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Cério




Cério


Elemento: Cério


Símbolo: Ce


Número Atômico: 58


Massa Atômica Relativa: (140,12)


Origem do Nome: Derivado de Ceres, o asteróide


Ano da Descoberta: 1803


Densidade (g cm): 6.78


Ponto de Fusão (º C): 795


Ponto de Evaporação: 3470



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Césio




Césio


Elemento: Césio


Símbolo: Cs


Número Atômico: 55


Massa Atômica Relativa: (132,905)


Origem do Nome: Do latim caesius


Ano da Descoberta: 1860


Densidade (g cm): 1.9


Ponto de Fusão (º C): -28.7


Ponto de Evaporação: 690


Aplicações: Células fotoelétricas, emissores de radiação.



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Chumbo




Chumbo


Elemento: Chumbo


Símbolo: Pb


Número Atômico: 82


Massa Atômica Relativa: (207,2)


Origem do Nome: Do latim plumbum


Ano da Descoberta: Pré-história


Densidade (g cm): 11.3


Ponto de Fusão (º C): 327


Ponto de Evaporação: 1744



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Ciclo do Enxofre




Ciclo do Enxofre


As proteínas dependem basicamente do enxofre. O enxofre é encontrado no solo em combinações de sais de sulfato, sulfetos e minério. Nas proximidades de vulcões, o enxofre é encontrado na sua forma original, razão pela qual há muitas unidades de exploração nestas regiões. O ciclo do enxofre compreende seis etapas básicas:


a) As plantas absorvem compostos contendo enxofre além dos sulfatos; b) Na produção de aminoácidos das plantas o hidrogênio substitui o oxigênio na composição dos sulfatos; c) Os seres vivos alimentam-se das plantas; d) microorganismos decompõem os aminoácidos que contêm enxofre nos restos de animais e plantas, criando sulfito de hidrogênio; e) o enxofre é extraído do sulfito por bactérias e microorganismos e f) sulfatos são produzidos pela ação de microorganismos na combinação do enxofre com o oxigênio.



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Ciclo do Nitrogênio




Ciclo do Nitrogênio


O nitrogênio é essencial à vida assim como o hidrogênio e o oxigênio. Com participação ativa nas proteínas que formam os tecidos animais, o nitrogênio é reciclado constantemente pela natureza. Plantas e animais, no entanto, não podem utilizar o nitrogênio diretamente da atmosfera. Assim, o ciclo do nitrogênio pode ser resumido em seis etapas básicas que são: a) raízes de plantas capturam o nitrogênio no ar; b) proteínas, então, são formadas pelas plantas; c) animais alimentam-se das proteínas formadas; d)bactérias convertem tecidos mortos em amônia; d) bactérias criam nitratos que são criados pela conversão da amônia; e) fertilizantes são utilizados pelo homem e plantas absorvem os nitratos contidos nos fertilizantes.



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Ciclo do Oxigênio




Ciclo do Oxigênio


Toda a vida na terra depende do ciclo do oxigênio. Os animais respiram o ar e o devolvem para a terra na forma de gás carbônico. Os vegetais absorvem o gás carbônico e devolvem o oxigênio para a atmosfera.



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Ciclos Bioquímicos




Ciclos Bioquímicos


Os principais ciclos bioquímicos que ocorrem na natureza são: ciclo do carbono, ciclo do oxigênio, ciclo do nitrogênio e ciclo do enxofre.



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Classificação dos elementos




Classificação dos elementos


A Tabela Periódica é um modo de ordenação e comparação dos elementos químicos. Ela traz informações a respeito de todos os elementos conhecidos. Cada elemento é mostrado pelo seu respectivo símbolo. Os elementos são dispostos em sete linhas, chamadas períodos. Estes, da esquerda para a direita, mostram uma progressão dos elementos metálicos para os não-metálicos. O hidrogênio é uma exceção, sendo que este não faz parte de nenhuma das categorias.


Os elementos estão dispostos nos períodos de acordo com seus respectivos números atômicos, de 1 a 109. Estes números aparecem no canto superior esquerdo de cada caixa de elemento. O número é relativo à quantidade de prótons existentes no núcleo do átomo do elemento. Os prótons são partículas eletricamente positivas situadas no núcleo atômico.



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Cloro




Cloro


Elemento: Cloro


Símbolo: Cl


Número Atômico: 17


Massa Atômica Relativa: (35,453)


Origem do Nome: Do grego cloros, verde


Ano da Descoberta: 1797


Densidade (g cm): 1.56


Ponto de Fusão (º C): 101


Ponto de Evaporação:4. 7



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Cobalto




Cobalto


Elemento: Cobalto


Símbolo: Co


Número Atômico: 27


Massa Atômica Relativa: (58,9332)


Origem do Nome: Do alemão klobold, duende


Ano da Descoberta: 1735


Densidade (g cm): 8.9


Ponto de Fusão (º C): 14.92


Ponto de Evaporação: 2900



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Cobre




Cobre


Elemento: Cobre


Símbolo: Cu


Número Atômico: 29


Massa Atômica Relativa: (63,546)


Origem do Nome: Do latim cuprum, metal Crypus


Ano da Descoberta: Pré-histórico


Densidade (g cm): 8.92


Ponto de Fusão (º C): 10.83


Ponto de Evaporação: 25.95



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Criptônio




Criptônio


Elemento: Criptônio


Símbolo: Kr


Número Atômico: 36


Massa Atômica Relativa: (83,8)


Origem do Nome: Do grego kriptos, escondido


Ano da Descoberta: 1898


Densidade (g cm): 2.16


Ponto de Fusão (º C): -157


Ponto de Evaporação: -152



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Cromo




Cromo


Elemento: Cromo


Símbolo: Cr


Número Atômico: 24


Massa Atômica Relativa: (51,996)


Origem do Nome: Do grego krhoma, cor


Ano da Descoberta: 1797


Densidade (g cm): 7.19


Ponto de Fusão (º C): 18.90


Ponto de Evaporação: 24.82


Aplicações: proteção contra a corrosão do aço e acabamento de materiais metálicos.



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Cronologia




Cronologia


- 430 A. C


Logo após Demócrito, Leucipo esboça a hipótese atômica. Empédocles divulga sua teoria sobre a terra, água, fogo e ar, aperfeiçoada posteriormente por Aristóteles.


- 300 A. C


Zózimo, da escola de Alexandria, publica uma enciclopédia de conhecimentos químicos onde


revela a alquimia praticada pelos egípcios.


- 1200 a 1300 D. C.


Publicação da versão latina de obras atribuídas ao alquimista árabe Geber, do século VII, onde são descritos os processos de destilação, obtenção de álcool, ácido sulfúrico e ácido


nítrico.


- 1493


Nascimento de Paracelsus, criador da hiatroquímica.


- 1577


Nascimento de João Baptista Van Helmont, fundador da química pneumática.


- 1613


Angel Sala prepara ácido sulfúrico queimando enxofre na presença de vapor de água e ar.


- 1620


Lefebre e Lemery aperfeiçoam o método de Sala, empregando nitrogênio, com o qual encontraram o princípio para a fabricação em grande escala do ácido sulfúrico.


- 1627


Nascimento de Robert Boyle, pai da química moderna.


- 1766


Descobrimento do Hidrogênio por Cavendish.


- 1774


O oxigênio é descoberto por Priestley e Scheele, que também descobre o cloro.


- 1777


A lei da conservação da matéria é estabelecida por Lavoisier.


- 1789


Felipe Lebón apresenta processos de iluminação com gás destilado da madeira.


- 1804


Dalton publica sua teoria atômica. Seturner, boticário alemão, isola o primeiro alcalóide: a morfina.


- 1811


Publicação da regra e fundamentos da teoria molecular por Avogadro.


- 1823


Invenção da Fotografia por Niepce. Daguerre aperfeiçoa o processo.


- 1828


Distinção da química orgânica e inorgânica com a síntese da uréia mediante cianato de amônio.


- 1830


Publicação da lei da eletrólise por Faraday.  Invenção do novo forno de combustão por Leibig.


- 1831


Descoberta do clorofórmio por Souberian e Gunthrie.


- 1840


Charles Goodyear descobre a vulcanização da borracha.


- 1854


Berthelot começa a síntese de produtos orgânicos.


- 1856


Aperfeiçoamento, por Bessemer, do processo de produção em grande escala do aço.


- 1856


Avanços sobre as valências do carbono são publicadas por Kekulé.


- 1869


Mendeleev publica a classificação periódica dos elementos.


- 1874


Síntese do ácido salicílico.


- 1887


Teoria da ionização de Arrhenius.


- 1898


Descoberta do rádio pelo casal Curie.


- 1901


Produção artificial da adrenalina por Takamine e Stoll.


- 1903


Síntese do ácido nítrico.


- 1906


Descoberta da baquelita.


- 1913


Lei de Moseley. Soddy define os Isótopos.


- 1919


Rutherford inicia a alquimia moderna com a transmutação de um elemento.


- 1933


Síntese da vitamina C.


- 1939


Descoberta da fissão nuclear por Hahn e Strassman.


- 1940


Obtenção do netúnio e plutônio.


- 1944


Síntese do quinino.


- 1952


Síntese da morfina.


- 1953


Produção artificial de aminoácidos.


- 1960


Descoberta da meticilina.


- 1992


Descoberta do nanotubo, nova forma de carbono.



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Cúrio




Cúrio


Elemento: Cúrio


Símbolo: Cm


Número Atômico: 96


Massa Atômica Relativa: (247)


Origem do Nome: Derivado do nome Curie, dos cientistas Pierre e Marie Curie


Ano da Descoberta: 1944



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Disprósio




Disprósio


Elemento: Disprósio


Símbolo: Dy


Número Atômico: 66


Massa Atômica Relativa: (162,50)


Origem do Nome: Do grego dysprositos, difícil de alcançar


Ano da Descoberta: 1896


Densidade (g cm): 8.56


Ponto de Fusão (º C): 14.10


Ponto de Evaporação: 2600



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Einstênio




Einstéinio


Elemento: Einstéinio


Símbolo: Es


Número Atômico: 99


Massa Atômica Relativa: (254)


Origem do Nome: Derivado do nome de Albert Einstein


Ano da Descoberta: 1952



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Elementos de transição




Elementos de transição


Cada elemento desta classe difere de seu elemento adjacente na tabela pelo número de elétrons crescente na última camada de elétrons.



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Enxofre




Enxofre


Elemento: Enxofre


Símbolo: S


Número Atômico: 16


Massa Atômica Relativa: (32. 06)


Origem do Nome: Do latim sulfur


Ano da Descoberta: Pré-história.


Densidade (g cm): 1.96


Ponto de Fusão (º C): 119


Ponto de Evaporação: 444


Aplicações: Uso no processo de vulcanização da borracha, em medicamentos e na fabricação de fungicidas.



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Érbio




Érbio


Elemento: Érbio


Símbolo: Er


Número Atômico: 68


Massa Atômica Relativa: (167,26)


Origem do Nome: Derivado do nome Ytterby, uma cidade sueca


Ano da Descoberta: 1843


Densidade (g cm): 9.16


Ponto de Fusão (º C): 1500


Ponto de Evaporação: 2900



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Escândio




Escândio


Elemento: Escândio


Símbolo: Sc


Número Atômico: 21


Massa Atômica Relativa: (44,9559)


Origem do Nome: Do latim Scandia, ou Escandinávia


Ano da Descoberta: 1879


Densidade (g cm): 2.99


Ponto de Fusão (º C): 1540


Ponto de Evaporação: 2730


Aplicações: metal muito raro.



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Estanho




Estanho


Elemento: Estanho


Símbolo: Sn


Número Atômico: 50


Massa Atômica Relativa: (118,71)


Origem do Nome: Do latim stannum


Ano da Descoberta: Pré-história


Densidade (g cm): 7.28


Ponto de Fusão (º C): 232


Ponto de Evaporação: 2270



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Estrôncio




Estrôncio


Elemento: Estrôncio


Símbolo: Sr


Número Atômico: 38


Massa Atômica Relativa: (87,62)


Origem do Nome: Derivado do nome de uma vila escocesa, Strontian


Ano da Descoberta: 1808


Aplicações: fogos de artifício.



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Európio




Európio


Elemento: Európio


Símbolo: Eu


Número Atômico: 63


Massa Atômica Relativa: (151,29)


Origem do Nome: Derivado do nome Europa


Ano da Descoberta: 1898


Densidade (g cm): 5.24


Ponto de Fusão (º C): 826


Ponto de Evaporação: 1440



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Exemplos de misturas




Exemplos de misturas


Os exemplos mais comuns de misturas são as emulsões, suspensões e soluções.


Emulsões


São caracterizadas pela mistura homogênea de um líquido a outro. Nesta mistura, gotas de um líquido são homogeneamente espalhadas em outro líquido. Com o passar do tempo, os líquidos se separam. Os exemplos mais comuns de emulsões são os produtos de beleza, empregados na indústria cosmética.


Suspensões


São misturas de sólidos com líquidos, gases com líquidos, onde não há dissolução e sim o espalhamento de uma substância pela outra. Os colóides são a forma mais comum de suspensão. Os colóides tem como característica principal o grande número de partículas.


Soluções


Uma solução pode ser sólida, líquida ou gasosa, embora as soluções mais comuns são líquidas. Uma solução é uma mistura de, no mínimo, duas substâncias. Outra característica importante das soluções é que processos, tais como a filtragem e outros meios físicos simples, não podem separar os elementos que a compõem. O solvente é a base de uma solução. As substâncias encontram-se dissolvidas uniformemente no solvente de uma solução.



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Exemplos de reações químicas




Exemplos de reações químicas


A digestão, nos animais, envolve a quebra das moléculas dos alimentos, através de substâncias do organismo denominadas enzimas.


A dissociação é a quebra dos compostos moleculares em outros mais simples que podem ser recombinados.


A combustão é o processo que ocorre quando o oxigênio combina-se rapidamente com outra substância, ocorrendo queima do material envolvido, sendo esta uma reação irreversível.


A corrosão ocorre nas superfície dos metais, reagindo estes metais, por exemplo, com o ar atmosférico.


A destilação destrutiva ocorre na decomposição de substâncias que se situam em invólucros fechados.


A eletrólise ocorre quando uma corrente elétrica atravessa um composto químico, fazendo com que os elementos desse composto sejam separados em partes mais simples.


A fermentação é a alteração de substâncias orgânicas causadas pelas enzimas.


A oxidação ocorre quando uma substância perde elétrons. Estes são capturados por outras substâncias. Esta reação consiste na chamada redução. Ambas as últimas reações descritas ocorrem em conjunto.



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Férmio




Férmio


Elemento: Férmio


Símbolo: Fm


Número Atômico: 100


Massa Atômica Relativa: (257)


Origem do Nome: Derivado do nome do físico Enrico Fermi


Ano da Descoberta: 1952



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Ferro




Ferro


Elemento: Ferro


Símbolo: Fe


Número Atômico: 26


Massa Atômica Relativa: (55,847)


Origem do Nome: Do latim ferrum


Ano da Descoberta: Pré-histórico


Densidade (g cm): 7.36


Ponto de Fusão (º C): 1535


Ponto de Evaporação: 3000



Verbete:
Flúor




Flúor


Elemento: Flúor


Símbolo: F


Número Atômico: 9


Massa Atômica Relativa: (18,9984)


Origem do Nome: Derivado do mineral fluorspato


Ano da Descoberta: 1771


Densidade (g cm): 1.11


Ponto de Fusão (º C): -220


Ponto de Evaporação: -188



Verbete:
Fósforo




Fósforo


Elemento: Fósforo


Símbolo: P


Número Atômico: 15


Massa Atômica Relativa: (30,9738)


Origem do Nome: Do grego phosphorus, produtor de fogo


Densidade (g cm): 1.82


Ponto de Fusão (º C): 44.2


Ponto de Evaporação: 280



Verbete:
Frâncio




Frâncio


Elemento: Frâncio


Símbolo: Fr


Número Atômico: 87


Massa Atômica Relativa: (223)


Origem do Nome: Derivado do nome França


Ano da Descoberta: 1939


Ponto de Fusão (º C): 27


Aplicações: Experiências em laboratório.



Verbete:
Gadolínio




Gadolínio


Elemento: Gadolínio


Símbolo: Gd


Número Atômico: 64


Massa Atômica Relativa: (157,25)


Origem do Nome: Derivado do nome do químico Gadolin


Ano da Descoberta: 1880


Densidade (g cm): 7.95


Ponto de Fusão (º C): 1310


Ponto de Evaporação: 3000



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Gálio




Gálio


Elemento: Gálio


Símbolo: Ga


Número Atômico: 31


Massa Atômica Relativa: (69, 72)


Origem do Nome: Do latim Gallia, a atual França


Ano da Descoberta: 1875


Densidade (g cm): 5.91


Ponto de Fusão (º C): 29.8


Ponto de Evaporação: 24.00


Aplicações: Nos semicondutores.



Verbete:
Gases




Gases


Os gases são qualquer fluido aéreo na pressão e temperatura ordinária que ocupa todo o espaço disponível do recipiente que o contém, sendo constituído por moléculas que se movem livremente. Os gases não possuem forma específica, nem proporções. Se o gás não encontra limites físicos que o contenham, continua a se expandir indefinidamente.



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Gases Nobres




Gases Nobres


O grupo 8 contém elementos que não reagem facilmente. Fazem parte deste grupo o hélio, o néon, o argônio, o criptônio, o xenônio e o rádio. Estes são todos gases incolores à temperatura ambiente, com baixos pontos de fusão e ebulição. Estes elementos existem apenas em forma de átomos separados. Até 1962 nenhum dos componentes dos gases nobres eram conhecidos pelos cientistas e os químicos pensavam que estes eram completamente não-reagentes, sendo que então eram nomeados gases inertes.



Verbete:
Germânio




Germânio


Elemento: Germânio


Símbolo: Ge


Número Atômico: 32


Massa Atômica Relativa: (72,59)


Origem do Nome: Do latim Germania, a atual Alemanha


Ano da Descoberta: 1886


Densidade (g cm): 5.35


Ponto de Fusão (º C): 937


Ponto de Evaporação: 2830



Verbete:
Grupos de elementos




Grupos de elementos


Cada coluna vertical da tabela corresponde a um grupo de elementos que possuem propriedades similares. São oito principais grupos de elementos, dispostos de acordo com o número de elétrons dos átomos. Os elementos possuem de 1 a 8 camadas de elétrons. Os elementos de cada grupo têm comportamento similar. Tais grupos são denominados: metais alcalinos, metais alcalino-terrosos, halogênios, gases nobres, elementos de transição, lantanídeos e actinídeos.



Verbete:
Háfnio




Háfnio


Elemento: Háfnio


Símbolo: Hf


Número Atômico: 72


Massa Atômica Relativa: (178,49)


Origem do Nome: Do latim Hafnia, a atual Copenhague


Ano da Descoberta: 1923


Densidade (g cm): 13.3


Ponto de Fusão (º C): 2220


Ponto de Evaporação: 5400


Aplicações: Ligas especiais para facas, absorção de nêutrons em reatores atômicos.



Verbete:
Halogênios




Halogênios


Os halogênios são elementos do grupo 7. Eles são o flúor, o cloro, o bromo, o iodo e o astato. Estes elementos possuem tal poder de reação que não podem ser encontrados na natureza. Ao invés disso, eles se apresentam combinados com metais, em sais, como o cloreto de sódio. Os halogênios ocorrem em compostos com íons negativos.



Verbete:
Hólmio




Hólmio


Elemento: Hólmio


Símbolo: Ho


Número Atômico: 67


Massa Atômica Relativa: (164,930)


Origem do Nome: Do latim Holmia, a atual Estocolmo


Ano da Descoberta: 1878


Densidade (g cm): 8.8


Ponto de Fusão (º C): 1460


Ponto de Evaporação: 2600



Verbete:
Índio




Índio


Elemento: Índio


Símbolo: In


Número Atômico: 49


Massa Atômica Relativa: (114,82)


Origem do Nome: Da cor do espectro índigo (azulado)


Ano da Descoberta: 1863


Densidade (g cm): 7.3


Ponto de Fusão (º C): 157


Ponto de Evaporação: 2000


Aplicações: Em eletrodos transparentes



Verbete:
Iodo




Iodo


Elemento: Iodo


Símbolo: I


Número Atômico: 53


Massa Atômica Relativa: (126,905)


Origem do Nome: Do grego iodes, violeta


Ano da Descoberta: 1811


Densidade (g cm): 4.93


Ponto de Fusão (º C): 114


Ponto de Evaporação: 184



Verbete:
Irídio




Irídio


Elemento: Irídio


Símbolo: Ir


Número Atômico: 77


Massa Atômica Relativa: (192,22)


Origem do Nome: Do latim e grego iris, arco-íris


Ano da Descoberta: 1803


Densidade (g cm): 22.5


Ponto de Fusão (º C): 2440


Ponto de Evaporação: 5300



Verbete:
Isótopos




Isótopos


Os isótopos são átomos que possuem o mesmo número atômico e números de massa diferentes (ou seja, mesmo número de prótons, porém diferentes números de nêutrons). Os isótopos podem ser estáveis ou radioativos, podendo também ocorrer na natureza ou através da sintetização. O termo isótopo foi cunhado por Frederick Soddy (1877-1956), químico inglês pioneiro nas pesquisas a respeito da desintegração atômica.



Verbete:
Itérbio




Itérbio


Elemento: Itérbio


Símbolo: Yb


Número Atômico: 70


Massa Atômica Relativa: (173,04)


Origem do Nome: Derivado de Ytterby, cidade da Suécia


Ano da Descoberta: 1907


Densidade (g cm): 6.98


Ponto de Fusão (º C): 824


Ponto de Evaporação: 1430



Verbete:
Ítrio




Ítrio


Elemento: Ítrio


Símbolo: Y


Número Atômico: 39


Massa Atômica Relativa: (88, 9059)


Origem do Nome: Derivado de Ytterby, cidade da Suécia


Ano da Descoberta: 1828


Densidade (g cm): 4.34


Ponto de Fusão (º C): 1500


Ponto de Evaporação: 2930


Aplicações: produção de lasers, fios elétricos de alta voltagem.



Verbete:
Lantanídeos e actinídeos




Lantanídeos e actinídeos


As duas fileiras inferiores da tabela são correspondentes aos lantanídeos e aos actinídeos. Eles são mostrados separadamente devido ao fato de suas propriedades serem tão similares que eles cobrem apenas dois elementos da tabela principal. Os lantanídeos são elementos metálicos raros. Os actinídeos são quimicamente similares a eles. O urânio, por exemplo, é um actinídeo.



Verbete:
Lantânio




Lantânio


Elemento: Lantânio


Símbolo: La


Número Atômico: 57


Massa Atômica Relativa: (138,906)


Origem do Nome: Do grego lanthanein


Ano da Descoberta: 1839


Densidade (g cm): 6.19


Ponto de Fusão (º C): 920


Ponto de Evaporação: 3470


Aplicações: Lentes de câmaras fotográficas.



Verbete:
Laurêncio




Laurêncio


Elemento: Laurêncio


Símbolo: Lr


Número Atômico: 103


Massa Atômica Relativa: (260)


Origem do Nome: Derivado do nome do físico Ernest Lawrence


Ano da Descoberta: 1961



Verbete:
Lei de Avogadro




Lei de Avogadro


Em 1811, Avogadro formulou que “em volumes iguais de gases distintos, na mesma pressão e temperatura, há o mesmo número de moléculas“. Esta afirmação é conhecida hoje como Lei de Avogadro, que trouxe grandes contribuições ao desenvolvimento da química. Avogadro estabeleceu relações entre o modelo atômico de Dalton e sua hipótese molecular. Definiu que as moléculas são a menor porção de uma substância e os átomos a menor porção de um elemento. Com o surgimento da Teoria Atômico-Molecular, muito foi explicado e consagrado, tanto na química quanto na física.



Verbete:
Lei de Dalton




Lei de Dalton


Quando duas substâncias simples se combinam para formar várias substâncias compostas, a massa de uma delas relacionada à massa da outra dá, como resultado, a obtenção de números inteiros e geralmente muito pequenos (entre 1800 e 1808).



Verbete:
Lei de Dulong e Petit




Lei de Dulong e Petit


Na maioria das substâncias simples e sólidas, na temperatura ordinária, o produto de seu calor específico pelo peso atômico é igual a 6 (Em 1819).



Verbete:
Lei de Lavoisier




Lei de Lavoisier


Na Natureza nada se perde ou se cria: tudo se transforma (Em 1777).



Verbete:
Ley de Boyle-Mariotte




Lei de Boyle-Mariotte


Na mesma temperatura, o volume de um determinado peso de gás é inversamente proporcional à pressão a que é submetido.



Verbete:
Líquidos




Líquidos


A forma de um líquido pode ser alterada com facilidade, ao contrário dos sólidos. Embora de forma limitada, as moléculas podem se mover. Outra característica dos líquidos é que estes tomam a forma dos recipientes que os contêm.



Verbete:
Lítio




Lítio


Elemento: Lítio


Símbolo: Li


Número Atômico: 3


Massa Atômica Relativa: (6,941)


Origem do Nome: Do grego lithos, rocha


Ano da Descoberta: 1817


Densidade (g cm): 0.53


Ponto de Fusão (º C): 180


Ponto de Evaporação: 1330


Aplicações: Baterias diversas, aparelhos de ar condicionado



Verbete:
Lutécio




Lutécio


Elemento: Lutécio


Símbolo: Lu


Número Atômico: 71


Massa Atômica Relativa: (147,97)


Origem do Nome: Derivado de Lutetia, atual Paris


Ano da Descoberta: 1907


Densidade (g cm): 9.84


Ponto de Fusão (º C): 1650


Ponto de Evaporação: 3330



Verbete:
Magnésio




Magnésio


Elemento: Magnésio


Símbolo: Mg


Número Atômico: 12


Massa Atômica Relativa: (24,305)


Origem do Nome: Derivado de Magnesia, na Tessália


Ano da Descoberta: 1808


Densidade (g cm): 1.74


Ponto de Fusão (º C): 650


Ponto de Evaporação: 1110


Aplicações: Ligas especiais na fabricação de aviões, utilizado pelas plantas na fotossíntese.



Verbete:
Manganês




Manganês


Elemento: Manganês


Símbolo: Mn


Número Atômico: 25


Massa Atômica Relativa: (54,938)


Origem do Nome: Alteração do latim Magnesia


Ano da Descoberta: 1774


Densidade (g cm): 7.2


Ponto de Fusão (º C): 1240


Ponto de Evaporação: 2100


Aplicações: produção de aço e bronze.



Verbete:
Mendelévio




Mendelévio


Elemento: Mendelévio


Símbolo: Md


Número Atômico: 101


Massa Atômica Relativa: (258)


Origem do Nome: Derivado do nome do químico Mendeleev


Ano da Descoberta: 1955



Verbete:
Mercúrio (química)




Mercúrio (química)


Elemento: Mercúrio


Símbolo: Hg


Número Atômico: 80


Massa Atômica Relativa: (200,59)


Origem do Nome: Derivado do nome do planeta e do latim hydragynum


Ano da Descoberta: Pré-histórico


Densidade (g cm): 13.6


Ponto de Fusão (º C): -38.9


Ponto de Evaporação: 357



Verbete:
Metais alcalino-terrosos




Metais alcalino-terrosos


Os elementos do grupo 2 são o berílio, o magnésio, o cálcio, o estrôncio, o bário e o rádio. Estes elementos apresentam coloração acinzentada. Eles são bastante maleáveis, embora variem na dureza. Os metais alcalino-terrosos possuem um par de elétrons na camada externa de seus átomos, que podem ser retirados facilmente, podendo ser transformado facilmente em íons. Os alcalino-terrosos não são tão reativos como os metais alcalinos.



Verbete:
Metais alcalinos




Metais alcalinos


O lítio, o sódio, o potássio, o rubídio, o célio e o frâncio são os elementos do grupo 1 da Tabela Periódica. Os metais alcalinos reagem tão facilmente que eles são normalmente armazenados em óleo para a proteção contra o oxigênio e o vapor de água no ar. Os pontos de fusão e de ebulição são baixos para os metais alcalinos. Estes podem ser cortados com uma faca e podem flutuar na água. Eles reagem com água para formar soluções alcalinas.



Verbete:
Modelos Atômicos




Modelos Atômicos


O primeiro modelo detalhado do átomo, proposto por J. J. Thomson em 1898, baseava-se na idéia de que o átomo era uma esfera de eletricidade positiva, onde estavam submersos os elétrons. Esta descrição não era satisfatória porque não permitia explicar as propriedades químicas do átomo. Em 1911, Ernest Rutherford provou que o modelo de Thomson era inadequado e devia ser abandonado. No Laboratório da Universidade McGill, Rutherford bombardeou lâminas de ouro com partículas alfa e observou que algumas partículas conseguiam atravessá-las e outras não. Através de vários testes, Rutherford conseguiu estabelecer um novo modelo de átomo, que ocuparia um volume esférico e que possuía um núcleo. Estabeleceu que o núcleo contém a maior parte da massa do átomo e possui carga positiva. A região externa ao núcleo está ocupada pelos elétrons.


Outro físico que contribuiu para o aperfeiçoamento do modelo atômico de Rutherford foi o dinamarquês Niels Bohr. Baseado na teoria quântica, Bohr explicou o comportamento dos elétrons nos átomos. Para Bohr, os elétrons giram em torno do núcleo de forma circular e com diferentes níveis de energia.



Verbete:
Mol




Mol


De acordo com o Sistema Internacional de Unidades, um Mol de uma substância é a quantidade dessa substância que contém tantas unidades (átomos, moléculas  etc.) quantos são o número de átomos presentes em doze gramas de carbono 12. Desta forma, um mol de carbono 12 pesa doze gramas e contém 6.022045x10 elevado a 23 átomos.



Verbete:
Moléculas




Moléculas


A menor unidade de um elemento ou composto é chamada molécula. A molécula de um composto é formada por dois ou mais átomos desse composto. Um exemplo típico é o gás hidrogênio, que é composto por moléculas com dois átomos de hidrogênio. Quando três átomos de hidrogênio combinam-se com um átomo de nitrogênio, temos então uma molécula de amônia. O número de átomos de uma molécula pode variar de dois a milhares, como é o caso da molécula da borracha que pode ter mais de 60.000 átomos. , é a fórmula da água. As moléculas também são representadas por fórmulas.



