de Carracci e cuja fama, na época, esteve próxima a de Rafael. Seu afresco “Aurora“, demonstra  senso de beleza e fluidez.



Verbete:
Barroco no Brasil




Barroco no Brasil


O barroco no Brasil recebeu impulso no século XVII, mas consolidou-se principalmente a partir do século XVIII e o ciclo do ouro. Apresentando forte influência ibérica e até holandesa, o barroco chegava ao Brasil um século atrasado em relação à Europa. Devido às enormes diferenças regionais do Brasil colonial, o barroco apresentou características distintas nas regiões em que se manifestou. O Nordeste brasileiro, o Rio de Janeiro e principalmente Minas Gerais foram os principais centros barrocos do país.


O barroco brasileiro é um dos momentos de maior importância da História da Arte nacional, principalmente o mineiro, por demonstrar a adaptação de modelos tradicionais portugueses às condições brasileiras e integrar eficazmente a arquitetura, a escultura e a pintura.  



Verbete:
Barroco no Nordeste




Barroco no Nordeste


Até o século XVIII a colonização brasileira concentrava-se principalmente no litoral nordestino,  faixa economicamente mais rentável para a metrópole devido à produção de cana-de-açúcar.  E é no Nordeste que vemos as primeiras construções que evidenciam traços barrocos. Durante a invasão holandesa  já podem ser notadas algumas características do estilo nas obras que Nassau solicitou ao arquiteto Pieter Post para a urbanização de Recife e da ilha de Antônio Vaz. O Palácio Friburgo (ou das Torres), construído entre 1639 e 1642, já apresenta linhas barrocas.


Entretanto, com a expulsão dos holandeses e as enormes perdas de edifícios destruídos durante o processo de guerra, houve uma reformulação na arquitetura das novas construções e o barroco começa a tomar impulso em Recife. Principalmente em meados do século XVIII com a criação por Marques de Pombal da Companhia Comercial de Pernambuco e Paraíba em 1759, Recife, como sede dela, passa a ter um enorme aumento populacional, aumentando as edificações.


A explosão do barroco em Recife dá-se principalmente a partir da fachada do Convento e Basílica de Nossa Senhora do Carmo, que começou a ser realizada no final do século XVII e foi concluída em 1767. Bons exemplos de construção barroca na cidade são a Igreja de São Pedro dos Clérigos, do século XVIII, projetada por Manuel Ferreira Jácome e pintada por João de Deus Sepúlveda. A capela dourada da Ordem Terceira de São Francisco de Assis da Penitência também apresenta um ótimo exemplo de talha barroca.


Em Salvador, sede do governo colonial, pode ser observada uma notável produção barroca, utilizando-se de materiais como o ouro e o jacarandá, e mantida pelo açúcar. A Igreja e Convento de São Francisco, iniciada em 1708, com sua riqueza de talha é um ótimo exemplo barroco, considerada como uma das mais belas "igrejas de ouro". A Igreja de Nossa Senhora da Conceição da Praia, que começou a ser construída em 1739, também pode exemplificar bem o estilo em Salvador. Apesar da maioria das soluções serem maneiristas,  já mostra inovações barrocas. Essa mesma igreja abriga em seu forro uma das principais pinturas do movimento no país, realizada por José Joaquim da Rocha em 1773. O Engenho Freguezia, no Recôncavo Baiano, por sua vez, é uma boa amostra da tendência fora das construções religiosas. Na escultura destacam-se Frei Agostinho de Jesus, com suas obras de inspiração barroca como a imagem "Nossa Senhora do Menino Jesus". Foi discípulo de Frei Agostinho da Piedade - importante escultor do final do século XVI de estilo mais clássico.


Em João Pessoa temos o convento de Santo Antônio como uma das obras franciscanas barrocas mais importantes do Brasil colonial. Em Alagoas, destaca-se o convento de São Francisco, em Penedo, realizado entre os séculos XVII e XVIII.


Em 1735 foi criada a Companhia Geral do Comércio do Estado do Maranhão e Grão-Pará (que incluía também o Ceará e o Piauí). O arquiteto italiano Antonio José Landi, em Belém a partir de 1753 também merece destaque no barroco brasileiro. Uma de suas principais obras foi o Palácio dos Governadores, feito em 1771, que apresenta tanto soluções barrocas quanto antecipa o rococó e até o estilo neoclássico.



Verbete:
Barroco no Rio de Janeiro




Barroco no Rio de Janeiro


Com o ciclo do ouro, o Rio de Janeiro tornou-se uma importante cidade da colônia, principalmente por ser o porto que escoava as riquezas de Minas Gerais para a metrópole. Em 1763 a própria capital da colônia transfere-se de Salvador para a cidade, aumentando sua importância e o contato com a Europa. As primeiras construções barrocas no Rio de Janeiro eram realizadas principalmente por engenheiros militares portugueses no local que traziam o gosto ibérico para o sudeste da colônia.


O Mosteiro de São Bento, é um exemplo dessas construções. Começou a ser realizado pelo engenheiro militar português Francisco Frias de Mesquita, em 1617. O projeto passou por inúmeras modificações durante o século que levou para ser construído e, em 1785, mestre Inácio Ferreira Pinto imprimiu características mais afinadas ao estilo rococó, modificando grande parte do trabalho.


Uma interessante construção barroca carioca é a Igreja de Nossa Senhora da Glória do Outeiro, de 1720, projetada por José Cardoso Ramalho e que tem em sua localização um dos grandes méritos da obra: fica no alto do Outeiro da Glória e apresenta ótima solução para as escadarias de acesso.


Fora das construções religiosas, destaca-se a casa dos Governadores ou Paço, que acabou sendo convertida em residência real durante a estadia da corte portuguesa no país, realizada pelo engenheiro militar português José Fernando Pinto Alpoim.


O escultor Francisco Xavier de Brito é um dos grandes nomes do barroco carioca. Acredita-se inclusive que Aleijadinho foi bastante influenciado por seus trabalhos de grande originalidade (Xavier de Brito posteriormente chegou a produzir em Minas Gerais). Uma de suas obras de destaque são as esculturas que realizou para a Capela da Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência, no conjunto do Convento de Santo Antônio. Juntamente com o entalhador Manuel de Brito e o pintor Manuel da Costa Coelho, realizou um dos mais belos interiores sacros.


Valentim da Fonseca e Silva ou Mestre Valentim também é um grande nome da escultura no período, de estilo mais próximo ao rococó. Foi o responsável pelas esculturas do Passeio Público, uma primeira tentativa realizada pelo então vice-rei D. Luís de Vasconcelos (1779 - 1790) de criar um espaço público mais requintado. Além de esculturas possuía ainda pavilhões, obeliscos, chafarizes e jardins desenhados.


A pintura barroca teve grande desenvolvimento no Rio de Janeiro. Pode se falar inclusive de uma escola fluminense iniciada com Frei Ricardo do Pilar ("O Senhor dos Martírios") e liderada principalmente pelo retratista e pintor religioso José de Oliveira Rocha ("Gênio da América"). Foi tão forte na capital brasileira de então que continuou a existir até mesmo depois de 1816 e a chegada da Missão Artística Francesa (ver pintura brasileira). Nela destacam-se nomes como  Caetano da Costa Coelho, primeiro a tentar a pintura de perspectiva em 1722 com "Nossa Senhora da Visitação", Leandro Joaquim responsável por seis painéis ovais que retratam a paisagem carioca localizado em um dos pavilhões do Passeio Público, Manuel da Cunha ("Retrato do Conde de Borbadela"), José Leandro de Carvalho, retratista da família real e Francisco Pedro de Amaral, o último dos pintores dessa escola pertencente à tradição colonial.



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Basílica




Basílica


Na Grécia clássica, o termo era usado para definir a sede da administração na ágora de Atenas. Já para os romanos era um grande espaço coberto usado como tribuna pela administração pública; na arquitetura cristã, o termo define a função do prédio e não a forma.


A basílica cristã, de certa forma evoluiu dessas basílicas romanas, apresentando portanto diversas características espaciais semelhantes entre elas. 


No início da era cristã (século 4 D.C.), basílica passa a denominar um tipo de templo que apresenta como corpo principal um imenso salão com eixo longitudinal, denominado nave central e geralmente cercado lateralmente por duas ou quatro naves menores e mais baixas que a nave central. No espaço superior da nave maior se encontra o clerestório (janelas superiores). Colunas sustentam as paredes laterais da nave central separando-a das naves menores. O abside, espaço situado atrás do altar, vem substituir o espaço que na basílica romana era ocupado pela tribuna. Posteriormente são incluídas as torres, localizadas em geral lateralmente à construção.


As primeiras igrejas cristãs adotaram o modelo arquitetônico das basílicas para suas construções. As características constantes deste tipo de edificação são: plano oblongo; eixo longitudinal; cobertura de madeira, tanto livre quanto dotada de forro; uma terminação, tanto retangular quanto na forma de um abside e, comumente, uma nave com dois ou mais corredores, o primeiro mais largo e mais alto do que o segundo, iluminados por vidraças.



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Bauhaus




Bauhaus


A Bauhaus, mais que uma escola de artes e arquitetura, foi um centro de agitação de todas as disposições criativas da época, que assinalou o início de uma nova fase na arquitetura mundial. Um de seus principais méritos consiste em ter alterado as relações entre desenho e arte industrial. Além disso, as experiências pedagógicas de Klee e Kandisky acabaram sendo publicadas em verdadeiros tratados sobre arte.


O embrião da Bauhaus foi a escola de artes aplicadas de Weimar, fundada em 1906 pelo grão-duque de Sax-Weimar. Inicialmente foi dirigida por Henry Van de Velde (1863 - 1957), que, quando deixa a Alemanha, indica Walter Gropius (1883 - 1969) como seu sucessor; assumindo a direção em 1919, este reestruturou a escola e a batizou Bauhaus. As idéias de Gropius baseavam-se fundamentalmente na combinação de um ideal morrisiano (William Morris, que acreditava que o artista deveria desenhar e executar seu trabalho) com a idéia da unidade entre o monumental, grandioso e os elementos decorativos. Visava criar uma nova forma de arquitetura moderna.


O primeiro manifesto, influenciado pelos ideais do impressionismo, bastante em voga na Alemanha pós-guerra, proclamava, em tom entusiasta, a união de artistas e arquitetos na procura da melhor relação entre a forma e o material, forma e função e entre a forma e o modo de produção: “A Bauhaus almeja constituir em unidade o conjunto de disciplinas artísticas - escultura, pintura, desenho e artes aplicadas - para incorporá-las a uma arquitetura de novo cunho”. 


O método da escola consistia basicamente em introduzir os estudantes aos princípios da forma, instruí-los no trabalho com materiais, cores e texturas, orientá-los no estudo de obras pictóricas e sobretudo procurava estimular a livre criatividade. A instituição não estava empenhada na busca de um estilo próprio, pelo contrário, sua postura era independente de qualquer modelo preestabelecido, não se caracterizando como uma academia fechada. 


A partir de 1923, cresce em importância para essa escola a figura do artífice e designer no processo industrial de massa. O estilo Bauhaus, com forte influência de idéias socialistas,  apesar de impessoal e severo (bastante geométrico), possuía um elevado refinamento de formas e linhas. Esse refinamento é creditado, de uma certa forma, ao ideal de economia dos materiais, que exigia um profundo conhecimento de suas possibilidades. Foi estabelecido um bom inter-relacionamento entre as “pesquisas“ e conquistas obtidas na escola e a própria indústria, que acabou por utilizar-se de muitos de seus produtos para a manufaturação em larga escala.


A escola passa a exercer forte influência sobre a sociedade de Weimar, com suas utopias sociais e idéias avançadas. Isso incomoda os setores conservadores locais que, em 1924, ao vencerem as eleições, forçam a dissolução da escola.


Em 1926 a Bauhaus se estabelece em Dessau, aonde é construído o novo edifício da escola, projetado por Gropius; um marco da arquitetura do século XX que estabelece um novo princípio estético, com o uso de volumes limpos e definidos. Essa mudança marca o início de uma nova fase, cuja produção se caracteriza pela simplicidade racional e pela preocupação com a viabilização econômica dos projetos. 


Nesse mesmo ano Hannes Meyer (1889 - 1954) assume o departamento de arquitetura da instituição planejando intensificar as atividades sociais desta: “As necessidades das pessoas em lugar das necessidades do luxo”.


Em 1928 Gropius renuncia à direção da escola devido às dificuldades políticas que vinha encontrando no cargo e nomeia Meyer como seu sucessor. Porém o crescimento político da direita acaba por forçar a destituição deste em 1930.


Mies Van der Rohe assume cargo, porém, em 1932, a escola é novamente fechada e dissolvida; durante seis meses ele ainda tenta continuar com a instituição em Berlim, agora como um empresa privada mas esta é definitivamente desativada pelos nazistas em 20 de julho de 1933. Esse fechamento da escola, porém, longe de tirar sua força, difundiu ainda mais seus ideais, uma vez que os artistas que lá se reuniam espalharam-se por vários países. Acabaram parando nas principais escolas de arte do Ocidente, fundamentando seu ensino nas conquistas de Bauhaus. Um bom exemplo disso é o professor da escola alemã no período de 1923 a 1928, László Moholy-Nagy, que fundou o New Bauhaus, em Chicago (posterior Instituto de Desenho). O exílio forçado de vários membros da Bauhaus propagou seus ideais, influenciando arquitetos por todo o mundo, principalmente nos Estados Unidos, que fatalmente recebeu a maior parte daqueles artistas e arquitetos.



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Bel Canto




Bel Canto


Técnica vocal em voga no século XVIII, de caráter contrário ao dramatismo. Mozart escreveu várias óperas onde os cantores utilizam esta técnica.



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Benedetto Croce




Benedetto Croce (1866 - 1952)


Filósofo italiano. Nasceu em Pescasseroli, Abruzos. Cedo perdeu os pais, vítimas de um terremoto, passando a residir com um primo, Silvio Spaventa, irmão de Bernardo Spaventa, filósofo hegeliano. Não seguiu carreira acadêmica, dedicando-se, primeiro, a trabalhos de história e, posteriormente, a investigações filosóficas, tendo como principais influências Marx e Hegel. Em 1902, fundou a revista A Crítica, que posteriormente desempenhou importante papel de oposição intelectual ao regime fascista, tendo sido editada de 1903 a 1944 e transformando-se em  “Quaderni della Critica“, em 1944. Tal publicação alcançou grande sucesso em sua época. Desempenhou intensa atividade política, sendo eleito senador, a princípio pelo partido do Governo, escrevendo o Manifesto dos intelectuais fascistas. Posteriormente, passou para os partidários da oposição, com a redação do manifesto dos intelectuais antifascistas. Faleceu em Nápoles. Algumas de suas principais obras: Materialismo histórico e economia marxista; Estética como ciência da expressão e lingüística geral; Filosofia da prática em seus aspectos econômicos e éticos; O vivo e o morto na filosofia de Hegel; Breviário de estética; Ética e política; Teoria e história da historiografia.


A filosofia de Croce parte de uma depuração do pensamento de Hegel, elaborada de modo a distinguir entre seus elementos vivos e mortos. O que deve ser rechaçado nesta filosofia é sua construção puramente especulativa da história, bem como a tentativa de postular uma filosofia a priori da natureza. Ao contrário, que Croce apreende do mestre alemão é, fundamentalmente, o papel determinante do pensamento na consecução da história, e seu movimento de caráter eminentemente dialético. Contudo, a dialética do Espírito, para Croce, não pode fornecer uma síntese que unifique, suprimindo, seus diversos momentos; antes, esta síntese deve permitir a afirmação da permanência de seus diferentes graus. Estes graus se apresentam de maneira circular, pela qual eles se co-determinam mutuamente. O Espírito possui, basicamente, dois aspectos principais, um teórico e outro prático. Do primeiro, fazem parte a consciência do individual, tema da estética, e a consciência do universal, tema da lógica; ao segundo, pertencem o querer do individual, compreendido pela economia, e o querer do universal, analisado pela ética. Uma das principais preocupações deste autor é buscar as correlações entre o abstrato e o concreto, de modo a mostrar a presença deste último em toda modalidade de manifestação do Espírito.


Sua obra considerada mais importante para a História da Arte foi Estética, realizada em 1902. Nela, defende que a intuição - identificada também como expressão - deve ser a diretriz dos trabalhos artísticos. A arte é realizada através da invocação de imagens e a bem sucedida é aquela que tem êxito na expressão das emoções. Note que, conforme já dito, ele se utiliza do termo expressão como sinônimo de intuição e essa expressão deve ser entendida baseando-se nesse seu conceito.


As principais críticas às suas teorias sobre a arte giram em torno da alegação de que seus conceitos não são claros. O exemplo mais citado é essa identificação da intuição com expressão ou a própria definição de intuição. Além disso, costuma-se dizer que desvaloriza o trabalho de arte na prática, como os meios que são necessários para realizá-lo, associando-o somente a um processo da mente.



Verbete:
Bienais de São Paulo




Bienais de São Paulo


A Bienal de Artes Plásticas de São Paulo foi inaugurada em 1951, por Francisco Matarazzo Sobrinho. Sua principal inspiração era a Bienal de Veneza. Até hoje já foram realizadas vinte e três Bienais, com uma média de participação de cinquenta países. No início, era patrocinada pelo Museu de Arte Moderna, desligando-se dele em 62, por ser um evento de grande porte que exigia enorme dedicação.


O Pavilhão Cicillo Matarazzo, no Parque do Ibirapuera, foi realizado por arquitetos como Oscar Niemeyer e Hélio Uchôa, para abrigar as exposições a partir da IV Bienal. (A primeira havia sido realizada no local onde hoje se encontra o MASP, naquela época ainda ocupado pelo Belveder do Parque Trianon e a segunda e terceira, já no Parque do Ibirapuera, no local onde hoje se encontra a Prodam - antigamente Pavilhão Manoel da Nóbrega). Foi nesse mesmo ano que a Bienal passou a ser uma Fundação, mantida principalmente por Francisco Matarazzo e subvenções estatais e empresariais.


Já na primeira amostra, artistas como Picasso, Max Bill, Di Cavalcanti, Brecheret, Portinari, Morandi e Segall tinham obras expostas. Foi decidido o sistema de premiação que fez parte da Bienal até 77, tendo voltado posteriormente em 88. Seriam dados dois Prêmios Oficiais e Aquisições, um para artistas nacionais e outro para artistas estrangeiros.


A Segunda Bienal, realizada em 53 é considerada especialmente importante. Comemorava o IV centenário de São Paulo. Novamente Picasso aparece aqui numa sala especial com trabalhos como “Guernica“. Expôs ainda obras e retrospectivas de trabalhos de artistas como Paul Klee, Edvard Munch, Brancusi, Alfredo Volpi, Mondrian, Alexander Calder, Manabu Mabe, Aldemir Martins, entre outros. O Futurismo Italiano e o Cubismo na França também foram destaques.


Na terceira, a premiação já passou a ser dividida entre as categorias pintura, desenho, escultura e gravura, com artistas nacionais concorrendo separadamente de artistas estrangeiros. Cândido Portinari e Lasar Segall realizaram retrospectivas.


Na IV Bienal a exposição “Quatro Mil Anos de Vidro“ e artistas como Chagall e Pollock foram os destaques. Na quinta é a vez das obras de Van Gogh e das salas “Expressionismo“, “Quatro Séculos de Gravuras“, além exposição “Ujiko - E“. Essas três últimas atrações referiam-se à arte realizada, respectivamente, na Alemanha, França e Japão.


Na VI Bienal foi necessária a utilização de um espaço adjacente ao Pavilhão Cicillo Matarazzo para a Exposição de Arquitetura. O número de países participantes já chega a cinquenta e um e na sétima, obras de países como a Síria, o Irã, a Coréia, o Taiti e Senegal podiam ser encontradas, além de amostras da arte colonial boliviana. Seguindo a tradição de cada vez mais aumentar o número de países participantes, a oitava já tem a participação, por exemplo, da Nova Zelândia e Filipinas. Às exposições normais juntam-se uma exposição de jóias e uma Bienal do Livro e Artes Gráficas. A partir daqui, cada vez mais países dos cinco continentes passam a marcar presença.


Uma Bienal de Ciência e Humanismo foi realizada dentro da IX edição do evento, também digna de destaque, em especial pela presença de artistas pop-americanos, como Andy Warhol. As Salas Novos Valores, Fantástica e Surrealista marcaram a X Bienal. A Semana de Arte Moderna de 22 foi homenageada na XI Bienal, que contou ainda com uma retrospectiva de artistas já premiados em anos anteriores do evento.


A XII já se diferencia pelas manifestações ligadas ao teatro e pela sala “Arte - Comunicação“, que pretendia discutir a relação entre esses elementos. Artistas latino-americanos eram as grandes atrações da XII amostra. Em 1977, na XIV Bienal, foi criado um Conselho de Arte e Cultura (CAC), com atribuições normativas.


O ano de 1979 foi importante para o evento. Numa amostra conhecida como a Bienal das Bienais, a premiação foi abolida. Além disso, a partir daí começou-se o uso de um sistema de seleção das obras por analogia de linguagem (não mais por países).


Na XVII,  pela primeira vez 50 % do orçamento estava sendo pago pela iniciativa privada. A XVIII Bienal foi realizada em 1985, contando com um sistema articulado de instalações e de performances.


Após as críticas sofridas pela montagem da XIX Bienal, a XX aparece com novo método de seleção de obras a partir da criação de três curadorias - a de eventos especiais, a internacional e a nacional. O dinheiro para sua realização foi dado majoritariamente por empresários.


Seguindo a tendência das performances ligadas às artes plásticas, a XXI Bienal teve bastante apelo cênico. Além disso, o grupo espanhol La Fura Dels Baus e o diretor Robert Wilson realizaram apresentações. As inscrições dos artistas seriam mediante vídeos ou dossiês com fotos.


Na XXII Bienal, em 94, foi criado o Espaço Museológico, uma ala especial, inaugurada por artistas como Malévitch, Mondrian e Diego Rivera. O tema é o suporte. Instalações em vídeo e salas especiais marcaram a amostra.


A XXIII Bienal, de 1996, foi prestigiadíssima, principalmente pelos artistas presentes no espaço Museológico: Picasso, Munch, Klee, Goya, Andy Warhol, Basquiat, Cy Twombly, Pedro Figari e Rubem Valentim. Seu tema foi “A desmaterialização da Arte no final do Milênio“ e Nelson Aguilar seu curador-geral. Universalis, Salas Especiais e Representações Nacionais foram as partes em que se dividiu a amostra.



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Bienal de Veneza




Bienal de Veneza


A Bienal de Veneza foi a primeira, mais famosa e importante Bienal do mundo. A partir de seu modelo, saíram outras prestigiadíssimas bienais mundias, como por exemplo, a Bienal de Paris e a Bienal de São Paulo.


Mas o que é Bienal? Bienal é uma exposição internacional de arte que acontece, como o próprio nome diz, de dois em dois anos. Normalmente é escolhido um comitê internacional de pessoas notórias por seu saber artístico para avaliar os trabalhos exibidos.


Em 1895, nasce, portanto, a primeira delas: a Bienal de Veneza, como o nome “Exibição Internacional de Arte da Cidade de Veneza“. Seus objetivos já norteariam os propósitos das próximas Bienais: representar, independentemente do país de origem, “as mais nobres atividades do espírito moderno“. E se a proposta era abarcar vários países, já nessa primeira exposição, dezesseis deles foram representados por artistas. No comitê julgador, encontravam-se personalidades como Puvis de Chavannes (1824 -1898, um dos principais pintores franceses da segunda metade do século passado), Gustave Moreau (1826 -1898 - figura importante do movimento simbolista) e Burne-Jones (1833- 1898, pintor e ilustrador inglês).


A partir de então, a Bienal de Veneza foi ganhando cada vez mais prestígio e sendo conhecida e aguardada em todas as partes do mundo. Após sua interrupção devido à Segunda Grande Guerra Mundial, volta, três anos após o término do conflito (1948), com ainda mais força e acaba se transformando no evento mais importante do mundo no que se refere à exibição de obras e artistas de vanguarda que marcaram as artes do século XX.


A Bienal de Veneza tinha o poder de chegar mesmo a construir a reputação de um artista. Muitos deles, em começo de carreira, almejavam a premiação que ela oferecia como forma de receberem um grande impulso profissional. Um dos exemplos de artistas que a Bienal de Veneza “apresentou ao mundo“ (já era conhecido em círculos vanguardistas ingleses e pelos seus trabalhos nas representações dos bombardeios nazistas) foi o escultor inglês Henry Moore (1898 - 1986) que, logo após as retomadas das atividades da Bienal interrompidas com a guerra, ganhou o Prêmio Internacional de Escultura (1948). Moore, desde então, foi construindo cada vez mais seu prestígio e atualmente é conhecido como um dos mais brilhantes escultores desse século e a partir do prêmio na Bienal, tornou-se o artista mais celebrado da Inglaterra.



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Binária




Binária


Refere-se ao esquema musical de uma composição composta de duas partes A e B. É a base histórica da forma Sonata.



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Bossa Nova




Bossa Nova


Movimento musical ocorrido no Brasil nos primeiros anos da década de 60. A Bossa Nova foi responsável pela fusão de ritmos brasileiros com algum sotaque da música de jazz norte-americana, sobretudo no que se refere ao sotaque das inovações harmônicas e utilização de alguns instrumentos presentes neste gênero musical. Apesar dessa fusão musical, a Bossa Nova deu nova expressão sobretudo à grande riqueza da musicalidade brasileira, com suas canções versando sobre temas, sejam amorosos sejam sociais, voltados à maneira brasileira de viver. Teve entre seus principais tutores o compositor Antônio Carlos Jobim, e o maior intérprete e divulgador da bossa no exterior foi João Gilberto. Em sua fase, a Bossa Nova levou a música brasileira à popularidade mundial, sendo que a canção Garota de Ipanema, composta por Vinícius de Morais (letra) e Antonio Carlos Jobim (música), chegou a estabelecer recordes singulares de popularidade, já que chegou a ser chamada a canção mais conhecida no mundo inteiro. Dadas as afinidades musicais harmônicas da bossa nova com o jazz norte-americano e a indubitável singularidade da própria musicalidade brasileira, muitas escolas de ensino musical nos Estados Unidos até hoje ministram cursos sobre a harmonia musical brasileira. Inclusive, alguns dos grandes instrumentistas jazzísticos e letristas norte-americanos tornaram-se partidários definitivos da bossa nova e ainda grandes divulgadores da música brasileira, como é o caso do saxofonista Stan Getz e do letrista Gimbel, que verteu para o inglês as mais importantes versões das canções da bossa, como em Girl from Ipanema.  


 



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Bourré




Bourré


Dança anacrúsica em tempo rápido, muito utilizada nas suítes barrocas.



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Brise-Soleil




Brise-Soleil


Também conhecido por Quebra-sol, consiste de um elemento arquitetônico que permite controlar a quantidade de luz solar que está entrando na construção. Geralmente é utilizado em sítios de clima quente e tem a função de melhorar o conforto térmico dentro do edifício, além de possibilitar certo controle sobre a iluminação. O Brise-Soleil é composto por planos horizontais ou verticais, móveis ou fixos, dispostos frente às janelas do edifício de modo a sombreá-las.


Para a sua correta colocação, deve ser considerada a implantação do edifício em relação ao sol; daí então, após estudos de insolação, são definidos a disposição e o tipo de Brise mais eficiente para cada caso.



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Bruno Giorgi




Bruno Giorgi (1905 - 1993)


Bruno Giorgi (1905 - 1993) foi um importante escultor brasileiro que após estudos na Europa (continente para onde seguiu com a família aos seis anos de idade) - com artistas como Aristides Maillol - volta ao Brasil em 1936 e, instalado em São Paulo, integra-se a artistas modernistas que procuravam assegurar e sedimentar as conquistas dos primeiros tempos do Movimento. 


Em 1942 é convidado para fazer esculturas do Novo Ministério da Educação e Saúde, projetado por Lúcio Costa. Compartilhando das crenças daqueles que tentavam renovar a arquitetura brasileira, procurava integrar as artes plásticas, como a escultura ou a pintura mural, à arquitetura. Transferiu-se para o Rio de Janeiro e passou a trabalhar no “Monumento à Juventude“, que lhe tomou quatro anos, já apresentando características que seriam marcantes em seus trabalhos como a importância do vazio e linhas dinâmicas.


Nesse mesmo período, realizou retratos de figuras brasileiras importantes como Machado de Assis, Rui Barbosa, Osvaldo Cruz e Mário de Andrade. O jogo de sombra e luz (que sempre encantaram o escultor), a textura áspera e o despojamento em relação ao detalhe marcam esses trabalhos.


Em 1948 participa de uma Exposição de Arte Sacra no Vaticano e passa a ensinar escultura. Recebeu o Prêmio de Melhor escultor Nacional na II Bienal de São Paulo, tendo sido posteriormente convidado para fazer o “Monumento a Dante Alighiere“ na cidade (hoje na Praça Dom José Gaspar Dutra). Em 1954, partiu para mais dois anos na Europa.


A partir principalmente a década de 50 até começo de 60, tende para crescentes estilizações e simplificações. “Os Guerreiros“ (popularmente conhecidos como Candangos, na Praça dos Três Poderes, em Brasília), de 1959 são bons exemplos desses trabalhos, com suas formas delgadas e verticais, importância da textura e inúmeros vazios. Marcam ainda o começo do uso do bronze (junto com outros materiais) e a volta de sua participação ativa na síntese da escultura à arquitetura.


Cerca de meados da década de 60, Bruno Giorgi vai penetrando cada vez mais no abstracionismo, utilizando-se dos mármores brancos de Carrara. “Meteoro“, no Palácio dos Arcos, em Brasília, com sua sugestão de leveza (apesar das dezessete toneladas) pode exemplificar essa fase. Esses trabalhos são extremamente bem sucedidos em aliar seu caráter monumental ao intimismo que apresentam. “Labareda“, no Palácio dos Bandeirantes, em São Paulo ou “Ritual“, do Instituto Weizmann de Tel Aviv são outras boas amostra desse período. Em 1975, a figura humana retorna à sua obra.



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Cadência




Cadência


Progressão, normalmente de dois acordes, que, ao final de uma frase, dá a sensação de conclusão. Refere-se à parte de execução livre dos concertos para instrumento.



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Caixa




Caixa


Instrumento de percussão utilizado na orquestra sinfônica. De caráter marcial, foi celebremente utilizado por Ravel em seu Bolero.



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Cândido Portinari




Cândido Portinari (1903 - 1962)


Cândido Torquato Portinari (1903 - 1962) nasceu em Brodósqui, na zona cafeeira de São Paulo e desde pequeno já mostrava inclinação para a pintura, ajudando a decorar a igreja local com apenas nove anos de idade. Em 1918 vai para o Rio de Janeiro e matricula-se na Escola Nacional de Belas Artes, optando por uma formação acadêmica. Começa a participar do Salão Nacional de Belas Artes, obtendo em 1928 uma viagem ao estrangeiro como prêmio pelos retratos do poeta Olegário Mariano e do crítico de arte Celso Kelly.


Passou dois anos na Europa, onde entrou em contato com a pintura contemporânea e, retornando ao Brasil, mostrava-se um artista moderno. Principalmente a partir de meados de 30, é um dos principais artistas que trabalham na consolidação da estética modernista no país. 


Em 1934 pinta “Café“, quadro que receberia segunda menção honrosa da Fundação Carnegie, nos Estados Unidos. Foi o primeiro artista moderno brasileiro premiado no exterior. Ainda em 1935, é convidado para lecionar pintura no Instituto de Arte da Universidade do Distrito Federal, junto com artistas modernistas como Mário de Andrade, professor de literatura, Vila- Lobos e Andrade Murici, professores de música e Lúcio Costa, lecionando arquitetura. (Apesar da Universidade ter tentado uma iniciativa pioneira de renovação do ensino, foi fechada pouco tempo depois por motivos políticos).


Em 1936 recebe encomendas oficiais, realizando seu primeiro mural para o Monumento Rodoviário (na velha rodovia Rio de Janeiro-São Paulo), num tipo de pintura que o tornaria famoso no Brasil e no exterior. É convidado ainda para fazer os afrescos para o Ministério da Educação no Rio de Janeiro. Neles utiliza-se como temática atividades diferentes que caracterizam áreas distintas da nação, realizando trabalhos famosos de figuras com grandes pés brutos e entrosamento de planos abstratos. 


A partir de então, passa a receber encomendas como painéis para o Pavilhão Brasileiro na Exposição Mundial de Nova York (na ocasião foi ainda convidado a expor individualmente no Museu de Arte Moderna de Nova York e no Museu de Detroit), murais para a Fundação Hispânica da Biblioteca do Congresso em Washington D.C, novos murais para o Ministério da Educação, no Rio de Janeiro e até painéis para a sede da ONU em Nova York (como A Guerra e a Paz, de 1957).