Verbete:
Molibdênio




Molibdênio


Elemento: Molibdênio


Símbolo: Mo


Número Atômico: 42


Massa Atômica Relativa: (95,94)


Origem do Nome: Do grego molybdos, chumbo


Ano da Descoberta: 1778


Densidade (g cm): 10.12


Ponto de Fusão (º C): 2610


Ponto de Evaporação: 5560


Aplicações: aços especiais, filamento de lâmpadas.



Verbete:
Neodímio




Neodímio


Elemento: Neodímio


Símbolo: Nd


Número Atômico: 60


Massa Atômica Relativa: (144,24)


Origem do Nome: Do grego neo e didymos, gêmeos novos


Ano da Descoberta: 1885


Densidade (g cm): 7.0


Ponto de Fusão (º C): 1020


Ponto de Evaporação: 3030



Verbete:
Neônio




Neônio


Elemento: Neônio


Símbolo: Ne


Número Atômico: 10


Massa Atômica Relativa: (20,179)


Origem do Nome: Do grego neo, novo


Ano da Descoberta: 1898


Densidade (g cm): 1.2


Ponto de Fusão (º C): -249


Ponto de Evaporação: -246



Verbete:
Netúnio




Netúnio


Elemento: Netúnio


Símbolo: Np


Número Atômico: 93


Massa Atômica Relativa: (237,048)


Origem do Nome: Derivado do nome do planeta Netuno


Ano da Descoberta: 1940


Densidade (g cm): 20.4


Ponto de Fusão (º C): 640



Verbete:
Nêutrons




Nêutrons


Os nêutrons foram descobertos por James Chadwick, notável químico britânico, em 1932. Os nêutrons são parte integrante do átomo e têm carga elétrica neutra. O número de nêutrons de um átomo pode ser alterado sem que o elemento se altere. Os nêutrons têm a mesma massa dos prótons. Quando está fora do núcleo, o nêutron se transforma em uma partícula radioativa. Os Isótopos são átomos de um mesmo elemento que contém diferente número de nêutrons.



Verbete:
Nióbio




Nióbio


Elemento: Nióbio


Símbolo: Nb


Número Atômico: 41


Massa Atômica Relativa: (92,9064)


Origem do Nome: Derivado do mito grego Niobe


Ano da Descoberta: 1801


Densidade (g cm): 8.57


Ponto de Fusão (º C): 2470


Ponto de Evaporação: 3300


Aplicações: utilização em foguetes, anticorrosivo do aço.



Verbete:
Níquel




Níquel


Elemento: Níquel


Símbolo: Ni


Número Atômico: 28


Massa Atômica Relativa: (58,69)


Origem do Nome: Do alemão kupfernickel, a moeda do demônio


Ano da Descoberta: 1751


Densidade (g cm): 8.9


Ponto de Fusão (º C): 1453


Ponto de Evaporação: 2730



Verbete:
Nitrogênio




Nitrogênio


Elemento: Nitrogênio


Símbolo: N


Número Atômico: 7


Massa Atômica Relativa: (14,0067)


Ano da Descoberta: 1772


Densidade (g cm): 0.808


Ponto de Fusão (º C): -210


Ponto de Evaporação: -196



Verbete:
Nobélio




Nobélio


Elemento: Nobélio


Símbolo: No


Número Atômico: 102


Massa Atômica Relativa: (259)


Origem do Nome: Derivado do nome de Alfred Nobel


Ano da Descoberta: 1958



Verbete:
Ósmio




Ósmio


Elemento: Ósmio


Símbolo: Os


Número Atômico: 76


Massa Atômica Relativa: (190,2)


Origem do Nome: Do grego osme, odor


Ano da Descoberta: 1903


Densidade (g cm): 22.5


Ponto de Fusão (º C): 3000


Ponto de Evaporação: 5000



Verbete:
Oxigênio




Oxigênio


Elemento: Oxigênio


Símbolo: O


Número Atômico: 8


Massa Atômica Relativa: (15,9994)


Origem do Nome: Do grego oxys, ácido; e genes, produção


Ano da Descoberta: 1774


Densidade (g cm): 1.15


Ponto de Fusão (º C): -218


Ponto de Evaporação: -183



Verbete:
Paládio




Paládio


Elemento: Paládio


Símbolo: Pd


Número Atômico: 46


Massa Atômica Relativa: (106,42)


Origem do Nome: Derivado do nome do asteróide Pallas


Ano da Descoberta: 1803


Densidade (g cm): 12


Ponto de Fusão (º C): 1550


Ponto de Evaporação: 3980



Verbete:
Partículas subatômicas




Partículas subatômicas


A ciência, no avanço das pesquisas em torno do átomo, já localizou mais de 200 partículas subatômicas. Existem partículas tão efêmeras que foram detectadas apenas por frações de segundo. No entanto algumas partículas são mais estáveis o que tem permitido aos cientistas ampliar seus conhecimentos ao longo do tempo.



Verbete:
Platina




Platina


Elemento: Platina


Símbolo: Pt


Número Atômico: 78


Massa Atômica Relativa: (195,08)


Origem do Nome: Do espanhol plata, prata


Ano da Descoberta: 1735


Densidade (g cm): 21.4


Ponto de Fusão (º C): 1769


Ponto de Evaporação: 4530



Verbete:
Plutônio




Plutônio


Elemento: Plutônio


Símbolo: Pu


Número Atômico: 94


Massa Atômica Relativa: (244)


Origem do Nome: Derivado do nome do planeta Plutão


Ano da Descoberta: 1940


Densidade (g cm): 19.8


Ponto de Fusão (º C): 640


Ponto de Evaporação: 3240



Verbete:
Polônio




Polônio


Elemento: Polônio


Símbolo: Po


Número Atômico: 84


Massa Atômica Relativa: (209)


Origem do Nome: Do latim Polonia, ou Polônia


Ano da Descoberta: 1898


Densidade (g cm): 9.4


Ponto de Fusão (º C): 254


Ponto de Evaporação: 960



Verbete:
Potássio




Potássio


Elemento: Potássio


Símbolo: K


Número Atômico: 19


Massa Atômica Relativa: (39,0983)


Origem do Nome: Do latim kalium e derivado de potassa


Ano da Descoberta: 1807


Densidade (g cm): 0.86


Ponto de Fusão (º C): 63.7


Ponto de Evaporação: 774


Aplicações: fabricação de vidro, fertilizantes, sabonetes.



Verbete:
Praseodímio




Praseodímio


Elemento: Praseodímio


Símbolo: Pr


Número Atômico: 59


Massa Atômica Relativa: (140,908)


Origem do Nome: Do grego prasios, verde e didymos, gêmeo


Ano da Descoberta: 1885


Densidade (g cm): 6.78


Ponto de Fusão (º C): 935


Ponto de Evaporação: 3130



Verbete:
Prata




Prata


Elemento: Prata


Símbolo: Ag


Número Atômico: 47


Massa Atômica Relativa: (107,868)


Origem do Nome: Do latim argentum


Ano da Descoberta: Pré-Histórico


Densidade (g cm): 10.5


Ponto de Fusão (º C): 961


Ponto de Evaporação: 2210



Verbete:
Promécio




Promécio


Elemento: Promécio


Símbolo: Pm


Número Atômico: 61


Massa Atômica Relativa: (145)


Origem do Nome: Derivado do nome de Prometeus, da mitologia grega


Ano da Descoberta: 1945


Ponto de Fusão (º C): 1030


Ponto de Evaporação: 2730



Verbete:
Protactínio




Protactínio


Elemento: Protactínio


Símbolo: Pa


Número Atômico: 91


Massa Atômica Relativa: (231,036)


Origem do Nome: Do grego protos, primeiro


Ano da Descoberta: 1917


Densidade (g cm): 15.4


Ponto de Fusão (º C): 1230



Verbete:
Prótons




Prótons


O próton é parte integrante do núcleo do átomo, sendo uma partícula subatômica de carga positiva. A identificação de um elemento químico é realizada através do número de prótons dos átomos que o compõe. A alteração do número de prótons do elemento implica na alteração do próprio elemento.



Verbete:
Rádio




Rádio


Elemento: Rádio


Símbolo: Ra


Número Atômico: 88


Massa Atômica Relativa: (226,025)


Origem do Nome: Do latim radius, raio


Ano da Descoberta: 1898


Densidade (g cm): 5


Ponto de Fusão (º C): 700


Ponto de Evaporação: 1140


Aplicações: isótopo utilizado no tratamento do câncer.



Verbete:
Radônio




Radônio


Elemento: Radônio


Símbolo: Rn


Número Atômico: 86


Massa Atômica Relativa: (222)


Origem do Nome: Derivado do Rádio


Ano da Descoberta: 1900


Densidade (g cm): 4.7


Ponto de Fusão (º C): -71


Ponto de Evaporação: -61.8



Verbete:
Reações Químicas




Reações Químicas


Reação química é a união de dois ou mais átomos, moléculas ou íons, união esta que resulta em uma alteração química. As reações químicas podem ser representadas através de equações químicas. A seguir, um exemplo de reação química representada por uma equação:


Esta equação traduz-se na reação do óxido de cobre com moléculas de hidrogênio, o que resulta em cobre mais água. Há quatro tipos principais de reações:


Combinação: (a) Ocorre quando duas ou mais substâncias combinam entre si, formando um composto.


Decomposição: (b) Ocorre quando um composto químico é decomposto, resultando assim substâncias simples.


Substituição: (c) Ocorre quando um composto perde um ou mais elementos, mas ganha outros substitutos.


Composição dupla: (d) Ocorre quando dois compostos em decomposição realizam um intercâmbio de átomos para formar dois novos compostos.



Verbete:
Rênio




Rênio


Elemento: Rênio


Símbolo: Re


Número Atômico: 75


Massa Atômica Relativa: (186,207)


Origem do Nome: Do latim Rhenus ou Reno


Ano da Descoberta: 1925


Densidade (g cm): 20.5


Ponto de Fusão (º C): 3180


Ponto de Evaporação: 5630


Aplicações: Flashes, gasolina de alto grau de octanagem.



Verbete:
Ródio




Ródio


Elemento: Ródio


Símbolo: Rh


Número Atômico: 45


Massa Atômica Relativa: (102,906)


Origem do Nome: Do grego rhodon, rosa


Densidade (g cm): 12.4


Ponto de Fusão (º C): 1970


Ponto de Evaporação: 4500


Ano da Descoberta: 1803 - 1804



Verbete:
Rubídio




Rubídio


Elemento: Rubídio


Símbolo: Rb


Número Atômico: 37


Massa Atômica Relativa: (85, 4678)


Origem do Nome: Do latim rubidus, rubi


Ano da Descoberta: 1861


Densidade (g cm): 1.53


Ponto de Fusão (º C): 38.9


Ponto de Evaporação: 688


Aplicações: Vidros especiais.



Verbete:
Rutênio




Rutênio


Elemento: Rutênio


Símbolo: Ru


Número Atômico: 44


Massa Atômica Relativa: (101,07)


Origem do Nome: Do latim Ruthenia ou Rússia


Ano da Descoberta: 1844


Densidade (g cm): 12.3


Ponto de Fusão (º C): 2500


Ponto de Evaporação: 4900



Verbete:
Samário




Samário


Elemento: Samário


Símbolo: Sm


Número Atômico: 62


Massa Atômica Relativa: (150,36)


Ano da Descoberta: 1879


Densidade (g cm): 7.54


Ponto de Fusão (º C): 1070


Ponto de Evaporação: 1900



Verbete:
Selênio




Selênio


Elemento: Selênio


Símbolo: Se


Número Atômico: 34


Massa Atômica Relativa: (78,96)


Origem do Nome: Do grego selene, Lua


Ano da Descoberta: 1817


Densidade (g cm): 4.81


Ponto de Fusão (º C): 217


Ponto de Evaporação: 685



Verbete:
Silício




Silício


Elemento: Silício


Símbolo: Si


Número Atômico: 14


Massa Atômica Relativa: (28,0855)


Origem do Nome: Do latim silex, pedra de fogo


Ano da Descoberta: 1823


Densidade (g cm): 2.33


Ponto de Fusão (º C): 1410


Ponto de Evaporação: 2360



Verbete:
Símbolos Químicos




Símbolos Químicos


Um símbolo químico consiste de uma letra ou um par de letras, os quais são utilizados na representação dos elementos químicos, em representações nas equações e fórmulas químicas. Uma fórmula química é um grupo de símbolos utilizados para a descrição de diferentes moléculas.



Verbete:
Sódio




Sódio


Elemento: Sódio


Símbolo: Na


Número Atômico: 11


Massa Atômica Relativa: (22,9898)


Origem do Nome: Do latim natrium


Ano da Descoberta: 1807


Densidade (g cm): 0.97


Ponto de Fusão (º C): 97.8


Ponto de Evaporação: 890


Aplicações: soda cáustica, sal de cozinha, conservação de alimentos.



Verbete:
Sólidos




Sólidos


Os sólidos ocupam um espaço específico no espaço. Suas moléculas não podem se mover livremente. Nos sólidos, descrevem-se variações de pequena amplitude. No estado sólido, a matéria pode ser descrita como coesa e sua forma não é alterada, a não ser que alguma forma externa atue sobre ela. A diferença fundamental de uma substância no estado sólido e outra no estado líquido está na quantidade de energia, que na primeira é muito menor.



Verbete:
Substâncias




Substâncias


As substâncias são materiais homogêneos que se caracterizam por possuir propriedades específicas e constantes, além de serem formadas por uma única classe de moléculas. De acordo com sua origem, as substâncias podem ser naturais ou artificiais. As substâncias naturais encontram-se diretamente na natureza, tais como o sal, o oxigênio e a água. As substâncias artificiais são aquelas criadas em laboratório, tais como aromas, a aspirina, a borracha sintética, entre outros. Substâncias minerais ou inorgânicas são aquelas encontradas no reino mineral, tais como o chumbo, o enxofre, o ouro. Substâncias orgânicas são aquelas que têm origem nos seres vivos, tais como a lã, o algodão, o álcool, o açúcar, a glicerina, entre outros. Das aproximadamente quatrocentas e cinquenta mil substâncias conhecidas, apenas dez por cento são originárias do reino mineral. As substâncias podem ser ainda simples ou compostas. As substâncias simples não podem ser decompostas em outras diferentes (Ex: oxigênio, ferro, enxofre, cobre, mercúrio e carbono). As substâncias compostas, ao contrário, podem ser decompostas em duas ou mais substâncias (Ex: o açúcar, o mármore, o óxido de mercúrio etc.). A combinação de substâncias simples dá origem a substâncias compostas.



Verbete:
Tabela Periódica




Tabela Periódica


A tabela periódica dos elementos foi criada em 1869 pelo químico russo Dmitri Mendeleev, com a finalidade de classificação dos elementos químicos.


Organização da tabela


As linhas horizontais são chamadas períodos e são em número de sete. Da esquerda para a direita os elementos químicos são menos metálicos e, na ordem vertical, os elementos têm características comuns e pertencem a grupos. Além disso, os elementos estão dispostos em ordem crescente de peso atômico. A tabela periódica apresenta um conjunto de informações básicas sobre todos os elementos conhecidos.



Verbete:
Tálio




Tálio


Elemento: Tálio


Símbolo: Tl


Número Atômico: 81


Massa Atômica Relativa: (204,383)


Origem do Nome: Do grego thallos, fogo verde


Ano da Descoberta: 1861


Densidade (g cm): 11.8


Ponto de Fusão (º C): 304


Ponto de Evaporação: 1460


Aplicações: Venenos (como veneno para rato).



Verbete:
Tântalo




Tântalo


Elemento: Tântalo


Símbolo: Ta


Número Atômico: 73


Massa Atômica Relativa: (180,948)


Origem do Nome: Derivado do nome Tântalo, da mitologia grega


Ano da Descoberta: 1802


Densidade (g cm): 16.6


Ponto de Fusão (º C): 3000


Ponto de Evaporação: 5420


Aplicações: filamento da lâmpadas, reposição de partes do corpo em cirurgias.



Verbete:
Tecnécio




Tecnécio


Elemento: Tecnécio


Símbolo: Tc


Número Atômico: 43


Massa Atômica Relativa: (97)


Origem do Nome: Do grego tekhnetos, artificial


Ano da Descoberta: 1937


Densidade (g cm): 11.5


Ponto de Fusão (º C): 2200


Ponto de Evaporação: 3500


Aplicações: Localização de tumores na medicina.



Verbete:
Telúrio




Telúrio


Elemento: Telúrio


Símbolo: Te


Número Atômico: 52


Massa Atômica Relativa: (127,60)


Origem do Nome: Do latim tellus ou Terra


Ano da Descoberta: 1782


Densidade (g cm): 6.25


Ponto de Fusão (º C): 450


Ponto de Evaporação: 990



Verbete:
Teoria Atômica de Dalton




Teoria Atômica de Dalton


No início do século XIX, John Dalton, a partir da lei das proporções de Proust e de sua própria lei das proporções múltiplas, estabeleceu a teoria atômica de acordo com o pensamento dos filósofos gregos da antiguidade. Assim, tal como os gregos, Dalton afirma que os átomos são indivisíveis e não se transformam com as reações químicas. Para ele, as substâncias simples são formadas pela união de átomos iguais, cujo peso é o mesmo. As substâncias compostas formam-se com a união de átomos de diversos elementos, que não se dividem e que entram inteiros na combinação formada.



Verbete:
Teoria do Flogisto




Teoria do Flogisto


No início do século XVIII, o médico alemão Stahl formulou a primeira hipótese da química para explicar a combustão e a oxidação dos metais. Para ele, a queima dos metais era parecida com a combustão. Acreditava que os metais eram substâncias compostas que possuíam um elemento combustível que chamou de Flogisto, em referência à palavra grega que significa combustível. Sthal dizia que a substância simples resultante da queima dos metais era incombustível porque tinha perdido seu flogisto. Sua prova era que, ao queimar esta substância com carvão ou outro combustível, a substância recuperava seu Flogisto, tornando-se metal novamente. No entanto, os entusiastas da época não perceberam que os metais, ao perder o Flogisto, ao invés de diminuir, aumentavam de peso. Lavoisier demonstrou a falha desta teoria ao identificar o Oxigênio e sua participação nos processos de Combustão e Oxidação.



Verbete:
Térbio




Térbio


Elemento: Térbio


Símbolo: Tb


Número Atômico: 65


Massa Atômica Relativa: (158,925)


Origem do Nome: Derivado de Ytterby, cidade da Suécia


Ano da Descoberta: 1843


Densidade (g cm): 8.27


Ponto de Fusão (º C): 1360


Ponto de Evaporação: 2800



Verbete:
Titânio




Titânio


Elemento: Titânio


Símbolo: Ti


Número Atômico: 22


Massa Atômica Relativa: (47,88)


Origem do Nome: Derivado dos Titãs, na mitologia grega


Ano da Descoberta: 1791


Aplicações: marca-passos, luz de alta intensidade, ligas especiais para asas de aviões.


Densidade (g cm): 4.54


Ponto de Fusão (º C): 1675


Ponto de Evaporação: 3260



Verbete:
Tório




Tório


Elemento: Tório


Símbolo: Th


Número Atômico: 90


Massa Atômica Relativa: (232,038)


Origem do Nome: Derivado do nome Thor, Deus nórdico do trovão


Ano da Descoberta: 1828


Densidade (g cm): 11.7


Ponto de Fusão (º C): 1750


Ponto de Evaporação: 3850



Verbete:
Túlio




Túlio


Elemento: Túlio


Símbolo: Tm


Número Atômico: 69


Massa Atômica Relativa: (168,934)


Origem do Nome: Do latim Thule, ou Noruega


Ano da Descoberta: 1879


Densidade (g cm): 9.33


Ponto de Fusão (º C): 1540


Ponto de Evaporação: 1730



Verbete:
Tungstênio




Tungstênio


Elemento: Tungstênio


Símbolo: W


Número Atômico: 74


Massa Atômica Relativa: (183,85)


Origem do Nome: Do sueco tung sten, rocha pesada


Ano da Descoberta: 1781


Aplicações: filamento de lâmpadas, proteção contra a corrosão.


Densidade (g cm): 19.4


Ponto de Fusão (º C): 3410


Ponto de Evaporação: 5930



Verbete:
Unilênio




Unilênio


Elemento: Unilênio


Símbolo: Une


Número Atômico: 109


Massa Atômica Relativa: (266)


Ano da Descoberta: 1982



Verbete:
Uniléxio




Uniléxio


Elemento: Uniléxio


Símbolo: Unh


Número Atômico: 106


Massa Atômica Relativa: (263)


Ano da Descoberta: 1970



Verbete:
Unilóctio




Unilóctio


Elemento: Unilóctio


Símbolo: Uno


Número Atômico: 108


Massa Atômica Relativa: (265)


Ano da Descoberta: 1982



Verbete:
Unilpêntio




Unilpêntio


Elemento: Unilpêntio


Símbolo: Unp


Número Atômico: 105


Massa Atômica Relativa: (262)


Ano da Descoberta: 1970



Verbete:
Unilquádio




Unilquádio


Elemento: Unilquádio


Símbolo: Unq


Número Atômico: 104


Massa Atômica Relativa: (261)


Ano da Descoberta: 1964



Verbete:
Unilséptio




Unilséptio


Elemento: Unilséptio


Símbolo: Uns


Número Atômico: 107


Massa Atômica Relativa: (262)


Ano da Descoberta: 1976



Verbete:
Urânio




Urânio


Elemento: Urânio


Símbolo: U


Número Atômico: 92


Massa Atômica Relativa: (238,029)


Origem do Nome: Derivado do nome do planeta Urano


Ano da Descoberta: 1789


Densidade (g cm): 19.1


Ponto de Fusão (º C): 1130


Ponto de Evaporação: 3820



Verbete:
Vanádio




Vanádio


Elemento: Vanádio


Símbolo: V


Número Atômico: 23


Massa Atômica Relativa: (50,9415)


Origem do Nome: Derivado de Vanadis, de idade nórdica


Ano da Descoberta: 1801


Aplicações: metal raro usado para aumentar a resistência do aço, produção de ácido sulfúrico.


Densidade (g cm): 5.96


Ponto de Fusão (º C): 1900


Ponto de Evaporação: 3000



Verbete:
Xenônio




Xenônio


Elemento: Xenônio


Símbolo: Xe


Número Atômico: 54


Massa Atômica Relativa: (131,29)


Origem do Nome: Do grego xenos, estranho


Ano da Descoberta: 1898


Densidade (g cm): 3.52


Ponto de Fusão (º C): -102


Ponto de Evaporação: -108



Verbete:
Zinco




Zinco


Elemento: Zinco


Símbolo: Zn


Número Atômico: 30


Massa Atômica Relativa: (65,39)


Origem do Nome: Do alemão zinc


Ano da Descoberta: 1800


Densidade (g cm): 7.14


Ponto de Fusão (º C): 420


Ponto de Evaporação: 907



Verbete:
Zircônio




Zircônio


Elemento: Zircônio


Símbolo: Zr


Número Atômico: 40


Massa Atômica Relativa: (91,224)


Origem do Nome: Do alemão zircon


Ano da Descoberta: 1789


Aplicações: absorção de nêutrons em reatores nucleares, compostos antifogo, ligas especiais.


Densidade (g cm): 6.49


Ponto de Fusão (º C): 1850


Ponto de Evaporação: 3580



Verbete:
Anglicanismo




Anglicanismo


Originada nas províncias inglesas de York e Cantebury, o Arcebispo de Cantebury possui o Primado da Inglaterra. Quanto à organização, trata-se de um sistema hierarquizado, em que os bispos são responsáveis pelas dioceses e as paróquias são administradas por pastores. O Arcebispo de Cantebury é a autoridade máxima em relação às igrejas, embora estas sejam independentes entre si. Os anglicanos utilizam o Livro do Orador Comum (livro doutrinário, dividido em trinta e nove artigos) e o Livro Alternativo de Serviço como orientadores espirituais. Esta religião recebe influências do catolicismo, ainda que as tendências predominantes sejam protestantes.


A origem do Anglicanismo é remontada ao ano de 1534, em que houve a ruptura de Henrique VIII em relação ao Papa e a Roma. Henrique VIII, desta forma, assumiu a máxima autoridade religiosa anglicana, assim como os reis ingleses que o sucederam.



Verbete:
Bahaismo




Bahaismo


O Bahaismo consiste numa religião de origem persa, cujas diretrizes doutrinais baseiam-se em crença de caráter monoteísta. Apesar do caráter monoteísta, o bahaismo prega a unificação de todas as crenças, às quais deveriam se dirigir a um único deus. Os códigos sagrados bahaistas, o Kitab al-Aqdas, "O Livro Sagrado", e o Ketab e Igqan, o "Livro da Certeza", formam as bases doutrinais desta crença, pregando como valores obrigatórios para seus seguidores as orações diárias, a monogamia, a abstinência de drogas e álcool, além da prática do jejum durante dezenove dias do ano. Aliás, o sistema de calendário bahaista convenciona a contagem de dezenove meses para cada ano, sendo que cada mês possui dezenove dias. De acordo com o calendário internacional, as principais datas religiosas bahaistas ocorrem nos dias 21 de março (Ano Novo), assim como em 21 e 29 de abril (declaração da missão de Baha'ullah).


Em seus códigos sagrados, não há referências a nenhum episódio apocalíptico, pois nesta religião não se acredita em intervenções divinas de modo direto, de uma maneira geral. O destino cabe sobretudo ao homem, que é responsável por suas ações, embora seja admitida a idéia da inevitabilidade das mudanças na ordem do mundo. A igualdade entre os sexos também é tema pregado nos livros sagrados bahaistas.


A religião bahaista teve Mirza Hosein Ali (1817-1892) como fundador. Este é conhecido como o próprio Baha'ullah, palavras cujos significados remetem à idéia de "a glória de Deus". A religião de Baha'ullah não apresenta organização clerical formal, assim como nenhum sacramento. Apesar disto, os acontecimentos marcantes na vida dos seguidores, como os casamentos, funerais e batismos, possuem seus cultos cerimoniais. Há locais para os cultos, como os templos e santuários. Em cada continente do mundo há pelo menos um foco de concentração dos seguidores do Bahaismo.



Verbete:
Budismo




Budismo


O Budismo originou-se nos fins do Período Bramânico na Índia, que se estendeu aproximadamente entre os séculos IX e III antes de Cristo. Tal período pode ser subdividido entre um período bramânico ortodoxo (período de predominação dos Bramanas), um período bramânico desviante (do qual originaram-se as Upanisadas) e período das heterodoxias. Este último dá lugar à origem do jainismo e do budismo. De uma maneira geral, o budismo prega um caminho de libertação e salvação mais individualizado.


No decorrer de sua existência, a crença budista subdividiu-se em duas correntes: o Budismo Theravada, mais próximo da origem dos ensinamentos budistas (prega um único caminho para a redenção: esforço e disciplina), e o Budismo Mahayana (predominante, por exemplo, em países como o Butão, país sob regime monárquico constitucional, e na Coréia do Sul), do qual geraram-se doutrinas como a Bodhisattva e o Zen-Budismo, esta última possuindo foco de concentração no Japão (embora neste último país predomine a religião xintoísta). O Budismo, de modo geral, é organizado sob um sistema monástico.


O principal livro sagrado budista consiste no Tripitaka, livro compartimentado em três conjuntos de textos que compreendem os ensinamentos originais de Buda, além do conjunto de regras para a vida monástica e ensinamentos de filosofia. A corrente do Budismo Mahayana ainda reconhece como códigos sagrados os Prajnaparamita Sutras (guia de sabedoria), o Lankavatara (revelações em Lanka) e o Saddharmapundarika (leis). A crença budista toma a reencarnação como verdade. O sistema budista de crença é baseado em quatro princípios ou verdades fundamentais: o sofrimento sempre se faz presente na vida; o desejo é a causa crucial do sofrimento; a aniquilação do desejo leva à aniquilação do próprio sofrimento; a libertação individual é atingida através do Nirvana. O Nirvana contraria-se à idéia do Samsara (o ciclo de nascimento, existência, morte e renascimento). Para os budistas, o caminho da libertação é atingido a partir do momento em que o ciclo do Samsara é quebrado. O rompimento do ciclo da vida é justamente o Nirvana, o qual pode ser alcançado através de passos: a compreensão correta, o pensamento correto, o discurso correto, a ação correta, a vivência correta, o esforço correto, a consciência correta, a concentração correta. Todos estes passos são perseguidos através da auto-disciplina e da meditação, além de exercícios espirituais.


O Budismo foi fundado na Índia em aproximadamente 528 a.C. pelo príncipe Sidarta Gotama, o Buda (o Iluminado, cuja existência estendeu-se aproximadamente de 563 a 483 a.C.), Hoje em dia, a maior concentração de seguidores budistas localiza-se na região do leste asiático). A Índia atual, na verdade, possui grande maioria hinduísta (pouco mais de oitenta por cento de sua população total).



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Ciência Cristã




Ciência Cristã


Segundo a Ciência Cristã, a aquisição da verdade espiritual é instrumento de cura. A igreja foi fundada em 1866 por Mary Baker Eddy e sua organização estrutural possui cinco membros diretores como autoridades máximas.



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Confucionismo




Confucionismo


Há duas correntes confucionistas: uma delas associa-se a Confúcio e Xunzi, tendo preceitos como a obediência aos códigos tradicionais de comportamento para os interesses pessoais próprios de cada indivíduo; outra corrente associa-se a Mêncius e seus preceitos são baseados no dever da conduta humana ser estabelecida de acordo com a própria natureza moral individual. O Confucionismo não possui uma organização clerical formalizada e não há igrejas. Ainda no Confucionismo, não há a adoração de divindades, assim como não há ensinamentos sobre a vida após a morte. As idéias confucionistas são baseadas em três obras: os Anacletos, a fonte dos ensinamentos de Confúcio; o I Ching, o livro das alterações do destino; o Mengzi, livro de Mêncius, o segundo sábio do Confucionismo. O país onde o Confucionismo conquistou mais adesões, ao lado do Budismo e do Taoísmo, é a China.


O Confucionismo, não se referindo a divindades e mantendo-se distante de teoria de vida após a morte, acaba constituindo mais predominantemente um sistema filosófico, não possuindo quase nenhuma das características marcantes em todas as religiões. A origem do Confucionismo é remontada ao século VI antes de Cristo, tendo sido fundada por Kongzi (o próprio Confúcio - por volta de 551 a 479 a. C.).