A série “Via Crucis“ (1943 - 1945), da Igreja de São Francisco, na Pampulha, em Belo Horizonte mostra um artista sensibilizado pela Segunda Guerra Mundial: trata-se de uma obra de características expressionistas com referências aos arames farpados dos campos de concentração. O trabalho não foi bem aceito pela Igreja na época, tendo sido considerado desrespeitoso. Em 1944 também realiza um ciclo bíblico para a Rádio Tupi de São Paulo.


Talvez as obras mais famosas de Portinari são as que tratam da saga dos retirantes nordestinos, como “Retirantes“, de 1944, com influência da pintura metafísica de De Chirico. Importantes e presentes em toda sua obra são os temas ligados à infância em Brodósqui, principalmente as brincadeiras dos meninos, como “Menino com Pássaro Vermelho“, 1959, “Paisagem de Brodósqui“ e “Futebol“, os dois últimos de 1940.


“Mãe Chorando“, de 1944, “Amigas“, de 1938 e o “Mestiço“, de 1934 são outros exemplos da obra de Portinari.


“Tiradentes“, realizado em 1949 para o mineiro Colégio de Cataguases, hoje no Palácio dos Bandeirantes, em São Paulo, pode representar (tal como o painel realizado para a ONU) sua fase histórica que começou em 1948 com “A Primeira Missa no Brasil“.


A partir de 1950 empenha-se na série dos cangaceiros com fortes cores. Em 1955 recebeu uma medalha de ouro como melhor pintor do ano do International Fine arts Council, dos Estados Unidos. Principalmente a partir de uma viagem realizada a Israel (1956), a composição de Portinari passa a apresentar formas mais agressivas e compactas.


Em 1962 morre intoxicado pelas tintas que usava, deixando importantes trabalhos espalhados por museus no Brasil, outros países da América e Europa.



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Cânone




Cânone


Composição polifônica, onde cada integrante toca a mesma melodia, iniciada em tempos distintos.



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Cantata




Cantata


Composição para solistas e coro, com acompanhamento instrumental que usa uma narrativa religiosa como tema. Bach foi um grande autor de obras nesta forma musical.



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Canto Chão




Canto Chão


Utilizado exclusivamente em cultos religiosos, tinha a forma de um recitativo simples, cantado pelo sacerdote que celebrava a missa. Hilário de Poitiers modificou-o, transformando-o em Hino, ou melhor, em uma oração versificada.



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Canto Gregoriano




Canto Gregoriano


São Gregório Magno, no século VI, foi o principal reformador do canto na igreja romana. Embora não haja registros sobre a atividade musical na época de São Gregório, o que se sabe é que a igreja bizantina tinha por base oito modos, como os gregos, que conservavam os mesmos nomes, mesmo quando as escalas eram diferentes. São Gregório deixou o Antifonário Gregoriano com várias Antífonas registradas. O canto Gregoriano é o primeiro texto musical legível que conhecemos, constituído de uma melodia de ritmo livre.



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Cantus Firmus




Cantus Firmus


Melodia principal e base para a elaboração do contraponto em uma composição polifônica.



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Capela (arquitetura)




Capela (arquitetura)


As capelas tanto formam parte das grandes construções das igrejas como também podem ser construções autônomas (muitas vezes, erguidas para fins particulares), destinadas ao abrigo de imagens de divindades ou santidades particulares.



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Capitel




Capitel


	*ver coluna



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Cariátide




Cariátide


Escultura ornamental, bastante comum no período clássico e durante o renascimento, que apresenta função estrutural de coluna. 


Também conhecida por Kore, trata-se de uma figura feminina trajando longas vestes tradicionais. O termo pode ser livremente interpretado como “escrava”, por se referir às mulheres da aldeia grega de Koryai, que durante as guerras pérsicas foram tornadas escravas devido à suposta traição daquela aldeia.



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Caricatura




Caricatura


Trata-se de uma representação (geralmente de pessoas) em que são mostrados, de forma exagerada, aspectos do objeto retratado, normalmente na tentativa de se obter efeitos cômicos. A distorção e o uso de poucos traços são comuns na caricatura. Diz-se que uma boa caricatura pode ainda captar aspectos da personalidade de uma pessoa através do jogo com as formas. É comum sua utilização nas sátiras políticas.


Às vezes, esse termo pode ainda ser usado como sinônimo de grotesco (a imaginação do artista é priorizada em relação aos aspectos naturais) ou burlesco.


Annibale Carracci foi um dos grandes expoentes da caricatura. É o pioneiro na História da Arte a utilizar-se dela, contrapondo-a à idealização. Artistas da Escola de Bologna também destacam-se nessa forma de arte, como Domenichino e Guercino. Pier Leone Ghezzi (1674 - 1755) foi um dos primeiros a dedicar-se quase que integralmente à realização de caricaturas.


Levando-se em conta que os críticos costumam considerar atributos importantes de uma boa caricatura a máxima expressividade com o mínimo de traços, Gianlorenzo Bernini (1598 - 1680) é tido como um dos mais brilhantes caricaturistas.


É comum vermos caricaturas políticas em nossos jornais ou revistas. Entretanto, as sátiras sociais através de caricaturas já existiam principalmente a partir do século XVIII, realizadas por artistas de renome. Os ingleses James Gillray (1757 - 1815) e Thomas Rowlandson (1756 - 1827) eram alguns desses artistas considerados brilhantes caricaturistas, que faziam o observador logo reconhecer a personalidade que estava sendo estereotipada.


A agitação social da França do século XIX foi um prato cheio para os caricaturistas do período. Destacam-se artistas como Honoré Daumier (1808- 1879), considerado um dos melhores do gênero, cuja vítima preferida era o governo de Luís Felipe (1773 - 1850). Seus trabalhos costumavam estar presentes no diário Le Charivari e no semanal La Caricature.


Artistas como Tiepolo, Puvvis de Chavannes e até Picasso também têm trabalhos de caricatura. Monet, por exemplo, era caricaturista no início de sua carreira. É comum ainda o uso de elementos caricaturais nas artes gráficas contemporâneas.



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Casa do Bandeirante




Casa do Bandeirante


Trata-se de uma casa, relíquia arquitetônica autêntica do século XVIII, típica residência rural paulista da época em que acontecia o Ciclo do Ouro. É de uma fase muito importante da história do Brasil, referente aos bandeirantes paulistas, época que resultou no alargamento das fronteiras brasileiras.


O endereço é Praça Monteiro Lobato, s/n, CEP 05506-030, São Paulo.


Telefone: (011) 211-0920



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Castelo




Castelo


A palavra é proveniente do latim castellum, que significa pequena fortificação.


Originário das fortificações bizantinas, que por sua vez buscam inspiração nas cidades muradas da arquitetura romana militar, os castelos começam seu desenvolvimento na Europa ocidental a partir do feudalismo, com a consolidação do poder nas mãos de senhores feudais e reis.


Esses edifícios fortificados tinham por finalidade servir de residência ao mesmo tempo que garantiam proteção para seus senhores e também para nobres e alguns cidadãos privilegiados, que podiam usufruir da segurança de suas muralhas.


No princípio eram basicamente construções simples de madeira, ocupando posição estrategicamente privilegiada (o topo de um morro, por exemplo), dotadas de torres e cercadas por paliçadas (muralhas de madeira), após o século XI, os muros passam a ser de argamassa e tornam-se mais largos e seguros, além de outras inovações, como o fosso em torno da muralha, presente geralmente nos castelos franceses.


Com o retorno dos cruzados, vieram do oriente influências que tornariam os castelos europeus tão monumentais quanto os bizantinos. Grandes muralhas concêntricas, chegando a mais de quatro metros de largura, com altas torres dispostas em sua extensão garantiam a segurança e a imponência. Esse tipo de castelo disseminou-se pela Europa, a partir do século XII, principalmente na França, Alemanha e Inglaterra.


Nos séculos seguintes, os castelos continuaram a se aperfeiçoar, agora não mais em seus sistemas de segurança, e sim no conforto que oferecem aos usuários, como instalações sanitárias, sistemas de exaustão (o surgimento das chaminés data desta época).


A partir do século XVI, com o aperfeiçoamento da artilharia e outros armamentos, tanto ofensivos quanto defensivos, os castelos deixam de exercer um papel tão definitivo quanto à segurança de sua população, vindo a ser gradualmente abandonados.


Muitos dos castelos da Idade Média permanecem até nossos dias, alguns ainda como residências, outros como atrações turísticas; podendo ser encontrados na França, Inglaterra, Alemanha e Espanha, entre outros.



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Cena




Cena


Parte de um filme que se desenvolve de forma ininterrupta, em um mesmo cenário.



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Cenário




Cenário


Lugar real ou reproduzido, onde se desenvolve uma ação cinematográfica.



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Central (anatomia)




Central (anatomia)


A parte central das cavidades denominadas ventrículos laterais está presente em cada um dos hemisférios cerebrais, ocupando uma posição central no cérebro. Os ventrículos são revestidos por um tecido constituído de uma camada simples de células cuboidais ou prismáticas, em cuja face há microvilosidades e cílios. A cavidade delimitada por esse tecido, denominado epitélio epidimário ou epêndima, é preenchida por líquido cérebro-espinhal que protege o sistema nervoso de choques mecânicos. A parte central do ventrículo lateral inicia-se junto ao lobo parietal nas proximidades do forâmen interventricular, que liga as cavidades de cada hemisfério cerebral. Essa porção do ventrículo estende-se até a região em que há uma bifurcação da cavidade, junto à porção dilatada do corpo caloso, o esplênio. Aliás, é essa região do cérebro, o corpo caloso que constitui o teto da parte central dos ventrículos laterais junto com o septo pelúcido. O assoalho, por outro lado, é formado por uma série de estruturas, entre elas, o fórnix, o plexo corióide, a parte lateral da face dorsal do tálamo e o núcleo caudado. Esses diversos componentes formam uma superfície inclinada que se une ao teto lateralmente.



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Centro Nacional de Arte Contemporânea Georges Pompidou

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Centro Nacional de Arte Contemporânea Georges Pompidou




Centro Nacional de Arte Contemporânea Georges Pompidou


Nada mais justo do que iniciar este texto com as palavras ditas pelo fundador do magnífico centro em dezembro de 1969, o então Presidente da França Georges Pompidou: " Gostaria imensamente que Paris possuísse um centro cultural que fosse simultaneamente um museu e um lugar de criação, no qual as artes plásticas ladeassem a música, o cinema, os livros e a pesquisa audiovisual". Um alto ideal pensado e concretizado, visto que, a 31 de janeiro de 1977, inaugurou-se em Paris o Centro Nacional de Arte Contemporânea Georges Pompidou. Como alguns museus conhecidos, este centro tem uma espécie de apelido carinhoso: Beaubourg.


Arquitetos de quarenta e nove países apresentaram seus projetos para o Centro Beaubourg num concurso: ao todo, seiscentos e oitenta e um projetos, sendo quatrocentos e noventa e um estrangeiros. Os membros do júri eram franceses e estrangeiros, todos ligados à área de museus famosos no mundo; incluiu também Oscar Niemeyer, o construtor de Brasília.


O júri escolheu o projeto de Renzo Piano (italiano diplomado pela Escola Técnica de Milão) e Richard Rodgers (inglês que estudou na Universidade de Yale e na Architectural Association de Londres), ambos associados a Gianfranco Franchini (italiano diplomado pela Escola Politécnica de Milão), John Young e ao escritório inglês Ove Arup & Partners.


A construção é a primeira a realizar na prática a teoria arquitetônica de Le Corbusier, que consiste na ausência de paredes internas, deixando pois, à mostra, todas as tubulações de água, eletricidade e os elevadores; é a chamada "máquina de habitar", onde o funcionamento interno é mostrado descarnadamente. Trata-se de uma imensa estrutura de aço e vidro, onde as escadas rolantes funcionam dentro de tubos de polyglass, presos às “paredes” externas, à vista.


O grande centro construído ocupa apenas a metade do Plateau Beaubourg, sendo a outra metade uma enorme piazza. As estruturas metálicas, em aço moldado, têm duas vezes o peso da Torre Eiffel. Essa técnica do aço moldado era usada, até então, em cascos de navios. Cada viga pesa nada menos que 73 toneladas. A construção é feita de cinco plataformas grandes, que são sustentadas por colunas metálicas. Existem três subsolos para estacionamento e serviços técnicos. Existe ali o controle por computação que, por exemplo, persegue um ladrão noturno através de um sistema que acende as luzes nas salas conforme estas são invadidas; diagnostica o porquê de um problema no funcionamento das escadas rolantes; diminui ou aumenta a temperatura ambiente, possibilita a conversa com visitantes presos no elevador, e tudo isso em fração de segundos. São cinco mil e setecentos pontos de segurança do prédio cuidados criteriosamente pelo computador, que ainda guarda uma capacidade ociosa de 80%, a qual se pretende destinar à “criação” artística, qual seja a de reproduzir o retrato dos visitantes do Beaubourg no estilo de grandes pintores como, por exemplo, Picasso.


A fachada oeste do Beaubourg é destinada à circulação do público através das escadas rolantes já citadas, elevadores e corredores de passagem. A do leste é a técnica,


destinada aos elevadores de serviço e de carga e às tubulações coloridas com código industrial: 


- verdes para a água e circuitos de segurança;


- vermelhas para o transporte de obras de arte;


- azuis para a ventilação;


- amarelas para a eletricidade.


Segundo Georges Pompidou, conhecedor e colecionador de arte contemporânea, "a arte é a expressão de uma época, de uma civilização, e o Estado tem obrigação de fornecer os meios essenciais para que ela se desenvolva".


O MNAM, Museu Nacional de Arte Moderna, está abrigado dentro do Beaubourg. Atualmente, o MNAM conta com quarenta mil obras, começando pelo pintor Matisse e vindo para a frente, mas não comporta expor mais do que mil.


Por esta e por outras razões, o atual presidente do Beaubourg,  Jean-Jacques Aillagon decidiu empreender uma reforma no Centro, orçada em cerca de cem milhões de dólares ao governo da França. Nessa reforma, o MNAM estender-se-á por sobre o terceiro e quarto andares inteiros, passando a ter sua entrada pelo terceiro pavimento, ganhando, pois, 4.000 metros quadrados a mais, acrescidos aos 17.200 metros quadrados  já conquistados pelo museu.


Estão reservados 1.000 metros quadrados às exposições temporárias no quinto andar, havendo também um local para as exposições de fotografia.


No térreo, o espaço é garantido para cinco salas de espetáculos. A maravilhosa biblioteca, com entrada e saída independentes pela Rua Saint-Merri, estende-se por todo o primeiro andar e ainda duas terças partes do segundo. A intenção de Aillagon é bipartir o museu em dois departamentos: o histórico, chamado MNAM, e o contemporâneo, chamado Centro de Criação Contemporânea (CCC).


A reforma está entregue aos arquitetos Renzo Piano e Jean-François Bodin. A parte de cinema ficará abrigada no Museu Jeu de Paume, que a partir do ano 2000 estará ligado ao Beaubourg.


Em janeiro de 1997, quando deu-se o vigésimo aniversário do Centro Georges Pompidou, ocorreu então a reabertura do ateliê Brancusi na “Piazza”.


Em outubro de 1997 foram finalizadas as exposições Fernand Léger e O Tempo dos Engenheiros, procedendo-se o fechamento gradativo do edifício. A reforma se estende de janeiro de 1998 até meados de 1999.


De meados de 1999 a dezembro desse mesmo ano ocorre a reinstalação do Centro, com a reabertura em 31 de dezembro de 1999.


Além do museu, o Centro Georges Pompidou conta com o IRCAM,  centro de pesquisas musicais, para que o músico, em especial o compositor da música contemporânea, possa obter o auxílio de técnicos em acústica, informática, eletrônica, além do auxílio de físicos, bem como de sociólogos, psicólogos e lingüistas. Segundo o famoso regente Pierre Boulez, existe a necessidade de união de forças isoladas de homens da música com as de homens da ciência para que se realize, de fato, a transmutação premente e decisiva para a música contemporânea.


Também no Centro Georges Pompidou encontra-se o Centro de Criação Industrial (CCI), o qual já funcionava no Museu de Artes Decorativas desde 1969. O CCI interessa-se, de fato, não pela obra de arte, mas pela "dimensão cultural das sociedades industriais contemporâneas", quais sejam o design, a arquitetura, o urbanismo, as comunicações visuais. O CCI organiza exposições. Para citar algumas já acontecidas temos "Miss Liberty", que é a história da Estátua da Liberdade, e "Anatomia de uma Construção", que tratou da edificação do Centro Georges Pompidou.


O Centro Cultural se preocupa com todos os tipos de visitantes que o procuram, desde o adulto muito culto ao menos preparado culturalmente até às crianças, oferecendo estímulos e atividades específicas para cada caso. 



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Chacona




Chacona


Peça lenta, em compasso ternário, na qual um tema é repetido continuamente na linha do baixo.



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Chiaroscuro




Chiaroscuro


Termo italiano que designa os jogos de luz e sombra, particularmente nas obras que envolvem mais contrastes entre esses elementos.


A arte barroca, de uma maneira geral, especialmente em Caravaggio e aqueles que seguiram seu estilo (bastante difundido no século XVII), costuma ser identificada ao uso dessa técnica.


Talvez Rembrandt seja considerado um de seus principais mestres. Em seu estilo, o chiaroscuro é bastante marcante, sendo usado tanto nas pinturas como nos desenhos e trabalhos gráficos.


Entretanto, um dos pioneiros no chiaroscuro foi o renascentista Leonardo da Vinci. Sua obra inacabada “Adoração dos Reis Magos“, hoje na Galeria Uffizi, em Florença, é marcada pela utilização desse método.



Verbete:
Cíclica




Cíclica


Refere-se a um tipo de Sonata, onde o tema aparece de forma cíclica durante o desenvolvimento da obra.



Verbete:
Cinema




Cinema


Arte de realizar e projetar filmes. A idéia de reproduzir o movimento pela técnica de sucessão rápida de figuras estáticas sobre uma superfície plana é muito antiga. m 1772, o teatro Seraphin de Versalhes apresentava o espetáculo Sombras Chinesas, que já era conhecido pelos povos do Oriente há muitos séculos. Robertson aperfeiçoou, neste mesmo século, a lanterna mágica, que foi chamada posteriormente de fantascópio e cromatópio. Já em 1824, Peter Mark Roget apresentou à Royal Society de Londres uma monografia intitulada A persistência da visão de objetos em movimento. Esta monografia incentivou diversos pesquisadores, que foram desenvolvendo tecnologias e equipamentos para produzir animações.


Em 1863 o físico belga Plateau criou o fenacistocópio, que produzia a ilusão do movimento contínuo por meio da rápida sucessão de numerosos desenhos. Em 1860 foi inventado o zoetrópio, que era uma evolução do invento de Plateau. Mas foi com Renaud, em 1877, que a tecnologia do cinema ganhou um impulso maior, com a utilização de uma tela para a exibição das animações. Após a invenção da fita de celulóide, em 1888, e a produção de câmeras especiais, tais como a Friese-Green e a Evans, é que o cinema passou a ser capaz de atingir o grande público. A primeira câmera capaz de captar uma seqüência rápida de fotografias foi inventada pelo francês E.T. Marey. O invento tinha a forma de um revólver, sendo que a objetiva ficava no cano e o filme no tambor giratório. Em 1887, a primeira câmara portátil era capaz de captar cem fotogramas por segundo. Em 1894 Edison produziu o cinetoscópio, que mais tarde foi aperfeiçoado por Lumière. O aparelho projetava uma série de fotografias do tamanho de cartões postais, usando, como artifício para produzir o efeito de animação contínua, o tempo mínimo de permanência de uma imagem na retina. Este invento constitui a base da tecnologia do cinema até os dias de hoje.


Enquanto Edison e Lumière consideravam o cinema uma curiosidade científica, Georges Meliés tornava-se o primeiro cineasta propriamente dito. Ilusionista de profissão, considerava o cinema uma ramificação da magia. Os filmes Viagem à Lua, Erupção do Monte Pelado e a Coroação de Eduardo VII mostraram, na época, que os resultados obtidos dependiam, a partir daquele momento, da imaginação e criatividade do artista. A técnica e a linguagem do cinema começava a desenvolver seu vocabulário próprio. Os filmes de Meliés mostraram várias cenas com fusões, cortes, câmera lenta e rápida, além de fotogramas retocados e coloridos, mas sem ainda aventurar-se no movimento da câmera que permanecia fixa. No início do século, conquistas mais significativas foram possíveis através das obras de Edwin S. Porter nos Estados Unidos. Porter realizou dois filmes chamados The Life of an American Fireman e The Great Train Robbery, onde foram exploradas, pela primeira vez, as possibilidades do corte. As cenas apareciam unidas umas às outras, além da utilização de ações em paralelo. Outro avanço importante foi a utilização de cenas panorâmicas que fizeram muito sucesso junto ao público.


O cinema, tal como o conhecemos nos dias de hoje, tornou-se um sucesso quando os produtores abandonaram o legado do teatro grego, que influenciou as primeiras produções. O cinema mudo exigia uma gesticulação exagerada e os atores, importados das equipes de teatro, declamavam seus personagens em frente à câmera. 


Embora Konig tenha desenvolvido uma membrana impressionável à vibração das palavras e outros sons, as possibilidades sonoras do cinema só foram exploradas a partir de 1921, com o aperfeiçoamento do processo por Lee de Forest. As primeiras tentativas de sonorizar os filmes incluíam pessoas que ficavam atrás da tela, que falavam, riam ou cantavam. Também havia comentaristas que faziam comentários de ordem moral sobre o bom ou mal papel dos personagens. Mesmo após a implantação do som nas produções cinematográficas, muitos defendiam o valor artístico do cinema mudo. O primeiro filme falado foi Don Juan, exibido em 1926 pela Warner Brothers. Em 1927, William Fox produziu o seu Movietone News Reel e, em outubro do mesmo ano, foi apresentado The Jazz Singer, que conquistou definitivamente os produtores para o cinema falado. Em sua fase inicial, o cinema falado utilizava dois métodos, que consistiam na gravação de discos (Vitaphone, da Warner Brothers) ou no próprio filme (Movietone, da Fox). A evolução na reprodução do som incluiu a invenção do sistema estereofônico por Hazard Reeves.


O cinema colorido foi apresentado pela primeira vez na produção On With the Show (1928), filmada em um processo technicolor de duas cores. Entre 1934 e 1953 foi utilizado um processo technicolor de três cores, que exigia uma câmera muito complicada, com três filmes separados. O primeiro filme de cor integral foi o Kodachrome, que surgiu em 1935 e foi aperfeiçoado até 1951.


Com o advento comercial da televisão nos Estados Unidos, em 1946, o cinema passou a ter um concorrente poderoso em termos de público. Fred Waller e Hazard Reeves introduziram duas inovações fundamentais para o sucesso do cinema nos dias de hoje. Waller introduziu no cinema a profundidade que, para os sentidos, significa a terceira dimensão. O Cinerama projeta em uma tela curva aquilo que os olhos realmente enxergam, trazendo para o cinema a impressão de se estar dentro de uma cena.



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Clarinete




Clarinete


Instrumento musical desenvolvido por J. C. Denner por volta de 1700. Em 1840, assim como a flauta transversal, a clarineta recebeu o sistema Boehm de chaves, tornando-se, através do tempo, um dos instrumentos mais versáteis da orquestra sinfônica. O clarinete pertence ao grupo das madeiras, e normalmente é feito de ebonite. O som é produzido por uma palheta simples, que vibra com a coluna de ar produzida pelo executante. O clarinete existe em vários tamanhos e afinações. Os mais comuns são afinados em Si bemol e Lá. O clarone ou clarinete baixo é largamente utilizado nas composições modernas.



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Classicismo (artes)




Classicismo (artes)


Costuma-se associar o termo, na história da arte ocidental, a uma arte ligada aos valores de harmonia e equilíbrio do mundo grego (em especial entre os períodos arcaico e o helenístico) e do romano. Entretanto, seu sentido não está necessariamente ligado a esse conceito. Apesar de utilizado em várias épocas da história da arte, o seu significado mais geral refere-se a uma oposição ao Romantismo, defendendo certos princípios estéticos e regras artísticas definidas, em contraposição a uma arte subjetiva, mais livre e individual.


Normalmente é utilizado de forma bastante confusa e compreendendo vários sentidos. Um exemplo disso é seu uso na oposição de períodos na história da arte, expressando uma concordância com a idéia de superioridade da arte grega e romana sobre as demais e sua influência nas gerações futuras. Pode ainda somente referir-se a essa arte desenvolvida no mundo antigo, sem contudo expressar nenhum juízo de valor.


A arte renascentista e a setecentista (arcadismo), chegaram a ser definidas com essa denominação, uma vez que, para seus idealizadores, "retomavam" os princípios "clássicos" (novamente Grécia e Roma antiga). Nesses períodos, entretanto, não pode ser vista uma volta estrita aos padrões antigos, e sim uma adaptação de alguns daqueles valores às condições e cultura da própria época em que estava se produzindo a obra artística. Termos como arquitetura clássica, por exemplo, foram usados em oposição à praticada na Idade Média, fundamentalmente o estilo gótico, desprezado pelos renascentistas. Procura se inspirar nas formas atingidas pelo mundo antigo (vistas principalmente na Itália, através das construções remanescentes do mundo romano). É um conceito tão amplo, que pode incluir desde obras realizadas no século XV às do século XIX. Já a designação "beleza clássica", na história da arte ocidental, normalmente refere-se a um tipo físico que transcende as imperfeições vistas nas "pessoas comuns", com traços de beleza cultuadas na antiga Grécia e Roma e proporções corporais perfeitas.


O livro A Arte Clássica, versando sobre a alta Renascença Italiana, do historiador de arte suíço Wölfflin, pode ser um bom exemplo do termo "clássico", utilizado para designar o período áureo de um movimento. O termo classicismo costuma ser, portanto, também utilizado para designar uma amostra ou época bastante significativa de um período, ou a que tem os melhores resultados obtidos naquele período determinado.



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Classicismo (música)




Classicismo (música)


Período na história e evolução das artes que se estende de 1770 a 1830 D. C. Neste período foram desenvolvidas formas musicais mais complexas tais como a Sonata, a Sinfonia, o Concerto. Além do aperfeiçoamento da orquestra, com a evolução da qualidade sonora dos instrumentos, surgiu o quarteto de cordas, para o qual foram escritas verdadeiras obras primas. Os grandes gênios desta fase são Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert.



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Claude Monet




Claude Monet (1840 - 1926)


Claude Monet (1840 - 1926) é considerado um dos principais pintores impressionistas franceses. Extremamente obstinado em suas pesquisas dos efeitos da luz em diferentes fases do dia, bem como na insistência na realização de obras fora do estúdio, diante do objeto a ser pintado, é tido como o mais consistente Impressionista e talvez a personalidade que melhor representava as idéias do grupo.


O próprio nome do movimento originou-se de um de seus quadros “ Impressão : Nascer do Sol “, de 1872, que mostrava um porto visto numa manhã enevoada de Le Havre (cidade natal de Monet), com reflexos do sol nascente na água. Um crítico da época acabou denominando impressionistas o grupo que pintava de maneira semelhante a Monet, numa sátira com a obra.


Monet passou por dificuldades financeiras no início de sua carreira, principalmente na época em que as obras impressionistas eram ridicularizadas pelos parisienses. Entretanto, após essa fase inicial, tornou-se reconhecido e passou a prosperar financeiramente.


Distinguiu-se como caricaturista em sua juventude, tendo posteriormente sido influenciado por Eugène Boudin (1824-1898), que o aproximou da pintura de paisagens realizadas diretamente da natureza. Em 1859, conhece Pissaro (que se tornaria também um Impressionista) no Atelier Suisse, onde estudava. O pintor de paisagens holandês Johan Barthold Jongkind (1819 - 1891) também foi outra influência importante para Monet antes de se encontrar com os pintores que formariam o núcleo Impressionista, no estúdio do professor Charles Gleyre (1808 - 1874).


Uma dos exemplos da obsessão de Monet em pintar diante do objeto a ser representado, atento às diferentes condições de luz, pode ser dado pelo bote que possuía, equipado com todos os apetrechos de um pintor, utilizado para os cenários de rio e proximidades. Além disso, Courbet (ver realismo) em visita ao pintor enquanto trabalhava, afirmou que ele não pintaria sequer folhas de fundo se não tivesse as exatas condições de luz.


Seus estudos incluíam a pintura de um mesmo objeto em diferentes horas do dia para experimentar as variadas condições de luz. Os mais conhecidos são a partir de 1890, como as da Cathedral Rouen, realizados entre 1891 e 1895. As luzes, sombras e cores demonstram extremo cuidado no tratamento do tema. Cerca de 40 pinturas da fachada da construção foram preservadas.


Os lírios-d’água do jardim em estilo japonês de sua propriedade em Giverny foram mais um tema recorrente desses estudos, especialmente a partir de 1899, quando passam a dominar cada vez mais seu trabalho. Um fato marcante das pinturas de Monet é o frescor e espontaneidade que sugerem, mesmo com a repetições de temas.


Nos últimos anos de sua vida foi tendo cada vez mais problemas de visão. Entretanto, nunca deixou de pintar até o ano de sua morte.



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Clave




Clave


Símbolo musical colocado no início do pentagrama, que define a altura das notas.



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Coda




Coda


Seção adicionada a uma peça musical que tem a função de concluir a mesma. Em formas musicais mais complexas como a forma sonata, a coda é utilizada para terminar as diferentes seções que compõem a estrutura da peça.



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Codetta




Codetta


Coda pequena.



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Colagem




Colagem


Tendo sempre sido conhecido como passatempo, principalmente infantil, a técnica de colagem, em que se juntam materiais apropriados a uma superfície, através normalmente da cola, tornou-se uma técnica artística extremamente importante no modernismo.


Os cubistas, particularmente, Braque e Picasso , foram os primeiros a utilizarem-na em suas obras. Ganhou impulso com a falta de satisfação dos artistas com a simples imitação de texturas. Decidiram ir além, utilizando-se das próprias texturas originais, como pedaços de jornais, de pano, de papel. Colavam esses fragmentos à tela, ligando-os a áreas de tintas ou delineamentos de carvão. Matisse também desenvolveu bastante essa técnica em seus trabalhos.


Depois da pintura, chega à escultura cubista. Um bom exemplo de seu uso escultórico pode ser dado pelas séries de naturezas-mortas tridimensionais construídas por Picasso, em 1914.


Os dadaístas, bem como os futuristas, imprimiram sentidos ideológicos a sua utilização na arte. No movimento surrealista a técnica foi ampliada, permitindo a junção de “objetos congruentes“. Foi utilizada então por Schwitters (escultura e pintura, por exemplo, feitas a partir dos objetos de sua lata de lixo), Max Ernst e até poetas como André Breton.


A cultura do século XX, com sua proliferação de imagens instantâneas e massificadas parece ser bem expressa por esse meio.



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Coleção Pública de Belas Artes de Basiléia

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Coleção Pública de Belas Artes de Basiléia




Coleção Pública de Belas Artes de Basiléia


O Museu de Arte de Arte de Basiléia foi fundado em 1662, em Basiléia, Suíça. Possui um acervo muito representativo no que diz respeito à arte que os colecionadores burgueses reuniram do século XVI e também à coleção excepcional de obras do século XX.


Em 1662, foi adquirida pela Universidade de Basiléia e pelo livre Conselho da Cidade uma coleção particular muito importante: a coleção Amerbach, de Basilius Amerbach.


Desta coleção fazia parte uma biblioteca, que é hoje um dos pontos principais da Biblioteca Universitária de Basiléia. Na parte artística, Basilius comprava ateliers inteiros, juntamente com álbuns de esboços dos próprios artistas. Ele reuniu também uma coleção variada de outros elementos: medalhas, moedas, fósseis, preparações anatômicas e outras curiosidades relativas às ciências naturais.


Da coleção de Basiléia, herdada por Amerbach, fazem parte obras significativas. Holbein, "o Jovem", é representado com um grande número de obras: cento e oitenta e quatro desenhos para os quarenta e nove quadros, quinze pinturas, mil oitocentos e sessenta e seis desenhos e cerca de quatro mil gravuras. Holbein, "o Velho", aparece com cinqüenta e seis desenhos. Urs Graf, o mestre desenhista do início do século XVI, com cerca de cento e vinte desenhos.


A coleção foi transferida em 1671 para a casa "zur Mücke" no Círculo de Münsterplatz. O museu alienou-se das obras barrocas do século XVII, que contrastavam fortemente com o espírito racionalista e sóbrio do basilense, e só recomeçou bem devagar a sua atividade de colecionar na metade do século XVIII. Em 1823, uma instituição particular com obras-primas, o Museu Faesch, é incorporada à Coleção Pública de Belas Artes de Basiléia. A coleção Faesch inclui os Primitivos do século XV, dos quais antes se fazia pouco caso, mas que com o Romantismo tomam o seu valor. Conrad Witz, artista suíço do século XV, tem ali onze das vinte e uma obras atualmente conhecidas. A partir da segunda metade do século XIX, o museu começou a ter iniciativas mais dinâmicas. O museu aumentou seu acervo e foi transferido da velha casa "zur Mücke" para um novo edifício a cerca de cem metros do atual e da catedral. Como o espaço passou a ser maior, deu-se impulso à parte etnográfica, histórica e das ciências naturais.


No fim do século XIX observou-se uma forte expansão dos museus em todo o mundo. Em 1900 notou-se que o espaço do novo edifício já não era suficiente. Resolveram, então, separar as coleções de arte antiga das coleções de arte moderna e contemporânea, começando esta pelos Impressionistas. Desse modo, o novo edifício também está localizado bem próximo da catedral românica. Nas proximidades, também encontramos o museu histórico e o de etnografia. O museu arqueológico fica em frente ao atual edifício do Museu de Belas Artes de Basiléia, na mesma rua. Exposições volantes são realizadas na Kunsthalle, que também se situa próxima, tendo ao lado a sala de concertos e o teatro.


Alguns artistas a serem destacados no acervo do museu são Conrad Witz, Hans Holbein "O Velho", Hans Baldung, Niklauss Manuel Deutsch, Lucas Cranach "o Velho", Hans Holbein "o Jovem" (em especial a obra “O cadáver de Cristo no sepulcro”, que provoca sempre fortes e diferentes emoções estéticas), Rembrandt van Rijn, Johann Heinrich Fussli, Camille Pissarro, Claude Monet, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Henri Matisse, Paul Gauguin (em especial a obra “Ta Matete”-O Mercado-de 1892), Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, Franz Marc, Paul Klee, Joan Miró, Salvador Dali, Hans Arp, Alberto Giacometti, Wassily Kandinsky, Kenneth Noland, Mark Tobey, Sophie Taeuber-Arp e Antoine Pevsner.



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Coloratura




Coloratura


Estilo musical para vozes soprano, que na ópera produziu peças de extremo virtuosismo.



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Coluna




Coluna


Elemento construtivo de sustentação, que apresenta seção circular ou poligonal.


Na Grécia era utilizada para sustentar a arquitrave, trave horizontal que faz parte do entablamento, muito comum na arquitetura clássica e estilos derivados desta.


A partir da arquitetura romana passou a ser utilizada também como suporte para os arcos. 


Apesar de ser essencialmente um elemento de sustentação, é bastante comum encontrá-la erigida independente, como elemento decorativo. Na arquitetura clássica as colunas se dividem em três partes básicas: base; com exceção da coluna Dórica grega, onde esse elemento ausenta; fuste (a parte central e única indispensável) que pode estreitar-se em alguma das suas extremidades e ser dotada de êntase (dilatação da coluna desde a base até o capitel); capitel; (do grego capittelum = pequena cabeça) elemento localizado no alto da coluna e que suporta e distribui a carga.



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Coluna

Coluna


Imagem da seção de Arquitetura.


Coluna.


Copyright: © G.L.L.G.



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Concerto




Concerto


Forma musical de composição para instrumento solo e orquestra.



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Consonância




Consonância


Termo que se refere à relação entre as alturas de um intervalo. Os intervalos consonantes são descritos como estáveis e agradáveis em termos estéticos.



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Construtivismo (arquitetura)




Construtivismo (arquitetura)


O construtivismo começa a surgir na União Soviética após revolução de 1917, influenciado pelas idéias do Futurismo. Tem sua estréia formal na Arquitetura a partir de 1920 com Vladimir Tatlin (1885 - 1953) e seu projeto para o monumento à III Internacional, uma “escultura política” de 300 metros de altura e forma helicoidal, que celebrava os triunfos da técnica. 


Konstantin Stepanovich Melnikov (1890 - 1974) tornou-se o primeiro arquiteto russo com destaque internacional a partir de seu projeto para o pavilhão soviético na Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industrial realizada em Paris no ano de 1925. Para os construtivistas, a arte e os processos artesanais eram dispensáveis diante das novas tecnologias e materiais; eles defendiam a expressão da construção como base para todo o desenho do edifício. O resultado plástico disso eram edifícios com estruturas aparentes e exteriorização das circulações e acessos.


O movimento apresenta duas fases distintas. A fase inicial, onde predominavam construções em madeira para utilização em exposições ou como monumentos, e a segunda fase, mais profissional e voltada para o projeto, onde os edifícios apresentavam ao mesmo tempo características das formas tecnológicas e de complexas estruturas biológicas. 


As prioridades políticas da União Soviética fizeram com que os arquitetos construtivistas se direcionassem de modo a suprir a crescente necessidade de infra-estrutura da sociedade (construção de prédios públicos, fábricas, hospitais, armazéns etc.). Dois temas principais foram abordados: em primeiro lugar, o planejamento da configuração da cidade ideal do socialismo; em segundo lugar, a tentativa de fixar, a partir da arquitetura, os novos mecanismos de condensação social. O construtivismo começa a se destacar internacionalmente no final da década de 20, com reflexos na França, Suécia, Suíça, Inglaterra, Estados Unidos; mas principalmente nos Países Baixos (Bélgica, Holanda, Luxemburgo) e Alemanha.



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Construtivismo (artes)




Construtivismo (artes)


O construtivismo foi um movimento artístico que nasceu na Rússia em 1913. De um movimento inicialmente ligado à escultura e à colagem, passou a envolver outras manifestações artísticas. Seu nome vem do “Manifesto Realista“, publicação de 1920 que prega o ideal de se  “construir “ a arte. A arte deveria refletir o mundo moderno e sua tecnologia, utilizando-se para isso de materiais da indústria, como por exemplo, o plástico.


O movimento foi fundado por Vladimir Tatlin. Trabalhando ao lado de Alexander Rodchenko, aplicou também os princípios construtivistas à arquitetura. Relacionava a arte à sua utilidade social. “Monumento para a Terceira Internacional“ é uma de suas obras mais conhecidas.


Os irmãos Antoine Pevsner e Naum Gabo (que publicaram o manifesto acima citado), apesar das divergências com o grupo de Tatlin, formavam outro importante foco do movimento. Esses últimos acreditavam na arte como um valor absoluto e independente. Espaço e tempo deveriam ser as base das artes construtivas.


Com forte inspiração cubista e na pintura de Kandisky (assimilados principalmente através dos irmãos Naum e Antoine), o construtivismo fundia percepção artística a conhecimentos científicos, como potencialidade dos materiais e possibilidades formais. Esteve intimamente ligado a outro movimento artístico, o suprematismo, fundado pelo pintor Kasimir Malevich (1878 - 1935).


Este, também inspirado no cubismo, era baseado na arte geométrica abstrata. Enfatizava a cor como instrumento de criação de realidade na arte. Dá um extremo valor à emoção, desprezando as idéias da “mente consciente“. As pinturas eram realizadas normalmente em cima de superfícies preparadas.  “Branco no Branco“, de Malevich é considerado o melhor exemplo de realização do que se propõe o suprematismo.


Chocando-se com o regime socialista soviético, o construtivismo foi condenado e Naum e Antoine deixaram o país. Esse exílio facilitou a disseminação de suas idéias pela Europa, exercendo bastante influência sobre artistas e movimentos importantes do período, como o Bauhaus e o grupo Stijl. Tatlin permaneceu na Rússia, associando-se ao teatro, realizando especialmente cenários.



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Contrabaixo




Contrabaixo


Instrumento de cordas que utiliza um arco para a produção do som. É o baixo da família que inclui o violino, a viola e o violoncelo. Desenvolvido em 1500, é um dos maiores instrumentos da orquestra. Seu som é muito grave e geralmente reproduz oitavas abaixo das partes para violoncelo.



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Contraforte




Contraforte


Elemento típico da arquitetura religiosa gótica, é encontrado em duas situações: contrafortes interiores e exteriores.Os contrafortes interiores, localizam-se na nave central e distribuem a carga da abóbada para os pilares e meias colunas. Os contrafortes exteriores (botaréus) elevam-se paralelamente às paredes externas nas igrejas de nave única, enquanto que nas basílicas dispõem-se radialmente em direção às paredes das naves menores. Os arcobotantes, arcos usados para transferir as cargas de uma cobertura para os contrafortes, ligam a nave central aos botaréus, alinhando-os aos arcos transversais, que são estruturalmente mais importantes. Complementando a composição, encontramos os pináculos, pequenas torres ornamentais que funcionam como contrapeso para a pressão lateral, descarregada pelo arcobotante.



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Contraponto




Contraponto


Técnica de combinar duas melodias diferentes para a criação de uma textura musical. Bach foi um mestre do contraponto e deixou quarenta e oito fugas, onde esta técnica é explorada com rara e inigualável beleza.



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Coral (música)




Coral (música)


Peça vocal a quatro vozes, baseada em Hinos da Igreja Protestante Alemã. Bach escreveu importantes obras desta forma musical.



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Cordofones




Cordofones


Classificação dos instrumentos que utilizam cordas para a produção do som tais como o violão, o violino e o violoncelo, entre outros.



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Cornija




Cornija


	*ver ordem



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Coro




Coro


Grupo de Cantores.



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Courante




Courante


Peça musical em compasso ternário muito utilizada nas suítes.



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Cromático (a)




Cromático (a)


Refere-se à execução de notas sucessivas em semitons.



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Cubismo




Cubismo


O movimento cubista começou em 1907 e terminou em 1914, apesar de ter persistido ainda quando os artistas envolvidos abandonaram-no. Seus principais focos de resistência foram as artes decorativas e arquitetura do século XX. Apesar de ser considerado um ato de percepção individual, o movimento possuía coerência. Era inspirado na arte africana (sua “racionalidade“) e no princípio de  “realização do motivo“ de Cézanne. A geometrização das figuras resultam numa arte intuitiva e abstrata, derivada da “experiência visual “. Baseia-se essencialmente na luz e na sombra.


Rompe com o conceito de arte como imitação da natureza (que vinha desde a Renascença), bem como com as noções da pintura tradicional, como a perspectiva. Pablo Picasso definiu-a como  “uma arte que trata primordialmente de formas, e quando uma forma é realizada, ela aí está para viver sua própria vida“.


Apesar da identificação imediata do cubismo às figuras de Pablo Picasso e Georges Braque, vários outros artistas deram grandes contribuições individuais ao movimento. Entre eles, destacam-se, Guillaume Apollinaire, Fernand Léger , Max Jacob, Robert Delaunay , Picabia, Gertrude e Leo Stein, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris e os irmãos Jacques Villon, Duchamp -Villon e Marcel Duchamp, entre outros. O mexicano Diego Rivera (1886 - 1957) e o holandês Piet Mondrian  (1872 - 1944) também tiveram contato com o movimento. Entretanto, devido ao enorme número de artistas que aderiram ao estilo, havia grandes diferenças pessoais estilísticas.


“Casas e Árvores“, de Georges Braque, com suas formas geométricas e perspectiva própria, pode ser considerada a obra de origem do movimento.


O cubismo costuma ser dividido em fase analítica - desenvolvida por Picasso e Braque entre 1909 e 1912 - e fase sintética (a partir de 1912). Entretanto, esses termos não são considerados adequados, uma vez que tentam, baseados em conceitos falhos, estabelecer grandes diferenças estéticas dentro de um estilo em processo de definição e evolução.


“O Jogador de Cartas“ e “Retrato de Ambroise Vollard“ de Pablo Picasso; “Moça com Guitarra“  e “Cabeça de Moça“, de Georges Braque; “Paisagem“, de Jean Metzinger; “Garrafa e Copo“, de Juan Gris; “Cidade“ e “Soldado com Cachimbo“, de Fernand Léger e “Janela“, de Robert Delaunay, podem ser considerados bom exemplos dos diferentes estilos presentes no movimento.


A escultura cubista, cujos principais nomes formam Brancusi, Gonzalez, Archipenko, Lipchitz, Duchamp-Villon e Henri Laurens, desenvolveu-se separadamente da pintura, apesar do intercâmbio inicial de idéias-chave.


Entre os escultores, Duchamp-Villon, merece ser citado. É  considerado um dos primeiros escultores cubistas e realizou uma tentativa de conceituação da escultura cubista, relacionando-a à arquitetura. A peça em bronze “O Cavalo“, com seu efeito dinâmico, é um bom exemplo de sua obra.


O fim do movimento cubista (mas não o término de sua influência sobre a arte, tampouco o fim do próprio cubismo), deve-se à eclosão da Primeira Guerra Mundial, em agosto de 1914, com o recrutamento de boa parte dos artistas do movimento. Por suas características abstratas, foi bastante adaptável, inspirando movimentos como o futurismo, o orfismo, o purismo e o vorticismo.



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Dadaísmo




Dadaísmo


O Dadaísmo foi um movimento originado em 1915 na cidade de Zurique (cidade que durante a Primeira Grande Guerra Mundial conservou-se neutra). Negava todas as tradições sociais e artísticas, tinha como base um anarquismo niilista e o slogan de Bakunin “a destruição também é criação“. Contrários à burguesia e ao naturalismo, identificado como “a penetração psicológica dos motivos do burguês“, buscavam a destruição da arte acadêmica e tinham grande admiração pela arte abstrata.


O acaso era extremamente valorizado pelos dadaístas, bem como o absurdo. Tinha tendências claramente anti-racionais e irônicas. Procurava chocar um público mais ligado a valores tradicionais e libertar a imaginação via destruição das noções artísticas convencionais. Acredita-se, ainda, que seu pessimismo venha de uma reação de desilusão causada pela Primeira Guerra Mundial.


Apesar de sua curta durabilidade - no período entre guerras, praticamente havia sido esquecido - e das críticas realizadas ao movimento, fundamentalmente baseadas em sua ausência de vocação construtiva, teve grande importância para a arte do século XX. Fez parte de um processo, observado nesse século, de libertação da arte de valores preestabelecidos e busca de experiências e formas expressivas mais apropriadas à expressão do homem moderno e de sua vida.


Originou-se de um grupo composto por artistas como Tristan Tzara, Hans Harp, Richard Hülsenbeck, Marcel Janko, Hugo Ball e Hans Richter que se encontravam em cafés de Zurique. A idéia inicial era a realização de um espetáculo internacional de Cabaré que contava com músicas diversas, recitais de poesia e exposição de obras. A maneira como surgiu o nome do evento é sugestiva: por acaso Ball e Hülsenbeck abriram um dicionário de alemão-francês e acabaram se deparando com a palavra dada, que foi posteriormente adotada pelo grupo e pelo movimento que daí surgiria. A brochura “Cabaret Voltaire“, a inauguração da “Galeria Dada“ em 1917 e as revistas “Dada“, seguidas de livros sobre o movimento, ajudaram a popularizá-lo.


Sua provocação, ativismo e conceito de simultaneidade (realizar ao mesmo tempo diversas apresentações, como a leitura de poemas distintos) muito deve aos futuristas, entretanto, não possuía o otimismo e a valorização da tecnologia que esse último movimento tinha. O dadaísmo costuma ser bastante identificado aos ready-mades de Duchamp, como os urinóis elevados à categoria de obras de arte ou outras proezas do artista, como o acréscimo de bigodes à Mona Lisa. Os poemas non-sense, as máquinas sem função de Picabia, que zombavam da ciência, ou a produção de quadros com detritos, como Merzbilder, de Schwitters, são outras obras características do dadaísmo.


Além disso, o dadaísmo, desde o começo, pretendia ser um movimento internacional nas artes. Picabia era o artista que acabou por fazer a ponte entre o dadaísmo europeu e o americano, tornando-se, juntamente com Duchamp e Man Ray, uma das principais figuras do dadaísmo forte em Nova York. A revista “Dada 291“ era publicada nessa cidade americana, além de Barcelona e Paris, outras cidades por onde o movimento espalhara-se. Berlim, Colônia e Hanover eram outros importantes focos Dada. (Na Alemanha, o movimento ganhou características mais próximas de protesto social que de movimento artístico).


O dadaísmo forneceu grande inspiração para movimentos posteriores, como o surrealismo, derivado dele, a Arte Conceitual, o Expressionismo Abstrato e a Pop Art americana.



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David W. Griffith




David W. Griffith


Filho de um Coronel de Kentucky, começou como ator e, em 1908, tornou-se diretor. Griffith concebeu a original idéia de introduzir um enredo nos curtas, tendo produzido mais de quatrocentos filmes entre 1908 e 1913. Criador da linguagem do cinema, trocou posições da câmera em função do interesse do espectador, introduziu o primeiro plano de pessoas e objetos (Close Up), criou divisões na tela e utilizou máscaras, entre outros avanços.



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Desenho




Desenho


O conceito de desenho se aproxima sobremaneira do conceito de pintura e, às vezes, completa-o. É um processo de representação em plano bidimensional, envolvendo linhas e tons aplicados numa superfície através de diversos instrumentos como penas e pincéis (com tinta), lápis, pastéis, giz etc. Um desenho pode ser um estudo preliminar para uma obra mais completa ou mesmo ser considerado como um trabalho final de arte.


O desenho artístico apresenta seu conceito técnico bastante próximo ao de pintura, pois em ambas as atividades há a aplicação de pigmentos sobre uma dada superfície. No entanto, o desenho difere da pintura por trabalhar com linhas básicas na representação estética. As técnicas envolvidas no desenho são utilizadas desde a preconcepção de uma pintura até a criação de uma obra de arte propriamente finalizada.



Verbete:
Desenvolvimento (música)




Desenvolvimento (música)


Refere-se à parte seguinte ao término da exposição na Sonata Clássica.



Verbete:
Di Cavalcanti




Di Cavalcanti (1897 - 1976)


Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo (1897 - 1976) é considerado um dos principais pintores modernistas brasileiros, tendo atingido sua maturidade artística principalmente a partir dos anos 40. Além da pintura e do desenho escreveu prosa e poesia. Foi o provável autor da iniciativa de se realizar a Semana de Arte Moderna de 22.


Nasceu no Rio de Janeiro, tendo oportunidade de estar sempre no meio de intelectuais e artistas que visitavam a casa de seu tio. Suas primeiras manifestações nas artes visuais foi como desenhista e caricaturista. Já em 1914 a Revista Fon Fon, de orientação progressista, publicava seus desenhos, participando, dois anos depois, do Salão dos Humoristas.


Em 1917 vai para São Paulo estudar na Faculdade de Direito do Largo São Francisco, trabalhando como revisor para o jornal “O Estado de S.Paulo“. Um ano depois já está freqüentando o círculo de intelectuais e artistas de vanguarda na cidade e atua como diretor artístico da Revista Panóplia.


Na ocasião da Semana de Arte Moderna, em fevereiro de 1922, Di Cavalcanti era o único artista à frente do evento que ainda não tinha tido contato com a Europa. Nela expôs trabalhos mesclando influências simbolistas, impressionistas e demostrando ainda leve tendência expressionista. “Ao Pé da Cruz“, “Intimidade“ e “Coqueteria“ são algumas dessas obras. 


Um ano depois desiste da faculdade de Direito (que na realidade nunca se empenhara) e acaba embarcando para Paris para estudar artes plásticas, atuando como correspondente do jornal Correio da Manhã. Em Paris (entre 1923 e 1925) conhece artistas que exerceriam profunda influência sobre seu trabalho como Picasso (a maior influência, principalmente seus nus monumentais dos anos 20), Braque, Matisse e poetas como Breton, Jean Cocteau e compositores como Eric Satie. Posteriormente foi à Itália, entrando em contato com trabalhos de mestres antigos como Michelângelo e Ticiano. Retorna à cidade entre 1935 e 1940.


Sua obra inspira-se em diferentes fontes como o Expressionismo, o Cubismo, O Surrealismo, os Fauves, El grego, Cézanne, Gauguin, Lautrec, mexicanos como Diego Rivera, entre outros. Entretanto, a interpretação pessoal e a temática brasileira sempre foram marca registrada do pintor, estritamente figurativista: as mulatas, (um de seus temas preferidos, sendo chamado por Mário de Andrade o “mulatista-mor“ da pintura), o samba, os morros do Rio de Janeiro e a vida noturna da cidade, os pescadores, as prostitutas, são constantes no trabalho do pintor.


Entre eles podem ser citados: “Mesa de Bar“, de 1929; “Cinco Moças de Guaratinguetá“, de 1930; “Mulata com Leque“, de 1937; “O Nascimento de Vênus“, de 1940 (em que trata a mitologia sob ótica tropical); “Ciganos“, de 1940; “Mulher de Vermelho“, de 1945, “Mulata com Gato Preto“, “Onde Eu Estaria Feliz“ (com sua claridade e composição atípica do pintor) e “Pescadores“, de 1951.


Dividiu o prêmio de Melhor Pintor Nacional com Volpi na II Bienal de São Paulo. Publicou dois livros de memórias: “Viagem da Minha Vida - Testamento da Alvorada“, em 1955 e “Reminiscências Líricas de um Perfeito Carioca“, 1964. 



Verbete:
Diatônico




Diatônico


Sucessão de notas musicais em que os semitons são excluídos.



Verbete:
Diego Velasquez




Diego Velasquez (1599 - 1660)


Diego Velasquez (1599 - 1660) é considerado o grande nome do barroco espanhol e um dos grandes mestres da arte no país. Foi aprendiz do pintor Pacheco, tornando-se mestre já aos dezoito anos. Desde cedo, sua pintura demonstrava traços que ficariam marcantes em sua obra, como grande domínio técnico e forte personalidade. Seu estilo livre influenciou artistas progressistas como Manet.


Nascido em Sevilha, lá realizou seus primeiros trabalhos antes de ir para Madrid, onde passou boa parte de sua vida. Esses trabalhos iniciais caracterizam-se por sua temática religiosa trabalhada de forma naturalista e pelo domínio do uso de efeitos da luz, como  “A Concepção Imaculata“ demonstra. Além disso, a influência do pintor italiano Caravaggio é grande nessa fase. Além das obras religiosas, havia ainda obras como “O Aguadeiro“, um tipo de pintura de genre (a que cultiva um certo tipo de cenas, em especial as cenas cotidianas). Nessa obra, evidencia-se seu sentido de observação, sua habilidade no manejo de diferentes materiais e texturas e sua habilidade como retratista, que lhe iria abrir muitos caminhos posteriores.


De fato, em 1623 é chamado a Madrid para pintar o retrato do Conde Duque Olivares e acaba fazendo também um retrato do rei Philip IV. Este impressiona-se tanto com o resultado que o convida a ser pintor da corte, único autorizado a pintar seus retratos.


Velasquez, a partir de então, foi ganhando cada vez mais o prestígio real. Ganhou títulos e tarefas. Especula-se que os trabalhos burocráticos que teve que realizar desde então tivessem tomado um tempo precioso de sua dedicação à pintura. De qualquer forma, aumentaram sua notoriedade no período.


Tendo sempre desejado conhecer a Itália, obtém permissão real para  viajar. Entre 1629 e 1631 conhece Roma, Veneza, Gênova e Nápoles. A influência da Escola de Veneza, em especial Ticiano, que já podia ser notada em seu trabalho, fortalece-se. Um exemplo dessa fase em que atinge grande maturidade na composição de suas figuras pode ser dado por “O Casaco de José“.


Um dos períodos considerados mais produtivos em sua carreira é o que se estende de 1630 a 1640 (já de volta a Madrid). Pinta vários retratos reais e cenas da corte, em que se notam sua capacidade de “captar a alma“ daquilo que representa. Essa sua habilidade em especial é demonstrada pela série de bobos da corte que realizou, sem nenhum vestígio de caricatura.


Volta à Itália entre 1648 e 1651. É dessa época seu célebre retrato do Papa Inocêncio X, extremamente prestigiado por sua verossimilhança e expressividade.


Novamente em Madrid, realiza a que é considerada uma de suas maiores obras-primas, “As Meninas“. Características, sempre presentes em sua pintura, como o alto grau de efeito de sua pincelada e a harmonia de cores encontram-se aqui bastante amadurecidas. Além disso, é extremamente intrigante sua composição. Nele vemos a Infanta Margarida, suas criadas, anões da corte e um cachorro. O interessante é que, se observarmos melhor, podemos perceber o reflexo do rei e da rainha no espelho da parede do fundo. O casal real está sendo retratado por Velásquez e tem, diante de si, a cena da corte que o observador do quadro vê em primeira instância, revelando a criatividade e perícia do pintor.



Verbete:
Diminuído




Diminuído


Veja Intervalo.



Verbete:
Dinâmica (música)




Dinâmica (música)


Refere-se à variação na intensidade do som em uma frase musical. A dinâmica pode ser escrita para uma nota, grupos de notas, frases, melodias etc...



Verbete:
Dissonância




Dissonância


Termo que se refere à relação entre as alturas de um intervalo. Os intervalos consonantes são descritos como instáveis e desagradáveis em alguns casos. No passado, a dissonância do intervalo de quinta diminuta era considerada Diabolus in musica  (Diabo na música). Na música, a dissonância, utilizada com maestria, produziu obras de rara beleza e grande importância para a evolução da arte musical.



Verbete:
Divertimento




Divertimento


Música instrumental, em diversos movimentos, para pequeno grupo musical, muito popular no final do século XVIII.



Verbete:
Domesticação de Animais




Domesticação de Animais


No início de uma tentativa de domesticação de animais, estes eram capturados ainda em seu estado selvagem, fato que dificultava e reduzia seu uso para subsistência e produção. Ao que tudo indica, a ovelha foi o primeiro animal realmente domesticado pelo homem. Por volta do ano 9000 a.C., a ovelha já era domada nas montanhas Zagros, no norte do Iraque. Aproximadamente mil e quinhentos anos mais tarde, conseguiu-se a domesticação de outro animal útil ao homem: o bode. A domesticação dos animais de maior porte com relação aos citados foi sendo realizada paulatinamente, tornando assim estes animais úteis tanto para a subsistência quanto para a produção, sendo então utilizados, por exemplo, como instrumentos de aragem das terras, realizando um trabalho que pertencia anteriormente ao próprio homem.



Verbete:
Dominate




Dominate


Quinto grau da escala diatônica. Acorde sobre o quinto grau da escala.



Verbete:
Donatello




Donatello (1386? - 1466)


Donatello (Donato di Niccolo - 1386? - 1466) é considerado o melhor escultor italiano do quatrocento e talvez a maior influência de grandes artistas posteriores como Michelângelo. Fazia parte do grupo florentino que iniciou o renascimento na Itália. Suas obras demonstravam conhecimentos dos princípios clássicos, combinando elegância e harmonia antigas a elementos cristãos.


Discípulo de Ghiberti, acabou por desenvolver um estilo revolucionário totalmente diferente do aprendido com seu mestre. Um de seus primeiros trabalhos realizados, sem a supervisão de Ghiberti, já dá amostras de seu gênio: a série de esculturas que realizou para a Igreja de Or San Michele. As estátuas de São Jorge e São Marcos, por exemplo, são conhecidas por suas formas proporcionais, beleza bem próxima aos padrões clássicos, força de expressões e dinamismo.


A preocupação do artista com os efeitos óticos de seu trabalho era tamanha que ele ajustava as figuras representadas de acordo com o local de onde seriam vistas. Por exemplo, no caso de serem vistas de longe, deveria imprimir força e monumentalidade. Já as que estivessem mais perto do observador possuíam extrema delicadeza e suavidade, como é o caso de sua escultura em relevo “São Jorge e o Dragão“, feita para a base da estátua de São Jorge. Donatello, inclusive, era considerado um dos grandes mestres das esculturas em relevo.


O Davi que esculpiu em bronze, é considerado o primeiro nu representado desde a antiguidade (apesar de não haver consenso a esse respeito entre os pesquisadores). A representação é de um Davi adolescente e confiante e a cabeça do derrotado Golias. Costuma-se atribuir sua inspiração a uma visita realizada por Donatello a Roma. Além disso, dá amostras de sua capacidade em adaptar os valores clássicos aos temas relevantes de sua própria época. A escultura poderia ser uma boa alegoria para a cidade de Florença, que havia acabado de se confrontar com o poderoso duque de Milão.


Passou um período de sua vida (de 1443 a 1453) em Pádua, onde realizou trabalhos como a primeira representação de um cavalo montado em tamanho natural desde a antiguidade. Chamava-se  “Guattamelata”, inspirada na estátua romana de Marco Aurélio.


Em seus últimos trabalhos, os elementos que garantem força emocional às esculturas são extremamente valorizados, como demonstra a sua “Maria Madalena“, em madeira.



Verbete:
Dueto




Dueto


Composição musical para dois instrumentos.



Verbete:
Duração




Duração


Termo acústico que caracteriza o comprimento do som.



Verbete:
Ecletismo (artes)




Ecletismo (artes)


O termo ecletismo é utilizado na crítica de arte para designar a prática de se tirar, de variadas fontes diferentes, elementos que influenciam o trabalho de um artista.


O primeiro a utilizar-se desse termo foi o crítico e artista da época do Renascimento, Giorgio Vasari. Ele aplicava a designação eclético para a obra de Rafael que, de acordo com o crítico, soubera apropriar-se daquilo que havia de melhor nos grandes mestres que o antecederam na Itália.


Entretanto, a partir do século XVIII, esse termo começou a ser desvirtuado e utilizado principalmente como sinônimo de falta de originalidade e traço pessoal. Um dos principais motivos disso foi a impressão do rótulo “eclético“ à escola de arte da Família Carracci e de seus seguidores. Os críticos acusavam, por exemplo, Annibale Carracci, o principal fundador dessa escola do século XVII, de imitar os mestres do passado principalmente devido à sua inclinação pela pintura clássica. Entretanto, o uso dessa denominação para a Escola de Carracci é falha, uma vez que o “ ecletismo “ não estava entre seus princípios. Além disso, tampouco a obra de Annibale Carracci  merece ser chamada de plagiadora, uma vez que era guiada por constante busca, experimentação, fundamentação teórica e autenticidade. Talvez as academias posteriores a ele que utilizaram de seus modelos, por não compreenderem sua obra, tivessem efetivamente realizado esse “ plágio “ da arte do passado.


Hoje em dia, o uso desse termo no sentido pejorativo, freqüente no século XVIII, já foi abandonado.



Verbete:
Edgar Degas




Edgar Degas (1834 - 1917)


Edgar Degas (1834 - 1917) é considerado um dos mais brilhantes artistas do grupo Impressionista. Participou de sete das oito exibições do grupo. Entretanto, diferenciava-se destes especialmente por não apresentar tanto interesse em retratar os efeitos de luz e atmosfera, além de possuir maior embasamento acadêmico que a maioria dos membros do grupo. Por outro lado, a influência das gravuras japonesas foi especialmente forte no trabalho de Degas, bem como o gosto pelos efeitos do movimento. Apesar de seus trabalhos não poderem ser considerados totalmente afinados com as metas Impressionistas, revelam a mesma busca de espontaneidade (apesar da cuidadosa composição, no caso de Degas)  que norteia o grupo. Sua vida foi profundamente dedicada à arte .


Degas freqüentou a Escola de Belas -Artes francesa e completou sua formação através do estudo das obras de mestres antigos, fazendo freqüentes e constantes visitas à Itália. Conheceu Manet enquanto fazia uma cópia de Velásquez no Louvre . A partir de então tornaram-se amigos e Manet o apresentou ao grupo Impressionista


Além da pintura, Degas era interessado em fotografia e técnicas de impressão. Dedicou-se também à escultura, em particular no final de sua carreira. Uma das principais características de seus trabalhos era o realce do tema em suas pinturas. Predominantemente contemporâneos (apesar de temas históricos serem fortes no início de sua carreira) como corridas de cavalos, a tensão entre casais, bailarinas descansando ou trabalhando, o teatro, ou circo.


 “ O Copo de Absinto “, por exemplo, mostra um casal numa mesa de bar com expressões de cansaço. “ Duas Lavadeiras “, em que duas mulheres realizam o cansativo trabalho físico também é outra boa amostra de sua obra.


A partir de 1880 começou a ter problemas com sua visão, preferindo trabalhar com o pastel e aumentando a importância das cores em suas pinturas. São principalmente dessa época seus estudos de figuras nuas de banhistas, como “ O Banho Matinal “ .


Com o aumento de seu receio de perda da visão, a pintura começou a ceder cada vez mais espaço para a escultura, tornando-se seu principal meio principalmente a partir de 1890. Entretanto, somente chegou a expor uma de suas esculturas enquanto vivo “ Pequena dançarina de 14 anos de idade “ .


Nos últimos anos de sua vida acabou realmente perdendo a visão e afastou-se do mundo, aumentando a fama de reserva que sempre possuíra.



Verbete:
Édouard Manet




Édouard Manet (1832 - 1883)


Édouard Manet (1832 - 1883) é considerado um importante pintor e artista gráfico do século passado, visto por alguns críticos como um dos fundadores da arte moderna. Uma amostra de sua importância pode ser deduzida da denominação que recebeu a primeira exposição dos pintores conhecidos como Pós-Impressionistas (ver verbete): “ Manet e os Pós-Impressionistas “, de 1910-1911.


Era considerado um artista rebelde, embora suas grandes influências artísticas tenham partido de mestres antigos como Velásquez e Goya . Apesar de ter sido discípulo do pintor parisiense Thomas Couture entre 1850 e 1856, acredita-se que tenha adquirido realmente seu estilo a partir da observação do trabalho de mestres antigos em museus como o Louvre .