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Dalai-Lama




Dalai-Lama


Título atribuído aos líderes religiosos budistas tibetanos. Segundo a tradição budista, o Dalai Lama trata-se da reencarnação de Buda, portanto o título de liderança da religião budista seria concedido diretamente por seu mestre maior através da transferência de sua alma para um recém-nascido. A sucessão de um Dalai Lama é portanto determinada pelo próprio Buda: quando sua alma é transferida, os monges budistas encontram o sucessor através da interpretação de uma série de sinais por eles conhecidos e realizam a identificação de uma reencarnação do Buda (Iluminado) empreendendo testes tradicionais na cultura budista.


  



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Exército da Salvação




Exército da Salvação


O Exercito da Salvação visa prioritariamente a assistência às camadas populares carentes, constituindo uma organização de assistência com sistema de crenças próprio. No interior da organização do Exército há a consagração de virtudes fundamentais, como a lealdade, a disciplina e a vida como instituição sagrada. A abstinência integral do álcool e do tabaco é obrigatoriamente seguida pelos membros do Exército da Salvação. Em seus cultos, a música tem papel de relevância. A organização hierárquica da igreja segue inspiração militar, sendo sistematizada em classes de generais e soldados.


O Exército da Salvação foi fundado no ano de 1865, por William Booth.



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Fundamentalismo




Fundamentalismo


Designação tornada genérica para os movimentos religiosos mais conservadores, cuja origem é remontada ao início do século XX, sendo utilizada para descrever movimentos religiosos do final do século XIX. O termo “fundamentalismo” foi utilizado pela primeira vez em um conjunto de ensaios religiosos escritos na Inglaterra e nos Estados Unidos entre 1910 e 1915, reunidos em doze volumes sob o título The Fundamentals. Iniciados nos Estados Unidos e também difundidos na Inglaterra, os movimentos cristãos conservadores, pregavam a leitura literal da Bíblia Cristã e posicionavam-se contra as idéias protestantes, sobretudo acerca da questão da adequação da doutrina religiosa à luz das novas teorias científicas como por exemplo o Evolucionismo e as diversas doutrinas filosóficas modernas. Mais modernamente, a aplicação histórica do termo “fundamentalismo” deu espaço à generalização, passando a designar tendências religiosas conservadoras, como é o caso da designação dada aos movimentos mais radicalmente conservadores da religião islâmica, cujos membros são chamados islâmicos fundamentalistas.  


 



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Hinduismo




Hinduísmo


Tendo sua origem remontada ao ano de 1500 a .C., a religião hinduísta foi estabelecida pelos invasores arianos da Índia. Os textos védicos antigos descreviam um universo cercado de água. No período dos arianos, ou árias (homens), a explicação de suas divisões sociais era encontrada nos Vedas: da cabeça do deus primordial saíram os brâmanes (casta social dominante), dos braços saíram os guerreiros, das pernas os produtores e dos pés os servos (não-árias, ou "não-homens"). O mundo, conforme a concepção desta época, foi formado a partir da organização, por força divina, de um caos preexistente.


No sistema religioso hinduísta atual há uma série de ramificações, que geraram crenças e práticas diversas, assim como há muitos deuses e muitas seitas de diversas características. O Hinduísmo tem sua ênfase no que seria o modo correto do viver (dharma). Os cultos hinduístas são realizados tanto em templos e congregações quanto podem ser domésticos. A cerimônia mais comumente realizada é relativa à oração (puja). A palavra "Om", representa a vibração original, uma vibração que transcende o início, o meio e o fim de todas as coisas, vinculando-se, desta maneira, à imagem da própria divindade. Os códigos sagrados do Hinduísmo são: os Vedas, consistindo em escrituras que incluem canções, hinos, dizeres e ensinamentos; o Smriti, escrituras tradicionais que incluem o Ramayana, o Mahabarata, e o Bhagavadgita.


O Hinduísmo é a religião atualmente predominante na Índia (pouco mais de oitenta por cento da população).



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Igreja Batista




Igreja Batista


Uma das ramificações religiosas cristãs que tiveram origem a partir do Protestantismo, com o movimento da Reforma. A Igreja Batista teve origem holandesa, remontada ao ano de 1609. A salvação para os batistas consiste na retidão dos seguidores em relação aos preceitos estabelecidos na Bíblia, a autoridade doutrinária máxima. Segundo os batistas, através do batismo nesta religião, realizado na fase adulta dos fiéis, há redenção de todos os pecados. O batismo, nesta religião, consiste na imersão completa do seguidor. Segundo suas doutrinas, a redenção está ao alcance de todos. Quanto à organização clerical, cada uma das igrejas batistas tem administração e vida própria, não havendo assim uma organização hierárquica tão marcante.


John Smythe, em Amsterdã, foi considerado o fundador da religião. Três anos mais tarde, houve a expansão desta religião para o território inglês, através de Thomas Helwys.



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Igreja Católica Apostólica Romana




Igreja Católica Apostólica Romana


Trata-se de uma das mais importantes ramificações do Cristianismo, pois exerceu grande influência no desenrolar dos fatos em longos períodos históricos, sobretudo no período da Idade Média. A influência política do Papa neste período era, por vezes, decisiva. A Santa Inquisição empreendia perseguições a todos aqueles que fugiam às regras religiosas e que, portanto, segundo a ideologia da época, atentavam contra a religiosidade e o poder católico. O catolicismo exercia influência, neste período, sobre todos os campos de conhecimento humano, já que havia a tendência predominante ao teocentrismo (mentalidade que preconiza Deus como o centro de todas as verdades). Assim, a concepção de mundo para o homem deste período era cingida pela religiosidade.


Na organização hierárquica sacerdotal da Igreja Católica, o Papa é o líder internacional da Igreja, sendo eleito por um colegiado de cardeais.


O marco adotado para a fundação da Igreja Católica Apostólica Romana foi a chegada de São Pedro à Roma, por volta de 50 d.C.. Como base da doutrina, adota-se a pregação dos apóstolos e a Bíblia como a palavra de Deus. Os sacramentos da Igreja Católica são o Batismo, Penitência, Eucaristia, Crisma, Ordem, Matrimônio e Unção dos Enfermos.


O Catolicismo é a religião predominante no Brasil, em termos populacionais. No entanto, a partir da segunda metade do século XX, houve um processo de grande evasão de católicos para outras religiões, o que acarretou em movimentos de resgate organizados pela Igreja, como por exemplo o Movimento de Renovação Carismática.



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Igreja da Unificação




Igreja da Unificação


É a seita cuja origem é devida ao Reverendo Moon, fundada  em 1954, na Coréia. A Igreja da Unificação tem como crença a presença de um Messias entre nós, o qual lidera uma família de crianças perfeitas. A Bíblia, incluindo o Velho e Novo Testamentos, é uma das obras adotadas como referência para esta seita. Também a obra do Divino Princípio é adotada, consistindo esta em novas revelações que seriam transmitidas ao Reverendo Moon. O Reverendo Moon, nos finais do anos 70, foi acusado de realizar lavagem cerebral em seus seguidores. Muitos seguidores passavam a não reconhecer seus próprios familiares.



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Igreja de Cristo




Igreja de Cristo


Entre as religiões fundadas já na contemporaneidade, surgiu a Igreja de Cristo. A salvação para a Igreja de Cristo pode ser alcançada através do batismo e da confissão. Jesus Cristo é considerado único salvador para esta religião que segue, como orientação única, os cadernos do Novo Testamento. No que se refere à estruturação, união e comunicação da religião entre seus seguidores, são organizados grupos, tendo seus anciãos como autoridades locais.


Esta religião foi fundada por Thomas Campbell e Barton Stone, nos Estados Unidos do século XIX.



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Igreja Episcopal




Igreja Episcopal


Trata-se de uma sucessora da Igreja Inglesa (ou Anglicana) nos Estados Unidos e seu sistema de crenças é bastante similar ao de sua predecessora, ao passo que a organização clerical também envolve a liderança de bispos. A Igreja Episcopal foi fundada em Jamestown, nos Estados Unidos, em 1789.



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Igreja Luterana




Igreja Luterana


Na Igreja Luterana, a superação da morte é atingida pela piedade de Deus. Valores religiosos como a comunhão e o batismo são elementos fundamentais constituintes de seus principais sacramentos. Quanto à organização clerical, há a divisão em distritos e conselhos, sendo o pastor o portador da autoridade. A educação é adotada como um preceito de suma importância nesta religião .


O marco histórico ao qual é remontada a origem da Igreja Luterana é visto no rompimento de Martinho Lutero em relação ao poder do Papa em Roma, no ano de 1530. Ao lado de Lutero, Philipp Melanchthon é contado como fundador da Igreja Luterana.



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Igreja Metodista




Igreja Metodista


A Igreja Metodista tornou-se independente do evangelismo, adotando características próprias a partir de 1791. Os metodistas têm por hábito religioso a declaração de sua fé em locais públicos, maneira pela qual acreditam chegar à salvação. Quanto à organização clerical, as congregações são os centros religiosos, sendo que a autoridade máxima repousa na figura do ministro superintendente.


O marco adotado para a origem da Igreja Metodista é remontado ao movimento evangélico na Inglaterra, através do qual John Wesley, por volta de 1729, lança as bases para esta religião.



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Igreja Ortodoxa




Igreja Ortodoxa


No cerne da Igreja Ortodoxa, considera-se que tal igreja é a real portadora da manutenção das verdades cristãs como foram pregadas na origem do Cristianismo. Desta forma, seu sistema de crença é prioritariamente concentrado no milagre da ressurreição de Cristo, ao passo que considera que a Igreja Católica talvez tenha se concentrado mais no sacrifício da crucificação.


A formalização da Igreja Ortodoxa tem como origem histórica o marco da excomunhão de Miguel Cerulário, o patriarca de Constantinopla, em 1054. O Papa Leão IX, responsável pela ordem de excomunhão, serviu-se do pretexto da acirrada disputa teológica acerca da Santa Trindade, disputa esta empreendida entre a instituição oficial e alguns dissidentes seguidores de Miguel Cerulário. Na verdade, o conjunto de crenças que compôs a doutrina ortodoxa já havia tido origem com uma das seitas judaicas primitivas.


No decorrer de sua existência, a Igreja Ortodoxa passou a adquirir uma organização clerical baseada em quatorze Igrejas lideradas por seus patriarcas, em regime de autogestão individual, divididas entre paróquias e dioceses.


Atualmente, a Igreja Ortodoxa possui focos mais concentrados de seguidores numa região que se estende desde o leste europeu até uma faixa central que chega ao leste asiático. O regime celibatário é obrigatório apenas para os bispos, as autoridades máximas, mas não se aplica à classe sacerdotal dos padres, que portanto vivem como homens comuns entre os seguidores.



Verbete:
Igreja Pentecostal




Igreja Pentecostal


Segundo as crenças que encerram o sistema religioso da Igreja Pentecostal, qualquer pessoa pode ser arrebatada pelo Espírito Santo e, desta forma, ser dotada de poderes. A organização desta Igreja possui características mais informais e aspectos bastante importantes nos cultos religiosos são a espontaneidade das manifestações religiosas individuais e as canções religiosas, entoadas coletivamente. A Bíblia é a escritura sagrada adotada e a louvação a Deus pelos pentecostais é fervorosa.


Contada entre as diversas religiões cuja fundação se deu nos Estados Unidos da contemporaneidade, a origem das Igrejas Pentecostais é remontada ao início do século XX.



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Igreja Presbiteriana




Igreja Presbiteriana


A predestinação é uma verdade doutrinal nesta religião, que acredita na existência dos eleitos de Deus. Os principais sacramentos adotados pela Igreja Presbiteriana são a Santa Ceia e o batismo. Quanto à organização clerical, os deões e ministros administram cada paróquia. Há também uma Assembléia Geral, da qual participam fiéis e ministros.


O ano de 1530 é adotado como origem da Igreja Presbiteriana, fundada por John Calvin.



Verbete:
Jainismo




Jainismo


Em sua origem, o Jainismo constituiu, ao lado do Budismo, uma vertente surgida no período das heterodoxias decorrentes da tradição bramânica na Índia. No decorrer de sua existência, a religião separou-se em duas vertentes: a Svetambara, que segue os cânones das escrituras que contêm os sermões e diálogos de Mahavira; e o Digambara, que acredita que os ensinamentos originais foram perdidos, mas a mensagem original é preservada. Os textos sagrados do Jainismo são: os Culika-sutras, que se dirigem à natureza da mente e do conhecimento; os Chedra-sutras, que contêm as regras do ascetismo para os monges jainistas; o Ágama, texto especificamente seguido pela vertente Svetambara, considerando este texto como uma coleção de diálogos do próprio Mahavira. O sistema monástico regido por regras de ascetismo caracteriza a organização jainista. Além do ascetismo, outras regras devem ser seguidas: devoção à "tarefa" por toda a existência, abstenção total de posses pessoais, celibato e recusa do ato sexual, nunca prejudicar quaisquer seres vivos, nunca mentir e nunca roubar.


A origem do Jainismo é remontada à Índia do século VI a. C., cuja fundação foi desencadeada por Vardhamana Mahavira.



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Judaismo




Judaísmo


O Judaísmo tem origem remontada ao ano de 2000 a. C, aproximadamente. Os nomes vinculados a sua fundação pelos judeus são Abraão e Moisés. Os cultos são realizados nas sinagogas, ainda sendo estas utilizadas como espaços dedicados à educação e aos assuntos coletivos. Em termos de organização clerical, há a divisão em congregações, que escolhem individualmente seus rabinos. Os textos sagrados judaicos são: a Bíblia dos hebreus, que inclui o Torá (o Pentateuco, os cinco primeiros livros bíblicos: Gênesis, Êxodo, Números, Levítico e Deuteronômio), os Profetas e outros livros; o Talmude, formado pelo conjunto de ensinamentos do Judaísmo, além de tratar-se de um guia de leis religiosas e civis.


No judaísmo houve o surgimento de várias vertentes, como a Ortodoxa, a Conservadora e a Reformista. A Conservadora, apesar de tomar como sagradas as tradições judaicas, encerra uma ideologia que permite novas interpretações dos textos sagrados. Os seguidores da vertente Reformista submetem as tradições judaicas à reavaliações, de geração a geração.


Os judaicos acreditam que um Messias surgirá em busca da redenção da espécie humana. A fé judaica concentra-se em um único Deus, que haveria criado o homem à sua própria imagem e semelhança. Abraão, considerado o pai do povo judeu, estabeleceu um pacto com Deus. Moisés é considerado pelos judeus como um profeta superior a todos os demais, tratando-se ainda de um símbolo de libertação e independência pátria.



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Mórmons




Mórmons


A idéia da vida como um estágio de aprendizado para a eternidade e da alma individual preexistente ao nascimento são pontos fundamentais no sistema de crenças dos Mórmons. Os Mórmons praticam o batismo póstumo e acreditam na eternidade das famílias seladas no templo. A Igreja de Jesus Cristo dos Santos dos Últimos Dias adota a Bíblia como texto sagrado fundamental, sendo considerada a fonte direta da palavra de Deus. A obra A Pérola do Grande Valor constitui os escritos de Joseph Smith especificamente dirigidos para esta religião; O Livro de Mórmon contém a história dos seres pioneiros no Ocidente; a obra Doutrina e Convênios trata-se do conjunto das revelações transmitidas diretamente por Deus a Joseph Smith.


Esta religião tem origem remontada ao ano de 1830, em Salt Lake City, nos Estados Unidos, tendo sido fundada pelo pastor citado acima, Joseph Smith (1805-1844).



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Quakers




Quakers


O fato do primeiro líder religioso dizer aos fiéis para tremerem diante de Deus gerou o nome “Quakers” (tremedores). Com a inexistência de sacramentos, os Quakers permanecem em silêncio nos cultos, aguardando uma iluminação proveniente do Espírito Santo a respeito do que dizer. Nesta religião há a crença na possibilidade de uma comunicação direta com Deus.


George Fox foi o fundador desta organização religiosa, na Inglaterra do século XVII.



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Rastafarianismo




Rastafarianismo


Na verdade, o Rastafarianismo é baseado numa mesclagem do Cristianismo com o Judaísmo. As canções, orações e a música são muito importantes e bastante peculiares no movimento como um todo. Os seguidores são agrupados em comunidades, nas quais discutem-se seus assuntos próprios. Não há organização clerical nem igrejas ou templos. O  Rastafarianismo, tendo origem remontada à década de 20,  teve como inspiração fundamental o movimento de “retorno à África” de Marcus Garvey, na Jamaica (movimento de resgate das raízes culturais africanas dos povos que migraram à força das contingências escravocratas).



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Sikhismo




Sikhismo


A palavra “Sikh” significa “disciplina”. Não há uma hierarquização na organização clerical da religião. Os cultos são realizados nos templos, onde hinos de louvor são cantados e orações matinais são feitas. A figura do guru significa, para os sikhistas, o guia dos seguidores para sua libertação (Moksa). Os sikhistas adotam como textos sagrados o Guru Grant Sahib e o Janam-Sakhis, ou “Histórias da Vida”, escrito oitenta anos após a morte de Nanak, o fundador da religião (cuja origem é remontada à Índia do século XV).



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Taoísmo




Taoísmo


O Taoísmo possui duas vertentes de pensamento religioso. Uma destas vertentes concentra-se na meditação desritualizada, seguindo feições metódicas, subsistindo de maneira mais geral como uma ordem filosófica, enquanto a vertente mais ortodoxa atribui importância fundamental aos rituais, à renovação cósmica e ao controle espiritual. O termo Tão, significando "caminho", consiste num elemento fundamental recorrente em todas as tradições filosóficas chinesas, entre elas o próprio Confucionismo.


O incenso é um elemento constante nos rituais taoístas. Um dos símbolos do Taoísmo é bastante famoso até entre os ocidentais: o Yin-Yang consiste numa representação do equilíbrio e complementaridade entre as forças naturais opostas em perfeita harmonia.


Referente à organização clerical, o Taoísmo é constituído de estrutura monástica e sacerdotal. Os textos sagrados do Tao são: o Dão De Jing (Tao te-ching: “O Caminho e seu Poder”) e os escritos de Chuang Tzu (369-286 a. C.).


A cronologia da origem das bases filosóficas taoístas ainda permanece obscura, podendo ser bastante anterior a Lao Tzu, considerado o fundador da religião, mas que, na verdade, foi responsável por um grande impulso à religião sobre a qual já existiam alguns conceitos primitivos.



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Testemunhas de Jeová




Testemunhas de Jeová


Há, nesta religião, a rejeição à Santa Trindade da Igreja Católica. As Testemunhas de Jeová pregam a simplicidade como modo de vida, possuindo este sistema de crenças uma orientação anti-ecumênica . As transfusões de sangue são terminantemente proibidas, mesmo nos casos de risco de vida em que são necessárias, e os fiéis acreditam na iminência do Armagedom e que, no final da guerra apocalíptica, serão os eleitos para o governo ao lado de Cristo pela eternidade.


A origem dessa dissidência cristã é remontada ao século XIX, nos Estados Unidos, sendo iniciada por Charles Taze Russell.



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Unitarianismo




Unitarismo


Esta religião prega a salvação como bem inalienável de todos os indivíduos. O conceito de inferno eterno é inexistente para os unitaristas, que realizam uma leitura literal da Bíblia. Estes pregam a fraternidade e, assim como outras religiões, reverenciam a Santa Ceia e o batismo. Jesus Cristo é tomado como humano comum e como um mestre de ensinamentos religiosos.


Desta forma, o Unitarismo realiza uma ruptura com o conceito cristão da Santa Trindade.


A origem desta religião é remontada a uma dissidência da Igreja Anglicana, tendo sido fundada em 1770.



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Xintoísmo




Xintoísmo


Tendo fundação remontada ao Japão, aproximadamente no ano de 660 a.C., o Xintoísmo possui duas vertentes: o Xintoísmo Sectário (Kioto) e o Shrine Shinto (Jinga). Os textos sagrados do Xintoísmo são o Nihon Shoki  (consistindo de narrativas do Japão do ano 720 d. C.) e o Kojiki, contendo registros dos anciões mestres.



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Zoroastrismo




Zoroastrismo


Dois princípios fundamentais regem o sistema de crenças desta religião: a existência de Deus e do Diabo e a volta do Paraíso à Terra. Os livros sagrados do Zoroastrismo são: o Avesta, o livro sagrado das orações, dos hinos, dos rituais, das instruções, da prática e da lei; o Gathas, que são hinos atribuídos a Zoroastro; o Pahlavi, que consiste na literatura zoroastrista. Ahura Mazda é a deidade suprema, criador de todas as coisas boas, enquanto Ahriman é o princípio destrutivo que rege a ganância, a fúria e as trevas; a bondade irá triunfar; os mortos ressuscitarão. A origem do Zoroastrismo é remontada ao século VI a. C., tendo sido fundada pelo profeta persa Zoroastro.



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AC/DC




AC/DC


O AC/DC é, com certeza, a banda australiana de heavy metal mais conhecida de todos os tempos. Os irmãos Malcolm e Angus Young nasceram na Escócia e se mudaram para a Austrália com a família, ao todo nove pessoas, quando ainda eram crianças. A convivência com a música desde cedo, uma vez que dois de seus irmãos mais velhos tinham uma banda na década de 60, fez com que esta dupla de guitarristas desejasse muito dar a volta ao mundo tocando rock’n’ roll. O embrião do AC/DC surgiu no ano de 1973, quando Malcolm, que já havia abandonado a escola, e Angus resolveram montar uma banda. Eles tocaram em pequenos clubes da cidade de Sidney e, nesta época, foram muitas as formações do grupo, até que o AC/DC estabilizou-se com Bon Scott nos vocais, Phil Rudd na bateria, Mark Evans no baixo e os irmãos Young nas guitarras. Por mais estranho que pareça, o vocalista Bon Scott era, antes de fazer parte da banda, o motorista oficial do AC/DC. Durante uma pequena turnê pelas cidades vizinhas à Melbourne, onde o grupo passara a viver, Bon foi convocado a fazer um teste, que seria nada menos do que um show ao vivo. Uma hora antes da apresentação, o motorista sentou para ensaiar com o resto do grupo. Depois de tocar e cantar algumas músicas, Bon tomou uns drinques e subiu no palco. O resultado foi perfeito, o mais novo vocalista do AC/DC tinha uma voz única e gritava feito um louco, do jeito que os irmãos Young queriam. Mera coincidência ou não, Bon Scott também era um imigrante escocês que havia se mudado com a família para a Austrália. Ele já tinha sido vocalista e baterista de várias outras bandas, pintor de navios e chegou até a ficar preso, mas no final das contas, acabou como motorista, sua profissão mais rentável até então. Já no ano de 1975, o grupo lançou seu primeiro disco “High Voltage”, que saiu pela EMI australiana. O sucesso do álbum de estréia levou a banda a gravar seu segundo, “TNT”, que saiu cerca de um ano depois de seu antecessor. A partir dos resultados das vendas de ambos os discos do AC/DC, fãs e empresários do rock de todo o mundo começaram a voltar-se para aquela ilha distante e, mesmo sem ter nenhuma infra-estrutura ou apoio musical em seu país de origem, o grupo começou a engatinhar para o outro lado do oceano. O selo Atlantic, então, tratou logo de pegar as melhores faixas de “High Voltage” e “TNT”, juntando-as em um disco que seria lançado mundialmente com o mesmo nome do primeiro do grupo. O álbum originou uma pequena turnê pela Inglaterra, onde o quinteto passou por pequenos e médios clubes, incluindo o conhecido Marquee. O sucesso destes shows, que estavam sempre lotados, fez com que a Atlantic assinasse um contrato com o grupo, que partiu para uma turnê ainda maior, tocando por toda a Europa com o Rainbow de Richie Blackmore. Logo em seguida, o AC/DC voltou para a Austrália, onde apresentou-se por várias cidades, fazendo um total de mais de vinte e cinco shows. Depois de uma pequena pausa para férias, o quinteto trancou-se em estúdio para gravar “Dirty Deeds Done Dirty Cheap”, que saiu em 1976 com faixas clássicas do grupo como “Balls Of Fire”, “Rocker” e “Ride On”. Sem deixar o ritmo cair, depois de viajar e divulgar seu terceiro álbum, o AC/DC já saiu gravando um novo trabalho, que acabaria por ser lançado em 1977. “Let There Be Rock” era também a trilha sonora de um filme homônimo e a inspiração para um home video, na verdade um show gravado do grupo onde Angus faz todo tipo de estripulias, que vão desde mostrar seu pálido bumbum para o público (ato que tornou-se costumeiro nos palcos do AC/DC), até deixar-se flagrar recebendo oxigênio atrás do palco. O disco ficou conhecido por músicas como “Whole Lotta Rosie” e “Hell Ain’t a Bad Place to Be” e a banda teve que agendar vários shows extras na Europa para dar conta de tantos convites. Ainda em 1977, o AC/DC sofre sua primeira grande perda, pois o baixista Mark Evans deixa a banda. Seu substituto, o inglês Cliff Williams, foi escolhido dentre vários, tendo que viajar para Sidney para poder ensaiar com o grupo. Assim que a nova formação estava pronta, os rapazes partiram para conquistar a América do Norte, em uma turnê gigante, com meses de duração. Com vários dias de folga, o AC/DC sentiu-se renovado para fazer sua terceira turnê pela Europa, seguindo direto para os estúdios da Austrália, onde começariam a gravar “Powerage”. Em 78, depois de pouco tempo de gravação, o álbum saiu para mostrar o bom trabalho do novo baixista e emplacou sucessos como “Rock’n Roll Damnation”. Mais uma vez, o grupo sairia em turnê que passaria pela Europa e Estados Unidos e originaria o ao vivo “If You Want Blood...”, lançado ainda no mesmo ano. Mas foi em 1979 que o AC/DC viu seu nome crescer, por causa do lançamento de “Highway to Hell”. O disco trouxe alguma polêmica, por causa do nome e de sua capa, e muito rock. A canção homônima é quase que um hino da banda, sendo tocada até hoje em seus shows. Como sempre, o grupo caiu na estrada para mais uma longa turnê. Infelizmente, no começo de 1980, o AC/DC teria que enfrentar sua segunda grande perda. A morte repentina, e estúpida, do vocalista Bon Scott abalou as estruturas da banda. Bon, como o de costume, havia bebido muito e dormiu no carro de seus amigos na volta para casa. Como ninguém conseguia tirá-lo de lá, de tão inconsciente que estava, ele foi deixado no banco de trás até o dia seguinte. O vocalista passou mal durante a noite e morreu sufocado pelo próprio vômito, uma vez que não conseguia levantar-se ou acordar para saber o que estava acontecendo. Ele foi encontrado morto dentro do carro na manhã seguinte. O grupo levou algum tempo para se recuperar mas decidiu seguir em frente, dando continuidade à carreira e procurando por um novo vocalista. Ao saber das dificuldades em encontrar um substituto para Bon, um fã de Chicago resolveu mandar uma fita com o seu trabalho para o AC/DC, na intenção de entrar para o grupo. Curiosamente, a idéia do fã deu certo e ele foi convidado a fazer um teste, que acabou culminando na sua entrada para a banda. Brian Johnson, inglês que vivia nos EUA, fez parte de uma banda, que chegou a gravar um disco, mas não obteve êxito. Agora, ela fazia parte do multinacional AC/DC. Brian entrou com tudo e passou a escrever junto com o resto do grupo. Seu primeiro trabalho no AC/DC foi o disco “Back in Black”, uma homenagem ao falecido Bon, lançado em 1980. Voltando à velha forma e bem integrado com seu novo integrante, o grupo fez uma grande turnê, que incluiu Europa, EUA, Japão e Austrália. Logo em seguida, os “caras” voltaram aos estúdios para fazer nascer, em 1981, “For Those About to Rock”, que ganhou disco de platina nos Estados Unidos. Desta vez, a turnê incluía uma superprodução com cenário e canhões que explodiam, fazendo o público delirar. Cansado, o quinteto demorou um pouco mais do que o normal para lançar seu próximo trabalho, “Flick Of The Swith”, que não trouxe muitas novidades em termos musicais. Dois anos mais tarde, “Fly On The Wall” chegaria às lojas de todo o mundo, confirmando o ritmo mais lento do AC/DC, que já estava bem menos presente na mídia mundial. Para tentar retomar os velhos tempos, a banda coloca no mercado uma coletânea chamada ‘Who Made Who’, que continha três músicas inéditas. O primeiro trabalho de estúdio depois da coletânea seria “Blow Up Your Video”, de 1987, que originou uma série de vídeo clips engraçados, sendo “Heatseeker” sua música mais conhecida. Três anos e algumas mudanças mais tarde, o AC/DC voltou renovado para encarar uma nova fase de sua carreira. O baterista Chris Slade havia entrado no lugar de Phill Rudd e o grupo australiano preparou uma turnê mundial para reaquecer o coração de seus fãs. A idéia funcionou e, em 1992, o grupo lança um disco ao vivo, intitulado “Live”, e um vídeo gravado durante a turnê, passando a ser novamente comentado pela mídia e roqueiros em geral. Em uma esperta jogada de marketing, o AC/DC gravou “Big Gun”, música que faria parte da trilha sonora de Last Action Hero (O Último Grande Herói), filme estrelado pelo grandalhão Arnold Schwarzenneger. O ator participou do vídeo desta música, onde imitou Angus Young, vestindo suas roupas e até tocando guitarra. Animado, o quinteto, que novamente contava com Phill Rudd na bateria, voltou aos estúdios e gravou “Ballbreaker”, seu último grande sucesso, lançado em 1995. A faixa “Hard As A Rock”, que também serve como adjetivo para a banda, passou a tocar em todas as rádios e o AC/DC mais uma vez saiu em turnê mundial. Contando com uma produção caríssima, o quinteto passou meses viajando pelo mundo (passou até pelo Brasil), reavendo seu carisma e tocando velhos sucessos de seus mais de vinte anos de carreira. Mais energéticos do que nunca, o AC/DC estava de volta.