Entretanto, os trabalhos de Manet foram sempre vítima da incompreensão dos críticos de sua época, por considerarem-nos desrespeitosos aos padrões artísticos vigentes. Um dos mais famosos episódios exemplificativos da reação da crítica pode ser dado pela rejeição de sua pintura Déjeuner sur L’ herbe, em 1863. Causou um escândalo no Salão dos Artistas Franceses. Mostrava uma mulher nua em um piquenique com dois homens vestidos de uma maneira contemporânea, o que tornava a pintura imoral para os padrões da época, pois a nudez só era aceita pela academia quando referia-se ao passado. Além disso, possuía contrastes fortes e duros, ao invés das tradicionais sombras suaves.


A recusa da exposição dessa e de outras obras nesse ano causou uma onda de protestos e os organizadores resolveram exibí-las num salão à parte, denominado “ Salão dos Recusados “, onde eram alvo de piada dos críticos e do público.


Seus trabalhos tinham como temática um variado leque de assuntos, sendo considerado especialmente bem sucedidos na representação de temas associados à vida-moderna. Alguns críticos acusam-no ainda de não poder pintar aquilo que não estivesse em sua frente, uma vez que praticava a pintura direta do modelo. Entretanto, outros refutam essa afirmação que denigre a imaginação do artista, afirmando que suas obras não eram representações fiéis da natureza.


 “ O Balcão “, de 1869, é um bom exemplo da ruptura de Manet. Parece ser  ausente a preocupação com a  solidez das cabeças das três figuras nela presentes (principalmente as duas de trás), que surgem como planas. Entretanto, com esse procedimento, o pintor explorava a aparência dos objetos retratos sob a luz do dia. O vigoroso verde-claro do parapeito sugere que este destaca-se para a frente e cria o efeito de profundidade que parecia faltar à obra numa primeira vista.


Manet, contra seus próprio esforços, era extremamente admirado pelo grupo de pintores impressionistas que então se formava e era considerado um dos líderes de vanguarda (mérito que nunca buscou. Acredita-se que devido ao seu temperamento, ressentia-se da falta de  reconhecimento oficial). Chegou a pintar da maneira impressionista por algum período, provavelmente persuadido pela cunhada pertencente ao grupo, Berthe Morisot, mas nunca chegou a participar de suas exposições.


Uma de suas melhores obras, consideradas também uma das principais do século passado pertence ao final de sua carreira: “ Um Bar na Folies- Bergère “, de 1882. Um espelho é utilizado para refletir figuras e a luminosidade artificial do interior. Nesta obra o assunto não é considerado tão importante quanto o próprio ato da pintura.



Verbete:
Edvard Munch




Edvard Munch (1863 - 1944)


O artista norueguês Edvard Munch (1863 - 1944) é considerado um dos principais nomes da arte Escandinávia e uma das principais influências - ao lado de Van Gogh do Expressionismo. Sua pintura está intimamente relacionada à infância, marcada por doenças familiares e perdas (a mãe e uma irmãs morreram de tuberculose, outra irmã foi internada com esquizofrenia e o pai era considerado praticamente desequilibrado, tamanha sua devoção religiosa). “ A doença, a alegria e a morte são os anjos negros que velavam meu berço no meu nascimento “, chega a escrever.


A mudança para Cristiânia (hoje Oslo) também parece ter sido decisiva para a carreira do artista. Nessa cidade estuda Artes Plásticas e tem contato com os artistas da cidade pertencentes ao grupo “ Boêmia de Cristiânia “, conhecidos por seus valores mais avançados, com destaque para o escritor anarquista Hans Jaeger e o pintor  Christian Krogh (1852 - 1925) (este último torna-se seu principal mestre).


Em 1885 viaja a Paris, onde é particularmente influenciado pelos Simbolistas, em especial a pintura de Gauguin, pelos Impressionistas e pela obra de van Gogh e Toulose-Lautrec (que exerceu influência predominante em suas gravuras) .


Suas obras são especialmente marcadas pela intensidade emocional, por um clima sombrio e de tormento espiritual e pela expressão de profundas dores. “ Vampira “, de 1893, é um bom exemplo de seu imaginário, retratando uma mulher que tem dentro de si  duas polaridades: a destrutiva e a acolhedora.


Mas provavelmente sua obra de maior impacto seja “ O Grito “, de 1893 em que uma figura deformada e solitária destacada na tela apresenta uma expressão de profunda angústia e dor espiritual, num ambiente fluído, que parece se dissolver, obtido principalmente pelo uso das cores. É inspirada em múmias andinas Chinchorro e é considerado um verdadeiro símbolo da angústia do homem moderno. Essa obra, em especial, foi de especial importância para o Movimento Expressionista. Nessa época já mora em Berlim, cidade onde reside de 1892 a 1908 e onde desenvolve suas técnicas de gravuras,  litografias, xilografias e entra em contato com artistas como o autor teatral Strindberg.


 “ 18 Quadros Tirados da Vida Moderna “, posteriormente chamados “ Frisa da Vida “ é dessa época e trata de temas como vida, morte, amor e novamente a angustia, que seriam as principais marcas do artista (além do ciúme, impotência e a doença), celebrizando-o.


Em 1908 sofre um colapso nervoso e após passar seis meses internado, procura desviar-se dos temas “ pesados “ de sua infância, no intuito de recuperar-se. São dessa fase produções mais “ otimistas “, como suas pinturas de paisagens com extremo domínio técnico e energia e o mural que realiza para a Universidade de Oslo (1910- 1915), em que exalta as forças positivas da vida.


Entretanto, passa a cada vez mais isolar-se em sua propriedade de Ekely (próximo a Oslo)ao mesmo tempo em que sua consagração aumenta. Suas obras são mostradas na exposição de “ Arte Degenerada “ organizada pelos nazistas durante a Segunda Grande Guerra Mundial. Em 1940, recusa o cargo oferecido pelo governo do país, sob ocupação alemã, no Conselho de Cultura.


Seus últimos trabalhos recuperam a intensidade emocional e a profundidade das primeiras obras, como demonstra seu auto-retrato “ Entre o Pêndulo e o Leito “, em que se mostra velho, pairando num abismo identificado como a eternidade.


Deixou todas as suas obras (as que possuía) para a cidade de Oslo, que organizou o Museu Munch.



Verbete:
El Greco




El Greco (1541? - 1614)


El Greco (Domenico Theotocopooulos; 1541? - 1614 , apelidado de El Greco), nasceu na Ilha de Creta, tendo viajado para Veneza, onde absorveu suas maiores influências e posteriormente, fixou residência na Espanha. Além da pintura de Ticiano e principalmente Tintoretto, deve ser destacada a arte bizantina e seu descaso com as formas naturais  (provavelmente vistas em Creta), como elementos fundamentais para entender sua pintura. A própria visão de mundo do artista, extremamente religioso e sem a forte tradição humanista italiana é outra chave de compreensão de sua obra.


As principais características de suas pinturas eram o sentido dramático que possuíam, como se estivesse realmente  “contando“  histórias (em especial a história sagrada), bem como a sua falta de preocupação em retratar as coisas de uma forma naturalista. A emoção do quadro, para ele era o principal objetivo, independente da verossimilhança de cores e formas.


Em Toledo, na Espanha, onde fixou residência após sua estada em Veneza, encontrou uma cultura extremamente mística (que não chocava-se com a sua)  e, em muitos aspectos, bastante influenciada ainda pelas idéias medievais, não lhe exigindo, portanto, representações realistas (a exemplo da pressão exercida pelos críticos italianos, por exemplo, sobre Tintoretto).


Além disso, o maneirismo adquirido em Veneza encontrou, na Espanha, um bom cenário para desenvolver-se.


Sua conhecida obra El Espolio, relatando uma cena de temática fortemente espiritual, pode ser considerada um bom exemplo da presença do misticismo em sua obra. A enorme capacidade do artista em relatar histórias através da pintura aparece ainda em quadros como “Visão de São João“, referência ao trecho do Apocalipse de São João, quando vê a abertura dos sete selos. As figuras nuas, agitadas, representam aqueles a quem, segundo a história, foi dada uma vestidura branca. O próprio São João, em postura de recepção da força divina e êxtase místico, aparece no quadro. A ausência de naturalismo nas formas ajusta-se muito bem ao propósito de relatar uma cena tão grandiosa e sobrenatural como esta. A extrema força da obra dificilmente seria possível sem tais distorções da realidade.


Além da pintura, seu talento também foi usado na arquitetura e escultura. Um bom exemplo de seu trabalho como arquiteto, pintor e escultor é o Hospital de La Caridad, em Illescas.


Entretanto, apesar de totalmente aceito pelos seus contemporâneos - seu atelier empregava inúmeros artistas para a realização das várias encomendas que exercia (daí também a variação da qualidade de algumas das obras a ele atribuídas), foi alvo de grandes críticas por parte das gerações posteriores. Elas viam em suas obras “imperfeições“  de representação somente cabíveis no trabalho de um artista menor. No século XX, com o desenvolvimento do modernismo que não via a arte como representação fiel da natureza, suas obras começaram a ser reavaliadas. O expressionismo, em particular, devolveu seu prestígio e reconhecimento como um grande artista, inspirando vários estudos sobre sua arte.



Verbete:
El Greco

El Greco


Imagem da seção de Arte.


Pintura de El Greco.


Copyright: Cortesia Consulado da Espanha.



Verbete:
Elementarismo




Elementarismo


O elementarismo foi uma modificação do neo-plasticismo que introduziu no estilo, além das linhas horizontais e verticais, linhas inclinadas e formas. Theo van Doesburg (1883 - 1931), importante figura impulsionadora do movimento De Stijl, foi o introdutor desses novos elementos no estilo do grupo a partir de meados de 1920.


Seu objetivo era que as obras, a partir dos aspectos introduzidos (considerados de instabilidade), adquirissem mais dinamismo.


Apesar da modificação proposta por van Doesburg respeitar ainda a angulação (reta) proposta por Mondrian, esse último artista acabou abandonando o movimento do grupo holandês De Stijl por não concordar com as alterações do estilo.


O movimento De Stijl termina finalmente em 1931 (após quatorze anos de existência), não tendo conseguido sobreviver à morte de van Doesburg.



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Eliseu D’ Angelo Visconti




Eliseu D’ Angelo Visconti (1866 - 1944)


Eliseu D’ Angelo Visconti (1866 - 1944) é considerado um dos principais artistas brasileiros do começo do século. Nasceu na Itália, tendo se mudado para o Brasil ainda bebê. Depois de aulas no Museu de Artes e Ofício do Rio de Janeiro e na Academia Imperial de Belas Artes, acaba como um dos fundadores do Ateliê Livre, uma dissidência da Academia (orientado, por exemplo, por Rodolfo Amoedo ) e passa a lecionar no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. 


Em 1892 ganha a viagem-prêmio para a Europa (o primeiro da República). Inscreve-se, então, no vestibular da Escola de Belas-Artes de Paris e passa em sétimo lugar, entre quatrocentos e sessenta e sete candidatos, com nota 10. Participa de exposições nos Estados Unidos e Europa. Um dos principais trabalhos desse início de carreira são cópias de Velásques, como “Morte de Cleópatra“.


O Simbolismo marcaria suas próximas obras como Gioventù, de 1898 e Oréadas, de 1899 que recebem medalha de prata na Exposição Internacional de Paris. Em 1901 retorna ao Brasil rapidamente. Já no ano seguinte estaria novamente em Paris, dividindo-se entre o Rio de Janeiro e Paris até 1918.


Em 1904 vence o concurso dos Correios para a elaboração de selos postais, passando a produzir cartas-bilhetes. Nesse mesmo ano “Recompensa de São Sebastião“, recebe medalha de ouro na Exposição Internacional de Saint Louis (também com tendências Simbolistas) e, cinco anos mais tarde, medalha de ouro também na Exposição de Chicago.


Um dos trabalhos mais famosos de seu ateliê em Paris começou em 1905: a decoração do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Primeiro realizaria o pano de boca, posteriormente o foyer (entre 1913 e 1916, considerado excelente, com uso de premissas Neo-Impressionistas) e entre 1934 e 1936, um friso para o proscênio.


Entre 1913 e 1919 seus trabalhos em Paris adquirem, além das técnicas Neo-Impressionistas, algumas características Impressionistas, um colorido alegre e desenhos sem contornos definidos, como demonstra o lírico “Outono“ ou “Tarde em Saint-Hubert“. Contudo, Visconti começa a apresentar uma característica curiosa (assinalada por Mário Pedrosa). Em Paris suas obras apresentam maior criatividade, inovação (assimilando técnicas Neo-Impressionisas, por exemplo) e liberdade, mas o pintor perde a força criativa quando produz no Brasil.


Em 1920 retorna definitivamente ao Brasil, passando por uma fase inicial mais Realista (até 1930), mas posteriormente retornando à inspiração Impressionista e a busca de luz, como demonstra “Roupa Estendida“, com sua temática cotidiana ou “Ilusões Perdidas“.



Verbete:
Emblema




Emblema


Emblema é uma imagem simbólica que pode ser acompanhada de texto explicativo. Nos séculos XVI e XVII eram extremamente populares os “Livros de Emblemas“, que acabaram por servir como uma das fontes de inspiração para o Livro Iconologia de Cesare Ripa (1593), um verdadeiro manual usado pelos artistas quando o assunto girava em torno da iconografia.


Os emblemas costumam ser constituídos de uma figura, um lema e um epigrama explicativo. Geralmente têm finalidades morais. Suas fontes podem ser a Bíblia, fábulas, passagens da história de mitos clássicos e lapidário medieval (tratados em pedras preciosas, por exemplo). Animais poderiam também serem usados para representar uma idéia, aproveitando-se da imaginária do período medieval.


Exemplos de emblema podem ser dados pelo arco-íris como representação de paz ou o arminho simbolizando a pureza. Um  emblema típico pode ser exemplificado pelo que mostra um golfinho - representação de vigor e velocidade - e uma âncora - representação de solidez - ao lado do lema “Festina Lente” (algo como “apresse-se vagarosamente“). Pretende ensinar um valor sobre a maturidade, que só pode ser bem alcançada com a observação desses símbolos.


Além disso, foi comum historicamente o uso de emblemas como insígnias pessoais. É o caso  do Imperador Carlos V que se utilizava das imagens dos Pilares de Hércules seguidas do lema “Plus Ultra”, como cunho seu.



Verbete:
Enharmônico




Enarmônico


Sons que diferem apenas na escrita. Por Exemplo C# e Reb.



Verbete:
Entalhe




Entalhe


O entalhe é a técnica em que são utilizadas superfícies geralmente metálicas para a impressão em papel. A superfície de uma chapa metálica é coberta com a tinta de tonalidade desejada para a impressão em papel previamente umedecido. A impressão se dá através do contato e pressão entre as duas superfícies, o papel e a chapa metálica, com o auxílio de um rolo de pressão. A tinta existente nas partes de maior relevo da chapa metálica é, assim, transferida para o papel.



Verbete:
Equilibrado




Equilibrado


Ajuste dos níveis relativos de cada uma das faixas que compõem a trilha sonora final, com o objetivo de que cada uma contribua com o grau de interesse desejado.



Verbete:
Era Mesolítica




Era Mesolítica


Era compreendida entre 8.000 e 3.000 a.C. A arte deste período diferencia-se daquela realizada no período anterior: as representações pictóricas, além de abordar a temática das caças, agora também passam a abordar temas propriamente humanos. Portanto, o conflito humano finalmente surge na representação artística do homem primitivo. Nota-se ainda, através destas representações, que os homens passaram a viver ao ar livre, pois muitas das representações foram encontradas em espaços externos, diferentemente daquelas do período anterior, encontradas no interior das cavernas.



Verbete:
Era Neolítica




Era Neolítica


A Era Neolítica é compreendida entre o período de 8.000 até 1.500 a.C. na Europa. A arte desenvolvida neste período vinculou-se ao caráter ritualista, que abrangia em sua origem a temática da vida e da morte, além da temática das estações do ano. Um exemplo deste tipo de arte trata-se do próprio Stonehenge, na Inglaterra, tratando-se de enormes pedras dispostas em um espaço circular. Portanto, este período também é conhecido como período dos megalíticos.



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Era Paleolítica Superior




Era Paleolítica Superior


Período compreendido entre 35.000 e 8.000 a.C., algumas das primeiras formas de representação artística foram realizadas na Era Paleolítica Superior. Estas primeiras tentativas de representação artística são caracterizadas pelo naturalismo próprio do homem primitivo: após suas caçadas, os primitivos punham-se a representar nas paredes de suas habitações as figuras dos animais caçados. Para a pintura eram utilizados pigmentos naturais e pedra em pó, provenientes dos abundantes e variados materiais minerais e vegetais à disposição dos homens primitivos. Através desta fase na arte, pode ser notada desde cedo a capacidade do homem primitivo na pormenorização das representações dos diversos animais. Portanto, esta fase da arte revela o marco a partir do qual o homem passava a se distanciar de suas características pré-racionais.



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Escada




Escada


Escada, ou Escadaria, é basicamente uma série de degraus que conduzem de um nível a outro. 


Há nomenclaturas específicas para cada uma das diversas partes que a compõem. 


O piso é a superfície horizontal do degrau, já a superfície vertical é denominada espelho. Uma seqüência ininterrupta de degraus é chamada de lanço, sendo que quando um lanço conduz a uma direção diferente, este é denominado braço de escada. Um patamar é o elemento que conecta dois ou mais lanços. Uma escada em caracol, ou escada espiral se eleva dando voltas em torno de uma coluna ou um vão. As escadas existem a tanto tempo quanto a arquitetura. Apesar de os gregos e romanos aparentemente não terem se interessado em dar um uso arquitetônico para as escadas, assim como durante a era medieval elas eram invariavelmente utilitárias, estas passaram a ter grande importância para a arquitetura a partir do Barroco, com o surgimento de escadas monumentais e inovadoras, tanto na estética quanto na técnica. Na arquitetura do século XX, a escada assume nova conotação como um dos elementos volumétricos mais expressivos da construção. 



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Escala Cromática




Escala Cromática


Escala que consiste de doze graus ascendentes e descendentes, em semitons.



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Escala Maior




Escala Maior


Série de oito sons sucessivos, com uma distribuição de tons e semitons, dentro do seguinte esquema: 1-1-1/2-1-1-1-1/2.



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Escala Menor




Escala Menor


Natural


Série de oito sons sucessivos, com uma distribuição de tons e semitons, dentro do seguinte esquema:  1-1/2-1-1-1/2-1-1.


Harmônica


Série de oito sons sucessivos, com uma distribuição de tons e semitons, dentro do seguinte esquema: 1-1/2-1-1-1/2-1-1/2-1/2.


Melódica


Série de oito sons sucessivos, com uma distribuição de tons e semitons, dentro do seguinte esquema: 


Ascendente: 1-1/2-1-1-1-1-1/2


Descendente: 1-1-1/2-1-1-1/2-1.



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Escarpa




Escarpa


Normalmente a escarpa é o nome dado ao lado interior de um fosso ou vala. Em arquitetura militar, a barreira ou parede imediatamente à frente ou abaixo do baluarte.



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Escocesa




Escocesa


Dança rápida em ritmo binário que, ao contrário do que o nome sugere, é originária da Inglaterra.



Titulo:
Escola Nacional Superior de Belas Artes ( França )

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Escola Nacional Superior de Belas Artes ( França )




Escola Nacional Superior de Belas Artes (França)


Trata-se da principal e mais tradicional escola de artes francesa, que teve, entre seus alunos, artistas como Degas, Matisse, Manet, Monet e Renoir. Situa-se em Paris, num complexo arquitetônico do século XIX. É considerado extremamente difícil o acesso à instituição, que recusou artistas como Rodin e Vuillard.


Possui uma grande coleção de trabalhos artísticos, com destaque especial para os desenhos. Costuma abrigar, ainda, exposição de curta duração.


Suas origens remontam ao século XVII e à fundação da Académie Royale de Peinture et de  Sculture. Somente separou-se como instituição autônoma em 1795, graças às reformas administrativas propostas após a Revolução Francesa.


O destaque de um aluno nesse tipo de instituição extremamente prestigiada poderia, durante muito tempo, bastar para garantir o sucesso de um artista (em particular nos séculos XVIII e XIX). Ingress, por exemplo, foi um dos pintores premiados na escola com o famoso Prix de Rome.



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Escultura




Escultura


As esculturas são resultantes da criação de formas tridimensionais com finalidades estéticas e artísticas. É interessante estabelecer uma distinção entre a escultura e a arquitetura: enquanto a segunda modela os espaços vazios, visando inclusive fins utilitários para este espaço, a primeira visa modelar o espaço ocupado por um corpo sólido.


Dois tipos elementares de escultura são as esculturas em relevo, em que uma forma em relevo é esculpida em uma superfície plana, portanto podendo ser visualizada apenas a partir de um único ângulo, e a escultura tridimensionalizada, que pode ser observada através de vários ângulos.


A escultura é servida por diversos materiais: para cada material, várias técnicas são empregadas. Por exemplo, a escultura em metais pode envolve a fundição de substâncias metálicas, a soldagem etc. Já os escultores que utilizam minerais em estado bruto modelam a forma original destes materiais através do entalhe, em que vários instrumentos são utilizados.


A origem da escultura pode ser remontada ao surgimento do homem na Terra, sendo um elemento constante nas culturas de todos os povos ou comunidades do mundo. Como todas as artes, a escultura também teve origens religiosas, com a representação de divindades e ídolos. A mentalidade primitiva tinha por crença o fato que a representação de objetos ou mesmo seres vivos significava a posse desse objeto ou ser, assim como a participação de seus poderes e até mesmo a submissão do objeto ou ser à vontade do criador de sua escultura. Ainda, a escultura para o primitivo também era utilizada na representação de entes abstratos, como os deuses que regem os próprios poderes da natureza. 


Na verdade, existem duas técnicas básicas empregadas na confecção de uma escultura. Tais processos dependem do próprio material a ser empregado: existe a modelagem, em que a escultura é feita a partir de materiais plásticos como a argila e a cera, ou ainda quando o material pode ser fundido, como o metal, caso este em que um molde é utilizado para a modelagem; já o processo da entalhadura é empregado para materiais mais sólidos como pedra, mármore e madeira. Entre as demais técnicas utilizadas em etapas posteriores de aperfeiçoamento estão a cinzeladura, a raspagem e o debastamento. 


Em toda a história da produção da escultura mundial podem ser identificadas genericamente duas vertentes conceituais sempre recorrentes: o idealismo e o materialismo. Enquanto o materialismo fixa-se nas formas encontradas na natureza, encontrando nesta a fonte de maior beleza de formas, o idealismo tende a encontrar nas idéias a fonte para a inspiração e para a criação de formas através dos sentidos e de estados anímicos. Enquanto a primeira tendência possui características mais miméticas, a segunda tendência busca a criação de novas formas que nem sempre têm representação no mundo natural. 


Uma das mais antigas tradições artísticas, no que se refere à escultura, provém do Egito antigo.. Pode-se observar que algumas características são comuns a toda a produção da escultura egípcia da antiguidade. Algumas leis regiam o modo de representação nas esculturas. As esculturas possuíam dimensões gigantescas, portando, sempre um aspecto solene e sagrado. As convenções representativas em parte derivavam da religiosidade, em parte das necessidades dos escultores, pois as dimensões gigantescas das esculturas requeriam o emprego de muitos escultores simultaneamente, e tais diretrizes representativas também tinham por função a manutenção de uma unidade nas obras. 


A cultura greco-romana deixou para a história um impressionante legado em sua produção de esculturas. As esculturas gregas e romanas possuíam a visão realista detalhada em conjunto com a forma idealizada. Já as civilizações minóicas e micênicas (por volta de 1600 a 200 anos a.C.) possuíam um conjunto de esculturas que foram bastante influenciadas pela arte egípcia, tendo muitos exemplares esculpidos em larga-escala. As representações das esculturas dirigiam-se tanto aos homens quanto às divindades. Devido às grandes rivalidades dos romanos com outros povos, pouco da escultura dos povos conquistados sobreviveu até nosso tempo. 


As obras de escultura do povo etrusco fazem parte desse contexto. Algumas esculturas etruscas em terracota demonstram uma grande influência grega nas artes etruscas. Tais figuras podem ser associadas a motivos ornamentais de sarcófagos e tumbas. 


As esculturas produzidas no período do império bizantino (cristianização do império), ao contrário do período anterior, deixaram de demonstrar o interesse constante pela produção de monumentos oficiais. 


Os esforços de Carlos Magno para o reerguimento do Império Romano no Oeste teve como uma das conseqüências um verdadeiro renascimento nas artes. A escultura em pedra foi ressurgindo gradativamente, inicialmente surgida em forma de narrativas religiosas. 


A partir do século XIII fizeram-se presentes as primeiras formas da escultura gótica. Os escultores aos poucos foram se afastando das motivações religiosas, mostrando-se mais interessados na representação imitativa da natureza. Foi a partir deste período que a escultura foi sendo desvinculada da arquitetura, ganhando autonomia, como uma arte independente. 


Foi durante os séculos XIV e XV que a escultura ganhou total independência de seu caráter anterior de ornamentação de edifícios arquitetônicos. O caráter imitativo realista fez-se dominante, ainda que bastante impregnado de misticismo apaixonado. No período renascentista, a Itália tornou-se o centro das atividades artísticas na Europa. Voltou neste período o interesse pela produção artística da antiguidade clássica, como decorrência da decadência do realismo da arte gótica (sobretudo franco-alemã). Os moldes da arte da antiguidade surgiram como paradigmas para a correção dos exageros cometidos na representação gótica da natureza, dessa forma, então, resgatando o próprio sentido de “natureza”. A forte emoção mística gótica vai sendo substituída pela deleitação espiritual, de feições naturalistas. 


Nos séculos XVII e XVIII as tendências idealistas, emblemáticas e mitológicas foram absorvendo toda a produção da escultura, já adquirindo as características de rebuscamento da arte barroca e rococó. As esculturas passaram, neste período, a ser expostas não apenas em catedrais e praças públicas, mas também em salões. A escultura, desta forma, passou a perder em grandiosidade mas, em contrapartida, ganhou em intimidade. 


No século XIX a escultura aderiu aos ideais da Revolução Francesa, desta forma embebendo-se do racionalismo. Houve uma retomada de expressão dos modelos helênicos pelos chamados neoclássicos, mas estes modelos logo foram sendo substituídos através da reação dos chamados românticos. A tônica do Romantismo era a oposição à disciplina da Razão. Desta forma, com a representação das violentas emoções, alguns detalhes plásticos essenciais eram esquecidos, e a escultura romântica assim foi cedendo lugar aos naturalistas e realistas. Estes últimos buscavam a realidade mais objetiva, ao contrário do subjetivismo dos românticos. 


Foi no século XX que a escultura, assim como as artes de uma maneira geral, experimentou uma grande gama de renovações estéticas. A predominância do princípio da forma ideal e dos detalhes realistas da antiguidade foi definitivamente anulada com o surgimento do cubismo e da arte abstrata. As tendências multiplicam-se como o surgimento do expressionismo, do surrealismo e do futurismo. A arte elaborada por todas estas correntes foi predominantemente idealista. A preocupação principal, comum a todas estas correntes, é a reflexão acerca do homem moderno.



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Escultura

Escultura


Imagem da seção de Arte.


Escultura de Museu Arqueológico Espanhol.


Copyright: Cortesia Consulado da Espanha.



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Espaçadores




Espaçadores


Pedaços de filme magnético mudo, utilizados na montagem sincronizada, para rechear os trechos da trilha sonora em que não há sincronia.



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Estética (arte)




Estética (arte)


O termo estética foi utilizado pela primeira vez na História da Arte pelo filósofo alemão Alexander Gottlieb Baumgarten (1714 - 62). Costuma referir-se ao estudo da percepção do belo, tanto conceitualmente quanto a partir das reações provocadas pela criação do artista ou pela natureza.


O uso dessa palavra já foi bastante criticado, atacado como “ um termo bobo e pedante “ por publicações como a Encyclopaedia of Architecture, de Gwilt (1842). Entretanto, por sua funcionalidade na expressão de temas de natureza tão subjetiva como arte e beleza, é bastante utilizado (apesar de ser necessário um extremo cuidado em seu uso para não criar erros conceituais ou limitar uma obra, um movimento ou uma época).



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Esteticismo




Esteticismo


Esteticismo é a denominação geral para várias tendências que exageram a auto-suficiência da arte e sua independência de qualquer outro valor, seja ele moral, religioso, político ou social. Em suas manifestações mais fortes, os valores estéticos têm predominância sobre todos os demais aspectos a vida, numa atitude elitista em relação à arte.


O esteticismo teve especial força no século XIX, expressando-se principalmente através da frase “ a arte pela arte “ (“ art for art’s sake “) que parece ter sido proferida pela primeira vez pelo filósofo francês Victor Cousin (1792 - 1867).


Encontrou terreno fértil para seu desenvolvimento principalmente na Inglaterra do século passado, recebendo várias críticas de importantes pensadores da época, como Thomas de Quincey. Por outro lado, era valorizado por outros críticos e ensaístas como Walter Pater (1839 - 1894). Seguidores de movimentos no país  como a “ Irmandade Pré- Rafaelita “, que dava extremo valor a uma sensibilidade cultuada na apreciação do belo pelo belo, também tinham fortes características esteticistas, encarcerando o artista numa “ torre de marfim “, como expressou-se a esse respeito o crítico Sainte-Beuve (1804-69).


Até mesmo em Oscar Wilde podem ser notadas evidências do culto ao esteticismo que marcou principalmente o século passado inglês.


As principais reações a essa tendência surgiram de movimentos como “ Arts and Crafts “ (Artes e Ofícios), liderados por William Morris e Lethaby, com características sociais e artísticas que buscava revalorizar o artesão, produzir arte para as massas e lutava contra o exagero do culto à estética . Tolstoy, em “ O que é Arte ? “ também protestou contra o desligamento da arte de valores morais.


No século XX vemos legados mais brandos do esteticismo, principalmente no que se refere à vida própria dos padrões estéticos. Entretanto, uma arte desvinculada do objeto de representação e sem qualquer relação com quaisquer outros motivos da vida do homem não resistiu ao impacto dos movimentos de vanguarda que originaram a arte contemporânea.



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Estilo




Estilo


Trata-se de uma espécie de ponteiro, ou metal pontudo, normalmente de ferro, podendo também ser de osso ou outro material, utilizado para fazer marcas sobre uma superfície. Pode ser usado para a escrita, como na época clássica, para realizar gravações em ouro, por exemplo, ou ainda passar os contornos de uma composição dos cartoons para os afrescos.


Nos desenhos arquitetônicos costuma ser usado nas linhas de perspectivas e de medida, além de dar acabamentos a composições.



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Estromatolites




Estromatolites


Um processo muito comum em rochas do período pré-cambriano é o acúmulo de grãos de sedimentos dispersos em águas rasas. Tal acúmulo é realizado através do emaranhamento de bactérias microscópicas e filamentos de algas pegajosas, que por sua vez retêm os grãos de sedimentos, formando assim as chamadas estromatolites. A formação de estromatolites cuja data é mais recente é considerada importante, pois é verificado que estas se formam através de algas e microorganismos fotossintéticos e, desta forma, supõe-se que já em períodos remotos havia organismos também capazes de realizar a fotossíntese. O aspecto das estromatolites é formado de estruturas laminadas minúsculas e estas formações raramente conseguem persistir por um longo período. No entanto, as estromatolites que resistiram ao tempo constituem evidências para a existência de uma antiqüíssima comunidade de microorganismos fotossintéticos (ou seja, capazes de sintetizar compostos orgânicos a partir do gás carbônico absorvido, utilizando a luz solar como fonte energética para a realização deste processo).



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Estudo




Estudo


Peça musical dedicada à formação do instrumentista. Chopin escreveu estudos memoráveis que transcenderam o objetivo de puramente formar tecnicamente o pianista.



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Etalonagem




Etalonagem


Ajuste da exposição e o equilíbrio de cor, com a finalidade de corrigir os defeitos do original. A operação é controlada eletronicamente, ou através de uma fita perfurada.



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Eugène Delacroix




Eugène Delacroix (1798 - 1863)


Eugène Delacroix (1798 - 1863) é considerado o grande nome do Romantismo francês, tendo deixado, além de uma espantosa quantidade de obras de qualidade como pintor, escritos com considerações importantes sobre a arte em geral e a arte de sua época, mostrando as opiniões contemporâneas.


Suas grandes influências foram seu professor Baron Guérin, Géricaulte, Antoine-Jean Gros, além de Rubéns e a escola de Veneza (em especial Veronese). Conta-se inclusive que a partir da observação e cópia das obras desses dois últimos pintores admirados no Museu do Louvre aprendeu grande parte de sua técnica pictórica.


Em sua época, seu principal adversário era o neoclássico Jean Auguste Ingres. Delacroix, influenciado por Rubéns, acreditava nas cores e na imaginação como os elementos essenciais para uma boa pintura, ao passo que o desenho e a antiguidade clássica eram os pontos defendidos por Ingres. Essa valorização das cores, mais comum em seu estilo a partir do final da década de 1830, por sua vez, teve grande influência em pintores como Seurat.


Entretanto, o próprio Delacroix, com seu gosto pela subjetividade e carga emocional nas pinturas, dizia-se bastante influenciado pelos clássicos, realizando inclusive desenhos preparatórios antes de seus trabalhos maiores.


Além disso, era conhecido por sua temática religiosa. Como exprimiu-se Van Gogh, um de seus grandes admiradores “somente Rembrandt e Delacroix podiam pintar a face de Cristo“. Foi bastante prestigiado em sua época, sendo admirado por personalidades como Baudelaire. Era um dos principais realizadores de pinturas monumentais, principalmente pinturas murais na França, sendo chamado para decorar inúmeros edifícios públicos do país como o Palácio Bourbon.


“Jacó, o Anjo e Heleodoro banidos do Templo” é considerada uma de suas melhores obras dessa natureza. A riqueza decorativa das cores e a grande expressividade monumental são considerados os principais atributos da obra.


Além da temática religiosa, interessava-o a temática social, como as lutas populares. “Liberdade Guiando o Povo“ é uma obra bastante ilustrativa desse traço de seu caráter, que encontrou boas condições para se desenvolver na França de então. Mostra uma altaneira mulher no centro superior do quadro, segurando as três cores do símbolo francês. Uma enorme quantidade de pessoas carregando várias armas, mortos em primeiro plano e as torres da Catedral de Notre Dame também fazem parte da obra. A luz ilumina e desenha sombras de alguns personagens. Ao fundo há uma tênue fumaça.


O Norte da África também forneceu grande quantidade de inspiração romântica ao pintor quando lá esteve em 1832. “Fantasia Árabe“ pode exemplificar essa influência do mundo árabe em sua obra. Mostra a cavalaria árabe em grande velocidade com suas armas apontadas para a frente. Um coronel, com seu cavalo empinado está em primeiro plano, numa pintura carregada de intensidade, energia e excitação romântica.



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Exposição




Exposição


Processo de exposição do filme ao contato com a luz. O grau de exposição é o resultado do tempo que se expõe cada fotograma pela da objetiva. Como no cinema normalmente o tempo é fixo, a exposição é indicada unicamente pelo diafragma.



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Expressionismo (artes)




Expressionismo (artes)


O Expressionismo, através da distorção de formas e uso característico de cores e linhas procura imprimir impacto emocional aos trabalhos artísticos. De um modo geral, o termo pode designar qualquer trabalho na História da Arte em que o naturalismo cedeu espaço a essa representação emocional e distorcida do mundo - freqüente na arte nórdica. Entretanto, como um movimento (e escrito com maiúsculas), o Expressionismo tem suas origens no final do século XIX e começo do século XX, principalmente através de artistas como Van Gogh, Gauguin (que, apesar de ser considerado simbolista, exerceu grande influência sobre o movimento, exatamente através do aspecto simbólico de suas obras e exotismo), James Ensor (com seu isolamento e expressionismo místico. “Menina com Boneca“ pode exemplificar sua obra), Munch e o grupo parisiense Fauves (liderado por Matisse).


No desenvolvimento do expressionismo alemão teve grande importância os tratados de Worringer sobre a arte nórdica e o inquieto homem nórdico, com sua tendência para a realização de trabalhos intensos e a distorção de formas que expressassem um mundo hostil, que acabaram por fornecer justificação teórica para o expressionismo (são eles “Abstraktion und Einfühlung“, de 1908 e “Formprobleme der Gotik“, de 1912). Além disso, dois grupos influentes expressionistas foram montados no país: Die Brücke, em Dresden, 1905 e Der Blaue Reiter, em Munique, 1911 - 1912.


Apesar da formação desses grupos, o expressionismo fundamenta-se basicamente na individualidade e alto grau de subjetividade do artista, expressando, na grande maioria das vezes, naturezas isoladas e místicas.  (Nesse ponto, cabe ressaltar o papel da formação dos grupos mais como uma estratégia de melhor divulgação de idéias e concentração mais fácil de meios materiais para a realização de trabalhos). Paula Modersohn - Becker (1876 - 1907), por exemplo, apesar de extremamente influente no movimento, manteve-se bastante isolada e com um trabalho independente que de modo algum pode deixar de ser considerado expressionista. Suas principais influências eram Gauguin e van Gogh (compreendidos de um modo muito particular), os Fauves - com quem teve contato na França - e até o romantismo alemão.


Käthe Kollwitz (1867 - 1945) e Karl Hofer (1878 - 1955) são outros exemplos de artistas independentes, com fortes trabalhos expressionistas.


Os fundadores do Die Brücke (A Ponte) foram Ernst Ludwig Kirchner (1880 - 1938), os arquitetos Fritz Bleyl, Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff. Juntaram-se a eles Otto Mueller (1874 - 1930), Max Pechstein (1881 - 1955) e Emil Nolde (1867 - 1956), entre outros. O grupo era bastante próximo estilisticamente dos Fauves, também bastante influenciados por Gauguin e van Gogh e bastante habilidosos no trabalho com xilogravuras.


Nolde, apesar de ter ficado menos de dois anos no grupo, merece destaque especial. A temática religiosa era bastante presente em suas obras (sugerindo proximidade com as cenas fantasiosas e emocionais do pintor Hieronymus Bosch (1410 - 1516). “Santa Maria do Egito entre os Pecadores“ e “O Limoal“ são bons exemplos de seus trabalhos.


O grupo dissolveu-se em 1913 (apesar de seus artistas continuarem fiéis ao expressionismo) com o aumento das diferenças estilísticas e as exigências do mercado comercial, difundindo  o expressionismo na Alemanha. Em Munique, desde 1911, outro agrupamento, o Der Blaue Reiter (O Cavalheiro Azul, nome vindo de uma pintura de Kandinsky), formava-se, contando com artistas extremamente importantes para a arte do século XX, como Wassily Kandinsky, Paul Klee (1879 - 1940) e Franz Marc (1880 - 1916). Apesar da curta duração - dissolveu-se na Primeira Guerra Mundial - o grupo, que se concentrava bastante na condição espiritual do homem, foi bastante influente.


Franz Marc concentrava-se principalmente na representação de animais  (seguindo as distorções expressionistas, como atesta “Destinos dos Animais“) destacando-se seus estudos de cavalos vermelhos e azuis. O artista morreu na Primeira Guerra Mundial.


O russo Kandinsky, além de suas obras artísticas, como as pinturas sem preocupações com a objetividade e sim com a expressividade e espontaneidade, é considerado um dos mais importantes artistas do século. Seus escritos sobre arte também exerceram grande influência sobre os artistas contemporâneos (em que formula, por exemplo, ser a obra de arte uma expressão exterior de necessidade interna). Destacam-se “Sobre o Espiritual na Arte“, publicado em 1912, com literatura de arte e “Improvisações“, como amostra de suas pinturas expressionistas.


O suíço Paul Klee é outro importante nome da arte do século XX que esteve ligado a esse movimento expressionista de Munique a partir de 1912. Entretanto, Klee, ao longo da carreira, mostrou-se dono de um estilo próprio e bastante individual, que tornam difícil considerá-lo apenas um artista expressionista.


Realizou pinturas, desenhos, trabalhos gráficos (como a série de águas-fortes “Invenções“), escreveu teorias sobre arte. É difícil optar por qualquer obra representativa de seu trabalho, devido à enorme variedade que existe entre elas. São algumas obras suas: “Cabeças”, de 1913, “Cena de Batalha da Ópera-Cômica Fantástica Simbad, O Marujo“, de 1923 e “La Belle Jardinière“, de 1939.


Uma das principais características de sua produção é o abstracionismo, a importância da cor (adquirida especialmente após uma viagem à Túnis), do movimento e a aproximação que faz entre a música e as artes plásticas, com suas “sonoridades colorísticas“. É famosa sua frase “A arte não restitui o visível; ela torna visível“. Busca representações que possam expressar a natureza mais fundamental do homem, os arquétipos, sem deixar, contudo, que sua obra perca o humor característico. Lecionou ainda na Bauhaus de Weimar e na Academia de Dusseldorf. No Museu de Berna, Suíça, foi criada a Fundação Paul Klee.



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Expressionismo (música)




Expressionismo (música)


Período na história e evolução das artes que se estende de 1910 a 1930. A Escola de Viena produziu notáveis compositores, como Schoenberg, Webern e Berg. O subconsciente era a fonte de inspiração na estética expressionista.



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Expressionismo Abstrato




Expressionismo Abstrato


O Expressionismo Abstrato foi um movimento que floresceu em Nova York a partir de 1940 e acabou exercendo forte influência sobre a Europa nas décadas de 50 e 60 desse século (foi o primeiro movimento que seguiu o caminho inverso do tradicional: em vez de seguir da Europa para a América, foi da América para a Europa).


Entretanto, esse termo já era utilizado para alguns trabalhos de Kandinsky, em especial os do começo de sua carreira.


Anunciava o surgimento de uma arte “verdadeiramente norte-americana“, com forte domínio do subconsciente (o automatismo, conceito forte em movimentos como o Surrealismo, aqui também encontra-se presente, principalmente na forma das Action Paintings) e tinha, entre seu principal expoente, Jackson Pollock.


As principais características do Expressionismo Abstrato eram a revolta contra a pintura tradicional, a liberdade e a espontaneidade. Quanto à espontaneidade, em especial, as Action Paintings de Pollock - outro nome pelo qual é conhecido o Expressionismo Abstrato, ou seja, um método de pintura que privilegiava a rapidez da execução, a espontaneidade “eruptiva“ e condenava a premeditação - são bastante bem sucedidas. Esse método foi introduzido nos Estados Unidos principalmente pela presença de franceses surrealistas refugiados de guerra, em especial, André Masson (que apesar de surrealista, possuía divergências com o estilo de Breton).


Pollock foi um dos artistas americanos mais influenciado por Masson, como atestam obras como “Esforço para Dormir“. O artista, entretanto, consegue imprimir sua própria leitura e estilo à herança surrealista francesa, como atesta “A Loba“ (The She-Wolf). Ele também descarta as imagens fantásticas do grupo europeu, priorizando as abstrações. “Retrato e um Sonho“, de 1953, é outra obra representativa do artista.


Morto em acidente em 1956, Pollock é considerado um dos principais nomes da pintura norte-americana. Um dos aspectos mais curiosos ligados à sua personalidade era a maneira como realizava suas obras: estendia a tela no chão, utilizando-se de varas, facas, colheres de pedreiros, gotejamento de líquidos e até areia, com a finalidade de tornar-se parte integrante de sua obra e fazer com que “a vida“ da pintura “viesse à tona“ (daí o conceito de Action Painting).


O termo expressionismo abstrato, entretanto, acabou ainda sendo aplicado à obra de artistas como Willem de Kooning (nascido na Holanda) e Mark Rothko (nascido na Rússia). O primeiro não possui uma obra considerada totalmente abstrata, nem o segundo uma considerada expressionista (é menos agitada que a de seus colegas americanos, sendo chamada de color field painting e não de action painting).


O Tachisme, ou a marca deixada pelo pincel, baseada na caligrafia oriental (em especial a chinesa), também teve grande influência sobre o Expressionismo Abstrato.



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Fagote




Fagote


Assim como o oboé, o Fagote foi desenvolvido no Século XVII. O fagote pertence ao grupo das madeiras na orquestra sinfônica. É um instrumento de palheta dupla e foi aperfeiçoado pelo alemão Heckel no século XIX. Paralelamente ao desenvolvimento na Alemanha, Buffet-Crampon desenvolveu na França uma versão diferente, que é muito utilizada nas orquestras da Bélgica, França e Itália.



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Fantasia




Fantasia


Composição musical onde o compositor expressa suas idéias sem compromisso com as formas musicais existentes.



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Fauvismo




Fauvismo


Nome dado à tendência estética na pintura que buscou explorar ao máximo a expressividade das cores na representação pictórica. O fauvismo teve origem no final do século XIX ao contar com precursores como Paul Gauguin e Vincent Van Gogh. Do estilo destes foi imitado pelos chamados fauvistas o uso exacerbado das cores agressivas e a representação plana, que imprimia grande teor dramático à representação pictórica. A tendência fauvista não só revolucionou o uso das cores na pintura moderna como foi uma das origens dos posteriores movimentos de ruptura estética nas artes plásticas.


O termo “fauvismo” na verdade teve origem a partir das observações corrosivas do crítico de arte Louis Vauxcelles após ter visitado uma mostra de pinturas de vários artistas, entre eles Henry Matisse. Vauxcelles utilizou a expressão “Les Fauves” ao se referir aos artistas. O uso pejorativo da expressão (que pode significar “os animais selvagens”) prevaleceu nas críticas imediatamente posteriores. Apesar da negação do rótulo e dos protestos pelos artistas integrados à nova tendência, que não chegaram a lançar nenhum manifesto teórico de afirmação e nomeação da sua linha estética, o termo “fauvismo” acabou permanecendo, talvez indevidamente, nos estudos da história da arte. Tendo curto período de existência, o que caracterizaria os movimentos vanguardistas posteriores, o “fauvismo” reuniu sob a liderança de Matisse pintores como Georges Braque, Andre Derain, Georges Roualt, Kees van Dongen e Raoul Dufy. 


 



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Fermata




Fermata


Pausa.



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Fídias




Fídias


Fídias é o artista mais famoso da antiguidade clássica, já sendo bastante reconhecido em seu tempo, contando com a patronagem do governante Péricles, da época de ouro ateniense. Viveu no século V antes de Cristo, tendo exercido profunda influência sobre os demais artistas do período clássico grego e artistas posteriores. Suas obras mais famosas hoje são esculturas, mas há referências sobre seu trabalho como pintor e sua habilidade com metais.


Conforme é normal nas obras gregas, só conhecemos seu trabalho através de relatos e cópias feitas por artistas posteriores. Recentemente (1972), foram descobertas, na Costa da Itália, duas esculturas de bronze representando guerreiros. Tendo sido identificadas como pertencentes ao período clássico grego, cogita-se que pertençam a Fídias, devido à alta qualidade apresentada pelas obras.


Entre 1954 e 1958, seu atelier em Olímpia foi escavado, tendo sido encontrado, além de fragmentos de trabalhos, uma espécie de cálice com a inscrição “Eu pertenço a Fídias“, considerado relíquia no Museu de Olímpia.


Especulações à parte, seus trabalhos mais conhecidos são as esculturas com roupagem em ouro e corpo de marfim de Atenas, no Partenon e Zeus, em seu templo de Olímpia. Ambas se perderam. A representação de Atenas, com cerca de nove metros, é conhecida através de suas cópias bem menores. A estátua de Zeus, conhecida principalmente através de gemas e moedas (originalmente com doze metros), é considerada uma das sete maravilhas do mundo antigo.


É no Partenon que se encontravam reunidas grandes obras do grego, extremamente valorizadas. Sabe-se que essas obras não poderiam ter sido realizadas somente pelo artista, mas presume-se que a equipe que as realizou tenha saído de sua oficina (não se conhecem ao certo seus nomes). Além disso, a qualidade não é uniforme e atribui-se a Fídias as melhores partes do trabalho. Tratam-se de ambiciosos frisos de cento e sessenta metros de comprimento, noventa e duas esculturas em relevo nas métopes do templo, além de outros grupos de figuras livres.


Conta-se que no final de sua carreira foi preso por Péricles, por irreverência, uma vez que colocou representações suas e do governante ateniense entre as dos deuses. (Antes disso já havia conseguido inocentar-se de uma acusação do mesmo governante por estar roubando ouro destinado às obras). A partir daí, os relatos são contraditórios. Plutarco afirma que o artista acabou morrendo na prisão, ao mesmo tempo que  outro escrito afirma que Fídias se libertara e somente após a prisão fez sua já mencionada estátua de Zeus.



Verbete:
Filippo Tommaso Marinetti




Filippo Tommaso Marinetti (1876 - 1944)


O poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876 - 1944) foi o fundador e principal mentor ideológico do movimento Futurista. Em 1909 espalhou pelo mundo um manifesto bastante retórico e emocional que sepultava o passadismo (a arte do passado) em nome de uma nova arte, o futurismo (a arte do futuro).


Possuía implicações políticas próximas aos ideais do estadista italiano Mussolini. Desejava libertar a Itália do enorme peso de seu passado histórico e inserí-la no mundo moderno.


Proclamava o ativismo, o movimento, a violência e a ode aos elementos da vida moderna, como as máquinas, consideradas, pela primeira vez belas e, de acordo com Marinetti, mesmo superiores aos trabalhos de arte do passado.


A junção de pintores e escultores a Marinetti consolidou o movimento Futurista (ver verbete). O Futurismo segue a tendência de alguns movimentos vanguardistas europeus de serem fundados ou coordenados por homens ligados à literatura.



Verbete:
Finale




Finale


Último movimento nas formas musicais clássicas. Também é a última peça de um ato na ópera.



Verbete:
Foco




Foco


Variação da distância entre a objetiva e o filme, cuja finalidade é a obtenção de uma imagem nítida do objeto.



Verbete:
Foco Automático




Foco Automático


Dispositivo eletrônico que ajusta o foco automaticamente.



Verbete:
Fórum




Fórum


Na arquitetura romana, o fórum é um espaço aberto central, comumente rodeado de edifícios públicos e colunatas.



Verbete:
Fotografia




Fotografia


A palavra "fotografia" originou-se da composição de duas palavras gregas utilizadas para designar luz (foto) e escrita (grafia). A fotografia trata-se da geração de imagens através de câmeras fotográficas. Estas últimas são instrumentos que permitem a otimização da incidência de luz sobre um material fotossensível: a luz incide sobre tal material (filme fotográfico) através de uma abertura normalmente munida de lentes. O filme, por sua vez, ao receber a luz refletida pelo objeto fotografado, tem reproduzida com grande fidelidade em sua superfície bidimensional a imagem do objeto fotografado.


Nas décadas que antecederam a publicação do invento da fotografia (1839), várias tentativas de se fazer uma foto foram realizadas. Algumas dessas tentativas foram bem sucedidas, realizadas individualmente por Louis J. M. Daguerre, Joseph Nicephore Niepce, Hippolyte Bayard e William Henry Talbot. As técnicas utilizadas por todos baseavam-se, na verdade, em dois processos de diversa ordem. Um dos processos utilizados envolviam uma sala escura; já era sabido desde o século XVI que a luz que passa por uma pequena fenda em uma das paredes de uma sala escura é invertida e projetada na parede oposta. Logo a fenda aberta foi substituída com o uso de lentes. O outro processo é de natureza química, com o uso de substâncias que escureciam com sua exposição à luz. Na época, estes dois processo eram utilizados separadamente, mas a fotografia, hoje em dia, utiliza-se destes dois processos combinados. A invenção de Talbot, o calotipo (1840), foi a que predominou, dado o uso do negativo. Essa técnica possibilita a reprodução de um número ilimitado de fotos a partir de um mesmo negativo. Aí está uma das características marcantes da fotografia no mundo moderno, que foi a maior revolução das comunicações, desde o advento da imprensa. Outra característica importante é a exatidão com que a fotografia reproduz as imagens, exatidão esta impossível de ser alcançada através da reprodução pela pintura. O mérito não é de cunho artístico, mas de cunho documental, tanto que as melhores fotografias artísticas contêm a intervenção do próprio fotógrafo no modo de representação da imagens fotografadas. As imagens representadas aproximam-se da própria visão pessoal do fotógrafo. Os recursos da fotografia são mais largamente utilizados para a documentação de eventos. Um dos maiores documentos fotográficos da história também é um dos primeiros trabalhos da fotografia enquanto registro da história em andamento: trata-se dos retratos da Guerra Civil Americana. As imagens não foram reportadas às batalhas, dada a própria insipiência técnica dos equipamentos. As fotos da guerra tratam-se de paisagens de destruição e de morte. A visão romântica da guerra, antes fornecida pelos romances, neste instante muito foi alterada com os recursos mais persuasivos da fotografia. Hoje em dia, muitas das imagens que temos, das regiões mais longínquas do mundo são fornecidas a nós pela fotografia, recurso este utilizado largamente pela imprensa mundial. A fotografia, como arte, passou a ser difundida mais amplamente a partir do  final do século XIX. Na verdade, os primeiros fotógrafos foram pintores e desenhistas. Desta forma, a fotografia já havia surgido como um novo meio de expressão artística. Toda realização artística fotográfica, neste período, era inevitavelmente comparada a desenhos e pinturas. Mas foi a partir da afirmação da fotografia como arte autônoma que a prática fotográfica de cunho artístico desvinculou-se de conceitos que eram aplicados à pintura e ao desenho. Com a afirmação do status artístico da fotografia, a partir de 1930, foram três as principais tendências: a utilização de novas tecnologias que permitem a captação de aspectos mais sutis da realidade; a utilização de câmeras que possibilitavam o uso de grandes negativos, que por sua vez tornam possível a obtenção de fotos muito ricas em tonalidades distintas, captando assim a realidade de maneira mais viva; a criação de formas abstratas através da captação da realidade por ângulos incomuns ou por técnicas diversas, assim obtendo uma maior autonomia estética.


Com a evolução dos equipamentos envolvidos nos processos fotográficos, hoje em dia vários acessórios existem para a otimização das imagens, possibilitando a reprodução de imagens sob as mais variadas condições de luz e ainda possibilitando variados resultados de efeitos de luminosidade e cor. Tais acessórios são as objetivas (como a teleobjetiva, utilizada para a captura de imagens de objetos em maior distância, a macro, utilizada no caso da grande proximidade dos objetos em relação à câmera, e a grande-angular, também chamada "olho-de-peixe", que aumenta o campo de "visão" da máquina fotográfica, gerando em alguns casos distorções nas imagens reproduzidas), além de filtros (como por exemplo os filtros polarizadores, que podem filtrar e portanto reduzir a grande reflexibilidade de objetos feitos de vidro e metal) e filmes das mais variadas características como, por exemplo, o grau de fotossensibilidade, os filmes em cores e em preto e branco.


O processo da fotografia ainda envolve o trabalho de laboratório na revelação dos filmes: em salas escuras, as imagens obtidas nos filmes fotográficos negativos são ampliadas sobre papéis fotográficos positivos através do ampliador fotográfico. Os papéis passam por processos químicos posteriores, sendo banhados em compostos químicos diversos como o revelador e o fixador (hipossulfato de sódio ou de amônio). Após a banhagem e posterior lavagem dos papéis fotográficos, estes passarão por um período de secagem. Destes processos resultam finalmente as fotos.



Verbete:
Fotômetro




Fotômetro


Instrumento que mede a quantidade de luz refletida pelo objeto. Sua graduação permite obter o diafragma e tempo de exposição ou velocidade.



Verbete:
Fotômetro de luz incidente




Fotômetro de Luz Incidente


Instrumento que mede a quantidade de luz que chega ao objeto.



Verbete:
Fotômetro de luz Refletida




Fotômetro de Luz Refletida


Instrumento que mede a quantidade de luz refletida pelo objeto.



Verbete:
Fotômetro de ponto




Fotômetro de Ponto


Instrumento que permite obter a exposição em uma zona muito pequena da cena e com uma grande precisão.



Verbete:
Francisco Goya




Francisco Goya (1746 - 1828)


Francisco Goya (1746 - 1828) passou por uma rápida aprendizagem artística na região de sua província natal, Saragoça. Após envolver-se em uma briga local vai para Madrid, onde começa sua carreira candidatando-se para a Academia de Belas Artes. Somente o pintor da corte Francisco Bayeu aprova sua candidatura. Tendo sido reprovado, conta-se que trabalhou em touradas nessa sua primeira permanência em Madrid.


Entre 1770 e 1771 foi para a Itália, retornando um ano após para Saragoça e realizando obras na região. De volta a Madri, casa-se com a irmã de Bayeu. Esse amizade com o pintor lhe abriria os caminhos para trabalhar na corte do rei. Passa de realizador de cartoons, para a fábrica de tapeçaria real, para principal pintor do rei Charles IV (1748 - 1819).


Seu estilo, nessa época, é considerado como um rococó tardio. Suas principais influências foram Tiepolo, que passou uma parte de sua vida trabalhando na corte real em Madri e mais tarde Velásquez e El Greco. Rejeitava a arte oficial e os velhos temas, como os bíblicos ou os temas históricos. Ao invés disso, valia-se da temática ligada à vida popular da Espanha.


Finalmente é aceito na Academia de Belas Artes de Madri, mas percebe que precisa continuar seus trabalhos na corte para prosseguir com sua carreira. Os retratos que realiza então são alguns dos trabalhos mais característicos de seu estilo e personalidade.


Em suas obras, deixava transparecer toda a fraqueza da corte. Rostos ambiciosos e vazios, expressões de futilidade e malícia são características de seus retratos da família real. Quadros como  “A Família de Charles IV“, ou  “O Rei Fernando VII da Espanha“, são exemplos de algumas de suas obras satíricas. Um dos traços mais curiosos é o fato dos governantes ridicularizados não perceberem a ironia nas obras do pintor.


Uma doença misteriosa que o deixara surdo, além de sua apurada observação, parecem marcar a predominância de temas mórbidos e bizarros em suas pinturas. Bruxas, demônios e demais elementos das crenças populares espanholas eram incorporados às suas obras, talvez como reflexos de seu conturbado mundo interno.


Através da adoção da nova técnica água-tinta - que lhe permitia sombrear em tons de cinza e preto as linhas de gravação em água-forte, seguindo a tradição de Rembrandt - realiza várias gravuras célebres. Entre elas a série de oitenta gravuras “Los Caprichos“, em água-tinta e água-forte, uma ilustração de seu imaginário, numa atmosfera de pesadelo: seres híbridos, homens com rostos destorcidos em cenas tragicômicas e cenas macabras marcam o trabalho. Além de dar voz à sua mitologia pessoal, realiza uma séria crítica de costumes e dos abusos da Igreja. Sua gravura em água-forte “O Gigante“, também mostra seu espírito de ruptura com a arte tradicional expressando, após muito tempo na História da Arte, uma visão pessoal, à semelhança dos escritores e poetas.


Durante a Guerra da Espanha com a França, em que os monarcas espanhóis acabam se acovardando diante dos invasores e o povo é vítima de grande sofrimento, realiza mais uma série de trabalhos que lhe garantem figurar entre os gênios de sua época. Impressionado pelas atrocidades da guerra, pinta “Fuzilamento“, “Três de Maio“ (1808) e a série de gravuras extremamente famosa “Desastres de La Guerra“ (1810 - 1814). Tratam-se de cenas com grande efeito dramático, mostrando episódios sangrentos e cenas de horror de uma maneira bastante real, num dos mais veementes protestos contra a crueldade de uma guerra.


Após a guerra, intensifica-se seu fascínio pelos temas de bruxaria e as figuras monstruosas e retorcidas, retirando-se da vida pública e recolhendo-se em sua casa de campo. Após um segundo ataque de sua doença, pinta grandes murais, em tons como o preto, o cinza e o marrom. “Saturno Devorando Seus Filhos“, por exemplo, é uma cena mostrada com particular ferocidade.


No período de sua morte na França, deixou uma produção de quinhentas pinturas a óleo e murais e cerca de trezentas gravuras e centenas de desenhos. Sua produção, extremamente original e revolucionária em sua época, foi definida por Baudelaire como um “absurdo possível“.



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Frans Post




Frans Post (1612 - 1680)


Frans Post (1612 - 1680) foi um paisagista holandês que esteve no Brasil no período de 1637 e 1644 e acabou sendo conhecido como o primeiro europeu a pintar paisagens do Novo Mundo. Veio ao país por intermédio da Companhia Holandesa das Índias Ocidentais, que teve papel de destaque na história da colonização brasileira.


O fascínio de Frans Post pela natureza brasileira, extremamente diferente da que conhecia em seu país de origem foi tamanho que, mesmo tendo regressado para a Holanda (trabalhando em Haarlem) continuou a pintar as paisagens brasileiras.


Ele especializou-se de tal forma em nossa flora e fauna que não se sabe que tenha se concentrado em outra temática em sua carreira. Suas obras caracterizavam-se pela extrema vida e charme com que captava o cenário brasileiro. O frescor com que as paisagens - exóticas para o pintor - eram captadas é outro mérito de seu trabalho.


Seu estilo naïve (ver primitivismo) só foi realmente reconhecido no século XX, tendo passado por um longo tempo de esquecimento (seu irmão, o arquiteto Pieter - 1608 - 1699 - era mais conhecido até então). Posteriormente, chegou mesmo a ser comparado ao pintor francês Douanier Rosseau, ativo no final do século XIX, começo do século XX, um dos mais celebrados artistas naïve.


Suas obras, hoje em dia, podem ser encontradas em museus como o Louvre, na Ham House, em Londres e na Galeria Nacional da Irlanda.



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Friso




Friso


	*ver ordem



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Fuga




Fuga


Das primeiras composições vocais do século XV até Bach, a arte da fuga passou por um longo período de desenvolvimento. A fuga nasceu diretamente das técnicas canônicas empregadas nas composições para órgão. No Século XVII ocorreu a separação da arte vocal da instrumental. Os instrumentos criaram vida própria e a música instrumental criou sua própria linguagem. Sendo a origem da fuga a mesma que da música polifônica, é também a mais antiga de todas as formas musicais. Frescobaldi (1583-1644) é considerado o inventor da fuga, embora os ingleses Tallys e Byrd tenham deixado fugas rudimentares, chamadas na época de ricercare. A fuga tem uma melodia de fundo que é chamada de motivo ou sujeito. A imitação da mesma melodia em outro grau da escala é chamada de resposta ou contra-sujeito. A base fundamental da fuga é a combinação das linhas melódicas desenvolvidas a partir de um único tema.



Verbete:
Fundação Maria Luisa e Oscar Americano




Fundação Maria Luisa e Oscar Americano


Fundada em 1974, foi inaugurada a 30 de maio de 1980. A fundação está localizada numa bela mansão do bairro do Morumbi em São Paulo e agrega um acervo que inclui mobiliário, medalhística, numismática, pintura, imaginária, prataria, porcelana. Desenvolve atividades tais como exposições, cursos e concertos musicais.


Endereço: Avenida Morumbi, 3.700, CEP 05606-300, São Paulo


Telefone: (011) 842-00 77 / Fax  846-69 41


Horário de atendimento: terça à sexta das 11:00 às 17:00 horas; sábados e domingos das 10:00 às 17:00 horas.



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Futurismo (arquitetura)




Futurismo (arquitetura)


Em 1909, Fillipo Tommaso Marinetti, escritor italiano, publica o Manifesto Futurista, inspirado pela evolução da técnica e dinâmica veloz da grande cidade. Era a reação entusiasta de uma classe de artistas contra a decadente arte burguesa do fim do século XIX. O movimento acontece na arquitetura em 1914, inserindo a Itália no debate arquitetônico europeu, quando do lançamento do Manifesto da Arquitetura Futurista, por Antônio Sant’Elia (1888 - 1916). Arquiteto e teórico do futurismo na Itália, Sant’Elia veio a falecer ainda jovem, em combate na Primeira Guerra Mundial, nunca tendo, assim, vindo a construir nenhum de seus projetos. “As novas técnicas, os novos materiais impossibilitam uma arquitetura de caráter clássico e tradicional. A cidade futurista deve ser como um grande estaleiro: ruidoso, ágil, movimentado e mecânico em todas as suas partes; a casa futurista deve se assemelhar a uma máquina gigantesca.” 


Essa arquitetura futurista se caracteriza pela total inspiração na máquina, uso de novos materiais, a predominância de linhas inclinadas e elípticas (supostamente dotadas de maior expressividade), ausência de quaisquer ornamentações, e a adequação do entorno de acordo com o “novo homem”. Por ter se colocado desde o início a serviço do Fascismo, o movimento esvaziou-se, com a derrota da Itália ao final da guerra; o que explica o fato de nunca se ter construído nenhuma obra futurista digna de importância e também do movimento nunca ter ultrapassado as fronteiras da Itália; apesar de ter vindo posteriormente a influenciar vários movimentos e arquitetos pelo mundo. 



Verbete:
Futurismo (artes)




Futurismo (artes)


O futurismo foi um movimento fundado pelo poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti, que redigiu um manifesto e tentou espalhá-lo em 1909. Nesse manifesto, já proclamava o fim da arte passada e a ode à arte do futuro (futurismo, daí o nome do movimento). Com implicações políticas, buscava tornar a Itália livre do peso de sua história e inserí-la no mundo moderno.


Ao poeta juntaram-se outros artistas - principalmente poetas e pintores - como Umberto Boccioni (1882 - 1916), Carlo Carrá (1881 - 1966), Giacomo Balla (1871 - 1958), Luigi Russolo (1885- 1947) e Gino Severeni (1883 - 1950) e em abril de 1910 era lançado um manifesto da pintura futurista, seguido por um manifesto da escultura futurista em 1912 e um livro sobre seus objetivos em 1914 (Pinttura,Scultura Futurista, Milão) os dois últimos escritos por Boccione.