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Aerosmith




Aerosmith


Sem dúvida uma das maiores bandas de hard rock de todos os tempos, o Aerosmith foi formado em 1970, quando seus integrantes conheceram-se em New Hampshire. Steven Tyler, vocalista; Joe Perry, guitarrista; Brad Whitford, guitarrista; Tom Hamilton, baixista; e Joey Kramer, baterista, estão juntos até hoje. Aerosmith enfrentou todos estes anos de modas e tendências nem sempre favoráveis ao seu estilo, para tornar-se uma das bandas mais respeitadas pelos fãs e músicos. E não é só isso, o grupo também influenciou uma série de bandas, das quais a mais famosa é o Guns N’Roses que, declaradamente, assume ter o Aerosmith como fonte de inspiração. Ao longo destes quase trinta anos, o vocalista Steven Tyler e o guitarrista Joe Perry ficaram marcados pela maneira de cantar e tocar, assim como pelo gosto excessivo por drogas de todos os tipos. Seguindo cuidadosamente o lema sexo, drogas e rock’n’ roll, a dupla é famosa por suas namoradas, problemas com drogas e canções. Os irmãos tóxicos, como são conhecidos nos Estados Unidos aprontaram todas, mas garantes que estão se comportando muito bem de uns anos para cá. Fofocas à parte, o grupo, nestes longos anos, viu sua carreira ficar cada vez mais sólida, a ponto de estarem ainda na ativa, mesmo com tantos concorrentes anos mais jovens. Voltando ao passado, o primeiro disco do Aerosmith, que levava o mesmo nome da banda, foi lançado em 1973. No encarte do disco, Tyler confirmava os Beatles, os Yardbirds e James Brown como principais influências do grupo, que mantém seu estilo até hoje. “Aerosmith”, o disco, estourou em vendas e viu algumas de suas canções tornarem-se clássicos ouvidos desde então. A balada “Dream On”, que traz a voz estridente de Tyler acompanhada por guitarras e um piano, foi o impulso necessário para fazer com que o grupo ficasse internacionalmente conhecido. Esta música, aliás, ainda é uma das mais pedidas nos shows deles, exatamente como acontecia naqueles tempos. Com uma pressa louca de fazer sucesso, o Aerosmith, depois de tocar em alguns alugares nos Estados Unidos, entrou novamente em estúdio para lançar, em 1974, “Get Your Wings”. Este segundo álbum seguia basicamente a mesma linha de seu antecessor, só que contava com guitarras mais pesadas que transformavam o hard rock com balanço, característico de “Aerosmith”, em um hard rock mais direto. Mais uma vez o grupo é bem sucedido e “Get Your Wings” é bem aceito no mercado, impulsionando ainda mais sua carreira. Sem perder tempo, o quinteto compõe novas canções, que seriam usadas em seu próximo trabalho. O ano de 1975 foi bastante decisivo na carreira do Aerosmith. Seu primeiro grande álbum, o terceiro na contagem geral, alcançaria altos índices de vendas e suas músicas seriam ouvidas em todo o mundo. Considerado por muitos o melhor disco da banda até hoje, “Toys in the Attic” estourou nas rádios com hits como a faixa homônima, “Sweet Emotion” e “Walk This Way”. Esta última acertou em cheio no gosto dos norte-americanos, pois contém uma mistura quase que irresistível de rap com rock. O quinteto ganhou bastante espaço na mídia, participando de entrevistas, fazendo sessões de fotos e aparecendo na televisão. Consequentemente, o grupo arregimentou uma nova legião de fãs, que antes não os conhecia e, agora, compareciam nos shows vestidos a la Steven Tyler. Aliás, o estilo de se vestir adotado por Steven também serviu para chamar a atenção de todos. Seus famosos paninhos pendurados no microfone, as roupas exageradamente justas e coloridas e as faixas na cabeça renderam centenas de fotos e comentários, assim como as mensagens que eram escritas em suas bochechas, ou ainda na barriga (costume que o cantor tem até hoje) para expressar suas idéias em relação à política, ecologia ou qualquer outro assunto. Depois de um ano de indubitável sucesso, o Aerosmith teve uma pequena recaída com o lançamento de “Rocks”, em 1976. Não que o disco fosse ruim, mas o lançamento simultâneo dos primeiros trabalhos de bandas como o Van Halen, entre outras, simplesmente serviu para desviar a atenção do público e da mídia, obscurecendo levemente a luz do Aerosmith. Na verdade, o álbum continha ótimas faixas de puro rock’n’ roll, que acabara por ser descobertas anos mais tarde. A balada romântica “Home Tonight”, as rápidas “Rats in the Cellar” e “Last Child”, entre muitas outras, ficaram esquecidas pela maioria, sendo somente reconhecidas pelos fãs mais apaixonados. Estes souberam entender as letras políticas de “Lick and a Promise” e “Sick as a Dog”, que denunciam os erros do país mais poderoso da América do Norte. Mesmo assim, sem desanimar, o Aerosmith continuou fazendo sua música, lançando, no ano seguinte, “Draw the Line”. Este também não ganhou muito reconhecimento da mídia, embora tenha sido bastante apreciado pelos fãs do grupo, cujo ritmo começava a cair. “Night in the Ruts”, o quinto álbum do grupo, foi lançado em 1979, com dois anos de diferença de seu antecessor, fato até então incomum para o Aerosmith. O disco trazia um cover do Yardbirds, “Think About It”, além da conhecida “Three Mile Smile”, mas os problemas internos do grupo colaboraram para que “Night in the Ruts” não fosse tão bem reconhecido quanto deveria. O que aconteceu foi que, logo depois de terminadas as gravações, os dois guitarristas da banda, Joe Perry e Brad Whitford, decidiram sair do Aerosmith. O fato acabou prejudicando a turnê de divulgação do álbum, uma vez que a banda teve que iniciar uma busca à possíveis substitutos. Passadas as buscas, o grupo entrou novamente em estúdio para realizar as gravações de seu sexto álbum. “Rock in a Hard Place” saiu em 1982 com a participação de Jimmy Crespo e Rick Duflay nas guitarras. O disco, ao contrário do que o próprio grupo acreditava, estourou em vendas, sendo muito bem visto pelo público e fãs em geral. Finalmente, as coisas pareciam estar entrando nos eixos com o Aerosmith e só faltava o retorno de seus antigos membros para que tudo voltasse a ser tão bom quanto antes. Demorou três anos para que a volta dos antigos integrantes se tornasse realidade, mas, pelo menos, ela aconteceu. Para a felicidade dos fanáticos pelo Aerosmith, “Done With Mirrors” trazia, além de um milionário contrato recém assinado com a Geffen, os velhos Joe e Brad de volta às guitarras. Mas, em desacordo com a lógica, o álbum não alcançaria o patamar desejado, sendo considerado um dos piores da carreira do grupo. Novamente, o Aerosmith enfrentava uma tempestade. E foi bem no meio dela que “Permanent Vacation”, de 1987,  e “Pump”, de 1989, que traziam músicas escritas por Jim Vallance  e Desmond Child, vieram para salvar a imagem da banda. A balada “Angel”, o hard rock clássico “Dude (Looks Like a Lady)” e a pornográfica “Love in an Elevator”, reaqueceram o ritmo do Aerosmith, trazendo-o de volta às rádios e emissoras de TV. Uma das mais famosas canções de “Pump”, chamada “Janie’s Got a Gun”, tornou-se rapidamente um hit conhecido internacionalmente. O sol voltara a brilhar na janela do Aerosmith e o grupo, aproveitando a boa safra e o advento da televisão musical e seus vídeo clips, lançou-se no mercado como banda multimídia. Os vídeos muito bem bolados das músicas “Crazy”,  “Eat the Rich” e “Cryin’” colocaram definitivamente o Aerosmith no hall das bandas mais consideradas do mundo. Os anos 90 haviam trazido sorte à banda e o disco “Get a Grip”, de 93, com sua famosa vaquinha de brinco na capa, viu a grande maioria de suas músicas ganharem espaço em todos os meios de comunicação especializados em música ou não. “Get a Grip” rendeu uma imensa turnê mundial, além de prêmios por seus vídeos na MTV. Musicalmente falando, o disco oferece algumas inovações, como a inclusão de gaitas, violinos e o velho conhecido piano em suas canções, sendo a famosa “Amazing” um bom exemplo a ser citado. Três anos mais tarde, porém, o Aerosmith seria obrigado a encarar mais uma grande dificuldade para poder terminar seu último disco. Um estranho conjunto de problemas acabou atrasando o lançamento de “Nine Lives”, que só aconteceria no começo de 1997. Durante a sua fase de composição e gravação, o baterista Joey Kramer sofreu um choque emocional por causa de uma namorada e ficou impedido de tocar, sendo substituído temporariamente por Steve Ferrone. O descontentamento do grupo com o trabalho de Ferrone e os problemas na mixagem levou seus integrantes a se internarem em uma clínica de tratamento para, através da terapia de grupo, aprender a conversar e resolver seus problemas. Ao mesmo tempo, depois de terem saído da clínica, a banda resolveu demitir seu empresário, Tim Collins. Como se não bastasse toda essa confusão, o produtor do disco teve que deixar o grupo porque já tinha assumido outros compromissos e não contava com todo este atraso. Ele foi substituído por outro, o baterista voltou à ativa, o Aerosmith regravou todas as faixas e, finalmente, lançou “Nine Lives”.



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Alice Cooper




Alice Cooper


Artista americano que foi o primeiro a levar às últimas encenações teatrais durante seus shows, conferindo a tal tipo de teatralidade importância equivalente à música. O nome verdadeiro de Alice é Vincent Furnier. Nascido em Detroit, no ano de 1948, formou inúmeros grupos em seus tempos de escola. Um desses, o Nazz, conseguiu alguma repercussão e chegou a lançar alguns álbuns. Mas a carreira de Alice só começou a despontar quando, assessorado pelo produtor Bob Ezrin, teve a idéia de fazer performances diabólicas em seus shows, com muitos efeitos de horror, cobras e muitos efeitos especiais, enaltecendo o peso de seu hard rock. Em 1972, com o álbum “School’s Out”, sua carreira foi definitivamente lançada aos píncaros, sendo consolidada no ano seguinte com o imenso sucesso do próximo disco, “Billion Dollar Babies”. Entretanto, as constantes internações de Alice, em virtude de seu abuso de drogas e álcool, emperravam as possibilidades de um sucesso maior e, em 1974, toda sua banda resolve demitir-se. Mesmo assim, Cooper não desistiu e formou um novo grupo, chegando a lançar mais alguns LPs de peso. Só que, a partir do final da década de 70, suas músicas passaram a perder o peso e intensidade iniciais em nome de uma proposta mais comercial. Claro que, em termos de vendagem, ele continuou sendo um sucesso, mas, qualitativamente, seu trabalho já era mais o mesmo. De qualquer forma, seus shows de horror tornavam-se cada vez mais realistas e o público lotava todos os locais por onde ele se apresentava. Na década de 90, o trabalho de Alice voltou a apresentar novamente elementos mais pesados, contudo sem a mesma força de outrora.



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Anthrax




Anthrax


Nascido bem no início da década de 80, o Anthrax foi formado em Nova York pelo guitarrista Scott Ian e o baixista Dan Lilker. A dupla teve dificuldades em acertar na escolha dos cargos de vocalista, baterista e guitarrista, e o Anthrax ficou sofrendo constantes mudanças de formação até que Neil Turbin, Charlie Benante e Dan Spitz ocupassem, respectivamente, estes cargos. Logo o grupo começou a ensaiar e compor um heavy metal rápido, pesado e melódico, chamando a atenção do público que freqüentava os bares nos quais o Anthrax tocava. As composições criadas até então foram escolhidas e colocadas no primeiro álbum do grupo, intitulado ‘Fistful of Metal’, que saiu pelo selo Megaforce, através do empresário Johnny Z, no ano de 1983. E foi em 1984 que o grupo sofreu sua primeira mudança de formação quando, por problemas com os demais integrantes, o vocalista Neil Turbin e o baixista Dan Lilker deixaram o Anthrax. Dan Lilker, algum tempo depois, formou sua própria banda, chamada Nuclear Assault, e mais tarde o Brutal Truth. Para o lugar dele, entrou o baixista Frank Bello e, nos vocais, Joey Belladona. Pouco antes do Anthrax iniciar a gravação de seu segundo álbum, o grupo lançou o EP ‘Armed and Dangerous’, cuja faixa-título tornou-se uma das mais conhecidas do grupo até hoje. Um ano após o lançamento do EP, a banda também colocou no mercado ‘Spreading the Disease’, que foi bem recebido pelos fãs de thrash metal, mas não conseguiu fazer o grupo famoso. A voz poderosa de Joey Belladona acrescentou muito ao som dos rapazes, assim como os solos de Dan Spitz e o álbum ‘Spreading the Disease’ é uma boa prova da competência destes músicos, que não fizeram sucesso com ele simplesmente por serem rápidos demais para aquela época. Sem desanimar, o quinteto continuou com seu trabalho e, adotando um visual colorido, com bonés e bermudões bem humorados, o Anthrax chamou a atenção de todos por não ter o visual negro e sisudo das tradicionais bandas do gênero. Inovadores no visual, eles também ousaram na música e foram criticados por muitos, mas elogiados pela maioria. Em 1987, o Anthrax gravou um EP chamado ‘I’m the Man’, que trazia três versões da faixa-título, um rap cantado por Frank, Joey, Scott e Charlie, repleto de guitarras pesadas e com a bateria original. Duas destas versões eram de estúdio (uma com palavrões e outra não) e a terceira ao vivo. Além de “I’m the Man”, o EP contava com mais duas outras faixas ao vivo, além de um cover de “Sabbath Bloody Sabbath”, do Black Sabbath. Tendo adotado permanentemente o visual e a fama de banda de speed metal bem humorada, o Anthrax fazia sucesso nos seus shows ao vivo os quais, além de apresentarem um ótimo repertório musical, eram sinônimo diversão garantida. O lançamento de ‘Among the Living’, que continha músicas clássicas como “Indians”, “N.F.L” e “Caught in a Mosh”, além da faixa-título, aconteceu também em 1987, pouco antes de ‘I’m The Man’. O álbum foi muito elogiado e emplacou o hit “I Am The Law” em todas as rádios especializadas em rock dos Estados Unidos. Com um espaço considerável já conquistado na mídia norte-americana, não foi difícil para o Anthrax se lançar para o mundo, fazendo, no início, pequena turnês pela Europa. O ano de 1988 foi agitado para o grupo que, entre shows aqui e acolá, entrou em estúdio para gravar seu quarto álbum. ‘State of Euphoria’ trazia uma capa com caricaturas de todos os membros do grupo, lado a lado, abraçados por um bigodudo que acabou virando mascote do disco. Depois deste veio ‘Persistence of Time’, de 1990, cujo vídeo da faixa “Got the Time” ganhou espaço na MTV, figurando dentre os mais pedidos dos programas especializados em rock. O álbum também continha músicas clássicas do grupo, como “Keep it in the Family” e “Belly of the Beast”, todas rápidas e melodiosas. O próximo disco do Anthrax, ‘Attack of the Killer B’s’, foi lançado em 1991 e trouxe mais uma grande surpresa preparada pelos grupo, acompanhada por nova polêmica que surgiu dentre os fãs de metal. O gosto de Scott Ian pelo rap e hip hop resultou na inclusão de dois raps com guitarras e bateria típicos de heavy metal em  ‘Attack of the Killer B’s’. Um deles era uma nova versão para “I’m the Man” e o outro era a inédita “Bring the Noise”, gravada em parceria com o grupo de rap Public Enemy que, aliás, acabou acompanhando o Anthrax na turnê de divulgação deste álbum. O inaceitável dentre os grupos de heavy metal, a mistura de rap com o heavy, havia se tornado algo bem sucedido nas mãos do Anthrax. Agora considerada uma grande banda em todo o mundo, o Anthrax teve que lidar com a saída de mais um integrante, depois de tantos anos de sucesso com uma formação estabilizada. Em 1992, o carismático vocalista Joey Belladona decide deixar o grupo, por problemas desconhecidos do grande público, para seguir uma carreira solo, montando uma banda que leva o seu sobrenome. A saída de Belladona traz uma série de modificações no estilo e no som do Anthrax, que volta a ficar sério e diminui sua velocidade. O vocalista John Bush, que tem a voz meio rouca e uma presença de palco bem séria, entra para substituir Belladona. Seu primeiro trabalho com o grupo em estúdio, ‘Sound of White Noise’, é lançado no ano de 93 e causa alvoroço dentre os fãs, que estava acostumados com a alta velocidade e o bom humor do Anthrax, que justificou a mudança como maturidade natural. No mesmo ano sai o álbum ao vivo ‘The Island Years’, gravado em um show na Califórnia, ainda com Joey nos vocais. Em 1994, acontece mais uma mudança na formação e o guitarrista Dan Spitz sai do grupo pouco depois de terminar as gravações de ‘Stomp 442’, lançado em 1995. Para conseguir cumprir as datas da turnê deste disco, o Anthrax convoca, provisoriamente, Peter Cook. Hoje, o Anthrax está meio parado, sem guitarrista definitivo e com dois de seus membros, Charlie e Ian, se dedicando ao seu projeto paralelo, o S.O.D.



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Aretha Franklin




Aretha Franklin


Esta excepcional cantora de soul music nasceu no dia 25 de março de 1942, em Detroit, e cresceu no meio da música gospel. Seu pai, o  reverendo C. L. Franklin, era um líder das congregações de Memphis e Detroit, mais conhecido como “o homem da voz de um milhão de dólares”. Como não poderia deixar de ser, Aretha aprendeu a cantar desde muito cedo e, aos quatorze anos de idade, já era solista do coro da igreja de seu pai. Conhecendo muito bem o destino de outros pastores e cantores de coro, que assinaram com grandes companhias e viram suas carreiras decolarem, Aretha, aos dezessete anos de idade, conseguiu um contrato com John Hammond, da Columbia. Em pouco tempo, a gravadora a transformou em uma cantora pop, mas nenhum dos quatro discos gravados por ela nesta fase chegou a fazer sucesso. Expirado o contrato, Aretha assinou com Jerry Wexler, da Atlantic, que já havia produzido os Drifters e Ray Charles. Wexler a levou para um estúdio no Alabama onde, usando músicos de soul, fez com que ela retomasse suas raízes da música gospel. O primeiro disco gravado por Aretha na Atlantic, chamado “I Never Loved a Man the Way I Love You”, chegou ao segundo lugar nas paradas, sendo que a música “Respect”, cover de Otis Redding, garantiu o primeiro lugar. A voz afinada e forte de Aretha conseguiu, no período de um ano, emplacar mais sete músicas entre as dez melhores do país, elevando sua reputação como cantora em todo os EUA. Mas não era só isso porque, além de cantar, Aretha também compunha letras e arranjos da maioria de suas canções, que incluíam “Spanish Harlem” e a famosa “Eleanor Rigby”, dos Beatles. Aretha Franklin também mostrou sua habilidade em adaptar-se a diferentes tipos de música e gravar em qualquer lugar. Seu terceiro disco, que foi gravado em New York, continha um solo do famoso guitarrista Eric Clapton na canção “Good to Me As I Am to You”. “Aretha in Paris”, de 1968, foi gravado na Europa, enquanto que, no ano de 1971, ela gravou “The Girl’s in Love With You” em Miami e New York e “Live At Fillmore West”, ao vivo, direto de San Francisco. Um ano mais tarde, ala inovaria mais uma vez, gravando “Amazing Grace” dentro de uma igreja batista em Los Angeles. Voltando às suas raízes, Aretha recriou o clima gospel convidando o cantor do gênero, James Cleveland, e o coro Southern California Community Choir para participar do disco. Em 1974, Aretha voltou às paradas americanas com os sucessos “Until You Come Back to Me” e “I’m in Love”. Sempre à frente de seu tempo, a cantora, considerada uma das melhores de todos os tempos, participou do filme Blues Brothers, que serviu para relembrar sua importância na música americana e mundial. Sem sequer pensar em parar, ela, no ano de 1985, emplacou mais três canções nas melhores posições das paradas americanas: “Freeway of Love”, “Who’s Zoomin’ Who” e “Sister Are Doing It For Themselves”, sendo que esta última foi gravada em parceria com o Eurhythmics. Aretha Franklin também gravou em dueto com George Michael, uma música chamada “I Knew You Were Waiting”, que foi considerada a mais vendida nos EUA e Inglaterra. Elton John foi mais um de seus parceiros em uma canção intitulada “Through The Storm”. 



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Art Rock




Art Rock


O rock’n’ roll, como já é sabido, provém de uma série de diferentes ritmos que, ao longo dos anos, foram sendo misturados por músicos apaixonados. Intencionalmente ou não, o fato é que esta junção de culturas simplesmente transformou o mundo da música para sempre. Novos instrumentos, técnicas e tendências passaram a fazer parte do cotidiano das pessoas em todo o mundo e, de uma certa forma, influenciaram seu comportamento como seres humanos perante a sociedade. Com o passar dos anos, porém, alguns grupos de rock não se contentaram em tocar apenas aquela mistura que originou o ritmo, misturando-o ainda mais a outros tipos de música, instrumentos estranhos e tudo o mais que pudesse ser inovador. E foi com esta intenção de fazer algo inédito que algumas bandas mais afortunadas musicalmente criaram um movimento chamado art rock. Basicamente, faz parte do movimento art rock todo aquele grupo que utilizou-se de técnicas e teorias musicais que antes não faziam parte do rock. A introdução de violinos, por exemplo, ou o uso da métrica e técnica da música clássica foram suficientes para deixar o rock com uma outra aparência. E muitos foram os grupos que, através da música clássica ou de instrumentos exóticos, entrou para o mundo do art rock. Pode-se, inclusive, arriscar e dizer que os Beatles deram um belo empurrão ao movimento quando colocaram violinos na famosa “Yesterday” e continuaram a fazê-lo em “Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band”, do qual uma orquestra fez parte. Mas não foram só eles. Outros grupos, como o Moody Blues, em meados dos anos 60, também usaram um quarteto de cordas em uma de suas canções de rhythm & blues. Ainda hoje, existem uma centena de bandas que optam por misturar o clássico ao rock, seja através do uso de instrumentos típicos de um ou outro ritmo, ou mesmo fazendo regravações de grandes sucessos de compositores clássicos, com arranjos modificados, tornando-os mais próximos ao rock. Grandes conhecidos do mundo da música fazem parte do time do art rock e muitos ainda estão por vir. Emerson, Lake and Palmer, Procol Harum e até mesmo os rapazes do Deep Purple já se apresentaram acompanhados por uma orquestra. O conhecido Genesis tinha em seu vocalista, Peter Gabriel, um flautista em potencial, assim como Ian Anderson, do Jethro Tull. O Yes também foi um importante representante deste movimento, assim como o conhecido Frank Zappa. A maior semelhança entre todos os representantes deste segmento do rock pode ser considerada a virtuosidade dos músicos, que têm, obrigatoriamente, que ser bons o suficiente para poder tocar obras complicadas do mundo clássico em instrumentos não originais a este período. A compreensão total da estrutura musical clássica também é bastante importante, uma vez que ela pode vir a ser utilizada no rock sem necessariamente estar acompanhada por instrumentos caracteristicamente clássicos. Enfim, art rock é um movimento amplo se considerarmos seu sentido mais profundo e pode, muitas vezes, nem ser notado (como acontece no caso de um grupo utilizar o sistema de medidas musicais clássicas). O mais importante deste movimento é o fato de que, mais uma vez, o rock é renovado e, a partir dele, criou-se ainda mais um estilo para agradar mais pessoas.  



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Bathory




Bathory


O Bathory foi, ao lado do Venom e do Hellhammer, a banda que primeiro lançou mão de recursos que, mais tarde, serviriam para definir os padrões de estilos como o black metal e o death metal. Contudo, das três, foi a única que continuou fazendo bons álbuns durante toda a sua carreira (ao contrário do Hellhammer, que acabou, e do Venom, que mudou o som e se tornou um grupo ruim), sempre investindo pesado na mística que provoca por não se apresentar ao vivo e por ninguém saber ao certo quem e como são seus integrantes, à exceção do líder do grupo, Quorthon. Tudo começou em fevereiro de 1983, na Suécia, quando o conjunto foi formado. Para criar uma aura de mistério sobre ele, a formação não era divulgada. Exatamente um ano depois, duas faixas de sua autoria foram incluídas na coletânea “Scandinavian Metal Attack” e, nelas, sentia-se nitidamente as influências de Venom e Motörhead que permeavam a sonoridade do grupo. Ainda em 84, no mês de outubro, veio o primeiro disco, auto-intitulado. Apesar da má produção, o LP tornou-se imediatamente uma obra obrigatória na coleção de todos os fãs de música pesada da época, já que trazia em suas faixas um verdadeiro assalto sonoro, acrescido de temáticas satanistas jamais vistas com tamanha seriedade. Claro, havia o Venom, mas o Venom se apresentava ao vivo, todo mundo sabia como eram seus integrantes. Mas o Bathory não. Seus integrantes - se é que existiam - não possuíam nenhum contato com o mundo exterior e os fãs podiam criar suas próprias crenças a seu respeito. Tudo isso fez com que eles se tornassem o grupo mais sombrio e perturbador do início da década de 80, fato que se consolidou com o segundo LP, “The Return”, de 1985. Musical e liricamente, uma continuação do primeiro, mas mais bem produzido e estruturado, apesar de as músicas continuarem velocíssimas, pesadíssimas e blasfema - isto é, um dos maiores legados para as bandas black/death que se seguiriam. Após “The Return”, os integrantes do conjunto passaram por um processo de maturação bastante evidenciado. Começaram a deixar de aldo as temáticas excessivamente satanistas e passaram a investir na divulgação da cultura de seu país-natal, a cultura viking (e seriam copiados nisso por 99% das bandas de black metal escandinavas que vieram depois deles). Entretanto, sabiam que seus fãs não aceitariam uma mudança demasiadamente brusca, por isso, fizeram a coisa aos poucos. Os primeiros traços das temáticas vikings apareceram no clássico “Under The Sign Of The Black Mark”, de 87, para muitos o melhor disco do Bathory, um autêntico clássico do death metal. Com o sucesso estrondoso do álbum nos meios underground, o grupo passou a considerar seriamente a possibilidade de tocar ao vivo. Chegou a divulgar sua line up - que, na época, era a seguinte: Quorthon (guitarras e vocais), Vvornth (bateria) e Kothaar (baixo) - e a tirar fotos de divulgação para a imprensa. Contudo, o projeto não foi adiante e o trio voltou à obscuridade (há quem diga que Quorthon sempre fez tudo na banda e só chamou os outros dois caras para aparecerem nas fotos e dar a impressão da existência de uma formação real. O fato, porém, é que daí em diante ele passou a dar entrevistas constantes e a ser o porta-voz do Bathory, mas sempre negando ser o único membro). Ainda em 87, foi gravado “Blood On Ice”, álbum que não chegou a ser lançado na época (só o foi em 1996). Assim, o quarto disco oficial do Bathroy foi “Blood, Fire, Death”. Mais um clássico absoluto, o LP trazia a mistura perfeita entre mitologia nórdica e satanismo, entre peso e velocidade. Além disso, trazia na contracapa uma foto do grupo, o que mantinha as aparências sobre a existência de uma formação. Depois dele, veio mais um álbum não-lançado (e que permanece assim), chamado “Requiem”. Ao mesmo tempo, a banda ia amadurecendo cada vez mais, implementando à sua música inúmeras influências novas, notadamente clássicas (Quorthon venera música clássica, em especial Wagner). Deste modo, quando “Hammerheart” foi editado, em 1990, muita gente foi surpreendida. A música, agora, estava mais contida, mais introspectiva, dotada de inúmeras experimentações e toques clássicos-medievais-folclóricos. “Hammerheart” é, de longe, o disco mais hermético e estranho da carreira do Bathory, mas nem por isso desprovido de importância. Não é de digestão fácil, mas deve-se louvar sua originalidade e unicidade. Em 91, veio “Twilight Of The Gods”. Nele, as experimentações ainda se faziam presentes, mas de forma bem menos radical do que no disco anterior. Os antigos fãs voltaram a endeusá-los (se bem que, a essa altura, já parecia claro que Quorthon era o faz-tudo do “conjunto”), pois estava quase de volta o antigo Bathory, agressivo e pesado. Esse processo terminou com “Requiem” (não aquele), álbum de 94 que trazia o Bathory definitivamente de volta aos velhos tempos (até a produção é ruim), um verdadeiro holocausto sonoro. No ano anterior, contudo, já haviam sido lançadas duas coletâneas em comemoração aos dez anos de carreira, “Jubileum I” e “Jubileum II”, que traziam algum material inédito (como faixas da primeira demo, nunca lançada). Em 96, veio “Octagon”, na mesma linha de “Requiem”, mas muito melhor produzido. Este disco corou uma trajetória árdua e misteriosa, porém duradoura e importantíssima para o metal. Da música do Bathory surgiu toda uma nova realidade musical, e essa realidade foi responsável pelo surgimento de movimentos black metal nela inspirados em todo o mundo, mas notadamente nos países nórdicos, onde diversas bandas elevaram ao máximo requinte tudo aquilo que Quorthon pela primeira vez na história começou a fazer nos porões suecos durante os anos 80. Sem ele, nada do que se ouve hoje nos conjuntos black metal existiria.