O movimento, a velocidade, a vida moderna, a violência, as máquinas e a quebra com a arte do passado eram as principais metas do futurismo. Somente a forma e a cor não mais bastavam para representar o dinamismo moderno.


“Deve ser feita uma limpeza radical em todos os temas gastos e mofados a fim de se expressar o vórtice da vida moderna - uma vida de aço, febre, orgulho e velocidade vertiginosa“, declaram no manifesto de 1910.


Até 1912, as influências maiores na maneira como davam formas artísticas às suas idéias era a dos impressionistas e pós-impressionistas, artistas que já apresentavam certa preocupação em representar o dinamismo. Após 1912, uma exposição em Paris marca a hegemonia da influência cubista sobre a arte do grupo.


Os artistas futuristas deparavam-se com o sério problema de representar a velocidade em objetos parados. As soluções normalmente foram a representação de seres humanos ou animais com múltiplos membros dispostos radialmente e em movimento triangular.


Forças mecânicas ou físicas eram fontes temáticas bastante freqüentes, em especial nos primeiros trabalhos futuristas. “Automóvel e Ruído“, de Balla ou “O que o Bonde me contou“, de Carrá, são bons exemplos desses quadros.


Talvez Boccioni, uma das principais forças do futurismo, tenha sido o artista mais bem-sucedido na representação da velocidade. “Formas Únicas de Continuidade no Espaço“ transmite o efeito de projeção no espaço (diferenciando-se, de acordo com Herbert Read, em História da Pintura Moderna, do vigor dinâmico barroco, por não mais gravitar em torno de si).


A Primeira Grande Guerra Mundial e a morte de Boccioni em 1916 (havia sido ferido no conflito) foram golpes decisivos no movimento futurista que acabou se dissolvendo. Entretanto, os futuristas deixaram contribuições importantes para a arte do século XX, seja no futurismo russo (composto por artistas como Malevitch) ou no dadaísmo. Também teve grande influência para artistas importantes como Marcel Duchamp e Delaunay em atentá-los para a representação do movimento que acabaria marcando os estilos característicos dos artistas.


De qualquer forma, foram um dos pioneiros a chamar a atenção para a nova vida que se punha à frente do a essa nova vida (como as máquinas).



Verbete:
Gaillard




Gaillard


Dança ternária em tempo rápido muito em voga no século XVI.



Verbete:
Galeria




Galeria


O termo Galeria apresenta diversas conotações na arquitetura. Genericamente define uma longa área coberta, externa ou interna à construção, que serve como passagem.


Na arquitetura religiosa, é também chamado de tribuna, e define um espaço acima do abside, voltado para a nave central. Em habitações ou prédios públicos, a Galeria é um ambiente que ocupa parte do térreo ou é anteposta a este, podendo ser também uma grande passagem, coberta ou descoberta, que conecta dois ambientes ou duas construções. No Barroco apresenta-se como um grande local para recepções nos castelos. Já em um teatro é como denominam-se as fileiras de assentos na parte superior, geralmente um mezzanino.O termo também é usado para definir um grande salão, geralmente em um andar superior, utilizado para recreação e diversão além de usualmente abrigar exposições de obras de arte (pinturas, esculturas, etc.). Vem daí o conceito de galeria de arte atualmente conhecido.



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Galeria Brera




Galeria Brera


Foi fundada em 1809 e localiza-se em Milão. Seu edifício situa-se no mesmo local onde se erguia a Igreja de Santa Maria di Brera. Seu acervo provém essencialmente da antiga Academia de Belas Artes, das igrejas e conventos pontifícios (1805-1811), da doação das coleções Eugène de Beauharnais, Sampiero e Oggioni (1855). É um museu predominantemente italiano, apresentando também artistas de Flandres, Espanha e Holanda. Destaques entre os artistas pintores da Itália presentes na Galeria Brera: Ambrogio Lorenzetti, Gentile da Fabriano, Piero della Francesca (com o famoso “Retábulo de Brera”), Rafael (com o óleo sobre madeira “O Casamento da Virgem”, de 1504), Orazio Gentileschi, Vincenzo Foppa, Bonifácio Bembo, Butinone, Bergognone,Bramantino, Caravaggio, Bernardo Cavallino, Jacopo Bellini, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Gentile Bellini (filho de Jacopo Bellini), Carlo Crivelli, Bartolomeu Montagna, Bartolomeu Veneto, Lorenzo Lotto, Ticiano, Bonifácio Veronese, Tintoretto, Paolo Veronese, Giovanni Battista Tiepolo, Canaletto (o maior paisagista veneziano), Francesco Guardi (também notável paisagista), Bernardo Bellotto (um grande paisagista veneziano como os dois anteriores), Correggio, Francesco Hayez e Giovanni Fattori, entre outros.


Entre os de Flandres, Espanha e Holanda temos El Greco, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Rembrandt van Rijn e outros. A Galeria Brera desenvolve exposições temporárias de desenhos e obras restauradas e apresenta concertos de música erudita. Tais concertos acontecem em salas com quadros contemporâneos à música que se está apresentando, a fim de que tudo se aproxime o máximo possível da época em questão.



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Galeria de Pintura de Berlim




Galeria de Pintura de Berlim


Fundada em 1823, a galeria reúne quase toda a pintura européia, desde o princípio do século XIII até o fim da tradição barroca. O museu formou seu acervo visando não mais os nomes famosos dos artistas, mas as criações dos grandes mestres que existiram no advento do desenvolvimento da pintura da Europa, tendo entre eles obras bem significativas de Giotto, Botticelli e Masaccio, na Itália, e Jan van Eyck, Hugo van der Goes e Roger van der Weyden, no Norte.


Houve, desse modo, uma reavaliação e uma nova posição de pensamento ante o fato artístico: é a presença do princípio científico do "colecionismo".


Frederico Guilherme I, o Grande Príncipe Eleitor (1640-1688), foi quem começou a colecionar as obras com regularidade. O rei Frederico I (1701-1713) aumentou a coleção de antigüidades. Frederico, o Grande (1740 -1786), já como Príncipe Herdeiro e depois como governante, colecionou a pintura francesa do século XVIII, que ainda continua sendo, fora da França, a coleção francesa mais significativa dessa época. Frederico, o Grande, além de mostrar interesse pela pintura contemporânea à sua época, também interessou-se pelas obras de gerações passadas. Foi ele quem mandou construir um Museu de Pintura que existe até hoje, em 1756, junto ao Palácio de Sans-Souci, sua morada favorita, em Potsdam. Trata-se do primeiro prédio a ter sido exclusivamente construído para funcionar como um museu. No seu último ano de vida, determinou que a Galeria fosse aberta aos estudantes da Academia de Arte, a fim de que pudessem estudar as telas.


O sucessor de Frederico, o Grande, foi Frederico Guilherme II, o qual ampliou mais as coleções e, em 1797, pouco antes de sua morte, mandou que se fizesse uma seleção das antigüidades e obras de arte que constavam nos palácios, com o objetivo de construir um museu. O impulsionador da decisão de construção do museu foi o arqueólogo e perito em arte Alois Hirt. A preferência, nesta seleção de obras, foi dada àquelas dos séculos XV e XVI. Frederico Guilherme III tornou todas as obras artísticas dos palácios disponíveis a Alois Hirt. Em 1820 criou-se uma comissão encarregada de fazer a seleção.


Em 1815 foi comprada a coleção Giustiniani, constando de cento e cinqüenta e sete quadros, dos quais setenta e três foram colocados posteriormente no museu. O fundador da coleção era o Marquês Vincenzo Giustiniani, o qual descobriu o grande talento nas obras de Caravaggio, renovador do início da pintura barroca. Das cinco obras de Caravaggio que chegaram a Berlim, somente “O Amor Vencedor” está hoje no museu; uma outra está no museu de Potsdam. As demais queimaram-se em 1945 com a guerra. 


Em 1821 foi comprada uma das coleções do inglês Edward Solly, constando esta de mil cento e cinqüenta quadros. Este inglês colecionou, principalmente, as obras primitivas dos alemães, holandeses e italianos.


Dos mil e duzentos quadros que passaram a formar a coleção final do museu, na seleção de obras, seiscentos e setenta e sete são da coleção Solly, trezentos e quarenta e seis procedem dos palácios reais e setenta e três são provenientes da coleção Giustiniani. Os outros cem quadros são advindos de compras isoladas feitas pela Comissão do Museu.


O edifício do museu, obra-prima do classicismo europeu, é da responsabilidade do arquiteto Karl Friedrich Schinkel (1781-1841). A construção foi inaugurada em 1830 e o Museu teve como diretor o Dr. Gustav Waagen, perito em pintura. Waagen, em 1832, tentou aumentar o acervo do museu na parte de obras do alto renascimento italiano, porque este estava insuficiente. Um grande número dessas obras acabou sendo destruída pelo fogo em 1945.


Wilhelm von Bode, outro diretor do museu, trabalhou incansavelmente pelo mesmo, de 1872 até sua morte em 1929. Fez várias aquisições muito importantes para o museu. Apesar de muitas obras terem sido perdidas em virtude da guerra, a coleção de obras de Rubens soma dezenove obras, sendo treze compradas por Bode. O acervo de pintura holandesa antiga do museu é também um dos mais ricos e completos no mundo e a pintura francesa antiga também está muito bem representada. Bode conseguiu adquirir, inclusive, obras italianas precursoras do início e do Alto Renascimento.


Um novo edifício foi construído pelo grande crescimento do número de obras. Inaugurado em 1904, o Museu Kaiser Friederich abrigou obras da Renascença e a coleção de esculturas que Bode conseguira.


Mas aí também tornou-se pequeno e então, em 1930, construiu-se outro: o Deutsches Museum ou Museu Dahlen, para onde passaram as pinturas dos velhos mestres alemães e holandeses.


Houve um mecenas das artes chamado James Simon que, em 1904, doou para o Museu Kaiser Friederich uma coleção importante de quadros, esculturas e estatuetas. Entre os quadros, destaca-se o apreciado '“A Virgem com o Menino adormecido”, do italiano Mantegna. Em 1920 fez nova doação: esculturas antigas, tapeçarias alemãs e pinturas.


A grande parte dos quadros desta segunda doação desapareceu no incêndio de 1945.


A guerra, infelizmente, pôs fim a inúmeras grandes obras de arte, entre elas, para citar uma pequeníssima parte, dez quadros de Peter-Paul Rubens, oito dos quais em formato monumental, característico desse grande pintor. Foi também terrível a perda da belíssima obra de Caravaggio, “Mateus Evangelista com o Anjo”. O acervo se empobreceu, na verdade. O outro novo museu foi projetado junto à extremidade sul do zoológico, próximo ao centro histórico de Berlim. 


Destaques entre pintores e algumas das belas obras do museu são Giotto, Simone Martini, Gentile da Fabriano, Domenico Veneziano (“Retrato de uma Jovem da Nobreza”), Andrea Mantegna (“A Virgem e o Menino dormindo”), Fra Filippo Lippi (“A Virgem e o Menino”), Francesco del Cossa (“Alegoria de Outono”), Piero del Pollaiuolo (“A Anunciação”), Carlo Crivelli (“A Virgem no trono com o Menino e Sete Santos”), Piero di Cosimo (“Vênus, Marte e Amor”), Rafael da Urbino (“A Virgem com o Menino”), Correggio (“Leda com o Cisne”), Caravaggio (“O Amor Vencedor”), Jan van Eyck (“Retrato de Giovanni Arnolfini”, “A Virgem com o Menino na Igreja”), Petrus Christus (“Retrato de Jovem”), Konrad Witz (“A Rainha de Sabá diante de Salomão”), Peter Paul Rubens (“Retrato de criança com um pássaro”), Albrecht Dürer (“Retrato de Hieronymus Holzschuher”), Rembrandt van Rijn (“O homem do capacete dourado”), Pieter de Hooch (“A mãe”), Jan Vermeer van Delft (“Casal bebendo vinho”), Frans Hals (“Aia e criança”) Hans Holbein, o Jovem (“Retrato do Comerciante Georg Gisze”), Lucas Cranach, o Velho (“Descanso durante a fuga para o Egito”), El Greco (“Mater Dolorosa”), Nicolas Poussin (“Júpiter criança amamentado pela Cabra Amalthea”) e Georges de La Tour (“São Sebastião chorado por Santa Irene e suas Mulheres”). 



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Galeria dos Ofícios de Florença




Galeria dos Ofícios de Florença


A Galleria degli Uffizi, como é bem conhecida, situa-se em Florença no chamado Palácio dos Uffizi. A família dos Médicis é responsável, no quattrocento, pela criação do fascinante acervo, que foi cedido ao Estado em 1737. As coleções ali encontradas são predominantemente pictóricas e a imensa maioria provém de autores italianos, assim como a escola de que trata é quase exclusivamente a da Renascença.


A sede atual foi criada em 1581, quando Cosme I, nomeado Grão Duque de Toscana, pediu ao grande Giorgio Vasari (1511-1574), pintor, arquiteto e autor das famosas “Vidas de artistas”, que são dos mais antigos e principais escritos bibliográficos da História da Arte, que construísse o monumental edifício para acolher as magistraturas do Estado. 


Francisco I, filho de Cosme I, decidiu destinar uma parte deste edifício aos tesouros artísticos acumulados.


O acervo dos Uffizi na atualidade é muito grande, abarcando toda a imensa construção e contendo, além das inumeráveis e famosas pinturas, desenhos magníficos, uma rica coleção de esculturas belíssimas e preciosas tapeçarias. A construção e a decoração internas do museu são extremamente suntuosas, numa maravilhosa fusão do mármore predominante no chão, com ricas e profusas ornamentações das paredes e dos tetos.


Alguns destaques entre pintores e obras nos Uffizi são Cimabue (“Madona e o Menino em Majestade”), Giotto (“Madona e o Menino em Majestade”), Simone Martini (“Anunciação”), a Escola de Lucca (meados do século XIII, “Crucifixo e História da Paixão”), a Escola de Pisa (segunda metade do século XII, “Crucifixo e História da Paixão”), a Escola Florentina (meados do século XIII, “Madonna Pisa”), Paolo Uccello (“A batalha de São Romano”), Fra Angelico (“A Coroação da Virgem”), Masaccio e Masolino (“Madona e o Menino com Sant'Ana”), Fra Filippo Lippi (“Madona e o Menino com dois Anjos”), Sandro Botticelli (“A Anunciação”, “A Virgem escrevendo o Magnificat”, “Madona da Romã”, “Alegoria da Primavera”, “O Nascimento de Vênus”), Rafael (“A Virgem do pintassilgo”), Leonardo da Vinci (“A Anunciação”, “Adoração dos Magos”), Alessio Baldovinetti (“Anunciação”), Giovanni Bellini (“Pietà”, “Alegoria Sagrada”), Andrea Mantegna (“Madona da Pedreira”, “Adoração dos Magos”, “Cardeal Carlo de Médici”, “Circuncisão ou Apresentação no Templo”), Pietro Perugino (“Retrato de um menino”), Domenico Ghirlandaio (“Adoração dos Magos”), Luca Signorelli (“Madona e o Menino”, “Sagrada Família”), Lorenzo di Credi (“Anunciação”), Michelangelo (“Sagrada Família”), Rosso Fiorentino (“Anjo Músico”), Bronzino (“Retrato de D. Garcia de Médicis “, “Eleonora de Toledo com seu filho Dom Giovanni”, “D. Garcia de Médicis”), Parmigianino (“A Virgem do pescoço longo”, “Madona de São Zacarias”), Hans Memling (“Virgem no trono entre dois anjos”), Ticiano (“A Vênus de Urbino”, “Retrato de um Cavaleiro de Malta”, “Flora”, “Retrato do Bispo Ludovico Beccadelli”, “Vênus e Cupido”), Andrea del Sarto (“Retrato da enteada do artista”), Correggio (“Descanso na Fuga para o Egito”, “Adoração do Menino”), Jacopo Pontormo (“A Ceia em Emaús”, “Retrato de uma mulher com uma cesta de fusos”), Paolo Veronese (“Sagrada Família com dois Santos”, “Anunciação”), Caravaggio (“Jovem Baco”), Albrecht Dürer (“A Adoração dos Magos”, “Madona e o Menino”, “São Filipe e São Tiago”, “Retrato do pai do Artista”), Lucas Cranach, o Velho (“Eva”, “Adão”), Rembrandt van Rijn (”Auto-retrato senil”, “Retrato do artista quando jovem”) e Peter Paul Rubens (“Retrato de Isabel Brandt, esposa do pintor”).



Verbete:
Galeria Nacional de Arte de Washington




Galeria Nacional de Arte de Washington


A Galeria Nacional de Arte, situada em Washington, foi inaugurada em 17 de março de 1941. Na cerimônia inaugural, o Presidente Franklin D. Roosevelt proferiu lindas palavras que valem a pena repetir: "O povo da América aceita a herança destas antigas artes...


Hoje, elas são o símbolo do espírito humano e do mundo de liberdade que o espírito humano criou... Um mundo contra o qual exércitos estão levantados, países são conquistados, homens encarcerados e seu trabalho destruído... O devotamento desta Galeria a um passado vivo, para um maior e mais rico futuro vivo, é a medida da honestidade de nossas intenções de que a liberdade do espírito humano precisa continuar a existir". Estas palavras do Presidente mostram claramente o quanto o governo americano respeita e rende tributos às artes.


O fundador da galeria foi Andrew Mellon, grande colecionador que na época, em 1937, era Secretário do Tesouro. Este político doou sua coleção de vinte e uma esculturas e cento e onze quadros à  Galeria. Os melhores quadros tinham sido comprados, por volta de 1930, do Museu Estatal Ermitage de Leningrado. Foi assim que se iniciou uma das mais belas coleções de arte clássica do mundo, mostrando que a disposição de particulares que realmente entendem a arte, na formação de um Museu, é que leva a reunir os melhores e mais selecionados acervos. Após a Primeira Guerra Mundial, Andrew comprou também obras das coleções dos grandes príncipes alemães. Na verdade, 80% das obras de arte apresentadas pela Galeria Nacional de Arte de Washington são advindas de doações de particulares: Andrew Mellon, seu fundador, Samuel H. Kress,Rush H. Kress, Chester Dale, Lessing J. Rosewald, Joseph E. Widener. O acervo, atualmente, soma mais de trinta mil obras. E tudo isso foi resultado de doação de particulares e de compra com fundos privados.


Andrew Mellon providenciou também fundos para a construção que iria alojar um acervo de tão alto teor artístico. Para isso, chamou o arquiteto John Russell Pope, incumbindo-o da edificação da majestosa e imponente obra. A conservação do edifício e de seu pessoal está nas mãos do governo dos Estados Unidos.


O museu possui em seu acervo quadros, desenhos, gravuras, peças decorativas, esculturas, que datam desde o século XII até os dias de hoje. Desenvolve inúmeras atividades e serviços, tais como conferências, filmes, exposições, serviço grátis de cicerones dentro do museu, pesquisas, publicações, fornecimento de até dez bolsas anuais para treinamento de jovens universitários. Mantém no Instituto Mellon, em Pittsburgh, que é um dos grandes centros de investigação científica no mundo, químicos que estudam vernizes, descoloração, adesivos, pigmentos, bases e tudo que se relacione à restauração e à conservação de obras de arte.


A música também está inserida no contexto deste maravilhoso Museu. Uma orquestra é mantida, além de uma complexa programação de educação musical. Ademais, a Galeria Nacional de Arte de Washington faz as vezes de ministério das belas-artes.


Entre os pintores presentes no acervo da Galeria destacamos Giotto (“Virgem e Menino”), Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Tura (“Virgem e Menino num jardim”), Leonardo da Vinci (“Ginevra de Benci”), Rafael (“A Virgem de Alba”), Tiziano (“Vênus em frente ao espelho”), El Greco (“Laocoonte”), Rembrandt van Rijn (“Auto-Retrato”), Gerard Ter Borch (“A visita do apaixonado”), Peter Paul Rubens (“Daniel e os leões”), Jan Vermeer (“Mulher pesando ouro”), François Boucher (“Venus e Amor”), François Clouet (“Diane de Poitiers”), Francesco Guardi (“Vista do Rialto, Veneza”), Thomas Gainsborough (“Paisagem com uma ponte”), William Turner (“Chegando a Veneza”), Édouard Manet (“A gare Saint-Lazare”), Auguste Renoir (“Menina com regador”), Claude Monet (“Bruma matinal”, “O sol na catedral de Rouen”), Henri de Toulouse-Lautrec (“Jane Avri”), Vincent Van Gogh (“Auto-retrato”), Paul Gauguin (“Auto-retrato”), Paul Cézanne (“Paulo, o filho do artista”, “Natureza morta”), Amedeo Modigliani (“Chaïm Soutine”), Pablo Picasso (“Os amantes”, “Família de Saltimbancos”) Georges Braque (“Natureza morta: a mesa”), Salvador Dali (“A última ceia”), Edward Savage (“A família Washington“), Gilbert Stuart (“George Washington”), George Catlin (“Nuvem Branca, chefe dos Iowas”), Benjamin West (“A batalha de La Hogue”), John Singleton Copley (“Watson e o tubarão”), John Constable (“O Parque de Wivenhoe, no Essex”).



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Galeria Nacional de Londres




Galeria Nacional de Londres


Fundada em 2 de abril de 1824, na cidade de Londres, a galeria acha-se atualmente instalada num belo edifício projetado pelo arquiteto William Wilkins, na Trafalgar Square.


O acervo se constituiu, nos seus primórdios, das coleções de J.J. Angerstein, de Sir George Beaumont e do reverendo W. Holwell Carr. Posteriormente, o mesmo acervo foi acrescido de inúmeras coleções particulares espalhadas pela Inglaterra, que vieram ao Museu por doações, legados ou por compra.


As obras são cerca de duas mil no acervo, abrangendo todas as escolas de pintura da Europa, indo dos primitivos flamengos aos impressionistas franceses. Há, como não poderiam faltar, inúmeras lindas obras de artistas ingleses como Turner, Hogart, Gainsborough e Constable. Para citar alguns italianos e algumas de suas obras importantes, estão representados Paolo Uccello (“São Jorge e o Dragão”, “Niccolò da Tolentino na Batalha de São Romão”), Piero della Francesca (“A Natividade”), Giovanni Bellini (“O Doge Leonardo Loredan”), Sandro Botticelli (“Natividade Mística”, “Venus e Marte”, “Retrato de um Jovem”), Leonardo da Vinci (“A Virgem e o Menino, Sant'Ana e o Infante São João”), Perugino ('“São Miguel e São Rafael e Tobias”), Michelangelo, Rafael, Bronzino (“Alegoria de Tempo e Amor”), Correggio (“Mercúrio ensinando Culido diante de Venus”, “A Virgem da Cesta”), Ticiano (“Retrato de um homem”, “Venus e Adonis”), Lorenzo Lotto (“Uma dama como Lucrécia”), Sebastiano del Piombo (“A Ressurreição de Lázaro”), Caravaggio (“A Ceia em Emaús”). Entre os de Flandres e da Holanda estão Jan van Eyck (“O casamento de Giovanni Arnolfini e Giovanna Cenami”, “Homem de turbante”), Rogier van der Weyden (“Retrato de uma dama”), Thierry Bouts (“A Virgem e o Menino”), Peter Paul Rubens (“O Chapéu de palha”), Rembrandt van Rijn (“Mulher banhando-se num riacho”). Da Alemanha estão Lucas Cranach (“Venus e Cupido”) e Hans Holbein, o Jovem (“Cristina da Dinamarca, Duquesa de Milão”). Da França estão Antoine Watteau (“A Gama do Amor”), Jean-Baptiste Simeon Chardin (“A Jovem Professora”), Jean Auguste Dominique Ingres (“Madame Moitessier sentada”), Gustave Courbet (“Maçãs e Romãs”) e Paul Cézanne (“As grandes banhistas”). Da Espanha estão Diego Velázquez (“A toalete de Venus”) e Francisco Goya (“Doña Isabel Cobos de Porcel”). Da Inglaterra está representado o pintor Thomas Gainsborough (“O passeio matinal: William Hallett e sua esposa Elisabete”).



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Galeria Palatina




Galeria Palatina


A Galeria Palatina está situada dentro do Palácio Pitti, em Florença, e foi aberta ao público em 1828 sob o reino de Leopold II. O acervo se encontra distribuído em salas decoradas no estilo barroco, bastante suntuoso, sendo as pinturas envolvidas por molduras ricamente trabalhadas, herança da famosa família Médici, que, entre outras, habitou o Palácio Pitti.


Nas salas também foram colocadas esculturas (Bartolini, Canova) e um mobiliário neoclássico.


O Palácio Pitti, edifício de beleza e tamanho excepcionais, foi construído por Luca Pitti para ele mesmo. Mas este, ao morrer em 1472, deixou-o ainda inacabado. Não se conhece ao certo o responsável por seu projeto, embora os nomes dos artistas Brunelleschi e Luca Fancelli estejam a ele ligados. Posteriormente, na época dos Médici, tem-se também no Palácio o trabalho do arquiteto Bartolomeo Ammannati (1511-1592). Sob Cósimo II,. que   morreu em 1621, trabalharam lá os arquitetos Giulio e Alfonso Parigi. Mais à frente, teve-se ainda a colaboração dos Lorraine e, na primeira metade do século XIX, a complementação final por G.M. Paoletti e P. Poccianti.


Na decoração interior do palácio destacam-se os Salões Nobres. Os tetos e mezaninos desses salões foram decorados na época dos Médici com lindos afrescos que constituem um dos ciclos pictóricos mais requintados da arte italiana do século XVII.


A coleção de quadros propriamente dita começou quando Ferdinando I desposou Vittoria della Rovere (1634), a princesa de Urbino, cujo dote acrescentou verdadeiras obras-primas ao acervo de Florença.


Os salões nobres possuem nomes especiais, tais como Apolo, Vênus, Júpiter, Marte, Ilíada, Saturno e outros.


Alguns dos artistas que ali se encontram expondo belíssimas obras são Ticiano, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Veronese, Bartolomé Esteban Murillo, Raffaello Sanzio, Bronzino, Piero del Pollaiolo, Andrea del Sarto, Perugino, Diego Velázquez, Caravaggio, Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Luca Signorelli, Francesco Botticini, Pontormo.


Ainda no Palácio Pitti encontram-se os Apartamentos Reais, o Museu da Prataria, a Galeria de Arte Moderna e os Jardins de Boboli.


Alguns nomes da Galeria de Arte Moderna são Giovanni Fattori, Alberto Magnelli e Ardengo Soffici.



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Galeria Tate




Galeria Tate


A Galeria Tate está abrigada no edifício de Sir Henry Tate em Londres e foi inaugurada em 21 de julho de 1897 pelo Príncipe de Gales que, mais tarde, viria a ser o Rei Eduardo VII.


Sir Henry Tate doou uma coleção selecionada de arte moderna. Houve também as contribuições do National Art Collection Fund criado em 1903; a Contemporary Art Society, fundada em 1910, também ajudou. Os legados Turner e de Sir Hugh Lane tornaram necessária a ampliação do Museu. O legado Sir Hugh Lane consistia em obras de artistas contemporâneos franceses.


O museu contém obras pictóricas britânicas da segunda metade do século XVI que se uniram à doação de Turner. Da coleção de Turner advieram para o Museu uma bela coleção de telas de William Blake (escritor e gravador, um precursor do Surrealismo nos séculos XVIII e XIX), e inúmeros quadros de grandes pintores ingleses. Na atualidade, a Galeria Tate abarca mais de três mil obras de arte inglesa e as obras da pintura francesa dos séculos XIX e XX. Mas a coleção de arte da Tate ultrapassa essas fronteiras e lá encontramos a pintura estrangeira moderna e a escultura.


Alguns pintores encontrados na Tate são William Hogarth (“Os criados da família Hogarth”), William Blake (“A criação de Adão”), Thomas Gainsborough (“Edward Richard Gardiner”) Sir Joshua Reynolds (“Susan Beckford”), George Stubbs (“Éguas e potros na paisagem”) Joseph- Mallord-William Turner (“Iate aproximando-se da Costa”), Aubrey Beardsley (“A Dama das Camélias”), Vincent van Gogh, Picasso, Cézanne, Max Ernst, Fernand Léger, Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Joan Miró, Salvador Dali, Ben Nicholson (“Paisagem Toscana”), Victor de Vasarely e muitos outros.



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Gárgula




Gárgula


Repuxo projetado a partir da cobertura de um edifício, ou do parapeito de uma parede ou torre, esculpido de modo a representar uma figura grotesca, humana ou animal.



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Gavotte




Gavotte


Dança Francesa em tempo quaternário moderado.



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Georges Braque




Georges Braque (1882-1963)


O francês Georges Braque, chegou em paris, centro irradiador do modernismo, em 1900 para estudar na Escola de Belas-Artes, em Paris. Nessa cidade ele iria conhecer Picasso e trabalhar  junto ao artista, fundando o cubismo.


No começo de sua carreira uniu-se aos Fauves (1907), o grupo de Matisse, valorizando as cores brilhantes e os puros pigmentos. Entretanto, apesar de bastante influenciado por Seraut, sua presença nesse grupo é efêmera, uma vez que não concorda, por exemplo com a subjetividade e impulsividade presentes na pintura dos fauves. Seu próprio temperamento combina melhor com a pintura realizada de uma maneira geométrica, inspirada nas obras de Cézanne (grande influência posterior do movimento cubista).


Apresentado para Picasso, ambos descobrem ideais comuns e fundam o movimento cubista, trabalhando em profunda parceria. “O Português“ é uma obra bastante característica dessa fase em que trabalham a luz e sombra buscando a liberdade de associação plástica (apesar dos temas arbitrariamente limitados, como objetos da “vida boêhmia“: copos, garrafas, guitarras, etc). A parceria também desenvolve bastante a técnica da colagem, importante para o cubismo.


A primeira guerra mundial e sua convocação separam-no de Picasso, pondo um fim ao movimento cubista. Começam a ser notadas alterações em seu trabalho, como a preferência por formas curvilíneas do que as angulares, da fase anterior. Ao invés da vida boêmia, a natureza morta ganha espaço entre seu repertório. Realiza experiências procurando novas texturas (já iniciadas com a colagem), utilizando-se bastante da areia em seus quadros. Entretanto, apesar disso, uma forte característica do pintor (diferentemente de Picasso) é a integridade estilística. Uma amostra de sua obra de então pode ser dada pela sua série “O Estúdio“ (1950).


No final da carreira, seu talento artístico já vinha sendo bastante reconhecido. Além da pintura, era convidado, por exemplo, a desenhar cenários de filmagens ou ilustrar livros. Entretanto, o alcance de sua fama talvez possa ser melhor expresso no fato de ter sido o primeiro artista vivo a ter sua obra exposta no museu do Louvre, em Paris.



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Gigue




Gigue


Dança Francesa usada como um movimento nas suítes barrocas.



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Giorgio Vasari




Giorgio Vasari (1511 - 1574)


Giorgio Vasari (1511 - 1574) foi pintor e arquiteto, trabalhando em Florença e Roma. Suas obras podem ser encaixadas no período maneirista, termo para o período que ele próprio ajudou a popularizar, designando a supremacia do estilo (graça, elegância), sobre a forma. Entretanto, apesar de ter sido um dos líderes do movimento na Itália, é normalmente lembrado por sua realização literária Vida dos Artistas (Le Vite de’ più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, título original).


Trata-se de uma rica obra bibliográfica que ate hoje é considerada uma das maiores fontes de informação sobre a Renascença Italiana. Sua primeira publicação foi em 1550, sendo posteriormente revisada  e ampliada em 1568. Possui uma coletânea de episódios e contos pequenos sobre esses artistas.


Além disso, sua opinião como crítico de arte foi fundamental para a história da arte, estabelecendo parâmetros de julgamentos que sobrevivem até hoje. O valor artístico de uma obra e o próprio talento de um artista, em consonância com os valores de sua época, poderia ser medido, para Vasari, de acordo com a perfeição na representação da natureza atingida pela obra. Além disso, ele fazia coro à crença vigente de que a arte tinha atingido um elevadíssimo grau com os gregos e romanos e passado por um período de trevas na Idade Média. Giotto e Cimabue eram considerados os grandes responsáveis por seu renascimento e a eles foram dedicados pedaços consideráveis de sua obra. Partindo desses conceitos, Leonardo, Rafael e Michelângelo atingiram o auge de perfeição da criação artística, partindo dos legados de artistas que os precederam como Ghibberti, Brunneleschi e Donatello.


A partir desses conceitos, então, é fácil imaginar que não era muito generoso para artistas como Tintoretto, por exemplo. “Seus esboços são tão crus que os traços de seu lápis parecem ter mais força que critério e ter sido feitos por mero acaso“. O sacrifício da técnica em nome das qualidades dramáticas da obra não eram muito valorizados por Vasari, que seguia ainda os ideais estéticos da Alta Renascença.