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Beach Boys




Beach Boys


Os “Beach Boys” foram os precursores do que hoje chamamos surf music. Na verdade, o quinteto que nasceu em Los Angeles, Califórnia, no começo da década de 60, tocava um rock’n’ roll suave, com vocais diferenciados. O grupo era formado pelos irmãos Carl, Brian e Dennis Wilson, seu primo Mike Love e o amigo Al Jardine. Brian tocava piano e escrevia a maioria das músicas, enquanto Carl, Mike e Al tocavam guitarra e Dennis era o baterista. Anos mais tarde, outro guitarrista, Bruce Johnston, entrou para fazer parte do grupo onde simplesmente todos eram vocalistas. Dentre as mudanças de formação ocorridas, e que não foram muitas, Al Jardine teve que deixar os Beach Boys por cerca de um ano, para completar os estudos, e David Marks entrou em seu lugar. Mas a troca não durou muito porque Jardine logo percebeu que teria mais êxito na carreira musical do que na acadêmica. A primeira apresentação dos Beach Boys aconteceu na noite de ano novo de 1961. Tocando um rock suave acompanhado por vocais bem trabalhados, uma vez que todos cantavam juntos, os “Beach Boys” logo conquistaram o público com seu jeito Califórnia de ser. Todos louros e bem arrumados, o quinteto chamou a atenção por oferecer música moderna (no caso, rock’n’ roll) com um toque antigo dado pelo coro de vozes e os arranjos das guitarras. A gravação de “Surfin’” por um pequeno selo californiano colocou os rapazes às vistas de grandes gravadoras e, em 1962, o grupo assinou com a “Capitol Records” e fez sua primeira turnê. O sucesso de “Surfin’USA”, canção que eles praticamente copiaram de “Sweet Little Sixteen”, de Chuck Berry, logo chegou às rádios contagiando principalmente os adeptos do surf. Depois dela, vieram “Fun, Fun, Fun”, de 1964, e “California Girls”, de 1965. Esta última, inclusive, ganhou um cover feito pela banda punk Ramones, anos mais tarde. Mesmo com tanto sucesso e com um grande futuro pela frente, Brian Wilson parou de viajar com o grupo por causa de problemas nervosos. Toda aquela  fama de garotões saudáveis e surfistas, servia somente para um dos “Beach Boys”, que realmente praticava este esporte: o baterista Dennis Wilson. Com a saída de Brian do circuito de shows, os donos da surf music chamaram Glen Campbell e depois Bruce Johnston para substituí-lo. No ano de 1966, o lançamento do álbum “Pet Sounds”, que desagradou o grupo, mas obteve uma reação positiva da crítica, colocou o nome da banda novamente em pauta. Os problemas psicológicos de Brian, contudo, começariam a criar um clima de desentendimento no grupo, que também estava abalado pelo grande sucesso de “Sgt. Peppers”, recém-lançado pelos Beatles. A carreira dos “Beach Boys” estava passando por uma fase difícil, que não era bem aceita por Brian, e a banda tentava desesperadamente chamar a atenção do público, agora totalmente voltada para os “Beatles”. Os anos se passaram, outros álbuns foram lançados, mas nenhum conseguiu ser tão significante quanto os primeiros do grupo. Brian havia se afundado nas drogas e seus problemas aumentaram ainda mais, prejudicando a performance e a imagem dos “Beach Boys”. Em 1976, depois de passar muito tempo recluso em sua mansão, Brian e os “Beach Boys” gravaram o álbum “Fifteen Big Ones”, cujo título contava o número de músicas do disco e também a idade do grupo. Sem obter grandes vendagens e espaço na mídia em geral, os “Beach Boys” perceberam que nunca mais voltariam a fazer o sucesso de antes. Mesmo assim, Brian continuou a compor suas músicas, que já não mais interessavam os ouvintes. O último grande hit do grupo era “Rock’n Roll Music”, cover de Chuck Berry, que entrou para as vinte mais pedidas do ano de 1981. Dois anos mais tarde, em dezembro de 1983, o baterista Dennis Wilson morreu afogado enquanto surfava. Depois da morte de Dennis, os “Beach Boys” viram sua carreira acabar aos poucos, sendo que, sua única aparição no final da década de 80 aconteceu quando a música “Kokomo”, tornou-se um hit através do filme “Cocktail”.  



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Bill Haley




Bill Haley


Para muitos, Bill Haley foi o pai do rock’n’roll, pois gravou, com sua banda, The Comets, aquele que é considerado o primeiro rock de fato da história, a canção “Rock Around The Clock”. Haley nasceu em Detroit, em 1927, e já na adolescência tornou-se um artista da country music. Dono de aguda perspicácia, logo percebeu que os jovens das platéias para as quais se apresentava ficavam particularmente animados quando tocava composições mais voltadas para o rhythm & blues. Seu trabalho como locutor de rádio, conhecedor profundo do gosto popular,  também o ajudou muito a chegar a essa conclusão. Assim, viu que se fundisse elementos do rhythm’n’blues dos negros do sul com a levada da country music _ tudo completado por uma batida simples e constante, que realçasse as características dançantes da música, o famoso compasso 4/4 _ atingiria em cheio o público adolescente. Percebeu, ainda, que as letras da música country nada tinham a ver com o universo jovem urbano da época. Por isso, ainda que mais velho do que a faixa etária que procurava agradar, procurou sempre situar suas letras ao universo adolescente da época. Com essas idéias na cabeça, no início da década de 50, pôs fim à sua banda “The Saddlemen” e a todos os laços que ainda o prendiam à country music e fundou o “The Comets”, em 53. O sucesso, entretanto, só viria na metade da década de 50, quando o clássico “Rock Around The Clock” foi incluído na trilha-sonora do filme “Blackboard Jungle”. A partir daí, o sucesso foi arrebatador (ainda que efêmero): nascia o rock’n’roll. Contudo, o reinado e fama internacionais de Haley não duraram muito. Feio, gordo e velho demais para o título de rei do rock, sua carreira entrou em franca decadência quando Elvis Presley apareceu. Haley ainda continuou escrevendo grandes canções durante a década de 60 (ainda que muitos o acusem de apenas ter repetido a fórmula original que concebeu), caindo no total esquecimento posteriormente. Morreu em 1981, mas sua importância e influência, que é sentida virtualmente em todos os artistas do rock’n’roll, são imortais.



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Black Metal




Black Metal


Definir o que exatamente se conhece por black metal é extremamente difícil, uma vez que as bandas são categorizadas sob esse nome a partir da temática de suas letras, não de sua música (embora isso esteja em vias de se modificar um pouco). Sem dúvida, quem deu início ao gênero foi o Venom, quando, em 1982, lançou seu clássico álbum “Black Metal”. A partir de então, muitas bandas com o mesmo tipo de proposta lírica (ou seja, satanista) se formaram. Assim, convencionou-se que qualquer banda de heavy metal que lançasse mão de temáticas satânicas em suas letras seria uma banda de black metal. É por isso que o estilo abrange tamanha variedade de grupos que, musicalmente, nada têm em comum. Por exemplo: sem levar em conta as letras, o próprio Venom é um grupo thrash; já o Deicide faz death metal. Ambos, porém, enquadram-se sob o rótulo black metal. No início dos anos 80, o Venom foi o grande nome do estilo, mas haviam outros, como o Bathory e o Hellhammer. O underground europeu era o lugar onde proliferavam grupos black, na mais violenta cena metálica já surgida. Nomes como Mayhem, Rotting Christ e Tormentor, dentre muitos outros obscuros viviam naqueles subterrâneos. Com a decadência do Venom a partir da metade da década de 80, o fim do Hellhammer e a migração do Bathory para outras propostas musicais, o black ficou relegado ao underground, sem nunca, contudo, ter morrido. Aí, por volta de 92/93, o estilo ressurgiu. Contribuíram muito para isso os países escandinavos, que se mostrou um terreno fértil para o surgimento de bandas - e polêmicas. Em especial na Noruega, o pessoal envolvido com o black metal formava um grupo fechado e extremamente radical. Nessa época, tal grupo iniciou uma série de ações terroristas, dentre elas a queima de igrejas. Isso chamou a atenção da mídia musical mundial, e logo foi despertada a curiosidade acerca da manifestação musical por parte daquilo. O auge da cobertura da imprensa ocorreu em 1994, quando Varg Vikernes, da banda norueguesa Burzum, assassinou Euronymous, uma espécie de herói do black e membro do Mayhem. Tornou-se impossível, então, conter a explosão do estilo, que ainda hoje pode ser sentida. Entretanto, a temática já não é mais simplesmente satânica. Tornou-se comum tratar da mitologia do país do qual o grupo é oriundo (na Noruega, por exemplo, as bandas falam dos vikings; na Inglaterra, das tradições celtas etc.) e da natureza - também existem bandas com ideologia nazista. A disparidade musical, contudo, continua, com conjuntos melódicos, outros ríspidos, outros trabalhados, outros toscos, outros com influências hardcore, outros com influências clássicas etc. Bandas do estilo, fora as citadas: Beherit, Impaled Nazarene, Mortuary Drape, Immortal, Darkthrone, Satyricon, Necromantia, Emperor, Cradle Of Filth, Absu, Dark Funeral, Marduk, Dimmu Borgir, Falkenbach, Nastrond, Graveland, Kohort, Acheron, Enslaved, Pazuzu, Vondur e muitas outras (o estilo se encontra atualmente superlotado, em virtude do bom momento que atravessa).



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Black Sabbath




Black Sabbath


Formado na cidade de Birmingham, Inglaterra, no ano de 1968, o Black Sabbath foi o grupo que inventou o heavy metal, dispensando, portanto, maiores apresentações ou referências à sua importância histórica. Tudo aconteceu quando o baixista Terry “Geezer” Butler respondeu a um anúncio colocado pelo vocalista Ozzy Osbourne, na janela de uma loja de instrumentos musicais. Os dois se encontraram e, infelizes com suas bandas, resolveram montar um grupo novo. Logo em seguida, a dupla procurou pelo guitarrista Tony Lommi, que estudava com Butler, e o baterista Bill Ward, também conhecido dele. O quarteto, então, seria batizado com o nome de Earth e passaria a compor e ensaiar suas primeiras músicas, que continham guitarras pesadas e letras inovadoras. Depois de algum tempo, o grupo muda seu nome para Black Sabbath, que é o nome de uma das suas composições, porque descobre a existência de um outro Earth. No ano de 1970, o quarteto lança seu primeiro disco, auto-intitulado, e começa a tocar em bares e pubs ingleses. Para aumentar ainda mais o clima demoníaco de suas letras, o Black Sabbath fez questão de esperar uma sexta-feira treze para, neste dia, anunciar a sua primeira criação. A presença de uma bruxa na capa do disco, além de guitarras distorcidas e letras que cultuavam o demônio, agradou os ingleses. No mesmo ano, o grupo grava e coloca à venda seu segundo trabalho, “Paranoid”, que traz clássicos como “War Pigs”, “Iron Man” e a faixa-título. A repercussão que suas letras macabras estava proporcionando criou muita polêmica para o Black Sabbath que, com o apelido de banda maldita, conseguiu chamar ainda mais atenção, ganhando espaço, ainda que baseado em críticas, em toda a mídia inglesa. Fazendo shows em um volume altíssimo, que ensurdecia os fãs, o Black Sabbath não esperou muito para gravar mais um álbum. “Master of Reality” saiu em 1971 e trouxe letras mais elaboradas, com maiores preocupações políticas, além de um instrumental mais bem cuidado, com riffs de guitarra criativos e os vocais inconfundíveis de Ozzy. Os shows continuavam um cenário de destruição musical que acontecia a mil decibéis, para o delírio dos fãs, que adoravam o fato do Black Sabbath ser muito mais pesado do que qualquer outra banda existente na face da Terra. Depois de tocar fora do país, fazendo uma turnê pelos Estados Unidos, o quarteto volta à Inglaterra e entra em estúdio para gravar “Vol. 4”, seu quarto álbum. Este disco trouxe a balada “Changes”, uma das músicas mais famosas da banda, que entrou na lista das mais pedidas, tornando-se um sucesso comercial do Sabbath. Outra imensa turnê, que passava pela Europa e Estados Unidos, aconteceu para a divulgação de “Vol. 4”. Cansados, os integrantes do Black Sabbath demoraram um pouco mais para entrar novamente em estúdio e, para desespero dos fãs, que tiveram que esperar um pouco mais desta vez, o próximo álbum do grupo só sairia em 1973. Em compensação, “Sabbath Bloody Sabbath”, assim que foi lançado, ganhou o estatus de melhor disco deles e até mesmo a crítica, que até agora execrava a banda, começou a mudar de opinião. A faixa-título e “Killing Yourself to Live” logo foram aclamadas como as melhores composições do Black Sabbath e o quarteto logo voltou a tocar em vários países. Dois anos depois sairia “Sabotage”, um álbum bem sucedido com sucessos como “Megalomania” e “Symptom of the Universe’. Mas, na mesma proporção em que a fama do quarteto aumentava, seus problemas internos também cresciam. Depois do lançamento de “Technical Ecstasy”, Ozzy anuncia sua saída do Black Sabbath, causando grande alvoroço nos fãs, imprensa e no próprio grupo. Com muita conversa, o resto da banda o convence a voltar e, para reanimar os fãs, é lançada a coletânea “We Sold Our Souls to Rock’n Roll”. Logo em seguida, mais precisamente no ano de 1979, o álbum “Never Say Die” é gravado e Ozzy deixa definitivamente a banda para ingressar em uma carreira solo de imenso sucesso. Seu substituto é Ronnie James Dio, que fazia parte do Rainbow e vem para reativar a energia do grupo. Seu primeiro trabalho em estúdio com o Black Sabbath é “Heaven and Hell”, de 1980, que teve aceitação imediata dos fãs e vendeu muito. “Children of the Sea” e “Neon Nights”, que saíram deste disco, encabeçam a já considerável lista de músicas clássicas do Black Sabbath. Dois anos se passaram e a banda colocou no mercado “Mob Rules”, que não contava com a presença do baterista Bill Ward. Pouco depois da última turnê do Black Sabbath, Bill deixou a banda sendo substituído por Vinnie Appice. Apesar da grande aceitação de “Mob Rules” e da fama do grupo continuar crescendo, os problemas internos não cessam e, pouco antes do lançamento do ao vivo “Live Evil”, o vocalista Ronnie Dio sai da banda. Seu substituto seria ninguém menos do que Ian Gillan, ex-Deep Purple. Além de Dio, o baterista Vinnie Appice também deixa o Sabbath e Bill Ward retorna ao seu antigo posto. E foi em meio a esta confusão que o Black Sabbath compôs “Born Again”, de 1983, que marcou a estréia bem sucedida de Gillan no grupo. Mas, infelizmente, um ano depois de entrar para o Sabbath, o vocalista Ian Gillan tem que deixar o grupo para voltar ao Deep Purple. Mais uma vez, Tony Lommi teve que sair à procura de um vocalista. À essa altura dos acontecimentos e com simples fragmentos do que antes havia sido uma grande banda, o guitarrista Tonny Lommi seguiu os conselhos de sua gravadora e produziu um álbum praticamente sozinho. Isso porque todos os integrantes de “Seventh Star” eram novos e jamais haviam feito parte do grupo. O álbum contava com Eric Singer na bateria, Glen Hughes nos vocais, Dave Spitz no baixo e Geoff Nichols no teclado. Glen logo seria substituído por Ray Gillen. A crise continuou e o Black Sabbath, que agora era praticamente um projeto solo de Iommi, que tentava preservar o nome do grupo, lançou “The Eternal Idol”. Este disco tinha ainda outra formação com Terry Chimes na bateria, Joe Bert no baixo e Tony Martin nos vocais. Sem conseguir conquistar a atenção dos velhos fãs, Tony lançou ainda “Headless Cross”, com Cozy Powell na bateria e Laurence Cotten no baixo. Em 1990 saiu “TYR”, que não trouxe nenhuma relevância ao grupo. De 1990 para os dias de hoje, o Black Sabbath voltou a ter Dio e Appice em sua formação, assim como Geezer Butler e vários outros. No ano de 1992, foi lançado o álbum “Dehumanizer”, no qual participaram Dio, Tony, Butler e Appice. Uma turnê mundial seguiu este lançamento, que foi considerado uma espécie de volta aos velhos tempos. Em 1994, “Cross Purposes” foi lançado, aumentando ainda mais a esperança dos fãs. A tão sonhada volta do Black Sabbath com sua formação original tem criado constantes boatos esperançosos por parte de todos aqueles que idolatravam a banda nos anos 70 e aqueles que nunca chegaram a assistir um show deles com os integrantes originais. Declarações e mais declarações por parte de todos que já fizeram parte do grupo têm confundido a todos, principalmente pelo fato de que Ozzy ora diz ser possível um retorno e ora diz ser inimaginável. Até aqui a história é esta, mas o futuro dos pais do heavy metal é totalmente incerto.



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Bo Diddley




Bo Diddley


Ellas Bates nasceu em 1928, na cidade de McComb Mississipi, mudou-se para Chicago quando tinha apenas cinco anos de idade. Ele foi adotado e passou a chamar-se Ellas McDaniel. Aos sete anos de idade, começou a estudar violino, mas sua vida profissional viria a mudar várias vezes até que ele ingressasse para o mundo da música. Entre outros empregos, Bo Diddley chegou a ser lutador de boxe e a trabalhar como pedreiro na construção civil. Nos anos 50, por causa de sua grande convivência com a música, uma vez que ele também havia aprendido a tocar guitarra, Bo montou sua banda de blues, que tocava nos pequenos clubes de Chicago. Em 1954, Diddley gravou “I’m a Man”, que tinha bem o estilo blues da gravadora Delta. O passo do blues para o rock foi rápido e, em abril de 1955, seu primeiro disco, que era homônimo, foi lançado. O álbum, que continha a velha “I’m a Man”, fez um grande sucesso, colocando nas paradas outras faixas como “Mona”, “You Can’t Judge a Book by it’s Cover” e “Who Do You Love”. Musicalmente falando, as estranhas combinações de Bo Diddley, que usava instrumentos elétricos e chegava a falar, ao invés de cantar, em algumas de suas músicas, o que alguns crêem ter influenciado os cantores de rap, acabaram por influenciar e atrair a atenção de vários outros grupos, que viriam a tornar-se famosos anos depois. Bandas como os Yardbirds, Rolling Stones e Animals usaram e abusaram dos ensinamentos de Diddley, sendo que alguns deles chegaram até a regravar suas canções. Os Rolling Stones, por exemplo, tocavam “Pretty Thing” e “Do the Crawdaddy” em seus shows e gravaram “Mona” em seu primeiro disco. Com as novas versões dadas por estas bandas, as canções de Diddley ficaram ainda mais conhecidas pelo mundo, principalmente na Inglaterra. E foi justamente neste período, depois do ano de 1963, que ele se afastou um pouco de sua carreira artística, retornando somente cerca de dez anos mais tarde, quando  participou de filmes como Let The Good Times Roll e Keep On Rockin’. A partir daí, Bo Diddley passou a tocar como banda de abertura para grupos de new wave britânico.



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Bob Dylan




Bob Dylan


O mais importante intérprete da música folk norte-americana contemporânea, Bob Dylan foi muito mais do que um simples artista da indústria fonográfica. Foi, isso sim, o porta-voz de uma geração, tendo escrito canções definitivas sobre os eventos político-sociais que abalaram a década de 60. Seu verdadeiro nome é Robert Allen Zimmerman e seu ano de nascimento, 1941. Aos 12 anos já tocava violão e formou alguns grupos de blues com colegas de escola. Na universidade, adotou o nome Bob Dylan (uma homenagem ao poeta Dylon Thomas) e decidiu que seria um músico folk. Mudou-se, então, para New York e começou a apresentar-se em bares, associando-se, aos poucos, à cena folk local. Embora não soubesse cantar, possuía invejável domínio das palavras, produzindo letras de protesto e pacifistas que lhe foram rendendo, aos poucos, os primeiros frutos. O mais importante deles foi o contrato que a Columbia Records lhe ofereceu ao perceber que aquele jovem rebelde era um sucesso em potencial. Em potencial, sim, mas não imediato. O primeiro LP, de 61, e o compacto imediatamente a seguir não obtiveram muita repercussão, com suas faixas que misturavam rock e folk. Contudo, com o segundo disco, “The Freewheelin’ Bob Dylan”, ele estourou. Contendo clássicos imediatos da música de protesto, como a definitiva “Blowin’ In The Wind”, o álbum consagrou o estilo vocal anasalado de Dylan e trouxe atenção da mídia americana para o movimento folk de então, embora membros do próprio movimento tenham torcido o nariz para ele, em função da utilização que fazia de instrumentos elétricos em suas composições. Assim, Dylan manteve-se lançando álbuns de estrondoso sucesso, uns após os outros, durante a década de 60 e início da década de 70 (dentre os quais sua obra-prima, “Highway 61 Revisited”), que deram ao mundo canções imortais, dentre as quais “Like A Rolling Stone”, The Times They Are A Changing” e “Only A Pawn In Their Game”, dentre muitas outras. Seguiram-se inúmeras excursões pela Europa e Estados Unidos e o cantor passou a ser visto como um mito vivo por jovens de todo o mundo. Entretanto, Dylan saiu de cena no começo da década de 70, alegando como motivo um acidente de moto que lhe deixara entre a vida e a morte. No entanto, é bastante provável que essas “férias” tenham sido causadas pela pressão que sua popularidade e idealização por parte dos fãs exercia sobre ele, uma vez que chegaram, certa vez, a compararem-no a Jesus Cristo. Quando retornou, ainda na primeira metade da década de 70, o contexto musical e social já não era mais o mesmo e sua música e letras não produziam o impacto de outrora. Embora seus fiéis fãs ainda se encarregassem de tornar seus discos sucessos retumbantes, sua capacidade de criação foi definhando aos poucos. Desta forma, hoje em dia, Dylan é pouco mais do que um mero artista pop. Sua importância e influência, contudo, são responsáveis por um processo de conscientização sem precedentes dos jovens americanos que, sem ele, talvez nunca tivessem levado a cabo movimentos sociais importantíssimos e simbólicos dos anos 60, como o ‘flower power’.



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Buddy Holly




Buddy Holly


Apesar de sua curta carreira, Charles Harden Holley, mais conhecido como Buddy Holly, influenciou muitos dos músicos de rock’n’ roll mais famosos do mundo. Buddy nasceu no Texas, em 7 de setembro de 1936; começou fazendo parte de uma dupla country na cidade em que morava, Lubock. Sua direção mudou, quando o ídolo do rock da época, Elvis Presley, fez, em 1956, uma apresentação na cidade de Buddy. Encantado com o ritmo acelerado das canções de Presley, Buddy apressou-se em compor algumas músicas que misturavam rock e country, usualmente chamadas de rockabilly. No mesmo ano, o cantor e compositor formou um grupo chamado “Three Tunes” e foi para Nashville e gravou nada menos do que dezesseis músicas inéditas de sua autoria. Uma delas, “Girl on My Mind”, continha vocais marcantes, que adaptavam o jeito de Elvis cantar repetindo as sílabas das palavras, tornando-as mais compridas e meio gaguejadas. Essa acabou por tornar-se a marca registrada de Buddy Holly, assim como seus óculos de aros pretos grossos e o topete cheio de gel. O menino com cara de certinho passou a ser apreciado até mesmo por aqueles que condenavam o rock’n’ roll, pois suas letras inocentes e românticas  e seu comportamento tímido no palco agradavam novos e velhos. Quando o contrato com o estúdio Decca acabou, Buddy partiu para New Mexico, mudou o nome de sua banda para “The Crickets” e gravou uma de suas músicas mais conhecidas até hoje: “That’ll Be The Day”. Lá, Holly estranhamente assinou dois contratos separados, sendo um para ele e outro para a banda, incluindo o cantor. E foi pelo contrato individual que o rapaz gravou outra de suas famosas canções, “Peggy Sue”, lançada em 1957 e que chegou ao terceiro lugar nas paradas. Mais uma vez inovador, Buddy Holly agora gravaria vozes duplas em suas músicas, como fez em “Listen To Me, Words of Love”. Ele também foi um dos primeiros a usar duas guitarras elétricas (solo e rítmica) e baixo na formação de sua banda, assim como a escrever e compor suas próprias músicas. A voz melosa e a gagueira proposital de Buddy eram suficientes para deixar as garotas malucas, mesmo que seu visual completamente certinho e seu jeito tímido, nada sensual (um verdadeiro anti-herói), não fossem compatíveis a esse tipo de reação do público feminino. Exatamente por possuir características comuns, o cantor também conquistou os rapazes da época, que invejavam a beleza e o carisma de Elvis, sentindo-se mais confortáveis com o sucesso de Buddy. Infelizmente, bem no meio de sua ascensão, o Buddy Holly morreu em um acidente aéreo, no dia 3 de fevereiro de 1959. Junto com ele estavam Richie Vallens, autor de “La Bamba”, e Big Bopper, de “Chantilly Lace”. Este dia triste ficou marcado e conhecido como “O Dia em que a Música Morreu”, pelo fato em si e também porque a maioria dos cantores de rock da época estavam passando por algum tipo de dificuldade: Chuck Berry estava respondendo a um processo, Elvis Presley estava servindo o exército e Jerry Lee Lewis fora banido pela população que era contra o rock’n’ roll por ter se casado com sua prima de quinze anos. Para homenagear os três jovens artistas, um compositor chamado McLean escreveu “American Pie”, música que tem o mesmo nome do avião acidentado e que lembra tristemente do acontecido. Mesmo depois de falecido, Buddy Holly continuou a influenciar bandas (como os Beatles , que procuraram em Buddy a inspiração para o nome de seu grupo) e também a lançar hits no mercado. Com esperteza, as gravadoras lançaram músicas inéditas de sua autoria, que caíram como uma luva aos ouvidos dos fãs entristecidos. De tempos em tempos, até hoje, coletâneas, vídeos, livros ou filmes sobre a vida de Buddy Holly ainda são colocados nas prateleiras das lojas para matar a saudade daqueles que gostavam do tímido roqueiro. 



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Carcass




Carcass


Sem sombra de dúvida, uma das bandas mais surpreendentes da história do heavy metal. Um grupo que começou tocando uma violentíssima, dura e ininteligível descarga sonora, com letras degradantes e nojentas em seus primeiros álbuns, tornou-se um dos mais requintados e técnicos grupos metálicos de sua época; esta banda é o Carcass. O conjunto foi formado em 1985, na cidade de Liverpool, por Bill Steer (guitarra), Jeff Walker (baixo), Ken Owen (bateria) e Sanjiv (vocais). Um ano depois, Sanjiv saiu e Steer foi para o Napalm Death (sem deixar o Carcass, contudo), o que acabou resultando num período de relativa inoperância do conjunto. Finalmente, em 1987, começaram a trabalhar como trio, com os vocais sendo divididos entre Steer (mais urrados) e Walker (mais gritados). No ano seguinte, saiu seu primeiro álbum, “Reek Of Putrefaction”, que trazia na capa uma colagem repulsiva de fotos de humanos mortos, em decomposição, mutilados, despedaçados, fétidos etc. Musicalmente, o som era sujo, pesado e rapidíssimo, um grindcore sem limites, incompreensível para os não-iniciados. Liricamente, a temática era tão nojenta quanto a capa, o que pode ser comprovado a partir de músicas como “Vomited Anal Tract”, “Genital Grinder” ou “Feast On Dismembered Carnage”. Embora dotado de uma produção horrorosa, o disco se torna um clássico do gênero, que influenciou infinitos grupos que o copiariam mais tarde sua proposta, e um sucesso de crítica. Em 1989, veio o segundo LP, “Symphonies Of Sickness”, com uma capa e letras igualmente grotescas (alguns títulos: “Cadaveric Incubator Of Endoparasites”, “Ruptured In Purulence” e a fabulosa “Exhume To Consume”), mas com músicas mais bem estruturadas e técnicas, ainda que mantivessem a velocidade inacreditável e o peso extremo. Depois do lançamento deste disco, o guitarrista Mike Amott juntou-se ao grupo, trazendo a ele mais classe e originalidade aos riffs. Assim, com esse time, foi gravado em 1991 o álbum “Necroticism - Descanting The Insalubrious”. Uma autêntica obra-prima, ele marca o distanciamento irremediável do Carcass com o grindcore. Agora, a banda apresentava um material que fugia a quaisquer rótulos, personalíssimo, técnico, brutal, agressivo e melódico, com nítidas influências da música pesada da década de 70. A maturidade havia chegado, a capa era “normal” e as letras se distanciavam cada vez mais da terminologia médica dos dois discos que o precederam. Além disso, Walker, com sua voz inimitável, passou a ser o vocalista ‘full time’ do conjunto. A crítica os aclamou, o público lotava seus shows e foram considerados por alguns a melhor banda britânica de heavy metal desde o Iron Maiden. Em 1992, veio o EP “Tools Of The Trade” e, em 1993, “Heartwork”. Esse último marcou a consagração definitiva do grupo. Praticamente todos os laços com seu passado grindcore haviam sido desfeitos, as letras traziam temas mais profundos e a capa era uma obra de arte. Mais uma vez, a crítica foi unânime em reconhecer a genialidade do quarteto, e o público passou a tratá-los como verdadeiros heróis do heavy metal, sendo que alguns não acreditavam que aquele mesmo grupo que fizera um LP tão tosco e quase simplório quanto “Reek...” podia ter se transformado no mais fabuloso nome do metal inglês de sua época. Porém, apesar do sucesso, Amott resolveu sair pouco depois do lançamento, sendo chamado para seu lugar Mike Hickey, que não durou muito no posto, sendo substituído por Carlo Regada. Contudo, “Heartwork” havia sido lançado por uma grande gravadora, a Columbia - ao contrário dos anteriores, todos independentes. Quando ficou provado para a Columbia que a banda simplesmente não seria tão comercialmente bem-sucedida quanto esperavam seus executivos, ela (a gravadora) simplesmente a despediu. Isso desestabilizou o grupo, ainda mais pelo fato de a notícia ter chegado a eles pouquíssimo tempo depois do término das gravações do próximo disco. A frustração e desmotivação decorrentes da notícia foram tamanha que os quatro resolveram se separar. No entanto, o álbum que já havia sido gravado foi lançado e levou o nome de “Swansong” (“canto de cisne”). Esse LP é outra obra-prima, que mostra que o Carcass ainda tinha muito a mostrar e a evoluir, processos que foram abruptamente interrompidos com seu fim prematuro. Ainda seria lançada uma coletânea com material raro e inédito, chamada “Wake Up And Smell The Carcass”, que aplacou um pouco a tristeza dos fãs desse que foi um dos mais relevantes nomes do heavy metal durante as décadas de 80 e, principalmente, de 90.



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Carl Perkins




Carl Perkins


Um dos pioneiros do rock’n’roll, Perkins é o responsável por um dos maiores clássicos da história do gênero, a canção “Blue Suede Shoes”, de 1956, gravada por uma infinidade de artistas, tendo sido imortalizada pela voz de Elvis Presley (que muita gente pensa, erradamente, ser o autor da mesma). Sua carreira, entretanto, não chegou a ir pra frente por uma série de motivos. Quando estava no auge, na época do lançamento de “Blue Suede Shoes” (que atingiu o primeiro lugar de todas as paradas americanas, vendendo como nunca houvera vendido um single naquele país até então), sofreu um acidente automobilístico que o deixou “de molho” por alguns meses, o que lhe fez perder o timing de momento tão favorável. Com isso, Perkins, ao invés de investir pesado na tentativa de criar um segundo hit que o reerguesse, afundou-se nas drogas e no álcool, o que o distanciou cada vez mais dos tempos de glória obtidos com “Blue Suede Shoes”. Para completar, em 1958, seu irmão Jay morreu. Perkins não se conformou com o fato, que contribui ainda mais para seu refúgio predileto: as drogas. A essa altura, já havia sido substituído definitivamente do posto de artista mais vendedor do rock por Jerry Lee Lewis. Quem acabou por “salvar” Perkins de tornar-se o maior perdedor do rock’n’roll foi Johnny Cash, que o convidou para tocar em sua banda. Ficou no posto até 1976 e, nesse meio tempo, praticamente não compôs nenhuma música própria. Os Beatles gravaram uma composição sua, “Matchbox”, em 1964, o que, apesar de tudo, comprova sua importância para o estilo.



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Chuck Berry




Chuck Berry


Charles Edward Anderson Berry nasceu no dia 18 de outubro de 1926, na pequena cidade de Wentzville, Estado de Minnesota. Negro e pobre, ele sempre teve que trabalhar duro para se sustentar e jamais imaginou que, um dia, seria considerado o pai do rock’n’ roll. O inquieto Chuck, como era chamado pelos amigos, mudava-se frequentemente de cidade, até fixar-se em St Louis, no Estado da Louisianna, um dos mais racistas e conservadores da época. Ele chegou a trabalhar como cabeleireiro e pintor de paredes, empregos nos quais o alegre rapaz conheceu bastante gente da cidade. Como pintor de paredes, Chuck chegou a trabalhar em uma das casas de show da cidade, onde, com sua criatividade, usou cores fortes, como roxo, vermelho e preto, e pintou até o teto com elas, sendo bastante elogiado pelo dono do lugar. Inquieto a festeiro, Chuck era um grande frequentador dos bares e casas de show de St Louis, onde gostava de apreciar cantores e músicos de blues, gospel e country. Vivendo bastante neste meio, Berry decidiu comprar uma guitarra e aprender a tocar, só por diversão. Algum tempo depois, ele passaria alguns meses na cadeia, por ter participado de um assalto a mão armada. Ao invés de lamentar-se e conformar-se com a sua situação, Chuck, que havia assaltado por estar sem emprego e sem dinheiro, aproveitou seu tempo atrás das grades para praticar guitarra e dedicar-se à música. Lá, com um gravador emprestado, ele tratou de registrar suas criações, que incluíam a paródia de uma música country chamada “Ida Red”. Assim que deixou a cadeia, o pai do rock apressou-se em mostrar algumas de suas músicas para o dono daquele bar que ele havia pintado, pedindo-lhe para poder apresentar-se no local. Sua mistura de country com blues e guitarras alucinadas, jamais vistas até então, garantiram-lhe o sucesso quase que imediato. “Maybellene”, que era a paródia de “Ida Red” criada no reformatório, foi rapidamente adotada por DJ’s, como Alan Freed, que a tocavam repetidamente em suas estações de rádio. Junto com sua música alegre e seu jeito especificamente negro de se portar e cantar, o que era bastante reparado naquela época nos EUA, Chuck causou muita polêmica por unir estilos musicais pertencentes a diferentes grupos étnicos. Ele havia conseguido, finalmente, juntar as culturas branca e negra em um acorde de guitarra. Mesmo seu jeito de cantar misturava o sotaque dos brancos com gírias dos negros e até mesmo um pouco dos maneirismos dos cantores de música country. Mas o que mais atraía os jovens e criava polêmica dentre os puritanos e moralistas americanos eram as letras de Berry. Assim como todas as outras daquela época, as canções de Berry falavam sobre carros, garotas e rock’n’ roll, só que com um tempero inaceitável por pais e religiosos em geral, que o chamavam de abusado e pornográfico. Depois do estouro que foi “Maybellene”, Berry chegou novamente ao topo das paradas com a irônica “Roll Over Beethoven”, cuja letra mostrava o quão obsoleta era a Quinta Sinfonia no mundo moderno. Essa canção, para aqueles que não se lembram, foi gravada, anos mais tarde, pelos Beatles, que eram fãs assumidos de Chuck Berry. A sorte de Berry, unida ao seu talento musical, que fora descoberto tardiamente, fizeram dele um verdadeiro fenômeno. Somente no ano de 1957, Chuck lançou músicas que rapidamente viraram hits como “School Days” e “Rock and Roll Music”, sendo que esta última também foi gravada pelos Beatles. Já “Sweet Little Sixteen”, “Johnny B. Goode” e “Carol” não pararam de tocar nas rádios em 1958 e, no ano seguinte, o pai do rock gravou “Back in the USA”, que ganhou uma paródia dos Beatles chamada “Back in the USSR”, e “Almost Grown”. E foi no mesmo ano de 1959 que Berry viu sua carreira dar uma grande parada. Ele foi preso novamente, desta vez por cruzar as fronteiras do Estado com uma garota menor de idade, o que era expressamente proibido naquele tempo. Bem nesta época, o rock em geral parecia ter morrido porque, de uma só vez, todos os seus maiores representantes passavam por algum contratempo. Elvis, por exemplo, estava no exército e Buddy Holly, Big Bopper e Richie Vallens haviam morrido em um acidente de avião. Péssimos cantores, que serviam aos moldes da sociedade conservadora rapidamente passaram a apresentar-se nos programas de TV e rádio do país, envolvendo-o em uma falta de energia musical. Mas, ao contrário do que se pensava, Berry, em protesto contra todas as bandas que estavam usando suas músicas sem autorização, lançou mais um disco, que rendeu sucessos como “You Never Can Tell”. Com uma idade um tanto quanto avançada para fazer rock’n’ roll, mas sem ter perdido um milímetro de sua fama, Chuck seguiu sua vida fazendo o que mais gostava: compor e cantar. Em 1972, ele voltou às paradas com “Reelin’and Rockin” e bateu todos os seus concorrentes mais novos, chegando ao primeiro lugar com “My Ding-A-Ling”. Com seus riffs de guitarra sendo imitados por Beatles e Rolling Stones, Chuck viu sua carreira decair um pouco, mas sempre soube que jamais perderia o título de pai do rock. Ele ainda sofre alguns processos na justiça e, quem assistiu sua autobiografia, que foi lançada em vídeo, pôde confirmar que, beirando os setenta anos de idade, Chuck continua apaixonado por música, mulheres, carros e uma boa diversão. 



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Cream




Cream


O Cream foi uma das bandas mais importantes da história do rock. Além de ter sido uma das primeiras a levar o rótulo de supergrupo (já que, em sua formação, estavam Eric Clapton, Ginger Baker e Jack Bruce, que já eram artistas de nível e que iriam seguir carreiras muito bem-sucedidas posteriormente) e o mais famoso power trio de todos os tempos, fincou a base para os mais diversos estilos que viriam a seguir, tais como o hard rock e o heavy metal. O grupo foi formado em 1966 na Inglaterra com o objetivo primeiro de ser apenas um trio de blues. Entretanto, logo um estilo próprio começou a ser desenvolvido: uma música estridente, com guitarras agudas, vocal poderoso, cozinha pesada e muita improvisação. Em 1967 saiu o primeiro LP, “Fresh Cream”, e, a esta altura, a banda já se apresentava para casas lotadas nos Estados Unidos e Europa. Ainda em 67 sai o segundo LP, “Disraeli Gears”, que traz em profusão elementos que viriam a ser constantes no heavy metal e no hard rock (canções cheias de riffs, solos, variações rítmicas constantes etc.). Em 68, saíram para uma extensa turnê pelos Estados Unidos e começaram a surgir os primeiros boatos a respeito de sua separação. Apesar das especulações, é editado no mesmo ano o disco “Wheels of Fire”, duplo, com um lado contendo material ao vivo e o outro material inédito de estúdio. É este álbum o mais vendido da carreira do Cream. Em 1969, porém, o trio resolve parar de vez, talvez resultado do ego imenso dos três componentes da banda (algo facilmente comprovável no nome do grupo, que quer dizer “nata”, ou seja, eles eram a “nata” da música). Contudo, os milhares de fãs acabam exigindo um último registro e, então, é lançado “Goodbye”, também duplo, também com faixas ao vivo e de estúdio. Apesar da vida curta, o Cream deixou ao mundo uma das maiores contribuições estilísticas da história do rock. Sem eles, talvez muita coisa tivesse sido diferente.



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Creedence Clearwater Revival




Creedence Clearwater Revival


Uma das bandas de rock americanas de maior sucesso do final dos anos 60, início dos anos 70, o Creedence Clearwater Revival foi formado em San Francisco por quatro amigos de escola: os irmãos Tom (guitarra) e John Fogerty (guitarra e vocais), Stu Cook (baixo) e Doug Clifford (bateria). Inicialmente, adotaram o nome Tommy Fogerty & The Blue Velvets e, pouco mais tarde, The Golliwogs. Somente em 1967 o nome Creedence Clearwater Revival foi definitivamente escolhido. Oriundo de uma época em que abundavam discos complicados, conceituais, com músicas longas, complexas e letras socialmente engajadas, a música do Creedence, simples, feliz, com letras tratando de temas fúteis, tornaram-se sucesso imediato junto ao público. Aliás, o grupo sempre apostou tanto no sucesso fácil que no começo de sua carreira nem se preocupou muito em compor músicas próprias, optando simplesmente por regravar faixas que já haviam sido hits e colocar algumas composições próprias aqui e ali. À medida em que os anos iam passando, porém, a banda adquiriu certa maturidade, principalmente por causa dos lapsos de genialidade de John Fogerty que, a essa altura, já se tornara o líder e principal compositor do conjunto, tomando para si o posto que havia sido de seu irmão no início das atividades do Creedence. Por sinal, desentendimentos crescentes entre os dois em virtude disso levaram à saída de Tom Fogerty da banda, que acabaria por encerrar suas atividades em 1972. De qualquer forma, músicas como “Sweet Hitch-Hiker” e “Have You Ever Seen The Rain” tornaram seu nome eterno na história do rock.



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David Bowie




David Bowie


Também conhecido como Camaleão, David Bowie, nascido no ano de 1947 em Londres, Inglaterra, ganhou este apelido por várias razões. Uma delas era a constante mudança visual que sempre surpreendia o público. A segunda era o fato de ele ser ator, cantor e compositor atuante nas três áreas. David Robert Jones mudou seu nome logo no início da carreira para evitar uma possível confusão com Davy Jones, cantor do grupo The Monkees. Mas a mudança só aconteceu depois que seu primeiro grupo, chamado “David Jones and The Lower Third”, chegou a gravar um disco, que não obteve nenhum sucesso. Bowie, então, resolveu dedicar-se ao teatro, juntando-se a um grupo de mímicos. O tempo que passou com o grupo acabou por ajudar o cantor a colocar uma peça fundamental em suas apresentações musicais e o teatro utilizado posteriormente por ele em seus “shows” chamou a atenção do público. O seu jeito curiosos de vestir-se, usava maquiagens, tinha o cabelo de várias cores e vestia roupas femininas, também serviu para que todos reparassem nele. David iniciou sua carreira solo por volta de 1966. Ele mesmo compunha as músicas, cuidava de seu visual e escrevia todo o roteiro de suas apresentações, que funcionavam como uma espécie de peça de teatro. Bowie, inclusive, tocava alguns instrumentos nas gravações e ao vivo. Mas o primeiro trabalho dele que alcançou algum reconhecimento foi “Space Oddity”, de 1969. A canção virou um hit na Inglaterra, projetando o cantor ao outro lado do oceano, tornando seu nome conhecido nos Estados Unidos. Dois anos mais tarde, “The Man Who Sold the World” exibia influências de art rock, jazz e folk music, sendo que sua música mais famosa, a faixa homônima, seria tocada muitos anos mais tarde pelo grupo grunge Nirvana. A polêmica do visual andrógino de Bowie atingiu seu ponto máximo quando a capa deste álbum, que continha uma foto dele usando um vestido, foi banida nos Estados Unidos. Nada que pudesse oferecer maior publicidade, incitando a curiosidade de fãs e jovens em geral. Sempre criando polêmica, a capa de “Hunky Dory”, também de 1971, mostrava David de cabelos longos penteados à Greta Garbo. Mais uma vez, seu nome apareceu em todos os jornais e revistas, aumentando a popularidade do inglês. “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”, lançado em 1972, foi, com certeza, um dos trabalhos mais expressivos de David. A criação de um personagem exigiu uma cuidadosa produção para os shows deste álbum, que contavam com figurinos e maquiagens de primeira qualidade. Depois de muito apresentar-se por todo o mundo, Bowie lançou em 1973, os álbuns “Aladin Sane” e “Pin Ups”, sendo este último uma reverência à música dos anos 60. “Diamond Dogs”, de 1974, retornava aos temas sérios de “The Man Who Sold the World” e foi lançado acompanhado por uma suntuosa turnê mundial. No ano seguinte, a influência clara de disco e funk apareceriam em “Young Americans”. O álbum trazia uma composição co-escrita por John Lennon, “Fame”, que chegou ao primeiro lugar nas paradas norte-americanas. David Bowie ficou caracterizado por mudar de visual e de estilo musical. Em 1976, suas vertentes voltaram-se para o pop cheio de elementos eletrônicos e batidas repetitivas. E foi nesses moldes que “Station to Station” chegou às lojas, para a surpresa dos fãs. Em seguida, vieram “Low”, “Heroes” e “Lodgers”, que saíram, respectivamente, em 1978 e 1979. O Camaleão seguia sua carreira musical paralelamente à vários outros projetos que incluíam participações em filmes e peças de teatro, escrever poesias, poemas e até mesmo uma novela (bem diferente das nossas novelas televisivas). Em 1983, David Bowie veria o sucesso mundial acontecer com o lançamento de “Let’s Dance”, cuja faixa homônima chegou ao primeiro lugar na parada britânica e ao segundo na norte-americana. O álbum vendeu mais de sete milhões de cópias, colocando o nome de Bowie em total evidência no mundo musical.  Depois de tocar na turnê de divulgação do álbum, que também ganhou vídeos na MTV, David voltaria às suas atividades paralelas por um longo período. No ano de 1987, ele atuou em um filme de George Lucas chamado Labirinto, no qual fazia o papel de um rei. De lá para cá, David lançou mais alguns discos que renderam os mais estranhos vídeos apresentados nas MTVs de todo o planeta. Com um visual mais sério, David ainda é idolatrado por muitos fãs e músicos que nele se inspiraram e nunca perderá seu posto de importante personagem da música mundial.



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Dead Kennedys




Dead Kennedys


A maior, melhor e mais importante banda punk da costa oeste americana, o Dead Kennedys é um dos capítulos mais singulares da história do rock, pois renovou, com suas idéias, muitos dos preceitos do movimento punk - e justamente num momento em que o estilo era dado como morto. O conjunto foi formado em 1978, na cidade de San Francisco, por East Bay Ray (guitarra) e Klaus Flouride (baixista). Logo juntaram-se a eles o vocalista Jello Biafra (que se tornaria o líder do grupo) e o baterista Ted Rodgers. Vale lembrar que os membros do Dead Kennedys não eram típicos punk de rua, maltrapilhos, sujos e agressivos. Eram, isso sim, estudantes com formação política sólida, em especial Biafra, e este foi o diferencial de seu trabalho. O primeiro single, com as músicas “The Man With The Dogs” e “California Über Alles” (um ataque direto e literal ao então governador racista da Califórnia, Jerry Brown), foi lançado em 79 e já prenunciava o que viria em seguida. Passaram a usufruiur de certo prestígio local e em seus shows confusões eram comuns. Ainda em 79, saiu o primeiro LP, “Fresh Fruit For Rotten Vegetables”, talvez o melhor disco do punk americano depois dos LPs do Ramones. “Fresh Fruit...” é um clássico que influenciou tanto liricamente quanto musicalmente inúmeros punks ao redor do mundo. Banidos de todas as gravadoras, o grupo fundou seu próprio selo em 1980, chamado Alternative Tentacles, para poder lançar seus trabalhos. Biafra já começava a se tornar uma figura ímpar por causa de suas letras agressivas e libertárias e sua atitude em cima de um palco. Sua imagem de intelectual louco foi definitivamente imortalizada quando, em 1980, candidatou-se à Prefeitura de San Francisco. Uma de suas propostas era tornar lei uma medida que obrigasse todos os executivos andarem vestidos de palhaço. Terminou em quarto lugar no pleito (dez candidatos concorriam). Rodgers saiu da banda no ano seguinte e Darren Peligro entrou em seu lugar. Com esse time saíram o mini-LP “In God We Trust” (81) e o segundo álbum, “Plastic Surgery Disasters” (82). No mini-LP havia uma música, chamada “Nazi Punks Fuck Off”, que era uma ofensa direta aos punks nazistas de San Francisco. A letra dessa música fez com que Biafra passasse a ser perseguido pelo grupo que ele xingava na música e, como resultado, foi esfaqueado e sua casa era sistematicamente apedrejada. Fizeram muitos shows e excursionaram pela Europa para promover os discos. Em 85, lançaram o disco que terminaria involuntariamente com sua carreira, “Frankenchrist”. Musicalmente, é um disco de pesquisa, cheio de novos elementos pouco comuns ao punk - como partes jazzísticas, de blues etc. Liricamente, denuncia de forma personalíssima, com bom humor e muito sarcasmo, os problemas sociais do mundo. Só que o encarte do álbum levou o DK ao tribunal. De autoria do artista plástico H.R. Giger, trazia uma montagem de fotos de diversos órgãos sexuais durante uma relação. A mão de um fã do grupo, ao encontrar o disco, denunciou a banda e ela foi processada por distribuição de material nocivo e pornográfico a crianças. O processo durou quase um ano e, nesse meio tempo, saiu o LP “Bedtime For Democracy”, que já estava gravado. Em 87, o grupo é declarado inocente de todas as acusações, mas o saldo do episódio foi negativo. Por causa dele, o conjunto gastou muito dinheiro (seus empresários e empregados do selo Alternative Tentacles também foram indiciados) e a motivação e energia iniciais deram lugar à frustração. Isso gerou conflitos internos e, em 87 mesmo, os quatro resolveram separar-se. Sua mensagem, contudo, continua viva.



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Death




Death


Talvez o nome mais importante do death metal, o Death foi o grupo que definiu os contornos do gênero pela primeira vez, desfazendo de uma vez os laços com o thrash e criando algo novo, ainda que técnico e preciso. O grupo foi formado em Orlando, na Flórida, em 1983, sob o nome Mantas, pelo guitarrista, vocalista e baixista Chuck Schuldiner, o guitarrista John Hand e o baterista Chris Reifert. Logo, passou a chamar a atenção por ser o mais horrendo conjunto local, característica que se tornou ainda mais evidente quando o nome passou a ser Death. Sua demo “Mutilation” tornou-se um clássico imediato e um contrato de gravação não demorou a lhes ser oferecido. Assim, em 1987, foi editado seu primeiro álbum, “Scream Bloody Gore”. A mistura de peso, agressividade, peso e outras características nunca vista antes de forma tão avassaladora rendeu-lhes fama imediata no underground. Tal posição foi solidificada no ano seguinte, com o álbum “Leprosy”, já contando com uma formação diferente: Terry Butler (baixo), Bill Andrews (bateria) e Rick Rozz (guitarra), além de Schuldiner (guitarra e vocais). Em “Leprosy”, embora ainda estivessem evidenciados o peso e a agressividade de outrora, as músicas estavam bem mais elaboradas e técnicas. Foi a partir desse LP que criou-se o termo tecno death metal, para descrever bandas death cujos integrantes eram também virtuosos em seus instrumentos. Em 1988, veio “Spiritual Healing”, um pouco mais leve que os anteriores (mas ainda muito agressivo) e contando com James Murphy no lugar de Rozz. Durante a turnê européia desse disco, Schuldiner abandonou a banda e, ao voltarem pra casa, os membros restantes foram expulsos - e Schuldiner reformulou o Death. Chamou Steve Di Giorgio (baixo), Sean Reinert (bateria) e Paul Masvidal (guitarra) e, com eles, gravou “Human”, de 91. Este disco mostrava o som do Death mais técnico do que nunca, ainda que sem abrir mão do peso das antigas. A essa altura, o grupo praticamente já se tornara projeto solo de Chuck e, para o LP seguinte, “Individual Thought Patters”, de 93, vieram Gene Hoglan e Andy La Rocque para os lugares de Reinert e Masvidal, respectivamente. “Individual...” mostrou um tecnicismo absoluto, raro de ser encontrado em quaisquer bandas que fosse, tornando ainda mais notável o fato de estar presente em uma death metal. Por outro lado, tamanho virtuosismo comprometeu a agressividade do trabalho, assim como sua aceitação em meio aos fãs mais antigos (ainda que tenha arregimentado novos, uma vez que o material de outrora era bem menos acessível). Talvez por isso Schuldiner tenha decidido retornar à antiga agressividade no próximo álbum, “Symbolic”, já também com nova formação: saíram La Rocque e Di Giorgio para a entrada de Bobby Koelbe e Kelly Conlon, respectivamente. “Symbolic” trouxe o Death de volta às suas raízes, ainda mantivesse a técnica e os cuidados estruturais que lhe deram fama. Embora seu término não tenha sido oficializado, inúmeros boatos dão conta de que Schuldiner resolveu dar um tempo na pancadaria e formar um grupo, chamado Control Denied, mais voltado para o heavy metal da NWOBHM. Mas sempre será lembrado como o mentor desta que foi a mais importante banda do death metal americano (e, talvez, do mundo): Death.



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Death Metal




Death Metal


O death metal é descendente direto do thrash metal, sendo, basicamente, o thrash tocado da forma mais rápida e pesada possível. Assim, é natural que os primeiros conjuntos a fazerem algo semelhante ao death tenham vindo da cena thrash. Grupos como Destruction, Sodom, Possessed, Slayer, Messiah e Kreator, por exemplo, ainda que não fossem death, já possuíam muitas das particularidades do mesmo (assim como Deep Purple , Jimi Hendrix e Led Zeppelin possuíam algo de heavy metal sem de fato pertencerem ao estilo) e funcionaram como pais do estilo. Talvez a primeira banda a ter soado realmente como death metal tenha sido o Hellhammer (que, mais tarde, evoluiria e se transformaria no Celtic Frost). A partir de então, surgiram nomes seminais do death, como Bathory, Morbid Angel e Death. Pouco mais tarde, aquele metal rápido, pesadíssimo, com vocais guturais e nenhum senso melódico já havia se expandido irreversivelmente, tendo vivido seu melhor momento no final da década de 80, inicial da de 90. Excetuando-se os já citados, nomes importantes do death: Cannibal Corpse, Obituary, Pungent Stench, Sadus, Entombed, Dismember, Therion, Deicide, Autopsy, Napalm Death, Carcass, Monstrosity, Brutality, Hypocrisy, Sinister, Six Feet Under e infinitos outros. A grande maioria dessas bandas ainda está na ativa, pois são relativamente novas e o death metal não encontrou, por enquanto, período de decadência muito acentuado.



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Deep Purple




Deep Purple


Uma história de sucesso dentro do hard rock, o Deep Purple passou por muitos momentos de altos e baixos durante sua longa e tumultuada carreira. Tudo começou em 1968, quando Jon Lord (teclados) uniu-se a Richie Blackmore (guitarra) para formar a banda. Para completar a formação, a dupla chamou Ian Paice para a bateria, Rod Evans para os vocais e Nick Simper para o baixo. No início, a proposta da banda era diferente daquela que a tornaria famosa, pois o som desse período é mais suave, com o tecladista Jon Lord mostrando ser a principal força por detrás do grupo. Conseguem um relativo sucesso nos Estados Unidos com a regravação da faixa “Hush”, de Joe South, mas as coisas começaram a acontecer de fato quando Evans e Simper foram substituídos respectivamente por Ian Gillan e Roger Glover, dando origem à formação clássica do Purple. Nessa época, a influência de Blackmore começava também a ganhar importância dentro do grupo. Após lançar o álbum “Concert For Group and Orchestra” (com participação da Orquestra Sinfônica de Londres), o conjunto resolve deixar de lado as idéias voltadas para o rock clássico, cortesia de Lord, e investir mais no peso. O resultado disso é o excelente álbum “Deep Purple In Rock”, que continha os hits “Strange Kind Of Woman” e “Black Night”. Começava aí o período de maior sucesso da história da banda, que maravilhava os jovens com seu rock agressivo, virtuoso, e praticado por músicos de alto nível, principalmente seu guitarrista e vocalista, únicos, que se tornariam autênticas lendas posteriormente. Em 72, sai a grande obra do Purple, “Machine Head”, um álbum magnífico, perfeito, seguido por um dos melhores ao vivo de todos os tempos, “Made In Japan”. Entretanto, as coisas começaram a desandar com a saída de Ian Gillan e Roger Glover do grupo, substituídos por Glenn Hughes (que acumulava as funções de vocalista e baixista) e David Coverdale (vocalista). Com essa formação, lançam um grande álbum, “Burn”, que trouxe mais um hit: a faixa-título. Em 1975, com a saída de Blackmore, tem início a decadência. Embora substituído por um guitarrista de nível, Tommy Bolin, Blackmore era a alma do grupo e, sem ele, as coisas não poderiam continuar. Assim, no ano seguinte, decidem separar-se, e seus integrantes envolvem-se nos mais diversos projetos. No entanto, dez anos depois, o Deep Purple retornou com sua formação clássica: Gillan, Blackmore, Paice, Glover e Lord, lançando mais uma grande obra, “Perfect Strangers”. Alcançaram novamente o sucesso e continuaram juntos por mais alguns anos, quando novos problemas internos voltaram a ocorrer, principalmente por causa das difíceis relações entre Gillan e Blackmore. O primeiro sai do grupo novamente, sendo substituído pelo medíocre Joe Lynn Turner. Com este time, gravam aquele que é, talvez, seu pior disco, “Slaves and Masters”. Em 1993, porém, Gillan novamente retornou ao Purple e o quinteto gravou o bom “The Battle Rages On”. Mas as boas relações entre Gillan e Blackmore não duraram muito tempo e, desta feita, o guitarrista resolveu deixar o grupo no meio da turnê de divulgação do novo disco. Os outros quatro, então, chamaram Joe Satriani para terminar a excursão e, ao fim desta, efetivaram Steve Morse (ex-Kansas e Dixie Dreggs) no posto vago de guitarrista. Esta line up mostra-se extremamente eficiente, tendo gravado um excelente álbum, “Purpendicular”, que devolveu ao grupo seu lugar entre os grandes nomes do rock pesado mundial. O quinteto continua na ativa, e muito bem, é bom que se diga.



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Def Leppard




Def Leppard


Uma das mais antigas e estimadas bandas de hard rock do mundo, o Def Leppard nasceu em 1977, na cidade de Sheffield, Inglaterra. Com um visual nada comum em seu país de origem, Joe Elliot, vocalista de apenas dezoito anos; Rick Savage, baixista; Steve Clark e Pete Willis, guitarristas e Tony Kenning, baterista, juntaram-se para formar o grupo de estranho nome (Def Leppard, em português, significa leopardo surdo). Ensaiando em um edifício abandonado, que ocasionalmente servia como suas próprias casas, o Def Leppard compôs um set próprio de músicas e passou a tocar em pequenos pubs de Sheffield e seus arredores. Um ano mais tarde, o baterista Rick Allen seria o mais novo integrante do grupo em todos os sentidos, uma vez que ele tinha apenas quinze anos de idade. Quando Rick entrou na banda, eles já estavam tocando quase que todas as noites da semana, o que seria um grande problema para o baterista, pois ele ainda frequentava a escola de manhã cedo. Mas, entre uma soneca e outra durante as aulas, Rick retomava as forças para tocar e ensaiar todos os dias. A falta de dinheiro e de alguma gravadora interessada fez com que o grupo, sem desanimar, tomasse dinheiro emprestado de parentes e amigos para poder gravar seu primeiro trabalho. O EP independente “Getcha Rocks Off” saiu por um selo criado pelo grupo, o Bodgeon Riffola e chegou a vender quase quinze mil cópias, que eram enviadas pelo correio!! O sucesso do EP chamou a atenção de uma gravadora, a Phonogram, pela qual o Def Leppard finalmente gravou seu primeiro disco, chamado “On Through The Night”, lançado em 1980. O primeiro disco do grupo não estourou em vendas, mas construiu um sólido caminho para seu sucessor, “High N’ Dry”, que chegou às lojas em 1981. O Def Leppard continuou a tocar em pequenas e médias casas de show britânicas e a compor novas músicas até que, em 1982, encarou sua segunda mudança de formação. O guitarrista Pete Willis deixou o grupo por ter problemas com a bebida, sendo rapidamente substituído por Phill Collen, que assumiu as guitarras em meio ao final da turnê de divulgação de “High N’ Dry”. Phill, juntamente com o resto da banda, viu o sucesso do Def Leppard explodir com “Pyromania”, terceiro álbum do grupo, que foi lançado em 1983. A música “Photograph”, que acabou virando single, ficou nas paradas britânicas por quase um ano, transformando o Def Leppard em uma das bandas mais ouvidas daquele país. Depois de tocar em vários lugares, ganhando ainda mais fãs, o grupo viu sua maré de sorte desaparecer de repente. Além dos problemas com o produtor Jim Steinman, que atrasaram a saída do novo trabalho da banda, um desastre de automóvel envolvendo o baterista Rick Allen fez parecer que tudo estava terminado. Na noite de ano novo, já em 1984, Rick perdeu seu braço esquerdo quando bateu seu carro na volta para casa. Em princípio, todos pensavam que ele iria desistir e ficar deprimido pelo resto da vida mas, com uma força de vontade incrível, Rick recuperou-se do trauma e reaprendeu a tocar bateria, usando somente um braço. O instrumento foi modificado, possibilitando ao baterista tocar as mesmas músicas de antes, do mesmo jeito, sem perder força, rapidez ou qualidade de som. Enquanto ele se recuperava, outro músico foi contratado para cumprir alguns compromissos inadiáveis mas, assim que pôde voltar, Rick foi recebido com aplausos pelo grupo, fãs e amigos. Como sempre dizem que depois da tempestade vem a bonança, o Def Leppard obteve, merecidamente, um período de glória depois de tantos problemas. “Hysteria”, lançado em 1987, depois de uma espera de três anos, foi o disco mais bem sucedido do grupo. Nele, podia-se encontrar faixas clássicas da banda como “Pour Some Sugar On Me”, “Rocket”, “Women” e a música com o mesmo nome do álbum, que vendeu mais de doze milhões de cópias. A alta vendagem exigiu uma grande turnê, que consumiu quase que todo o tempo disponível do Def Leppard, para o alívio da banda e alegria de seus integrantes que haviam passado por maus bocados. Depois da turnê, o quinteto preparava-se para gravar seu próximo disco quando, mais uma vez, a tragédia abateu o grupo. O guitarrista Steve Clark faleceu, depois de tomar uma mistura nada recomendável de bebida alcoólica com remédios para aliviar a dor, pois ele sofreu uma queda e quebrou uma de suas costelas. Mais uma vez à beira do abismo, o Def Leppard conseguiu encontrar forças para continuar com sua turbulenta carreira. “Adrenalize”, de 1992, foi lançado com as partes de guitarra de Steve que já tinham sido gravadas, que foram completadas pelo outro guitarrista do grupo. Para fazer a turnê, a banda convidou ninguém menos do que o conhecido Vivian Campbell, guitarrista de primeira linha, que já tocou com grandes nomes do mundo do rock. Apesar de Vivian ser um músico de destaque no cenário mundial, no Def Leppard ele entrou para fazer as bases de guitarra e quase não participar da composição do novo disco. O grupo precisou de mais de um ano para decidir que iria continuar sem o velho Steve e escolher Vivian como substituto definitivo. Exatamente por ter chegado muitos anos após a formação da banda, que já tem suas raízes e estilo próprios, Vivian não tem quase destaque no grupo, funcionando como um guitarrista contratado para tocar o que tem que ser tocado. As idéias de novas composições, riffs de guitarra e letras são dadas e executadas pelo resto do grupo. O último trabalho do quinteto, intitulado “Slang”, saiu em 1996 acompanhado de uma turnê mundial que incluiu o Brasil pela primeira vez. E o Def Leppard continua a encantar os fãs de hard rock, um estilo que perdeu toda a sua força no mundo da música, mas no qual o grupo conseguiu manter-se por todos estes anos.