Como pintor, podemos destacar seus afrescos na Sala Régia do Vaticano ou os afrescos no Palazzo della Cancelleria, em Roma, sobre a vida do papa Paulo III. Como arquiteto, o desenho do Palácio Uffizi (atual grande Museu Florentino), merece destaque.


Era ainda um importante decorador do período, expressando, em suas obras, bastante afetação característica de um tipo de maneirismo.



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Giotto Di Bondone




Giotto di Bondone (1266? - 1337)


Giotto, pintor e arquiteto florentino é um dos artistas mais importantes de sua época, considerado um dos "pais" da arte pictórica ocidental e precursor do Renascimento Italiano. Seu trabalho rompe com a estilização da arte bizantina e traz para a pintura figuras realistas que já apareciam na escultura gótica. Reintroduz o sentido espacial, a tridimensionalidade, como a criação do sentido de profundidade em uma superfície plana, (que havia sendo desprezado pelos artistas há cerca de mil anos) e o volume. O naturalismo, em suas figuras representadas, é tamanho que é como se estivéssemos observando a cena representada em um palco.


Suas principais obras são murais e afrescos, merecendo destaque os afrescos que circulam o interior da Capela da Arena, realizados entre 1305 e 1306, em Pádua. Giotto utilizou como tema a vida de Cristo e da Virgem Maria (a quem a capela era dedicada), além de figuras personificando Vícius e Virtudes e o Julgamento Final. Esses temas são pintados de modo bastante vivo e compostos de forma a sugerirem que a história acontece diante dos olhos dos observadores, como uma narrativa. Suas figuras refletem a emoção da cena que representam. Além disso, a monumentalidade da arte de Giotto pode ser exemplificada pelo fato de suas figuras sempre parecerem bem maiores nas reproduções do que realmente o são. A existência de personagens em primeiro plano e a clara sensação da existência de espaço entre estas e as demais, reforçam a idéia de que a arte de Giotto, apesar de dever muito aos mestres bizantinos, era inteiramente nova para os padrões da época.


Outros trabalhos significativos realizados pelo pintor são os da Igreja de Santa Croce - valendo-se da vida de São Francisco de Assis - e o Ognissanti Madonna, em Florença. Devido à sua fama como pintor (era admirado por príncipes, altos membros da Igreja e até pelo próprio papa Bonifácio VIII), foi designado como o arquiteto da Catedral de Florença, mas morreu antes de vê-la terminada.


Além dos mestres bizantinos, Giotto foi influenciado pelo artista florentino Cimabue (1240 - 1302), considerado seu mestre, pelo romano Pietro Cavallini (1273 - 1308) e pelos escultores góticos das catedrais do Norte. Sobre esse último aspecto, é interessante ressaltar a semelhança entre a pintura de Giotto e as esculturas góticas, como se a primeira produzisse a ilusão de "uma estátua em redondo".


Suas técnicas exerceram enorme influência sobre a pintura de seu período e a de seus sucessores. Costuma afirmar-se que ele inspirou Masaccio e mesmo Michelângelo. Recebeu elogios de Dante Alighiere na "Divina Comédia". Era relatado como uma pessoa extremamente agradável e dotado de grande compreensão da natureza humana.


É a partir do reconhecimento de sua genialidade que os artistas começam a ganhar status e a "originalidade" das obras, bem como o estilo pessoal do artista passa a ser valorizado. Até então, eram considerados como simples executores, nada além de artesãos que realizavam trabalhos por encomendas (esse tipo de visão trouxe grandes dificuldades posteriores na identificação das obras de arte, uma vez que a assinatura ou documentação da mesma não era considerada importante).



Verbete:
Gliptoteca Ny Carlsberg




Gliptoteca Ny Carlsberg


A Gliptoteca Ny Carlsberg foi fundada em 1882, na Dinamarca, pelo mecenas Carl Jacopsen (1842-1914), que ali reuniu suas coleções pessoais. O edifício que abrigava a gliptoteca


(coleção de pedras gravadas) era de propriedade de Carl Jacopsen em Valby. Mas, em 1888, ele resolveu doar o museu ao país, quando então foi construído o edifício atual de Copenhague, que consta de duas partes distintas: uma delas, obra do arquiteto Dahlerup, especial para as coleções modernas, e outra, projeto de Kampmann, para as coleções antigas.


Podem ser destacados no acervo as artes oriental, egípcia (mostrando o colossal grupo granítico de Ramsés II e o deus Ptah), grega, romana, etrusca e de Palmira.


Na pinacoteca estão presentes quadros impressionistas de Pissarro, Renoir, Degas, Manet, Gauguin, Cézanne, Matisse e outros. Na escultura destacam-se Rodin e Carpeaux.



Verbete:
Glissando




Glissando


Efeito que consiste na execução seqüencial de um grupo de notas, em velocidade muito acima do limite suportado pelas figuras existentes na escrita musical. O Glissando é escrito indicando-se apenas a nota inicial e a nota final com um traço unindo as duas notas.



Verbete:
Gótico e Arte Gótica




Gótico e Arte Gótica


O termo gótico foi criado pelos renascentistas para denominarem um tipo de arquitetura compreendida por eles como bárbara, uma vez que destronou a arte clássica. Acabou sendo aplicado também para a escultura, pintura e ornamentação do período em que as obras arquitetônicas foram construídas, apesar de ser considerada, por alguns críticos, como uma denominação não precisa.


Entretanto, o gótico hoje em dia já perdeu o sentido depreciativo que os renascentistas quiseram imprimir-lhe. Refere-se a um determinado período que inicia-se com um estilo arquitetônico revolucionário que durou do ano 1135 até o século XIV na maioria da Europa, mas que em alguns lugares continuou persistindo até o século XVI (em algumas regiões continuou-se mesmo construindo edifícios em estilo gótico até o século XVIII). É utilizado ainda para a pintura e escultura do período que possuem determinadas características, interdependentemente da arquitetura. O romantismo e seu ideal de volta ao passado acabou por trazer à tona o estilo novamente, por volta de meados do século XVIII.


O período em que a arquitetura gótica prevaleceu na Europa (principalmente nos países nórdicos) pode ser considerado o ponto culminante da Idade Média, com a Igreja triunfante. É ainda a época de desenvolvimento da escolástica de S. Tomás de Aquino e do aparecimento das universidades.


A arquietura


A arquitetura gótica apresenta como principais características, a claridade dos ambientes (um ótimo exemplo de combinação de forma e função na arte), devido ao uso de enormes janelas e vitrais; os espaços interiores amplos e imponentes; os arcos ogivais (variando entre mais achatado ou pontiagudo conforme as estruturas) e a leveza na suspensão dos edifícios, como que eliminando tudo que parece pesado e terreno.


Foi criada na França, mas espalhou-se rapidamente por outros países da Europa, encontrando maior penetração nos países nórdicos. A arquitetura gótica apresenta extrema concordância com a escolástica da época e a representação majestosa da igreja e do reino celeste.


Ela se utiliza, por exemplo, de elementos interdependentes da construção para reforçar outros elementos presentes e o conjunto. Esse sistema de construção, de acordo com Charles Minnot, em seu livro History of Art, tem sido comparado ao sistema de pensamento escolástico proposto por Tomás de Aquino em sua Summa Theologica. A enorme disponibilidade de luz imprime um senso de espiritualidade ao ambiente. A vastidão dos ambientes sugere a imponência do reino divino e reduz a dimensões mínimas tudo que é humano ou terreno. A própria sensação de leveza que as estruturas parecem apresentar, em contraste com as construções pesadas, maciças, e as paredes frias e intimidativas dos templos anteriores, também contribuem na sugestão de dimensão espiritual no ambiente.


Uma das mais conhecidas peças de arquitetura gótica é a Catedral de Notre Dame, em Paris (a maioria das catedrais do período gótico eram dedicadas à Virgem Maria, no caso catedral de "Nossa Senhora"). Sua fachada, em divisões geométricas verticais e horizontais, é lúcida e a desembaraçada disposição dos pórticos e janelas combinada ao ágil rendilhado do trifório dá a impressão que a estrutura se eleva, em contraste com o peso das pedras que a compõem. A Catedral de Chartres, a cerca de 80 Km de Paris é outro bom exemplo do período.


Fora da França podemos citar a Catedral de Estrasburgo, na Alemanha; a Canterbury Cathedral, na Inglaterra. Na Itália, costuma-se dizer que não houve realmente uma arquitetura gótica. A Abadia de Fossanova, apesar de localizada no sul de Roma, é uma construção francesa, feita por monges franceses. A Catedral de Milão poderia ser um exemplo da penetração do gótico nesse país, que encontra-se misturado a outros estilos, como o romanesco.


Escultura e pintura


O estilo de arquitetura gótica fornece inúmeros elementos (como colunas, pináculos e fustes), que convidam a decoração com esculturas. Foi o que realmente aconteceu nas construções góticas, tornando a escultura importantíssima no período.


Novamente aqui um bom exemplo seria as esculturas do pórtico norte da Catedral de Chartres que parecem animadas por vida e movimento, olhando-se solenemente com suas vestes fluídas. Cada figura representada uma personagem do Velho Testamento e tem indícios que ajudam o observador a logo identificá-las. Moisés, por exemplo, segura a tábua dos mandamentos e uma coluna adornada por uma serpente bronzeada com a qual, segundo a história bíblica, ele curou o povo de Israel.


A simbologia da arte do período gótico, como exemplifica as esculturas acima descritas, é riquíssima em elementos que atestam a fé dos homens de então. Além da escultura, essa simbologia aparece ainda nos vitrais coloridos, nas pinturas e nas ilustrações de manuscritos.


E é exatamente entre as ilustrações de manuscritos (na maioria das vezes relacionados à temas bíblicos) que encontramos o melhor da pintura gótica. Costumam ser extremamente coloridos, brilhantes e cheios de símbolos. Na Biblioteca Nacional de Paris podem ser encontradas boas amostras dessas ilustrações, como "Bibles Moralisée" (história da bíblia com comentários de natureza moral).


Os vitrais policromos também são bastante representativos da arte gótica, principalmente se levada em conta a extrema importância da luz nas igrejas. A luz, ao entrar pelas janelas, assume as cores dos vitrais e cintila, contribuindo para a atmosfera espiritual desses lugares.



Verbete:
Grande Caixa




Grande Caixa


Instrumento de percussão utilizado na orquestra sinfônica. A Grande Caixa, ou “Gran Cassa”, parece um grande tambor que tem som abafado e muito grave.



Verbete:
Grau (música)




Grau (música)


Refere-se à posição de uma nota musical na escala.



Verbete:
Gravura




Gravura


Trata-se da arte de formar imagens utilizando-se de placas de metal ou madeira ou pedras trabalhadas através de cortes ou talhos. Meios químicos também podem ser utilizados nesse processo de fixação de imagens ou letras. As figuras gravadas podem ser planas ou estarem em relevo - as partes em relevo na placa são as formadoras da imagem. Esse termo pode designar tanto essas imagens nas placas quanto as estampas resultantes desse processo, realizadas a partir dessas placas em contato com outros materiais como o papel, por exemplo (semelhante aos carimbos).


A princípio, esse termo limitava-se ao processo com metais, posteriormente abrangendo as xilogravuras (ver verbete) e até a litografia (o mesmo processo, só que realizado sobre pedra calcária ou placa de metal, baseadas na repulsão entre as substâncias graxas ou tinta a óleo e à água).


Há vários meios de se realizar uma gravura, como a gravura realizada em água-forte, em que uma placa de metal é protegida por camada de verniz e posteriormente é realizado o desenho com algum objeto pontiagudo, como uma agulha; a gravura a entalhe, em que a tinta é retida nas reentrâncias de um metal causadas pela ação de um instrumento adequada ou ácido. A tiragem se obtém passando-se a placa e o meio em que se quer imprimir a figura entre dois cilindros de uma prensa apropriada de talho-doce; a gravura a buril, espécie de gravura a entalhe em que o desenho, decalcado na placa é aberto por meio de um buril, resultando num sulco onde a tinta se aloja na tiragem, entre outras.



Verbete:
Harmonia (música)




Harmonia (música)


É a arte de equilibrar e harmonizar os sons entre si.



Verbete:
Harmônico




Harmônico


Termo acústico que explica a ausência de sons puros, sendo os sons o resultado de vários sons sobrepostos.



Verbete:
Heitor dos Prazeres




Heitor dos Prazeres (1898 - 1966)


A primeira paixão do carioca Heitor dos Prazeres (1898 - 1966) foi a música. Sambista, compôs com nomes como Noel Rosa. Criou um método de ensino do cavaquinho utilizando-se de 16 posições. Só começou a dedicar-se a pintura em 1937, com quase quarenta anos.


Auto- didata foi realizando seus primeiros trabalhos: aquarelas e óleos. Com o incentivo de amigos e críticos como Carlos Cavalcanti, dedicava-se cada vez mais à nova atividade, realizando sua primeira exposição em 1942, em Belo Horizonte. 


Os temas de suas obras são típicos do universo do artista: rodas de samba, mulatas, malandros, as favelas cariocas, o trabalho rural. De um modo geral são pinturas alegres e ingênuas. Pessoas de todas as cores aparecem em seus quadros, normalmente convivendo sem nenhum preconceito. Temas mais tristes aparecem em raríssimas obras como: “Os Refugiados” em que pessoas pobres carregam seus pertences, provavelmente expulsos de sua casa.


Suas figuras costumam ser retratadas de perfil e nas pontas dos pés, sugerindo movimento. São marcadas ainda por grande minúcia de detalhes, com cores vivas e arrematadas com camadas de verniz . Suas personagens pertencem a um mundo ideal e simples. São exemplos de suas obras “ Moenda“, de 1951, “Roda de Samba“, “Na roça“, de 1942 ou “Mulata no Quarto“, de 1963.


Montou uma espécie de oficina em sua casa, onde trabalhavam aprendizes. Fascinou-se de tal modo pela atividade que a praticava em ritmo intenso, utilizando-se até mesmo de moldes para a execução das figuras.


Heitor dos Prazeres foi um pintor popular extremamente respeitado, tendo participado de mostras em Londres, La Plata, Buenos Aires e Senegal. Em 1951, ganhou o Terceiro Prêmio de Pintura na Bienal de São Paulo.



Verbete:
Hélice (arquitetura)




Hélice (arquitetura)


Motivo espiralado, especialmente a espiral interna da voluta de uma capital coríntia.



Verbete:
Hélio Oiticica




Hélio Oiticica (1937 - 1980)


Hélio Oiticica (1937 - 1980) estudou pintura com Ivan Serpa (importante aglutinador do Concretismo Brasileiro) no museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e antes dos vinte anos já estava envolvido com o Grupo Frente, contrário à arte como cópia ou recriação da natureza. Portanto, seus trabalhos cedo já mostravam-se no caminho concretista (ou Não - Figurativismo Geométrico).


Participa da Primeira Exposição Nacional de Arte Concreta do Museu de Arte Moderna de São Paulo, em 1956. Seus primeiros trabalhos, os “meta-esquemas“ ambicionavam estimular o olhar e o processo mental, através de desenhos manipulando formas simples. 


A partir de 1959 nega a ortodoxia concretista, que pregava princípios formais rígidos, ligando-se ao Neo-Concretismo, que propunha a retomada da arte como expressão. Rompe então com a bidimensionalidade dos quadros e cria estruturas como os Relevos Espaciais - placas tridimensionais manipuláveis pelo observador, as Monocromias - um suporte retangular branco com formas quadradas recortadas e coladas a ele ou os Penetráveis - instalações labiríntias, com jogos de cores sucedentes. 


“Projeto Cães de Caça“, de 1961 marca a tentativa do artista em integrar seu trabalho ao de outros artistas Neo-Concretos, grupo que já beirava a extinção na época. Procurava ainda ampliar a possibilidade de contato entre o expectador e o trabalho artístico, com seus Impenetráveis em um tipo de ambiente como um jardim japonês.


“Parangolé“, “Tropicália“ e “Apocalipopótese“ são suas próximas pesquisas, denominadas “Manifestações Ambientais”. Pretendiam diminuir o hiato entre a obra de arte e a vida cotidiana e aproximar ainda mais o observador daquilo que é produzido pelo artista. Utilizava-se, inclusive, de estimulação dos sentidos de um espectador que penetrava dentro da obra, tocava-a, sentia diferentes contatos tatéis, (como os pés dentro de uma superfície de água), sentia cheiros. “Parangolé“, por exemplo, incluíu passistas da Mangueira, cabanas e capas em sua mostra de 1965.


Entre 1970 e 1978 reside em Nova York como bolsista da Fundação Guggenheim, retornando ao Brasil dois anos antes de sua morte.



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Henri Matisse




Henri Matisse (1869 - 1954)


Henri Matisse (1869 - 1954) foi um importante pintor,  escultor, artista gráfico e desenhista do século XX, chegando a dividir a fama, com Picasso, de um dos mais importantes pintores do século.


Seus trabalhos em pinturas baseiam-se principalmente na importância das cores puras, que possuíam grande expressividade. Sonhava com uma “ arte de equilíbrio, de pureza e serenidade, destituída de temas perturbadores ou deprimentes “, declaração pela qual seria bastante incompreendido (visto, por exemplo, como um artista que distanciava-se dos temas de sua época, apesar de sempre salientar que a figura humana era seu principal interesse).


Matisse começou a estudar pintura em 1891, após largar uma carreira jurídica. Procurou Adolphe- William Bouguereau (1825 -1905), tendo logo abandonado o professor acadêmico em nome de outro: Gustave Moreau. Em suas aulas conheceria outros artistas que seriam importantes em parcerias futuras. Posteriormente aproximou-se da maneira de pintar Impressionista (a partir de 1896) e após 1899, tendia para o Neo-Impressionismo, com obras como “ Luxo, Calma e Volúpia “, de 1904-1905.


Por essa época  começa a ser influenciado pelas pinturas de Cézanne (provavelmente orientado por Camille Pissarro), iniciando suas próprias pesquisas sobre a importância das cores e do equilíbrio entre as matizes e da clareza de formas, que marcariam profundamente seu trabalho.


Após uma exibição no Salão dos Autônomos, em Paris, juntamente com artistas como Albert Marquet, André Durain e Maurice Vlaminck, entre outros, cria o grupo Fauves (denominação dada pelo crítico Louix Vauxcelles, significando “ feras “). Era um grupo com características expressionistas e que reagia contra o Impressionismo e o divisionismo, especialmente quanto ao seu mecanicismo na divisão das cores.  Matisse, por exemplo, apesar de tanto quanto o divisionista Seraut acreditar na importância do relacionamento das cores, divergia dele principalmente quanto à divisão das cores em pontos, procedimento que “ retirava a vida “ de uma pintura.


 “ O quarto vermelho “, de 1908- 1909 é um bom exemplo da ligação de sua obra com os fauves, com a exuberância de cores e justaposição de objetos desenhados. Na época da curta duração dos Fauves (1905-1908), conheceu Picasso.


 “ Retrato de Madame Matisse “, de 1913 ou “ O Pintor e Seu Modelo “, de 1917, são outras amostras de sua obra. Influenciado pelas cores  exuberantes do clima mais quente da Riviera (onde a partir de 1917 passava grande parte de seu tempo), seus trabalhos ganham mais sensualidade, pintando temas como odaliscas. “ Dama de Azul “, de 1937, é um exemplo dessas obras, com suas cores destacadas como azuis, amarelos e vermelhos.


Após duas operações de câncer no duodeno, Matisse passou seus últimos anos hospitalizado, cuidado por enfermeiras em camas ou cadeira de roda. Entretanto, continuou trabalhando, sendo provavelmente um dos artistas cujas últimas produções eram mais alegres. Acredita-se que um de seus principais trabalhos tenham sido realizados entre 1949 e 1951. Em agradecimento às freiras dominicanas que cuidaram de sua enfermidade, desenhou todos os detalhes da Capela do Rosário, em Vence. Destacam-se as pinturas nas paredes, as janelas coloridas de vidros e até esculturas como “ Crucifixo “ .


Nesse ponto cabe ressaltar a importância da escultura para Matisse que, apesar de não dedicar-lhe tanta atenção quanto à pintura, foi bastante significativa para sua carreira. Em suas primeira peças era bastante influenciado por  Rodin, conforme demonstra “ O Escravo “ de 1903.



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Henry de Toulouse-Lautrec




Henry de Toulouse-Lautrec (1864- 1901)


A boemia do bairro parisiense proletário de Montmartre, com seus moradores à margem da sociedade, as cenas de circo e de cabaré, o homem retratado em seu estado miserável, sem máscaras - esses são alguns dos temas mais freqüentes no trabalho do pintor Henry de Toulouse- Lautrec. De estilo próprio e forte, suas obras não podem ser encaixadas em nenhuma escola. Sua vida, talvez tenha a mesma atmosfera de seus quadros: ficou paralítico e deformado ainda adolescente, desprezou o ambiente aristocrático familiar em nome da liberdade e da vida noturna parisiense, seus problemas com o alcoolismo o levaram à morte aos 37 anos.


Nascido a 24 de novembro de 1864 e tendo sempre mostrado talento para o desenho e a pintura, ingressa, em 1882 no estúdio do professor Bonnat, então famoso em Paris. Rejeita, porém, o estilo acadêmico que seus mestres (Bonnat e posteriormente Cormon) tentam ensiná-lo. Traça seu próprio caminho, apesar da admiração pelos impressionistas (Degas, em particular) e pelo pintor Van Gogh particularmente no que se refere às cores puras e à composição febril do quadro. Seus trabalhos, retratos fiéis de sua grande vivência e conhecimento da condição humana, exprimem individualidade e atestam um apurado sentido de observação.


No bairro de Montmartre, após sair da aristocrática casa paterna, busca a inspiração para compor suas melhores obras. Um bom exemplo disso é o quadro “Circo Fernando: A Amazona“. A extrema expressividade da composição, sua vivacidade, o movimento, seus fortes contornos e sua linguagem sintética, anunciam já as características mais fortes da pintura do artista. O semblante carregado da amazona, seu ar grotesco, (sem contudo deixar de ser romântico), o palhaço decepado pela moldura e o sadismo do domador, revelam as facetas de um mundo que Lautrec torna-se mestre observar e retratar.


Inspirando-se nas estampas japonesas, revoluciona a arte dos cartazes publicitários. Com um mínimo de cores e traços, atinge grande expressividade. A representação de La Goule (bailarina famosa) dançando sensualmente o can-can e seu magro partner Valentin le Desossé, de perfil, atestam bem esse talento na composição de posters.


O Moulin Rouge, em que a figura de La Goule e dele próprio também estão presentes, é mais uma de suas melhores obras. Com seu traço incisivo, profundo senso de observação e o uso característico da luz e da cor, capta a atmosfera do local. As personagens, freqüentadores e mulheres do local, têm aparência pesada e um tanto quanto sinistras, vistas sob a luz ambiente.


No Salão de Rue de Moulins é um de seus retratos mais famosos de um tema que não costumava ser tratado pelos artistas contemporâneos: a prostituição. A espera das mulheres por seus clientes, o sofá mole em que se apóiam e suas poses lânguidas resultam numa cena tratada sem falsos moralismos.


Seus últimos quadros, antes de seu derrame que o paralisa definitivamente em 1901, (após ser internado por problemas alcoólicos), retomam os temas já retratados durante a carreira, aprofundando-se ainda mais. É o caso de A palhaça do Cha-u-Kao, em que o drama humano do artista é intensificado, com harmonia de cores e equilíbrio.



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Hieronymus Bosch




Hieronymus Bosch (1450 - 1516)


Hieronymus Bosch (1450 - 1516) (Jerome van Aken, recebeu o nome devido à cidade em que passara grande parte de sua vida, Hertogenbosch) é considerado um dos principais artistas holandeses quinhentistas. Suas pinturas possuem estilo absolutamente pessoal e independente e forte apelo emocional. Com grandes doses de fantasia, recria, contemporaneamente ao Renascimento italiano, espantosas formas afinadas ao imaginário medieval. Entretanto, não pode ser considerado simplesmente um pintor ligado à Idade Média, uma vez que se utilizava habilmente de técnicas italianas na representação das formas, conferindo ainda mais veracidade a suas formas fantásticas.


Era famoso em sua própria época e admirado até mesmo por gerações seguintes, como o rei Felipe II da Espanha (1556 - 1598) que colecionava suas obras. O mal fascinava o pintor e sua representação rendeu-lhe grandes obras. Um simbolismo bizarro e formas como figuras metade humanas, metade animais lhe imprimiram fama de herético no século XVII. Entretanto, Bosch era católico ortodoxo e suas imagens muitas vezes tinham fundos moralistas, mostrando terríveis conseqüências dos pecados humanos, alegorias de trechos bíblicos e até mesmo especulações sobre a falta de sentido da existência humana.


Um bom exemplo do imaginário do pintor pode ser dado pelos painéis trípticos "O Jardim das Delícias Mundanas" que mostram cenas como a criação da Terra por Deus, a introdução de Adão e Eva num estranho mundo habitado por animais bizarros, seguidos por uma seqüência erótica de figuras nuas, divertindo-se das mais variadas formas e finalmente o terrível painel do inferno com fogo, suas formas bestiais, sofrimento e  punição humana.


"A Tentação de Santo Antônio", com suas figuras demoníacas e cenas de horror, que se desenrolam ao redor da figura central, também é um ótimo exemplo da obra do artista.


Apesar da diferença de quase meio século que os separa, os Surrealistas consideravam Bosch um dos percussores do estilo devido à liberdade fantasiosa de seus quadros.



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História da MPB

Breve História da MPB


As definições do conjunto da produção musical que seria delimitado na categoria chamada “música popular” são, por vezes, insuficientes e ainda contraditórias entre si. Esta modalidade de produção musical envolve muitos fatores determinantes. Contam-se entre estes fatores, como os mais importantes, os contextos étnicos, históricos e socioculturais dos quais se originam tal modalidade, contando ainda o ponto de vista da nacionalidade de determinada produção musical. Uma definição mais precisa deve, portanto, partir da distinção da música popular frente a outras modalidades da produção musical, como a chamada música erudita e a música de folclore, ainda que, muitas vezes, os limites destas categorias sejam cruzados em muitas obras musicais de gênio. A música erudita, por vezes, é composta ao sabor de tradições populares ou folclóricas. assim como, em algumas produções na música popular, elementos eruditos podem ser incorporados com a utilização de técnicas de orquestração e arranjo mais complexos. Uma definição de música popular que satisfaça às questões implicadas nesta presente abordagem seria a seguinte: música popular é a música que, sendo composta por autor conhecido, encontra-se difundida, com maior ou menor amplitude, em uma coletividade e todas as suas diferentes camadas sociais (esta definição foi proposta pela representação brasileira no Congresso Internacional de Folclore, realizado no ano de 1954, remetendo-se diretamente à questão da Música Popular Brasileira).


Buscando uma origem da música produzida em território nacional, encontramos a música produzida pelas incontáveis populações indígenas que se espalhavam pelo país. A música estava presente no cotidiano do índio, relacionada tanto ao simples prazer informal quanto às atividades de festejos ou ainda em rituais religiosos. A música indígena envolvia danças rítmicas, sobretudo nos festejos religiosos, e a fusão entre música e dança era uma forma de celebração e culto de suas próprias crenças. Os sons da natureza se faziam presentes na música indígena, que por sua vez procurava mimetizar os sons de aves e animais silvestres. Nota-se, então, que o meio em que tais populações viviam atuava de maneira bastante influente em suas manifestações musicais. Não se pode dizer que a música indígena teve influência fundamental na produção musical brasileira que viria no futuro, mas algumas de suas sonoridades melódicas foram, em alguns aspectos, retomadas muito mais tarde, na contemporaneidade, como aconteceu o Tropicalismo (ou Tropicália), movimento-síntese da música popular brasileira, como veremos mais adiante. Também a imagem do índio como um dos elementos representativos da alma nacional foi incorporada em obras de diverso estilo. Isto ocorre tanto na obra O Guarani, de Carlos Gomes, quanto em muitas canções populares.


As influências decisivas na origem da música popular brasileira foram resultantes de uma série de incorporações de tradições estrangeiras. Inicialmente, o processo da colonização portuguesa no Brasil acarretou algumas influências: os portugueses trouxeram para o território muitos instrumentos europeus, dentre os quais alguns são de importância fundamental nas sonoridades de alguns estilos da música popular brasileira produzida até hoje, tendo sido incorporados à tradição musical popular fundamentalmente brasileira. Entre estes instrumentos contam o cavaquinho, o violão e a viola. Por outro lado, outros instrumentos foram trazidos pelos colonizadores lusos: os de sopro como o trombone de vara e o clarinete, além de instrumentos de percussão como o pandeiro e também outros melódicos e harmônicos (sanfona e piano), além de muitos instrumentos utilizados na música erudita, como os tocados com arcos. O piano foi um instrumento que, inicialmente, figurava apenas nos meios da corte portuguesa que se transferira para o Brasil, difundindo-se mais tarde nas casas das famílias burguesas, sendo elemento-chave dos saraus familiares.


A contribuição portuguesa ainda se fez presente nas composições destinadas ao trabalho da catequese. Nos dramas religiosos, os chamados autos, destinados ao aprendizado didático da religião cristã pelos indígenas, eram utilizadas composições que serviam como acompanhamento musical. Os autos eram bastante ricos em danças e cantos com acompanhamento instrumental. O Padre José de Anchieta, um dos expoentes na catequese dos indígenas, foi poeta e compositor em seus próprios autos, buscando estabelecer conexões entre a religião do colonizador e os costumes locais dos índios para que o aprendizado desta religião se fizesse de maneira mais persuasiva e eficaz. Além da utilização da música nos autos, as canções de caráter religioso eram utilizadas em missas, procissões e em diversas outras cerimônias.


Uma outra influência, sendo terminantemente decisiva nas sonoridades e nos ritmos brasileiros, foi a contribuição do negro africano, que migrou forçadamente para o Brasil na condição de escravo, sob o jugo colonizador escravocrata. Apesar disto, o negro africano soube conservar e cultivar muito de sua cultura de origem, incorporando nas tradições brasileiras suas danças, seus ritmos e as sonoridades de suas canções. A contribuição africana para a música brasileira foi ainda mais além, com a incorporação de seus instrumentos bastante característicos, eminentemente de percussão. Dentre estes instrumentos estão, por exemplo, o berimbau, a cuíca, o reco-reco, os atabaques. As sonoridades destes instrumentos foram, a partir daí, largamente utilizadas na canção popular do Brasil, constituindo então uma das chaves da nossa música.


Cabe também citar outras influências musicais, como a espanhola, que trouxe para o território nacional alguns ritmos hoje pouco divulgados, mas ainda presentes nas tradições de algumas regiões do país, como a tirana. Outros ritmos de origem espanhola são o fandango, predominantemente fixado nas tradições coletivas da região litorânea dos estados do sul do país, e o zarambeque. Por outro lado, a influência francesa se fez marcadamente presente nas populares cantigas de roda infantis, que no Brasil passaram a ganhar versões livres e condizentes com a realidade cultural brasileira. As danças de quadrilha ainda hoje bastante conhecidas também são de origem francesa, provavelmente provenientes das danças da corte na França. Apresentam-se, nesta modalidade, aspectos muito peculiares e ainda presentes nas quadrilhas, como o modo cordial entre os pares na dança. Tais características marcam as tradições coletivas do interior das mais diversas regiões do país, notadamente no interior da região sudeste do país.


As canções que se tornaram parte de um folclore típico forneceram as bases para a formação de uma música popular de feições exclusivamente brasileiras, que foram ganhando aspectos da “cor local”. Uma primeira personalidade a ser citada é Domingos Caldas Barbosa (Rio de Janeiro, 1739 - Lisboa, 1800), mulato ao qual atesta-se a autoria das primeiras modinhas e lundus já impregnados com feições brasileiras. As composições de Caldas Barbosa, cheias de vitalidade e malícia, fizeram grande sucesso entre as camadas nobres da sociedade portuguesa, pois o compositor, transferido para Portugal em 1763, figurou como compositor aclamado na corte portuguesa do século XVIII. Foi, por assim dizer,  o primeiro compositor brasileiro a sair do anonimato. A partir deste instante, a modinha tornou-se um dos primeiros gêneros de difusão popular, apreciado tanto nos meios aristocráticos (modinhas que seguiam mais notadamente alguns aspectos harmônicos mais eruditos em suas composições) quanto por grupos de extração social popular, conforme foi ganhando feições de composição mais populares com o acréscimo da sonoridade da viola. Desta forma, a música popular mostra uma das suas peculiaridades: sua difusão acompanha certas tendências estéticas e ainda tendências de gosto. Paralelamente a essa tendência de popularização do gênero, muitos dos grandes compositores das modinhas, como o Padre José Maurício Nunes (Rio de Janeiro, 1767-1830), Cândido Inácio da Silva (Rio de Janeiro, 1800-38) e Francisco Manuel da Silva (este compositor do Hino Nacional, em 1831) compunham obras de cunho religioso ou óperas executadas no Teatro Lírico Fluminense. A tendência popular da modinha se fez presente através de vários outros compositores: Xisto Bahia (Bahia, 1841 - Rio de Janeiro, 1894), embora não tivesse educação musical formal, foi compositor, cantor, letrista e violonista, alcançando fama nacional com suas apresentações em diversos teatros brasileiros; Domingos da Rocha Mussurunga (1807-1856), que se destacou ainda pelas sua luta para o estabelecimento de um conservatório local que ministrasse o aprendizado da música segundo as tradições que estavam se firmando então; o padre Guilherme Pinto da Silveira Sales. Neste período, a poesia e a música muito se aproximavam: poemas de Castro Alves (1847 - 1871) foram musicados (Gondoleiro do Amor, musicado por Salvador Fábregas, e Minha Maria, musicado em forma de lundu por Xisto Bahia). Até mesmo um dos nossos grandes nomes da música brasileira erudita incorreu em composições ao sabor mais popular das modinhas: Carlos Gomes chegou a compor modinhas, entre elas a romântica Tão Longe de Mim Distante. Outros nomes do século XIX cuja importância deve ser mencionada: o compositor Henrique Alves de Mesquita, tendo sido o compositor do primeiro tango brasileiro, ao qual ainda se atribui o título de precursor do choro, tendo ao lado seu aluno em composição e regência, o flautista Joaquim Antônio da Silva Callado (Rio de Janeiro, 1848 - 1880); a dupla formada pelo violonista João de Almeida Cunha e Laurindo Rabelo (conhecido como “Poeta Lagartixa”). As modinhas, os lundus e as polcas tornaram-se freqüentes no meio boêmio carioca do início do século XIX. Nas gerações posteriores, estes gêneros foram sendo substituídos pelo advento de novas tendências estéticas e de gosto, com o surgimento do choro e do maxixe.