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Destruction




Destruction


Importantíssima banda thrash metal da Alemanha, uma das mais influentes para o thrash, para o death metal e, em menor escala, para o black metal. A carreira do Destruction começou em 1983, quando o baixista e vocalista Schmier e o guitarrista Mike juntaram-se para formar uma banda. Logo encontraram o baterista Tommy para completar a formação e começaram a compor. Sua demo tape de 1984, chamada “Bestial Invasion Of Hell”, mostrava um grupo que mesclava elementos da música do Venom com sonoridades mais técnicas e ríspidas, resultando em algo novo para a época. Infelizmente, seu primeiro registro em disco, o EP “Sentence Of Death”, não refletiu nada disso, uma vez que foi muito mal produzido e continha vários erros de execução. A verdadeira face do Destruction seria mostrada ainda no mesmo ano no primeiro álbum, “Infernal Overkill”, esse sim dotado de uma produção decente e músicas intensas, brutais, velozes e técnicas. Mas o grande feito do trio foi o álbum de 1986, “Eternal Devastation”. Esse disco fez com que eles saíssem das páginas de fanzines obscuros e fossem parar em revistas metálicas de grande porte, nas quais eram considerados a grande revelação do metal alemão em muito tempo. É desse disco as clássicas “Life Without Sense” e “Curse The Gods”, músicas que influenciaram bandas e mais bandas ao redor do mundo. Só que os tempos dourados duraram pouco. Logo após o lançamento de “Eternal Devastation”, o Destruction perde o baterista Tommy. Entraram na banda o baterista Ollie e mais um guitarrista, Harry. Com esse time lançaram mais um trabalho clássico, o EP “Mad Butcher”, mas parou por aí. O álbum seguinte, “Release From Agony”, ainda que longe de ser ruim, trouxe um grupo repetindo seus próprios clichês, sinal de que a criatividade antiga estava se esvaindo. O ao vivo “Live Without Sense”, de 88, não foi suficiente para saciar os fãs, já meio desconfiados. Depois dele, Schmier saiu do grupo e a decadência veio arrebatadora. Lançaram um disco chamado “Cracked Brain”, totalmente despersonalizados, mostrando-se um arremedo do que fora a banda outrora. Em 1991 penduraram as chuteiras, cientes que seu tempo se fora. Em 1996 ensaiaram uma volta e chegaram a lançar um obscuro EP autoproduzido (sempre com Mike à frente). Mas já era tarde demais, pois bandas influenciadas pelo próprio Destruction já ocupavam seu lugar.



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Discharge




Discharge


O Discharge foi uma das mais influentes bandas da segunda geração do punk britânico. Nunca chegou a ser um sucesso estrondoso de vendas, mas sua importância reside na repercussão que seu trabalho teve sobre as gerações e estilos musicais que vieram depois dele - que chegou ao cúmulo de, atualmente, existirem dezenas de bandas cujo trabalho se resume a recriar antigas composições do Discharge. O embrião do grupo foi formado no final de 77, início de 78, quando Bones (guitarra), Rainy (guitarras), Nigel (baixo), Acko (bateria) e Tezz (vocais) formaram uma banda. Inicialmente, a proposta era levar tudo apenas como um hobby e tocar covers de bandas punk da época. Contudo, logo o Sex Pistols acabou, as outras bandas punk migraram para outros estilos e o punk, enquanto movimento musical, foi dado como morto. Embora esse tenha sido o motivo da saída de Acko (Tezz, então, foi para a bateria e Kevin, conhecido também como Cal, assumiu os vocais), foi também a motivação que o Discharge precisava para levar mais a sério sua carreira. Ou seja: provar que o punk não estava morto. Assim, em plenos anos 80, saiu o primeiro trabalho do grupo, o EP “Realities Of War”, que chegou a vender cerca de 30 mil cópias. Este EP trazia um punk cru e ríspido, muito mais agressivo do que qualquer coisa que os Pistols já tinham feito. Ainda em 1980 saíram mais dois EPs e, no início de 81, Tezz saiu para a entrada de Dave. É com esse time que foi lançado o clássico “Why”. Na verdade um EP (editado em 12 polegadas), é tido por muitos como o trabalho que inaugurou o hardcore. Embora isso seja bastante discutível (bem como é discutível o termo hardcore), uma vez que o Exploited já havia lançado seus primeiros trabalhos nessa época, o fato é que “Why” trazia algo de novo, um som pesado e agressivo, mas inovador. O próximo trabalho foi o EP “Never Again”, já com Gary na bateria. Em 82, finalmente saiu o primeiro álbum, “Hear Nothing, See Nothing, Say Nothing”, que conseguiu render ao Discharge boas posições nas paradas inglesas. Seguiram-se turnês americanas e européias e também as mudanças de formação. A mais importante delas foi a saída de Bones para a entrada de Pooch, que se uniu ao conjunto em 83. Pooch era um guitarrista dotado de certa técnica e conhecimento musical e promove uma mudança no som do Discharge, aproximando-o do heavy metal. O resultado disso são os EPs de 84, “Warning” e “Born To Die In The Gutter”, que lhes valeu a acusação de traidores por parte de seus fãs mais radicais. Com isso, o grupo se desestabilizou e entrou em franca decadência. Muitas trocas de formação ocorreram e, em 1984, a banda se reduzia a Cal e Rainy. Afastados da cena musical, tudo parecia acabado quando, em 1985, Gary retorna e traz consigo o guitarrista Stephen. No ano seguinte, saiu, então, o álbum “Grave New World”. Mas ninguém deu atenção ao LP, um trabalho medíocre, sem nada em comum com o furioso punk/hardcore de outrora. O Discharge era agora uma banda que executava um hard rock de segunda categoria, totalmente pasteurizado e artificial, uma nulidade. Novas e infindáveis trocas de integrantes seguiram-se até que, em 1988, finalmente resolveram dar por encerradas suas atividades. Mas a influência de seus primeiros trabalhos ainda hoje faz-se presente em estilos como hardcore, punk e grindcore.



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Doo-Wop




Doo-Wop


Doo-Wop é a denominação, em inglês, usada para identificar todos aqueles grupos, principalmente os da década de 60, que usavam a voz como instrumentos musicais. Normalmente formados por jovens negros, simplesmente porque estes tinham as melhores vozes, os Doo-Wop groups possuíam alta técnica vocal e constantemente utilizavam diferentes tons de voz para formar uma melodiosa composição. Apesar de que este tipo de música ficou amplamente popular nos anos 60, tudo começou por volta de 1935, quando quartetos masculinos saídos dos coros das igrejas ganharam espaço nas rádios locais. No final desta década, o grupo Ink Spots, que tinha toda a estrutura tradicional destes quartetos, adicionou elementos da música pop, como estrutura musical e forma de apresentação e criou o primeiro Doo-Wop group. Todos os discos deste grupo saíram pela Decca Records e estouraram em vendas, instigando uma centena de outros, que seguiriam seus passos. Musicalmente, os Doo-Wop groups eram compostos por três ou mais integrantes, sendo que um seria o vocalista principal. Este, quase sempre tinha uma voz mais aguda que as demais que o acompanhavam e, enquanto o vocalista principal cantava as letras, os outros produziam diversos sons que se assemelhavam à instrumentos musicais ora também ajudando a cantar o refrão. A adaptação destes grupos para o mundo do showbiz musical exigiu roupas combinadas e coreografias bem ensaiadas para conquistar o público jovem. Na década de 60, juntamente com o rock’n’ roll, os Doo-Wop groups ganharam espaço na mídia. Algumas modificações foram feitas no estilo original, uma vez que o ritmo agora continha notas de blues e R&B e alguns grupos até possuíam um baterista, um guitarrista e um baixista, além das vozes. A inclusão de músicos junto com os vocalistas e o uso de batidas leves nas baladas românticas dos grupo de Doo-Wop fazem alguns estudiosos da música afirmarem que este ritmo teria sido também um predecessor do rock’n’ roll, como ritmo, é claro, e não como estilo musical. Outra diferença criada pelos grupos mais recentes, especialmente final da década de 50 e 60, foi a presença de letras românticas como assunto predominante, acompanhadas por melodias lentas e compassadas. A grande gama de grupos de Doo-Wop, porém, criou diferentes estilos dentro deste, modificando uma ou outra coisa, para poder se destacar de seus concorrentes ou mesmo por ter sido influenciado por outros ritmos. Se começarmos no final da década de 30 com os “Ink Spots”, podemos seguir com os Orioles e os Ravens como sendo seus sucessores mais diretos. Eles apareceram para o grande público no início da década de 50 e fizeram sucesso com baladas quase country. Depois desses vieram os Rivingtons e as Silhouettes, sendo este último um grupo composto só por mulheres bonitas. Além destes, há também os Robins, Falcons, Flamingos, Crows, Penguins e Cardinals, que tomaram conta do mercado juntamente com os Impalas, Cadillacs, Imperials e El Dorados, a grande maioria das décadas de 50 e 60, que não chegaram a perpetuar grande sucessos. Mesmo com nomes tão estranhos, os grupos de Doo-Wop espalharam-se pelos Estados Unidos cantando suas baladas românticas pelas rádios e programas televisivos. Dentre tantos, os mais conhecidos são os Platters, os Coasters e os Drifters, que lançaram alguns sucessos como “The Great Pretender”, “My Prayer”, “Twilight Time”, do Platters; “Along Came Jones”, “Charley Brown”, “Poison Ivy”, do Coasters; e a famosíssima “Stand By Me”, do Drifters. 



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Doom Metal




Doom Metal


O nome doom metal é um dos mais genéricos e difíceis de situar a descrever uma subdivisão do heavy metal. Em princípio, ele poderia ser utilizado para descrever bandas tão díspares quanto coincidentes, já que é usado para aquelas que lançam mão de um som sombrio, pesado, lento, melancólico, depressivo, fúnebre e lúgubre. Mas essas não são justamente as características primeiras do heavy metal, cujo pai, o Black Sabbath, era justamente tudo isso? Bem, sim, mas, atualmente, o que se chama doom metal é uma espécie de subdivisão do death metal, algo igualmente pesado e extremo, mas mais melancólico e com influências góticas. Nomes sinistros como Trouble, Saint Vitus, Pentagram e o próprio Black Sabbath foram influências decisivas sobre essas bandas, embora o nome mais apropriado para defini-los seria doom rock. As bandas doom por excelência são o Paradise Lost, My Dying Bride e Anathema. Todas oriundas do death metal, conceberam uma sonoridade nova quando deram uma freada no som, mantendo os vocais guturais, o peso e a pouca acessibilidade e acrescentando toques góticos, folclóricos e medievais a ele. Outros grupos logo passaram a fazer isso também, formando uma cena. Sob o nome doom metal, uma miríade de bandas distintas se alojam. Alguns nomes, fora os já citados: Cathedral, Bethlehem, Let Me Dream, Yearning, Eterne, Godsend, Opeth, Therion, Evereve, In Flames, Sirrah, Hefeystos, Lake Of Tears, Dead Can Dance, Love Like Blood, Your Shapeless Beauty, Ved Buens Ende, Misanthrope, Temperance e vários outros.



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Doors




Doors


O The Doors foi um fenômeno. Em sua curta, mas meteórica carreira, o grupo conseguiu arregimentar uma legião tão grande de fãs que seu vocalista, Jim Morrison, é imitado até hoje. Formada em 1967, na cidade de Los Angeles, Califórnia, onde Jim Morrison e o pianista Ray Manzarek estudaram juntos, a banda conseguiu unir a psicodelia de São Francisco, o existencialismo poético de Morrison e o showbiz de L.A.. Jim e Ray inspiraram-se no nome do livro do filósofo Aldous Huxley, The Doors of Perception, para encontrar o nome de seu grupo. Para completar a banda, Ray chamou dois conhecidos que faziam aula de meditação indiana com ele: o guitarrista  Robby Krieger e o baterista John Densmore. O The Doors passou, então, a compor e ensaiar tomados pela influência poética de Jim Morrison e musical de Ray Manzarek. Algum tempo mais tarde, as apresentações do grupo nos bares de Los Angeles começaram a chamar a atenção do público, principalmente por causa do comportamento em palco e das letras escritas por Morrison, que idolatravam o sexo e a morte. Com dois temas principais tão estranhos quanto o comportamento de seu idealizador, o The Doors acabou sendo despedido do bar Whiskey A Go-Go, exatamente por causa de canções como “The End”. O polêmico vocalista, ao contrário do que muitos pensavam, era um estudante brilhante que adorava filosofia e poesia. Morrison chegou a cursar duas universidades, uma na Flórida e outra em L.A., onde conheceu Ray. Um dos biógrafos do The Doors afirma, inclusive, que Jim encontrou na música uma maneira de fazer com que todos ouvissem suas poesias. Verdade ou não, o fato é que Jim chegou a publicar dois livros contendo seus trabalhos poéticos, The Lords e The New Creatures, além de ter colaborado em um filme e escrito, juntamente com outro poeta, o roteiro de outro longa-metragem. Dentre várias características e atitudes incomuns, Jim costumava dar autógrafos usando o nome de um poeta francês do século XIX e acreditava ser um curandeiro indígena, cuja alma teria entrado em seu corpo quando ele ainda era uma criança. Quando Morrison era pequeno, sua família viajava pelo Estado do Novo México quando viu um acidente e parou para ajudar. Um caminhão cheio de índios havia capotado e muitos deles estavam espalhados pelo chão. Jim afirma ter visto a alma de um deles sair do próprio corpo e adentrar no seu e essa era a causa de ele acreditar ser um curandeiro. Com um estilo de vida inusitado, que inspirou milhares de jovens de sua época, Morrison acreditava que somente as drogas poderiam libertar a real criatividade do homem, seu lado mais íntimo. Ele também gostava de levar tudo aos extremos, tanto que Ray sempre dizia que as coisas mais simples tornavam-se as mais complicadas com Jim. O vocalista ficou famoso por dizer tudo o que não devia e portar-se da maneira mais estranha diante das câmeras de TV. Para ele, não havia censura ou limites. Morrison ousava até mesmo desafiar a morte através do uso excessivo de drogas, álcool e tudo o que fosse proibido. Ele costumava dizer que seria o terceiro a morrer aos vinte e sete anos de idade, assim como aconteceu com Jimi Hendrix e Janis Joplin. O pior, é que ele acertou. Voltando ao The Doors, o grupo gravou um disco homônimo em 1967 e viu o sucesso acontecer literalmente da noite para o dia. O álbum chegou rapidamente ao primeiro lugar das paradas e incluía uma versão editada de “The End”, além da famosa “Light My Fire”, escrita por Robby Krieger. Esta última continha uma introdução instrumental tão grande (mais de quatro minutos), que teve que ser editada para poder tocar nas rádios. A nova versão, mais curta, também alcançou o primeiro lugar na lista das mais pedidas daquele país. Os shows começaram a ser mais e mais frequentes e logo o nome do grupo estaria sendo divulgado em todo o globo como um dos mais promissores e inusitados daquele tempo. O segundo disco do grupo, “Strange Days”, saiu ainda no mesmo ano para poder conter o ímpeto dos novos fãs que não se contentavam com um só álbum. Depois deste, foi a vez de “Waiting for the Sun”, de 1968, que trouxe ao público algumas novidades instrumentais, além do sucesso “Hello, I Love You”. Desta vez, o grupo contratou um baixista para as gravações que, até então, eram feitas nos teclados de Ray Manzarek. Com um ritmo alucinado embalado pelas drogas mais poderosas do planeta, Jim Morrison via crescer a cada dia sua popularidade, tornando-se um ídolo rebelde tão importante quanto fora James Dean. Seu jeito arrogante e fora-da-lei era especialmente apreciado pelos jovens, que iam ao delírio durante os shows do The Doors, onde Jim costumava recitar suas poesias ao som dos teclados de Manzarek, da guitarra de Krieger e da bateria suave de Densmore. Entre shows e festas, o grupo gravou mais um álbum, “The Soft Parade”, lançado em 1969. Mais uma vez, o Doors traria uma inovação no lado musical. O disco continha muito pouco de rhythm & blues, que até então era a base de todas as suas composições, sendo repleto de canções de rock suaves, acompanhadas por instrumentos de cordas e outros vocais. “Touch Me” foi a faixa mais bem sucedida deste disco, chegando ao terceiro lugar dentre as mais pedidas. Neste mesmo ano, o grupo voltou a apostar no velho rhythm & blues quando lançou “Morrison Hotel”. O ano de 1970 ficou marcado para o The Doors como um dos melhores de sua carreira, se é que isso era possível, uma vez que o grupo não parava de crescer mundialmente. O disco “L.A. Woman” chegou às lojas e vendeu muito, comprovando o alto índice de popularidade do Doors. Músicas como “Love Her Madly” e a clássica “Riders on the Storm”, que começava com o suave barulho da chuva, chegaram ao topo das paradas, espalhando a poesia de Jim Morrison mundo afora. Depois de tocar em vários lugares, dar entrevistas e divulgar o novo trabalho, Jim resolveu descansar em Paris. O lugar fora escolhido com o propósito de estar longe de toda a confusão do trabalho e também como fonte de inspiração para que o cantor escrevesse suas poesias. Morrison morreria em Paris, no dia 3 de julho de 1971, vítima de um ataque cardíaco. Estranhamente, como toda sua vida, os fãs não acreditaram em sua morte e um grande boato de que Jim ainda estaria vivo tomou conta dos Estados Unidos. Jim Morrison foi enterrado no cemitério de Pere Lacaise onde, durante todos estes anos, fãs de todas as idades fazem questão de visitá-lo. Mensagens de paz e amor, além de flores, velas e vários outros objetos, são deixadas em seu túmulo diariamente. Dois anos após sua morte, mais precisamente em 1973, o The Doors ainda tocava nas rádios e um de seus álbuns ainda permanecia na imensa lista dos mais vendidos de todos os tempos. A música “The End” foi usada por Coppola no filme “Apocalipse Now” e, em 1980, a biografia do grupo tornou-se um best seller. Mesmo na década de 80, o grupo ainda continuava a vender muitos discos (se não até mais do que jamais haviam vendido) e o nome de seus integrantes, principalmente o de Jim Morrison, continuava a frequentar as cabeças dos fãs da boa música. Anos mais tarde, um filme contando a história de Jim, sua namorada e a banda, acabaria tornando-se um sucesso de bilheteria. Coletâneas com os grandes sucessos do The Doors e livros com as poesias de Jim Morrison continuam a ser lançados até hoje. O grupo, porém, nunca mais retomou suas atividades.



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Eagles




Eagles


Uma das bandas que mais eficazmente provaram a influência da country music norte americana sobre o rock’n’roll. Formada no início dos anos 70, chegaram a ter seus LPs no primeiro lugar da parada americana por quase cinco anos consecutivos. A primeira formação contava com Bernie Leadon (guitarra e vocais), Randy Meisner (baixo), Glen Frey (guitarra) e Don Hendley (bateria). Com este time, lançam o álbum de estréia em 1972. Chamado “Desperado”, obteve sucesso imediato com seu rock’n’roll misturado às influências da música caipira dos Estados Unidos. Os próximos discos, “On The Border” e “One Of These Nights” seguiram a mesma trilha de sucesso. Nesse ponto de sua carreira, juntou-se à banda o vocalista Don Felder. Com essa line up editam seu grande sucesso, “Hotel California”, LP que, puxado pela repercussão assombrosa da faixa-título, vendeu milhões de cópias só nos EUA. No ano de 1976, Bernie Leadon, figura de grande importância no grupo, resolve sair e foi substituído por Joe Walsh. Embora a alteração não tenha prejudicado de imediato o sucesso do Eagles, já que a banda continuava se apresentando em concertos abarrotados de gente, foi determinante para o início de sua decadência qualitativa. Os álbuns posteriores não mantiveram o pique e sua carreira caiu num ostracismo crescente a partir de meados da década de 80.



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Elvis Presley




Elvis Presley


Apesar de não ter inventado o rock’n’roll, Elvis Presley, com certeza, é parte mais do que importante de sua história. Conhecido como o rei do rock, ele ganhou este título pela grande divulgação mundial que promoveu ao estilo musical mais rebelde de todos os tempos. Sua contribuição para o mundo do rock foi tão grande, que muitos choram até hoje sua morte repentina sem conformar-se com a perda do rei. Elvis Aaron Presley nasceu no dia 8 de janeiro de 1935, na pequena cidade de Tupelo, Mississipi, juntamente com seu irmão gêmeo Jesse. Infelizmente, Jesse sobreviveria por apenas algumas horas depois do parto e tornaria Elvis o único filho da família Presley. O trauma vivido pela mãe dos gêmeos foi tão grande, que ela passou a dar toda a atenção possível a Elvis, chegando a levá-lo na porta da escola até que o rapaz completasse quinze anos de idade. Em sua infância pobre e simples, o garoto já mostrava grande aptidão para a música, tendo vencido dois concursos locais de canto. Em seu aniversário de onze anos, Elvis ganhou um violão no lugar da bicicleta que pedira e passou a aprender a tocar o instrumento que, anos mais tarde, faria parte integrante de sua vida. Em setembro de 1948, a família Presley muda-se para Memphis, em Tennessee. No ano de 1953, Elvis terminou a escola e começou a trabalhar na “Precision Tool Company”, indo depois para a “Crown Eletric”, onde ocupava o cargo de motorista. Seu tempo livre era totalmente dedicado à composição de músicas e desenvolvimento de uma carreira. Em junho daquele mesmo ano, Elvis passou pela gravadora de Sam Phillips, chamada Memphis, que estava com uma promoção na qual, com apenas quatro dólares, podia-se gravar um pequeno disco de setenta e oito rotações. Usando seu próprio violão como acompanhamento, Elvis gravou “My Happiness” e “That’s When Your Heartaches Begin”. As duas canções gravadas por Elvis foram copiadas em uma fita para ser mostrada ao chefe da gravadora que, inicialmente, não ficou muito entusiasmado com a descoberta de seu assistente. Em janeiro de 1954, Elvis retorna a Memphis para gravar “I’ll Never Stand In Your Way” e “Casual Affair”. Desta vez, quem o atende é o próprio Phillips, que promete ao rapaz entrar em contato caso se interesse por algo. Meses depois, ele chama Elvis ao estúdio para gravar “Without You”, uma música cover. A gravação foi um desastre, mas Phillips ficou empolgado quando Elvis cantou “Rag Mop”, além de outras músicas típicas do rhythm & blues, country e gospel. Ele, então, apresentou para o guitarrista Scotty Moore e o baixista Bill Black, que faziam parte do “The Starlight Wranglers”, uma banda de Hillbilly. Seis meses depois, o trio está pronto para gravar e entra em estúdio para fazer “I Love You Because” e “Blue Moon of Kentucky”. Tudo estava correndo bem, mas foi durante uma pausa nas gravações, quando Elvis pegou  seu violão e, brincando, começou a dançar e cantar uma versão frenética de “That’s All Right”, que descobriu-se o seu talento. Phillips ouviu e pediu que tocasse novamente porque iria gravar a canção. Com os discos de “Blue Moon of Kentucky” e “That’s All Right (Mama)” na mão, Phillips os levou para a rádio WHBQ, onde o DJ Dewey Phillips, apresentava um programa de música negra, chamado “Red, Hot and Blue”. Enquanto isso, Elvis tinha ido a um cinema local, do qual é tirado às pressas para dar uma entrevista na rádio. A WHBQ, depois de tocar “That’s All Right (Mama)” e informar aos ouvintes que o cantor era um jovem branco da cidade, teve seus telefones bombardeados por pedidos e perguntas sobre a música. Em dezenove de julho de 1954, Sam Phillips lançou “That’s All Right (Mama)”, através de seu selo “Sun Records”. O disco vendeu vinte mil cópias e, nos dois anos seguintes, Elvis lançou cinco outros singles. Os shows ao vivo, onde o cantor apresenta músicas de Hank Snow, Slim Whitman, Faaron Young e Johnny Cash, ajudam-no a construir uma considerável reputação perante ao público. Elvis também consegue um bom lugar nas apresentações que faz na maior rádio de country music americana. Rapidamente, a notícia de que o Hillbilly Cat (que agora é o mais novo apelido de Elvis) causa ainda mais furor entre as fãs femininas do que Frank Sinatra havia conseguido há uma década, chega aos ouvidos de Tom Parker. Tom, mais conhecido como Coronel Parker, é um organizador de festas de carnaval, que ficou externamente interessado no sucesso do jovem artista. Com muita perspicácia, o Coronel convence Sam Phillips a vender o contrato de Elvis para a RCA-Victors Records por trinta e cinco mil dólares, mais cinco mil dólares de bônus para o cantor. No dia cinco de janeiro de 1956, três dias antes de completar vinte e um anos, Elvis grava “Heartbreak Hotel” (para conseguir um som ecoado, ele gravou a música de pé em uma escada). O lançamento de “Heartbreak Hotel” é recebido muito bem pelo público, que passa a adorar o novo ídolo, assegurando seu lugar no topo das paradas e na história da música. Nos doze meses seguintes, Elvis Presley faria uma dúzia de apresentações ao vivo na televisão, começando com o Stage Show de Jackie Gleason, The Milton Berle Show, The Steve Allen Show e, finalmente, Talk Of The Town, de Ed Sullivan. Neste mesmo ano, Elvis assina um contrato com Hal Wallis, para fazer três filmes ganhando cem mil dólares cada. Quando tudo parecia estar indo muito bem, Elvis encontrou alguns problemas na sociedade conservadora norte-americana, que condenou publicamente sua maneira de dançar, considerando-a indecente. Além disso, a tão falada estréia de Elvis em Las Vegas foi um fracasso, porque o público que frequentava os cassinos era simplesmente velho demais para apreciar a rebeldia daquele jovem. Para amenizar os acontecimentos, Elvis é novamente convidado a participar do show de Steve Allen. Desta vez sem dançar e com roupas sérias que o faziam parecer um garçom, Elvis conseguiu esfriar os ânimos da crítica, mas também decepcionou os fãs, que viram seu ídolo rebelde render-se aos padrões da sociedade. O cantor continuou gravando e, pouco depois, os dois lados de seu próximo single, “Hound Dog” e “Don’t be Cruel” chegaram, ao mesmo tempo, ao primeiro e segundo lugares da parada conhecida como “Hot 100”. O single vendeu mais de cinco milhões de cópias. Elvis estava de volta ao topo. Visando lucrar ainda mais com seu artista, Parker fez com que Elvis assinasse vários contratos para fazer filmes românticos. No primeiro deles, intitulado Rebel Without a Cause, ou O Rebelde Sem Causa, o produtor David Weisbert renomeia a canção “The Reno Brothers”, transformando-a em “Love me Tender”. A balada romântica emplacou nas rádios do país, agradando pessoas de todas as idades e contribuindo para o crescimento, cada vez maior, do nome de Elvis. Além deste, O cantor e ator participou de vários outros filmes como Loving You, que é considerado até hoje um dos mais interessantes e cuja música “Teddy Bear” tornou-se um hit; Jailhouse Rock, no qual Elvis ganhou passe livre para coreografar o número musical com a canção homônima; e King Creole, considerado a última grande produção cinematográfica do cantor. Sua carreira seria interrompida pela obrigação de servir o exército dos Estados Unidos. Um mês depois da morte de sua mãe, Elvis navega para a Alemanha, enquanto o Coronel já planeja fazer com que a imagem do cantor não seja esquecida. Em uma manobra esperta, Parker consegue que Elvis seja constantemente filmado fazendo parte das tarefas diárias de seu pelotão, mostrando o lado sério e patriótico do rapaz. O que ninguém sabe é que, depois das cinco da tarde, Elvis ficava liberado para sair e passear, tanto que começou a namorar Priscilla Beaulieu, quatorze anos, filha adotada de um major da Força Aérea americana. Depois de morar por seis anos em Graceland, a casa de Elvis em Memphis, Priscilla finalmente torna-se esposa do rei do rock. Os dois se casaram no dia primeiro de maio de 1967, em uma pequena cerimônia realizada no Hotel Aladdin, em Las Vegas. Após meses servindo o exército, Elvis marca a sua volta fazendo uma apresentação no “Timex Show”, de Frank Sinatra. Daí para frente, a carreira de Elvis tomaria um novo direcionamento e ele passaria de ídolo rebelde a estrela da música, esquecendo-se de seus princípios musicais. “Elvis is Back”, o primeiro disco de Elvis depois que ele deixou o exército, revela que o cantor ainda é capaz de fazer um bom rock’n’roll, mas este lado da sua personalidade logo seria consumido por baladas como “It’s Now or Never” e filmes sem qualidade como G.I. Blues, que é uma ficção romântica de sua temporada no exército. Pode até ser que Elvis realmente quisesse ser um ator de boa reputação, mas suas aspirações não serviriam para nada, pois os filmes nos quais Elvis fazia papéis mais sérios, como Flaming Star e Wild in the Country, não são bem sucedidos. Por causa disso, Parker descartou definitivamente qualquer possibilidade de Elvis continuar fazendo papéis deste tipo. O Coronel já sabia que comédias românticas como Blue Hawaii, cheias de garotas e novas canções, seriam uma boa fonte de vendas de suas trilhas-sonoras. Apesar do sucesso, Elvis começa a ficar entediado e insatisfeito por não estar fazendo o que gostaria. A auto-estima de Elvis, assim como sua carreira, acabam sendo restituídas com a gravação de um especial, no qual a sua performance é considerada por muitos como um das melhores de toda a sua carreira. O especial, que é o primeiro curta-metragem de Elvis desde sua volta do exército, foi apresentado com sucesso na NBC, porque, a não ser por alguns shows beneficentes, Rei do Rock ficara sem cantar em público por mais de dez anos. Com a intenção de ganhar muito dinheiro, Coronel Parker fez com que Elvis perdesse a melhor parte dos anos 60 fazendo filmes clichês e discos românticos. A situação chegou a um ponto onde, em 1968, Elvis é considerado uma força perdida sem estilo. Ao mesmo tempo, Beatles, Rolling Stones e Bob Dylan apareceram e tiraram Elvis dos refletores. Como se não bastasse, Tom Jones estava conseguindo conquistar as garotas de uma maneira que, outrora, somente Elvis havia feito. No dia 26 de julho de 1969, Elvis apresenta sua volta aos palcos, fazendo quatro semanas de shows no International Hotel de Las Vegas. A partir do ano seguinte, ele passaria a trabalhar três meses por ano em hotéis de Las Vegas e Lake Tahoe. Nos outros nove meses restantes, o cantor viaja de costa a costa para fazer shows de uma noite. Rapidamente, o Rei do Rock abandona sua carreira de cantor juvenil e produz “From Elvis to Memphis” e “Elvis Country”, dois discos bem sucedidos. Depois, Elvis torna-se a estrela principal de “That’s the Way It Is”, um vídeo gravado de um show. Ao mesmo tempo em que tenta retomar sua carreira, a saúde e o comportamento do cantor começam a preocupar a todos. Quando não estava pregando a Bíblia, dizendo que podia curar doenças e até acelerar a morte, Elvis passava o tempo atirado em seu quarto de hotel ou saindo com várias garotas. Em fevereiro de 1972, Elvis e Priscila separam-se legalmente. Elvis perdia aos poucos sua imagem de bom rapaz usando drogas e tornando-se um obsessivo por armas e autoridade. Para tentar salvá-lo, o Presidente Nixon o nomeia agente especial do Departamento de Narcóticos dos Estados Unidos. No dia 14 de janeiro de 1977, o show “Aloha From Hawaii” é apresentado via satélite para todo país e até para o Japão. No mês seguinte, o disco ao vivo gravado neste show alcançaria o primeiro lugar nas paradas norte-americanas. Este seria a última grande proeza de Elvis porque, já nesta época, o cantor estava obeso e sofria de uma avançada deterioração mental e física. Suas apresentações, que agora contavam com toda a pompa da Igreja Messiânica, tornaram-se embaraçosas afastando-o cada vez mais de seus fãs. Neste mesmo período, três homens que trabalhavam com Elvis publicam um livro no qual todo o estilo de vida auto-destrutivo de Elvis é exposto publicamente. E foi em meio a este triste fim que, no dia 16 de agosto de 1977, precisamente dois dias depois do décimo nono aniversário da morte de sua mãe, Elvis Aaron Presley morre, aos quarenta e dois anos de idade, no banheiro de Graceland, vítima de uma forte mistura de diferentes drogas. Imediatamente, é feito um enorme esforço para encobrir a verdadeira causa de sua morte e para todos, Elvis teria morrido por causa de um forte ataque cardíaco. A partir deste dia, muitas controvérsias rodeiam as causas do falecimento do Rei do Rock. As cenas de histeria em massa, que acompanharam o funeral do cantor, acabaram por resultar na morte de dois fãs. Enquanto isso, uma estimativa aponta que vinte milhões de álbuns do cantor foram vendidos somente nos Estados Unidos em um período de três ou quatro dias. No mundo todo, o recorde nas vendas dos discos de Elvis aumentaram cerca de mil por cento, fazendo com que os seis meses após a sua morte fossem os mais bem sucedidos de toda sua carreira. Ainda hoje a popularidade de Elvis é grande. Ele deixou uma lacuna na cultura popular que jamais será preenchida por algum substituto.