O nascimento do choro é atribuído ao período em torno de 1870. O Rio de Janeiro, dada sua importância política e sua intensa vida cultural, tornou-se o centro de irradiação das tendências que se afiguravam. Compositores de outros estados acabavam por se estabelecer no Rio Janeiro, onde encontravam grande espaço para suas composições, dada a abertura de várias editoras. A popularização das modinhas, como já foi dito, deveu-se à incorporação do violão como instrumento preferido, substituindo o piano e assim ganhando as ruas e os meios boêmios. As modinhas foram cedendo lugar ao choro. Neste contexto surgiu o poeta Catulo da Paixão Cearense (São Luís do Maranhão, 1863 ou 66 - Rio de Janeiro, 1946), que juntou-se aos boêmios “chorões” Sátiro Bilhar, Quincas Laranjeira e Viriato. Catulo da Paixão Cearense escreveu versos que foram utilizados, por exemplo, pelo grande compositor Ernesto Nazaré (Rio de Janeiro, 1863 - 1933). Este último, tendo sido compositor de duzentas e dezoito canções ao sabor miscigenado do erudito com o popular, deixou um repertório de obras primas da música brasileira, dentre as quais citam-se Apanhei-te Cavaquinho, Brejeiro, Atlântico e sua famosíssima canção Odeon. O compositor, apesar do reconhecimento do grande mérito de sua obra nos dias de hoje, faleceu no esquecimento e na solidão. Outro grande nome que deve ser sempre lembrado é o de Chiquinha Gonzaga, pioneira como compositora e como figura feminina na música popular brasileira. Chiquinha Gonzaga compôs a primeira marcha especialmente feita para o carnaval: Ô Abre Alas, a pedido do então cordão Rosa de Ouro, em 1899. O conjunto da obra da compositora chega a mais de duas mil canções.


A tradição do choro, já possuindo outros grandes nomes precursores como Anacleto de Medeiros e Irineu de Almeida, foi logo premiada com seu maior nome: o compositor e instrumentista Alfredo da Rocha Viana, o Pixinguinha (Rio de Janeiro, 1897 - 1973). É de autoria desse grande compositor uma das canções brasileiras mais populares até hoje: o Carinhoso (1928). Pixinguinha, ao final da década de 20, foi responsável pela formação do legendário conjunto de choro, Os Oito Batutas, do qual ele próprio fez parte, além de José Alves, Jacó Palmieri, Luís Silva, China (irmão de Pixinguinha), Nélson Alves, Raul Palmieri, João Pernambuco e Donga. Em seu falecimento, o grande mestre do choro teve a homenagem de duas mil vozes cantando o Carinhoso em seu sepultamento. Além de Carinhoso, muitas de suas composições tornaram-se verdadeiros “hinos” do choro brasileiro (com Ingênuo, Vou Vivendo, Um a Zero e Naquele Tempo).


O choro também tomou conta dos chamados conjuntos de foxtrote (as jazz-bands) através da iniciativa de Romeu Silva, que verteu o ritmo brasileiro para o jazz americano. No auge das jazz-bands, surge nesse contexto histórico da música brasileira um conjunto nordestino: os Turunas Pernambucanos, que trouxeram os ritmos do nordeste em 1922 para o Rio de Janeiro, então capital da República.


São Paulo também contou com alguns grandes nomes do choro, como Armandinho Neves (1902 - 1976), Garoto, Gaó, Copinha e Bonfíglio de Oliveira.


Em 1917, paralelamente ao sucesso do choro, um novo gênero surgiu, tornando-se uma das marcas mais fundamentais da música brasileira: o samba, de provável origem baiana, surgiu nos meios de divulgação com a histórica canção Pelo Telefone, e o ritmo ganhou a partir daí a predominância nos carnavais cariocas. Ernesto Joaquim Maria dos Santos, o Donga (Rio de Janeiro, 1889 - 1974) juntamente com Mauro de Almeida, teve o primeiro samba registrado em gravação. Os compositores de choro como Pixinguinha imediatamente responderam musicalmente a essa então nova tendência, que permaneceu de maneira distintiva na história da música popular brasileira. Ainda assim, o ritmo das marchas não abandonou o carnaval, disputando a preferência com o novo gênero.


Já a década de 30 foi constituída de uma verdadeira explosão de grandes compositores brasileiros: Lamartine Babo (Rio de Janeiro, 1904 - 1963) lançou canções que até hoje são conhecidas por foliões carnavalescos e pelo público em geral: O Teu Cabelo Não Nega e Linda Morena são muito cantados nos carnavais mais contemporâneos; Noel Rosa, outro grande mito da música popular, tem ainda suas canções na memória do povo brasileiro. Morreu aos 26 anos de idade, deixando um conjuntos de mais de duzentas canções, entre elas Camisa Listada (sic): Ari Barroso, em suas composições, exaltou as belezas do Brasil, compondo canções inesquecíveis como Aquarela Brasileira. Citam-se ainda os nomes de Assis Valente, Benedito Lacerda, assim como importantes parcerias de compositores, como a dupla João de Barro e Alberto Ribeiro (Touradas em Madri), Nássara e Frazão (Florisbela) e ainda a dupla Bide e Marçal (Agora é Cinza). Esta década mesma ainda desenrolou-se tendo como fundo musical as famosas canções de André Filho (Cidade Maravilhosa) e da dupla Jararaca e Vicente Paiva, com uma das marchinhas até hoje mais conhecidas, Mamãe Eu Quero.


Esta época constituiu o início da era de ouro do rádio, tendo sido embalada pelas vozes de Carmen Miranda, Araci de Almeida, Francisco Alves, Mário Reis, Orlando Silva, Sílvio Caldas, Almirante, as irmãs Dircinha e Linda Batista, o tenor Vicente Celestino e muitos outros. Tais cantores foram os intérpretes e ainda divulgadores das mais belas canções dos grandes compositores de sua geração.


Nos anos seguintes, nas décadas de 40 e 50, a produção de marchas carnavalescas de grande sucesso não parou. Marchinhas como Cordão dos Puxa-sacos (de Roberto Martins, com Frazão), Nega do Cabelo Duro (de Rubens Soares e Davi Nasser), Alá-la-ô (de Haroldo Lobo, com Nássara), Nós os Carecas (de Roberto Roberti e Arlindo Marques Júnior). Deve ser necessariamente citado o samba de Mário Lago e Ataulfo Alves, até hoje de grande popularidade: Amélia. 


No campo dos grandes intérpretes da época, outro grande sucesso foi Nélson Gonçalves, com canções de caráter boêmio e romântico; destacaram-se também as figuras das “rivais” Marlene (que surgiu com grande sucesso em 52 com a gravação de Lata d’água) e Emilinha Borba. Estas cantoras disputaram entre si o título de Rainha do Rádio de 1949. Emilinha Borba gravou a canção Chiquita Bacana, de autoria de Alberto Ribeiro e João de Barro, muito popular até os dias atuais. Juntamente com Emilinha Borba e Marlene, a cantora Dalva de Oliveira foi uma das mais populares dos anos 40, ao lado da dupla Preto e Branco, formada por Herivelto Martins e Nilo Chagas, formando então o Trio de Ouro. Foi de Herivelto Martins, através da voz de Dalva de Oliveira, uma das canções muito populares: Ave Maria do Morro. A cantora tornou-se, em 52, a nova Rainha do Rádio, após um período de ausência em sua carreira. Voltou a brilhar mais tarde, no carnaval de 1970, com a popularíssima marcha-rancho Bandeira Branca. De volta à década de 50, outra grande estrela foi Ângela Maria, com a interpretação de músicas ao gosto romântico. Seu sucesso firmou-se através de suas apresentações na célebre Rádio Nacional, em programas de auditório de grandiosa popularidade. A interpretação de Ângela Maria na canção Babalu é considerada inigualável. Aliás, a Rádio Nacional teve grande papel na descoberta e divulgação dos novos valores de então. Por exemplo, Caubi Peixoto foi lançado em programa da emissora, no ano de 1954.


Ainda nos anos 50 o Rio de Janeiro assistiu à grande expansão das escolas de samba, ao passo que o carnaval de rua cedia algum espaço para esta nova realidade. O contexto da expansão das escolas de samba foi premiado, mais tarde, com alguns ardorosos compositores, como Cartola e Carlos Cachaça (fundadores da Mangueira), Dona Ivone Lara e Mano Décio da Viola (um dos fundadores da Império Serrano, juntamente com Silas de Oliveira), João Nogueira e Zé Keti (Portela), Duduca e Nescarzinho de Salgueiro e muitos outros. Em geração posterior, Martinho da Vila foi e continua sendo um dos grandes compositores de samba vinculados à atividade das escolas: Martinho compôs o samba-enredo Kizomba, a Festa da Raça, que levou a Vila Isabel ao título de campeã do desfile de 1988. Ao lado de seu trabalho com a Vila Isabel, Martinho da Vila é compositor de canções de amplo sucesso, como Madalena e Casa de Bamba. Outro nome a ser destacado, de geração anterior à de Martinho, é o cantor Jamelão (Rio de Janeiro, 1913), desde a década de 50 até recentemente permanecendo como puxador de samba da Mangueira. 


Em contrapartida, em Salvador, foi criado o primeiro trio elétrico, que fomentaria a grande explosão do carnaval de rua baiano. A dupla de Dodô e Osmar foi a responsável pela criação do trio elétrico, na época tendo sido montado em um veículo Ford “bigode”. Em Pernambuco, o frevo, cuja criação se deu em 1909 por Zuzinha, ganhou força a partir dos anos 30 e prosseguiu como modalidade de dança e música original do animadíssimo carnaval nordestino.


O samba pediu passagem e seguiu em frente com novas gerações de compositores de grande importância no contexto histórico da música popular brasileira, tendo nomes como Dorival Caymmi e Lupicínio Rodrigues, ambos compositores e intérpretes de suas próprias canções. Em São Paulo, surgiu a grande figura do samba paulistano, com Adoniran Barbosa, que teve muitas de suas canções gravadas e reverenciadas por intérpretes como Elis Regina. Adoniran Barbosa deixou um legado no qual encontramos um dos hinos do samba paulista, Trem das Onze, em que a cor local paulistana e suas figuras, entre os quais os descendentes de italianos que deixaram sua marca no falar paulistano, foi retratada de maneira tanto prosaica como poética. Nesta mesma época surgiu o conjunto paulista até hoje presente, os Demônios da Garoa, que mantém viva a chama do samba de Adoniran Barbosa.


Os anos 60 foram palco de um estreitamento dos laços entre a classe média e as escolas de samba, tendo como resultado a aproximação entre sambistas e intelectuais. A temática do samba-enredo acabou por ganhar em sofisticação, como se observa em O Mundo Encantado de Monteiro Lobato, que levou a Mangueira ao campeonato em 1967. Com o grande crescimento da festa popular, o desfile das escolas de samba tornou-se um dos símbolos da festa carnavalesca, ganhando espaços como a rua Marquês do Sapucaí (1978) e, mais tarde, em 1984, o Sambódromo, cujo projeto arquitetônico foi assinado por Oscar Niemeyer.


Desde os anos 40, algo estava se transformando no samba carioca. O maestro Radamés Gnatalli, com suas orquestrações de cunho moderno, já havia realizado, ao lado do próprio Pixinguinha, a regência de grandes acompanhamentos orquestrais dirigidos à música popular. Estas orquestrações tinham, como meio divulgador, a Rádio Nacional, que dedicava por sua vez programas semanais às orquestras regidas por Gnatalli (Quando os Maestros se Encontram). O compositor Johnny Alf (Rio de Janeiro, 1929) já havia se manifestado como um precursor harmônico-melódico do que mais tarde seria chamado bossa-nova, com a canção Rapaz de Bem, de 1953. Entre os fundadores do Sinatra-Farney Fã-clube estavam Jobim, Farney, Jonnhy Alf, Luís Bonfá e a cantora Nora Ney. Um dos intérpretes do samba desta nova tendência que se afigurava no cenário da música brasileira foi Dick Farney. O cantor utilizava certas sonoridades jazzísticas para a interpretação de sambas. A gravação pioneira de Copacabana com a utilização de instrumentos vinculados à música erudita (conjunto de cordas) foi realizada com a participação de Farney, sob a regência de Gnatalli. Lúcio Alves e Dick Farney gravaram seu samba-canção Teresa da Praia (em parceria com Billy Blanco), quando um jovem compositor se afirmava no cenário da época, em 1954: Tom Jobim (Rio de Janeiro, 1927 - 1994). Suas canções, mesclando música erudita às sonoridades nacionais, o imaginário e a cor local brasileira, estabeleceram um caminho a ser trilhado por todos os compositores que o sucederam. Obteve aclamação mundial, tendo suas canções difundidas na mídia internacional. Sua obra foi um grande veículo de divulgação da música brasileira no âmbito internacional. Foi Jobim o compositor que deixou como legado as canções fundamentais do movimento bossa-nova, em parceria com Newton Mendonça: Samba de uma Nota Só e Desafinado são duas canções clássicas do contexto, que ganhariam, mais pouco mais tarde, a voz daquele que por muitos é considerado o seu intérprete ideal: com o lançamento do disco Chega de Saudade, de orquestração de Tom Jobim, surge o chamado Papa da Bossa-nova, João Gilberto. Com sua voz e suas inovações harmônicas no violão, João Gilberto causou grande estardalhaço no cenário da música popular. O ouvido e o gosto do público não estavam preparados para tais inovações harmônicas, que foram gradualmente compreendidas mais tarde.

 Neste período uma verdadeira explosão de talentos foi gerada: o poeta Vinícius 
  de Moraes (Rio de Janeiro, 1913 - 1980) formou, ao lado de Jobim, a parceria 
  mais consagrada da bossa-nova, com canções como Chega de Saudade, Garota 
  de Ipanema (que tornou-se uma das canções mais populares no mundo inteiro) e 
  Se Todos Fossem Iguais a Você. Além de Jobim, Vinícius de Moraes teve 
  como parceiros outros grandes talentos que até então iam se afirmando definitivamente 
  na música brasileira: Toquinho, Chico Buarque (que, mais tarde, seria também 
  parceiro de composição de Jobim, nas letras), Edu Lobo, Carlos Lyra, o maestro 
  Cláudio Santoro e o violonista e compositor Baden Powell (1937-2000).


Carlos Lyra, juntamente com Roberto Menescal, fundou uma academia de violão que acabou por tornar-se o ponto de encontro do meio artístico da época. Carlos Lyra, aliás, mais tarde, inovaria na bossa-nova, estabelecendo temáticas de caráter mais intelectualizado e politicamente engajado. Ainda foi o fundador do Centro Popular de Cultura, ao lado de Oduvaldo Vianna Filho e o poeta Ferreira Gullar. Já Roberto Menescal foi professor de violão de uma das intérpretes integrantes do movimento bossa-nova: Nara Leão (1942 - 1989). Roberto Menescal ainda é um grande descobridor de talentos, como foi o caso, mais recentemente, do lançamento da cantora Leila Pinheiro, cujo sucesso já é plenamente consolidado em interpretações atualizadas de canções da bossa.


Chico Buarque de Holanda, por sua vez, tornou-se um dos maiores nomes da música popular brasileira. Irmão de Miúcha, desde cedo entrou em contato com o círculo de artistas importantes da época, como Alaíde Costa, Oscar Castro Neves e Baden Powell. Sua primeira grande conquista na mídia brasileira ocorreu com a vitória da canção A Banda, composta por Chico e interpretada por ele mesmo e Nara Leão no II Festival de MPB, promovido em 1966 pela TV Record. Chico permaneceu na música, tendo como futuro parceiro Tom Jobim. Muitas das canções de Chico são consideradas verdadeiras obras-primas da poética na música popular (como, por exemplo, a elaboradíssima Construção). Sua influência é definitiva na produção musical brasileira.


Ainda na bossa nova, muitos intérpretes devem ser citados: Maysa foi a intérprete da primeira gravação de O Barquinho e seu primeiro trabalho possuía um repertório basicamente constituído de sambas-canções de fossa, como Meu Mundo Caiu; Elizeth Cardoso, já tornada popular desde a chamada Fase de Ouro do rádio, gravou um disco em 58, com repertório composto por Tom Jobim em parceira com Vinícius de Moraes, ao som do violão bossa-novista de João Gilberto.


Nesse período aqui descrito, o rádio vai cedendo espaço a um novo veículo de comunicação: a televisão surgiu no Brasil em 1950. Dos meados ao final da década de 60, a televisão obteve grande desenvolvimento através da canção popular brasileira, posta em evidência através dos grandes festivais da época. Nesse contexto, surgiram e foram amplamente divulgados novos talentos da MPB. Elis Regina, por exemplo, já tomava a dianteira de uma nova fase da bossa nova, inclusive ganhando o I Festival de MPB, televisionado pela extinta TV Excelsior. Mais tarde, Elis Regina, ao lado de Jair Rodrigues, comandou o programa de grande audiência da televisão em sua época, O Fino da Bossa. Chico Buarque, como já foi dito, foi premiado com uma de suas canções no II Festival de MPB, compartilhando o prêmio com a canção Disparada, de autoria de Théo de Barros e Geraldo Vandré, interpretada por Jair Rodrigues. Os festivais inicialmente surgiram através da cobertura da extinta TV Excelsior paulista. Os  grandes festivais tiveram prosseguimento com a produção da TV Record em seu período de auge de audiência. Mas a Record, após incêndios danosos em suas instalações, não pôde prosseguir com produções do mesmo nível, gerando inclusive sinais de grande crise nos festivais, que foram, em suas últimas versões, produzidos pela antiga TV Rio, prosseguindo até a “extinção” dos festivais nos anos 80, com suas transmissões realizadas pela TV Globo.


Além do fato de a bossa-nova ter inovado o quadro musical brasileiro, este movimento foi a pedra de toque para o despertar de vários nomes vinculados às mais diversas tendências: Roberto Carlos, posterior líder da chamada Jovem Guarda, iniciou sua carreira fazendo um gênero comportado, por assim dizer, ao modo de João Gilberto; Caetano Veloso teve João Gilberto como um de seus grandes ídolos, embora suas novas propostas fossem bem diversas, seguindo uma linha evolutiva da música popular brasileira a partir das tradições já estabelecidas, fazendo estardalhaço, entre vaias e aplausos, com sua canção Alegria, Alegria; Gilberto Gil teve grande participação nos festivais, inclusive em sua canção Domingo no Parque, que interpretara ao lado do conjunto Os Mutantes (com Rita Lee e os irmãos Sérgio e Arnaldo Batista).


A bossa nova, que já encontrava em si mesma duas vertentes (a romântica e a engajada, como observa-se no compositor Marcos Valle, que chegou a abraçar ambas), foi um ponto de partida para tendências bastante diversas. É o que observamos nas tendências musicais que se sucederam, como a Jovem Guarda e a Tropicália. Roberto Carlos, liderando a Jovem Guarda, iniciou sua carreira ao estilo do próprio João Gilberto, mais tarde desvinculando-se dessa linha, trilhando pelo caminho calcado no romantismo do rock-and-roll norte-americano dos anos 50 a 60. Do movimento tropicalista fizeram parte talentos como Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, assim como a banda Os Mutantes na vertente do “rock tropicalista”. Com uma nova linguagem, os tropicalistas preencheram espaços até então vazios no quadro musical brasileiro, numa época em que era eminente a explosão de criatividade em nível internacional. O Tropicalismo brasileiro foi responsável pela até então inviável conciliação, na música brasileira, entre os conceitos de universalismo e regionalismo. Ainda mais, gerou grandes transformações na inibida cultura brasileira da época que, possuindo tradições relativamente novas, buscava caminhos pelos quais pudesse percorrer. 


Maria Betânia, irmã de Caetano, já brilhava através do show Opinião, tendo substituído Nara Leão. Através da cantora foi dado o estímulo ao irmão Caetano Veloso em sua viagem ao Rio. Sem dinheiro e sem projetos acabados, Caetano retorna à Bahia, de onde voltaria mais tarde para sua participação nos festivais. Com Alegria, Alegria, de autoria e interpretação de Caetano, acompanhado por músicos argentinos de “iê-iê-iê”, o choque da platéia era evidente: para a mentalidade da época, instrumentos elétricos com guitarra e baixo não seriam os mais adequados para os padrões então vigentes na música popular brasileira. No entanto, poucos notaram que a canção de Caetano tratava-se basicamente de uma “marchinha”, remontando a um ritmo bastante típico. Foi com a canção-manifesto que deu origem ao nome do movimento, Tropicália, de arranjo orquestral do maestro vanguardista Júlio Medáglia, que Caetano sintetizou uma grande base para o que viria a tornar-se o movimento tropicalista. Toda a produção cultural da vanguarda brasileira influenciou o tropicalismo, como o Cinema Novo de Gláuber Rocha, a poesia concreta de Décio Pignatari e dos irmãos Haroldo e Augusto de Campos, o teatro de José Celso Martinez, os novos conceitos nas artes plásticas, através de Hélio Oiticica. O movimento soube ainda assimilar realidades distintas e até antagônicas da realidade cultural brasileira: tanto cabia nas bases do movimento as vanguardas quanto o regional e o kitsch (como na canção de Gil, composta na época de seu exílio, Aquele Abraço: “Alô, alô, seu Chacrinha / Velho palhaço / Alô, alô, Teresinha / Aquele Abraço...”. A poesia tropicalista teve na figura de Torquato Neto (1944-1972) a sua maior expressão. Torquato foi inclusive o poeta de canções capitais no contexto do movimento, como Marginália II e Geléia Geral.


Gilberto Gil foi um grande músico e compositor do movimento tropicalista. Surgiu antes do movimento através dos festivais de MPB, onde mais tarde, já figurando no movimento, participou com a canção Domingo no Parque, juntamente com a banda Os Mutantes. Sua grande musicalidade foi responsável por algumas das mais belas canções do movimento tropicalista e da música popular brasileira como um todo.


Grandes intérpretes surgiram com a Tropicália. Além de Betânia, cujo sucesso já era anterior ao movimento, outros nomes surgiram, como a “musa tropicalista” Gal Costa, que deu voz a muitas canções de Caetano, entre elas Baby. Pode-se dizer, ainda, que um dos tropicalistas mais sui-generis foi Jorge Ben (hoje com o nome de Jorge Benjor) com sua canção Charles Anjo 45, que foi inscrita no IV Festival Internacional da Canção e saiu mal classificada, tendo sido mais tarde gravada em parceria com Caetano Veloso. Nas gerações posteriores que deram continuidade ao movimento tropicalista, surgiram nomes como os compositores Arrigo Barnabé, Itamar Assumpção e ainda as musas da vanguarda neotropicalista como as intérpretes Tetê Espíndola e Eliete Negreiros. Em São Paulo, na época do antológico Teatro Lira Paulistana, surgiram grupos importantes como o Premeditando o Breque e grupo Rumo. Da Bahia, novos talentos surgiram com os Novos Baianos, de onde destacaram-se Baby Consuelo, Pepeu Gomes, Paulinho Boca de Cantor e Moraes Moreira. A voz de veia nordestina neotropicalista se fez presente através das canções de Alceu Valença.


Pode-se dizer que o rock brasileiro foi originado basicamente tanto das tendência da Jovem Guarda quanto das tendências tropicalistas. A primeira incursão brasileira no rock está registrada no nome de Nora Ney, cantora adepta do estilo fossa, que gravou uma versão brasileira da canção Rock Around the Clock. Cauby Peixoto também teve sua incursão no rock na canção composta por Miguel Gustavo, Rock and Roll em Copacabana. Ainda nas origens do rock no Brasil, quando a influência norte-americana ainda se fazia bastante presente, as canções mais populares deste contexto foram gravadas por Celly Campelo: Estúpido Cupido foi uma versão brasileira da canção de Neil Sedaka; a ingênua Banho de Lua é contemporânea da fase pela qual passava a juventude norte-americana, fase esta retratada no filme Juventude Transviada, com a atuação do mitológico James Dean.


O rock brasileiro passou a ter, com a Jovem Guarda, a adesão em massa da juventude no Brasil dos anos 60. Consagraram-se nomes como Roberto Carlos, Erasmo Carlos (“o Tremendão”), além de intérpretes como Wanderléia, Ronnie Von, Wanderley Cardoso, Rosemary, Jerry Adriani e Sérgio Reis (que mais tarde mudaria radicalmente de estilo, voltando-se à música sertaneja). A origem das bandas brasileiras de rock tem como representantes Os Incríveis e Renato e seu Blue Caps.


Com o advento da tropicália, surgiu no cenário musical brasileiro a banda Os Mutantes, que mudou radicalmente o estilo roqueiro brasileiro. No início de sua carreira, Os Mutantes, tendo como integrantes Rita Lee e os irmãos Arnaldo e Sérgio Baptista, acompanharam Gilberto Gil na canção Domingo no Parque no III Festival de MPB, além de ter acompanhado Caetano no III Festival Internacional da Canção, gravando com ele a canção É Proibido Proibir. Uma outra gravação bastante famosa dos Mutantes foi Panis et Circensis, de Caetano.


Enquanto isso, a Bahia provava que também podia exportar o rock para as demais regiões do Brasil. Surgiu um dos nomes até hoje mais cultuados do rock brasileiro: Raul Seixas. Este recebeu as influências mais diversas, desde o baião de Luís Gonzaga até o rock mais agressivo de Elvis Presley. Raul iniciou sua carreira na Bahia, participando de uma banda cujo nome era Raulzito e seus Panteras. Foi progressivamente mudando o estilo de algumas de suas músicas, escrevendo letras de cunho místico, algumas delas em parceria com Paulo Coelho.


As gerações posteriores do rock brasileiro tiveram nomes como Lulu Santos, Ritchie, Lobão (inicialmente com a banda Blitz, mais tarde com Lobão e seus Ronaldos e, em seguida, em carreira solo). Muitas bandas, de estilos bastante diversos, apareceram no cenário do rock brasileiro. O estilo do deboche ficou por conta da banda Ultraje a Rigor; o rock baiano voltou na figura de Marcelo Nova com a banda Camisa de Vênus; a influência punk surgiu com a banda originada no ABC paulista, os Garotos Podres; o Planalto Central exportou muitas bandas como Legião Urbana e Paralamas do Sucesso; os Titãs passaram do pop ao mais agressivo estilo de rock dos anos 90. Os anos 80 ainda contaram com as bandas Barão Vermelho (com Cazuza como integrante), Kid Abelha, João Penca e seus Miquinhos Amestrados. Dos meados de 86 até hoje, surgiram ainda bandas como os gaúchos Engenheiros do Hawaii; Brasília exportou mais nomes, como a banda Plebe Rude; o rock paulista gerou bandas muito distintas entre si, como o RPM, Inocentes e a banda “underground “ dos anos 80, Ira! Nos anos 90 o rock brasileiro ganhou novas tendências, como por exemplo com a banda Raimundos, também de Brasília, que funde o rock mais agressivo com o baião-repente, ao modo de Raul Seixas em algumas de suas músicas. A banda Pato Fu, de Minas Gerais, mostra seu rock bastante peculiar e sensível. O reggae passou a ser mais explorado pelo rock com a banda mineira Skank. À beira da virada do milênio, o rock brasileiro ganhou novos rumos: de um lado, a banda Sepultura tinha sua base criativa no heavy-metal, inclusive usando a língua inglesa para suas músicas (no último disco da banda, já extinta, o heavy-metal é fundido com ritmos nativos do Brasil); de outro lado, surge o movimento mangue beat, liderado por Chico Science e sua banda Nação Zumbi, misturando os ritmos do nordeste brasileiro com a sonoridade do rock e sonoridades provenientes dos instrumentos eletrônicos. 


Paralelamente à explosão das bandas de rock, a música brasileira manteve sua essência rítmica em muitos outros talentos. Fazendo um breve retorno aos difíceis tempos da ditadura no Brasil, com a decretação do AI-5, muitos compositores foram forçados ao exílio, como foi o caso de Caetano Veloso e Gilberto Gil, Chico Buarque e Geraldo Vandré. Uma das forças de resistência da música brasileira neste período ocorreu na música de Milton Nascimento. Com ele, surgiu o grupo de Minas, com nomes como Wagner Tiso, Toninho Horta, Beto Guedes, Lô Borges. Já retomando os anos 70 e 80, quando a abertura política viabilizava uma maior (mas ainda restrita) liberdade de expressão, surgiram grandes talentos que estabeleceram definitivamente seus nomes na história da música popular: João Bosco, compositor e violonista, transitou pelos mais variados ritmos, utilizando recursos harmônicos bastante inusitados, tendo muitas letras de suas canções compostas pelo parceiro Aldir Blanc. Em parte de sua produção, João Bosco, assim como o filho de Luís Gonzaga, Gonzaguinha, no início de sua carreira, transcenderam os limites da temática da MPB e da própria censura, compondo canções declaradamente engajadas. Citam-se ainda neste contexto as parcerias entre Ivan Lins e Vítor Martins, Jards Macalé e Waly Salomão.


As décadas de 70 e 80 assistiram o surgimento de muitas intérpretes na MPB: na década de  70, foi a vez de Simone, Elba Ramalho e Zizi Possi; em fins dos anos 80, surgiu Marisa Monte; Adriana Calcanhoto surgiu já na década de 90. A música jazzística foi mesclada aos ritmos e à linguagem brasileira por um grande talento: Djavan. Ney Matogrosso, cuja carreira é remontada ao grupo de rock de curta mas brilhante aparição, Secos e Molhados (1973-1974), tomou os rumos de uma carreira solo bem-sucedida. Mais recentemente, Ney Matogrosso interpretou canções clássicas da MPB ao lado do violonista Rafael Rabelo, um dos instrumentistas mais importantes que surgiram na contemporaneidade, falecido no ano de 1995. Fafá de Belém teve projeção em 1975, cantando um tema para a novela Gabriela, de grande sucesso de audiência. A partir daí, sua carreira decolou definitivamente.


Do nordeste, grandes nomes surgiram. O multinstrumentista Hermeto Paschoal, manipulando sons da natureza, distendeu enormemente os limites de criação musical. Fagner deu seqüência ao regionalismo nordestino, inclusive tendo sido parceiro de Luís Gonzaga e do próprio Hermeto. Outro multinstrumentista e compositor de grande importância foi Egberto Gismonti, responsável pela fusão de estilos mais vinculados ao rock com elementos brasileiros regionais, música indígena e nordestina. Aliás, a lista de grandes instrumentistas não pára aqui: Paulo Moura (saxofonista), Mauro Senise (integrante do grupo Cama de Gato), Nivaldo Ornelas, Márcio Montarroyos, Pascoal Meireles, Robertinho Silva (baterista integrante da banda de Milton Nascimento), o grupo D’Alma (formado por Ulisses Rocha, Mozart Melo e André Geraissati), a banda Pau Brasil, banda Metalurgia, Rique Pantoja e Arthur Maia (respectivamente, tecladista e baixista do Cama de Gato), em muitos outros.

 A musicalidade negra veio até nós através de nomes como Tim Maia (1943-1998) 
  - o “pai” do soul brasileiro -, Jorge Benjor, Luís Melodia, Carlinhos 
  Brown e sua “Timbalada”, Cláudio Zolli, Ed Motta, a banda Conexão Japeri 
  e muitos outros. Por fim, as intérpretes que se destacam com grande brilhantismo 
  no cenário musical brasileiro da atualidade são, mais notadamente, Marisa Monte 
  e Cássia Eller.