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Everly Brothers




Everly Brothers


Nascidos bem no meio da música country, uma vez que seus pais eram conhecidos cantores deste estilo, Don e Phil aprenderam a usar sua voz desde muito cedo. Eles começaram cantando música gospel (não a música gospel negra, mas a caipira, cantada pelos brancos americanos) nas rádios locais quando ainda eram crianças. Em 1965, a dupla chegou a gravar um single pela gravadora Columbia, ajudados por um parente que era um famoso produtor, mas ele não chegou a dar certo. Algum tempo mais tarde, os dois irmãos mudaram um pouco seu estilo musical para acompanhar os compositores Bordleaux e Felice Briant, da Cadence Records. A mudança funcionou como mágica, lançando o The Everly Brothers nas paradas musicais do mundo. Sua primeira música, “Bye Bye Love”, de 1957, chegou a segundo lugar, enquanto que a conhecida “Wake Up Little Susie”, do mesmo ano, assim como “All I Have to Do Is Dream”, alcançou o primeiro lugar das paradas americanas e inglesas. Nos próximos cinco anos o sucesso dos Everly Brothers só cresceu, fabricando mais e mais canções que disputariam os primeiros lugares das paradas mundiais e influenciariam uma série de músicos famosos que ainda estavam por vir. A harmonia vocal utilizada pelos irmãos, onde um cantava sempre em tom mais alto do que o outro, serviu de exemplo para ninguém menos do que os Beatles (que chegaram a pensar em chamar-se The Everlys), Mamas and Papas, Eagles e até mesmo Simon and Garfunkel. Com seus topetes cheios de gel e violões em punho, a dupla fez shows nos Estados Unidos e Inglaterra até que, em 1960, resolveu deixar a Cadence para assinar contrato com a Warner Bros. A mudança de gravadora também afetou na composição de suas músicas, uma vez que eles não mais podiam contar com Bordleaux e Felice, mas não teve nenhum impacto em seu sucesso. A própria dupla passou a compor suas músicas e, neste mesmo ano de 1960, “Cathy’s Clown” chegou ao primeiro lugar das paradas americanas. O êxito de Don e Phil não parou e, no ano seguinte, mais duas de suas canções, “Temptation” e “Walk Rigth Back”  venderam muito na Inglaterra. Dois anos mais tarde, em 1963, Don teve um colapso nervoso, que acabou por piorar o atrito já existente entre os dois irmãos. A competição entre os Everly Brothers chegou ao extremo quando, em um show na Inglaterra, no ano de 1973, Don simplesmente deixou o palco, em uma clara alusão ao fato de que estava, definitivamente deixando a dupla. Neste meio tempo, entre o colapso nervoso e a saída do palco, a carreira do Everly Brothers começou a decair. Alguns afirmam que isto teria acontecido porque os irmãos já não estavam se entendendo, enquanto que outros culpam a ascensão de músicos mais maduros, com letras mais adultas, como Bob Dylan, por exemplo, pelo desmoronamento da carreira de Don e Phil, não se sabe. O fato é que, depois da separação, ambos os irmãos tentaram, sem sucesso, continuar com uma carreira solo e, somente muitos anos mais tarde, já na década de 80, o Everly Brothers resolveu promover uma turnê onde cantariam juntos novamente. A turnê chegou a fazer sucesso entre fãs e saudosistas em geral, mas não foi suficiente para conseguir retomar o lugar que eles tinham quando separaram-se. 



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Exodus




Exodus


Uma das bandas que ajudaram a dar os contornos finais do estilo musical conhecido como thrash metal. Sua formação inicial, de 1980, contava com Tom Hunting (bateria e vocais), Kirk Hammett (guitarra), Jeff Andrew (baixo) e Tim Agnello. Logo essa line up se modificou, estabilizando-se em 82 com Paul Baloff (vocais), Gary Holt (guitarra), Rob McKillop (baixo), Tom Hunting (bateria) e Kirk Hammett (guitarra). Com esse time, lançaram uma demo tape clássica, chamada “A Lesson In Violence”, tornando-se uma das grandes promessas do heavy metal californiano (a banda é da cidade de San Pablo). Alguns meses após o lançamento da demo, Kirk Hammett é chamado para tocar no Metallica e Rick Hunolt assume seu lugar no grupo. Seria esse o quinteto que gravaria, em 85, o definitivo álbum “Bonded By Blood”, uma autêntica obra-prima do thrash: pesada, rápida, agressiva, técnica e original. “Bonded...” rendeu aos exodus fama mundial entre os fãs de heavy metal, que elegeram a banda o maior nome do estilo ao lado do Metallica e do Slayer. Contudo, em virtude de seus intermináveis problemas com o álcool, Baloff foi expulso da banda em 86, sendo substituído por Steve ‘Zetro’ Souza. Com Zetro cuidando dos vocais, o grupo lançou em 87 seu segundo trabalho, “Pleasures Of The Flesh”. É um disco excelente, tão bom quanto o anterior, mas não foi bem recebido pelos fãs, inconformados com a saída de Baloff, dono de um carisma enorme. De qualquer maneira, o LP foi um marco na história do thrash, pois poucas vezes uma banda havia sido tão técnica e pesada ao mesmo tempo, sem nunca abrir mão de seus princípios. Em 1989, saiu outro grande disco, “Fabulous Disaster”, cuja qualidade indiscutível convenceu até o mais inflexível fã das qualidades de Zetro. Sucesso garantido. Foi a partir daí, porém, que as coisas começaram a dar errado. O álbum seguinte, “Impact Is Imminent”, foi um fracasso de vendas - ainda que possuísse qualidades. A mesma coisa aconteceu com o ao vivo de 91, “Good Friendly, Violent Fun”. Em 92, com o disco “Force Of Habit”, o Exodus lançou uma última e desesperada tentativa. Modificou seu som, assumindo muitas influências de blues, mas o LP é um abacaxi, muito ruim mesmo. O quinteto mostrava esgotamento criativo evidente, o thrash metal era um estilo já em franca decadência e não restavam muitas alternativas para eles. A gota d’água foi quando sua gravadora os despediu; por isso, resolveram encerrar suas atividades. Em 1997, porém, retornaram à ativa, com Baloff de volta ao posto de vocalista.



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Fats Domino




Fats Domino


Fats Domino (nome real: Antoine Domino) nasceu na cidade americana de New Orleans em 1928. Criado na região mais proeminente em termos de jazz e blues de sua época, começou de fato sua carreira musical em 1949, quando iniciou sua famosa e duradoura parceria com o trompetista Dave Bartholomew. Já em 1949 ambos lançam a canção “The Fat Man” (o primeiro compacto de Domino), que chega à marca de milhões de cópias vendidas. Com o sucesso imediato, Fats passou a compor incessantemente, dando origem a sucessos como “Ain’t That A Shame”, I’m Walking”, “Margie”, “Blueberry Hill” e outros. Durante toda a década de 50 foi um dos artistas de blues/rock mais bem-sucedidos dos Estados Unidos. No início dos anos 60 esteve um pouco em baixa, mas logo voltou à velha forma quando levou a cabo uma turnê pela Inglaterra de repercussão gigantesca, no ano de 1967.



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Folk Rock




Folk Rock


A importância do folk rock no cenário do rock’n’ roll em geral pode ser sentida na fama de Bob Dylan ou até mesmo nas raízes dos Beatles que, antes mesmo de serem os Beatles, possuíam um grupo de folk music. Folk, traduzido para o português, quer dizer povo. Consequentemente, a música popular americana ou britânica serviu como influência para vários grupos de rock destes países, tornando-se mais fonte de transformação do próprio rock. É necessário enfatizar que o conceito de música popular que estamos abrangendo aqui é bem diferente daquele que temos em mente quando pensamos em música popular brasileira. Nos Estados Unidos e Inglaterra, folk music é aquela que não tem autor próprio, como as cantigas de roda ou canções de ninar, que passam de pais para filhos durante gerações, sem que seu verdadeiro autor seja mencionado. Outro fator importante da folk music é que, através dos tempos, ela foi sendo alterada, ganhando novas versões e novos sentidos que, muitas vezes, são bem distintos de seus originais. Este tipo de música surgiu basicamente na era da depressão, por volta dos anos 30, quando compositores desconhecidos cantarolavam pelas ruas e em suas casas, transmitindo seus conceitos e idéias. Com o passar dos anos, a folk music passou a ser usada como forma de expressão política, refletindo os problemas e os desejos da sociedade ou comunidade em que fora criada. Aliada ao rock, a folk music transformou-se em folk rock, uma nova modalidade musical que misturava as letras sérias e políticas do folk com as guitarras frenéticas do rock. A transição de um estilo para outro, até a sua completa junção, aconteceu durante os anos de sucesso de Bob Dylan , um dos maiores, senão o maior, representantes deste tipo de música. Grupos e músicos que apreciavam ambos os estilos musicais, e, obviamente, eram influenciados por eles, passaram a mesclar tudo o que consideravam ser o melhor das duas artes musicais. Em 1965, um grupo chamado The Byrds, gravou a famosa “Mr. Tambourine Man”, que contém uma estranha combinação de guitarra elétrica de doze cordas, mais uma guitarra comum, baixo e bateria. O resultado, que foi chamado folk rock, fez com que a canção alcançasse os mais altos postos nas paradas norte-americanas e britânicas, abrindo os olhos do público para aquela nova forma de expressão. O disco “Mr. Tambourine Man” continha claras influências do folk, uma vez que trazia quatro covers de Bob Dylan, que vinham acompanhadas por guitarras elétricas, baixo e bateria. No mesmo ano de 1965, outras canções do grupo chegaram aos primeiros lugares das paradas, estimulando a formação de várias outras bandas do mesmo estilo. O The Byrds continuou a lançar sucessos, sendo considerado um dos precursores do folk rock mundial. Outro grupo conhecido de folk rock é o Buffalo Springfield, de Los Angeles, Califórnia. Adotando também a fórmula que mistura a seriedade do folk com a diversão do rock, a banda não durou muito mais do que dois anos, mas tornou-se conhecida por suas músicas de protesto, como “For What It’s Worth”, por exemplo. Seu vocalista, Neil Young, seguiu carreira solo, que foi impulsionada por este grupo, tornando-se bastante conhecido no cenário musical. Além desta banda, a difusão e o sucesso do folk rock trouxe também alguns artistas solo como a cantora Joan Baez, que ficou conhecida após incluir um cover de seu namorado, Bob Dylan, em seu disco, “Diamonds and Rust”. O cantor Donovan, um escocês que foi considerado uma das maiores imitações de Dylan, também aproveitou a onda do folk rock e gravou “This Machine Kills”. Mesmo com um estilo não próprio, a carreira de Donovan decolou e ele tornou-se o autor de vários sucessos na década de 70 e começo da década de 80, lançando uma série de discos que utilizavam tambores e outros instrumentos diferenciados. Muitos foram os grupos e cantores de folk rock e mais ainda foram aqueles influenciados por eles e que, consequentemente, contém em sua música um pouco do espírito de protesto das décadas de 60 e 70, com temas dos anos 80 e 90. Até mesmo bandas de outros estilos de rock, como o heavy metal e o thrash metal, utilizam o peso de suas guitarras para bradar os problemas do mundo de hoje, tornando-se, então, discípulos do folk rock. A amplitude do sentido folk rock é tão grande que nela podemos incluir, ao mesmo tempo, Mamas and Papas, Paul Simon e Art Garfunkel, Donovan e, se quisermos arriscar, Metallica e Sepultura. Claro que estes últimos estão incluídos na lista por suas letras de protesto e não pelo estilo de som que fazem mas, de qualquer maneira, encaixam-se na enorme cadeia de bandas que fazem folk rock.



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Frank Zappa




Frank Zappa


Um dos mais influentes e inovadores músicos da história do rock, dos poucos que desenvolveram um estilo próprio e, ao mesmo tempo, reconhecido pela crítica especializada. Zappa nasceu em 1940 e começou a tocar guitarra ainda durante sua infância. Formou sua primeira banda durante a adolescência, chamada The Blackouts, que não chegou a durar muito tempo. Passou, então, a tocar em bares e a compor trilhas sonoras para filmes vagabundos, atividades que lhe renderam algum dinheiro e que possibilitaram a construção de seu próprio estúdio, batizado de Estúdio Z. Logo após as primeiras gravações em seu estúdio, dentre elas, a de seu amigo Von Dan Vliet, que recebeu dele o nome de Captain Beefheart e que levaria a cabo diversos projetos com Zappa posteriormente. Zappa passou um tempo na cadeia em função de sua ligação com a produção de material pornográfico ilegal. Quando é solto, resolve dar uma reviravolta em sua carreira: entra para o grupo The Soul Giants, mudando seu nome para The Mothers (mais tarde, The Mothers OF Invention). Essa banda teve uma das carreiras mais confusas da história do rock. Acabava e voltava a toda hora e sua formação era modificada sem a menor cerimônia e a todo instante. Tudo, entretanto, girava em torno do gênio de Zappa, que, paralelamente ao Mothers, desenvolvia ainda sua carreira solo. O grande mérito do Mothers foi ter sido a primeira banda do mundo a levar a auto-sátira às últimas consequências: forma encontrada pelo grupo para ridicularizar os padrões sociais, religiosos, morais etc. sem sofrer censura. Fora isso, a música também era inovadora, pois Zappa conseguia mesclar perfeitamente o rock com outros estilos, como a música erudita, tendo sido um dos primeiros a realizar tal tarefa com sucesso. E a crítica musical endeusou Zappa & cia. por causa disso. Contudo, o sucesso da proposta foi relegado a um grupo de admiradores mais seletivo, e nunca chegou a cair no gosto popular 


americano. Isso causou a primeira dissolução da banda, em 69. No ano seguinte, no entanto, Zappa reuniu alguns músicos e ressuscitou o Mothers, que ressurgiu mais bizarro do que nunca. No final de 70, porém, Zappa sofre um acidente e acaba novamente com o conjunto, que reapareceria uma terceira vez em 1972. Só que, daí em diante, a banda vai perdendo aos poucos sua inventividade, com Zappa optando cada vez mais por simplificar suas composições, tornando-as somente músicas de rock, relegando apenas às letras a rebeldia e esquisitice que outrora caracterizaram seu trabalho. De qualquer forma, manteve-se ativo, genial, surpreendente e contemporâneo até sua morte, em 1994.



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Genesis




Genesis


Formado em Londres, Inglaterra, no ano de 1966, pelo vocalista Peter Gabriel e seus amigos de escola, o baixista, guitarrista e também vocalista, Michael Rutherford e o tecladista Anthony Banks, o Genesis foi um grupo de grande sucesso, fazendo parte do movimento art rock e do glitter rock. Inicialmente chamado Garden Wall, o grupo, quer tinha ainda Chris Stewart na bateria, começou a ensaiar, logo em seguida gravando uma demo-tape. Esta fita foi apresentada ao empresário Jonathan King, que gosta do que ouve e sugere a mudança de nome. Agora chamada Genesis, a banda, através de King, consegue um contrato com a gravadora norte-americana Decca, pela qual lançam seu primeiro compacto. “The Silent Sun” chega às lojas no ano de 1967 e o Genesis começa, então, a trabalhar o seu nome nos pequenos bares e pubs ingleses, tocando para poucas pessoas. Algum tempo depois, o baterista Chris Stewart é substituído por John Silver, que assume a bateria pouco antes do lançamento do primeiro álbum do Genesis. “From Genesis to Revelation”, de 1969, é um fracasso total e, justamente por causa disso, a gravadora Decca resolve dispensar a banda, que volta à estaca zero. Sem perder as esperanças, o grupo segue com seus ensaios e pequenos shows até que, no ano seguinte, conseguem assinar contrato com o selo Charisma. Nesta época, o grupo sofre mais uma troca de bateristas, sendo que John Mayhew entra no lugar de Silver. O primeiro e, diga-se de passagem, único trabalho de Mayhew com o Genesis em estúdio está registrado em “Trespass”, lançado em 1970. Ainda no mesmo ano, Phill Collins e Steve Hackett entram para o grupo, ocupando, respectivamente, os lugares de baterista e guitarrista. Com um visual totalmente inusitado, o Genesis, a partir de 1970, começa a ganhar a simpatia do público. Seus dois últimos discos, “Nursery Crime” e “Foxtrot”, este tendo sido lançado em 1972, contribuem, juntamente com o visual exagerado e sua performance teatral, para aumentar a popularidade do grupo. Mas foi mesmo “Selling England by the Pound”, de 1973, que deu o empurrão definitivo na carreira do Genesis, tornando-o um dos mais conhecidos grupos de rock progressivo de todos os tempos. O reconhecimento total do público e da crítica aconteceu com o lançamento do álbum duplo, “The Lamb Lies Down on Broadway”, de 1974, que fala sobre a rivalidade entre aqueles que trabalham na Broadway. Apesar do sucesso completo do disco, o vocalista Peter Gabriel decide sair do Genesis, em meados de 1975, para seguir uma carreira solo de sucesso considerável. Depois de passar quase dois anos fazendo audições e procurando por um novo vocalista, o grupo decide que o baterista Phill Collins assumirá o posto deixado por Gabriel. Assim que o Genesis começa a ensaiar com o novo vocalista, mais um integrante do grupo resolve abandonar o barco. Desta vez seria o guitarrista Steve Hackett, que saiu em maio de 1977. Mesmo desfalcado, a banda, ainda em 77, coloca algumas de suas músicas nas paradas britânicas. O ânimo é restaurado por este fato isolado e o grupo segue em frente com o álbum “...And Then There Were Three...” que foi lançado em 1978 e trouxe a primeira música de sucesso do Genesis nos Estados Unidos. Conquistando um mercado diferente, o Genesis continua sua carreira com “Duke”, cuja canção “Misunderstanding” alcança um bom lugar nas paradas mundiais. Sem parara de trabalhar, o ano de 1981 é referente ao lançamento de “Abacab”, que é bem recebido pela crítica e fãs, mas não chega a ser um estouro em vendas. No ano seguinte, 1982, o grupo lança o disco ao vivo “Three Sides Live” e o baterista e vocalista Phill Collins passa a dedicar-se, paralelamente, à uma bem sucedida carreira solo. Phill, com um estilo próprio e mais sério, lançou uma série de discos que renderam lugares nas paradas, conquistando uma nova legião de fãs. Quatro anos mais tarde, mais precisamente em 1986, “Invisible Touch” serve como combustível para a total decolagem da carreira do Genesis nos Estados Unidos e resto do mundo, sendo que “In Too Deep” e “Throwing It Away” acertam em cheio as paradas mundiais, principalmente as norte-americanas. O Genesis parte para uma extensa turnê mundial e, na volta, resolve descansar por tempo indeterminado. Enquanto isso, todos os integrantes da banda passam a dedicar-se a projetos individuais, que tomam boa parte de seu tempo livre. Com sucesso total em sua carreira solo, Phill Collins começa a dedicar a maior parte de seu tempo às viagens e compromissos referentes ao seus últimos lançamentos. Ao mesmo tempo, o Genesis inicia uma mudança de estilo que acabaria por decepcionar os fãs, resultando em uma queda na popularidade do grupo. Compondo músicas mais pop e românticas, na intenção clara de vender mais, o Genesis perde pontos com críticos e apreciadores ”We Can Dance” tem algumas de suas músicas tocadas nas rádios do mundo, mas nada que seja muito significativo se compararmos o presente ao passado do Genesis. Com a obtenção sucessiva de resultados nada satisfatórios, o grupo vai, aos poucos, diminuindo suas atividades e saindo do cenário musical. Apesar de ser considerada uma das melhores bandas de sua época e estilo, o Genesis decresceu bastante e, hoje, é uma banda que vive mais de seu passado do que de seu futuro.   



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GHB




GHB


Uma das bandas mais importantes, influentes e queridas do punk britânico. Foi uma das que inventaram o hardcore no início da década de 80 (ao lado do Exploited e do Discharge) e a que se manteve atual e relevante por mais tempo, atraindo para sua música não só fãs de punk rock, mas também de heavy metal, psychobilly e outros com seu estilo simples, mas único, criativo e original. O grupo foi formado em 1980 e, no ano seguinte, o primeiro single foi editado, sob o título “Leather, Bristles, Studs And Acne”. A formação nunca foi muito estável, mas sempre contou com Colin Abrahall (vocais) e Jock (guitarras) à frente. Com o sucesso do single, veio o primeiro LP, “City Baby Attacked By Rats”. Falar que este disco é um clássico absoluto do punk rock é ser muito simplório, pois tudo nele transformou-se em ícone: suas canções, sua capa, o nome da banda (quantos conjuntos com nomes em iniciais não vieram depois?), o visual dos integrantes, o cunho libertário (mas pacifista) das letras e a política de tocar incessantemente ao vivo, não importassem as condições. Além disso, aquele som direto, cru e agressivo era algo novo; era punk, mas era diferente, o que provou a genialidade do grupo. “City Baby Attacked By Rats” foi um estrondoso sucesso e chegou ao Top 20 da parada britânica. Logo veio o segundo álbum, “City Babies Revenge”, igualmente bem-sucedido e que reafirmava o poder de fogo de seu hardcore. A essa altura, já eram considerados o mais importante nome da segunda geração punk inglesa, ao lado do Exploited e do Discharge. Mas, ao contrário do polêmico, amado e odiado Exploited e do instável Discharge, o GBH era uma unanimidade. Em suas muitas apresentações, o grupo demonstrava incomparável amor e dedicação àquela música dada como morta após o fim dos Sex Pistols. Outra particularidade a respeito deles era sua produção: fora os álbuns, davam vazão à sua capacidade criativa e amor à música lançando infindáveis singles, compactos, álbuns ao vivo e vídeos (coisa rara para a época) - os fãs se deleitavam. Em 1986, foi lançado “Midnight Madness And Beyond”, um disco mais elaborado e metálico, que manteve o GBH em alta estima com seus antigos fãs, mas que atraiu o público de metal para si. Assim, eles conseguiram juntar dois público que se odiavam mutuamente sem precisar mudar radicalmente de estilo. Ainda neste ano, veio o EP “Oh No It’s GBH Again” e, em 87, o álbum “No Need To Panic”, mais uma obra definitiva do grupo. No ano seguinte, mais um EP, desta vez intitulado “Wot A Bargin’”. Em 1989, veio “A Bridge Too Far”, talvez seu disco mais voltado para o heavy metal, mas ainda excelente. No ano seguinte, “From Here To Reality” devolveu o GBH às suas raízes punk/hardcore, mas sem que tivesse se esquecido da guitarra estridente e pesada que tanto agradam seu público mais metal. A essa altura, já era impossível saber quantos shows eles haviam dado em sua carreira, quantos discos e EPs ao vivo foram gravados a partir deles e, mais importante que isso, quantos grupos foram por eles decisivamente influenciados. Mas a vida continua e, em 1992, veio mais um álbum, “Church Of The Truly Warped”. Deve-se notar que, ao contrário da grande maioria das bandas de rock, o GBH nunca perdeu sua qualidade. Apesar da longa e instável (por causa das infinitas mudanças de formação) carreira, Colin e seus asseclas mantiveram sempre altos os níveis qualitativos e foram capazes de permanecer no topo esse tempo todo, mesmo quando o punk atravessou seus (muitos) maus momentos. Na segunda metade da década de 90, quando o estilo voltou a ser um sucesso retumbante, ali estava o velho e eficiente GBH lançando mais um álbum irrepreensível, o grande “Punk Junkies”, o melhor lançado por eles desde “Midnight Madness And Beyond”. Esta é a maior e mais indiscutível evidência da inventividade de uma banda que, quase 20 anos depois, mantém-se atual e essencial. Pode ter certeza que muitos mais clássicos ainda estão por vir.



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Glam Rock




Glam Rock


Para alguns, uma verdadeira praga para o rock’n’roll; para outros, uma demonstração da variedade de comportamentos que o estilo poderia abranger. De qualquer forma, o glam rock possui lugar de inevitável destaque na história do rock, uma vez que grupos relacionados à estética fizeram enorme sucesso durante o início da década de 70. Que estética é essa? Bem, em princípio, pode-se dizer que os artistas glam eram aqueles que se apresentavam com roupas espalhafatosas, maquiagens pesadas - características que lhe conferiam ar sexualmente ambíguo - e atitudes excêntricas. O precursor do modo glam de se levar a carreira talvez tenha sido Little Richard, que costumava apresentar-se usando um sem-número de jóias, maquiagem brega e roupões de banho. Mais tarde, seria a vez dos ingleses darem sua contribuição: Mick Jagger, David Bowie, Elton John e notadamente Gary Glitter (por sua causa, o glam também é conhecido como glitter rock) levariam mais adiante o visual andrógino. Contudo, até então, não havia uma uniformidade musical entre os artistas que se valiam desse tipo de coisa. Homens vestindo-se e maquiando-se como mulheres vulgares era muito mais uma forma de mostrar ao mundo o quão equivocado era o conceito “sexo”. O que se queria provar era que não havia masculino ou feminino, que as pessoas poderiam ser de qualquer sexo. Mas, como estilo musical, o glam rock surgiu com Marc Bolan e sua banda, o T. Rex. A partir daí, vieram Alice Cooper, Sweet, Slade, Kiss, Velvet Underground e outros que apostavam no visual espalhafatoso. Deve-se lembrar que nem sempre glam rock é sinônimo de androginia - embora tenha sido a partir da própria que o estilo originou-se. O Kiss, por exemplo, era espalhafatoso por causa de suas maquiagens e roupas futuristas. De qualquer modo, a estética glam seria mais um dos ícones discutíveis do rock’n’roll que o punk rock viria destruir ao final da década de 70, fazendo com que, de novo, o rock se voltasse mais para a música que para o visual. Deve-se lembrar, contudo, que o glam ressurgiu com força total durante a década de 80, em especial nos EUA. Bandas como Mötley Crüe, Guns N’Roses, Poison, Cinderella, Warrant, Trixter, Winger, Autograph, Bon Jovi, L.A. Guns e muitos outros protagonizaram um grande volta à maquiagem, à aparência andrógina, aos lencinhos, às roupas espalhafatosas e bregas. Os inúmeros detratores da estética, agora adaptada aos anos 80, logo criaram um nome pejorativo para ela: "poser" (tradução aproximada: “fazedor de pose”), em alusão aos biquinhos e poses ridículas que os integrantes das supracitadas bandas recorriam quando fotografados. Já no início da década de 90, porém, todos os grupos dessa cena já haviam acabado ou “mudado de cara”.



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Grateful Dead




Grateful Dead


A banda Grateful Dead foi um dos maiores símbolos da cultura liberal da cidade de São Francisco, Califórnia, nos anos 60. Centrados no conhecido cenário da Haight-Ashbury, ponto de encontro das ruas de mesmo nome que, até hoje, é o quartel-general dos hippies, punks e favoráveis às drogas e à liberdade de expressão, o Grateful Dead não poderia ser diferente do lugar de onde veio. Seus integrantes, todos adeptos da nova cultura, como assim chamavam, vieram de diferentes bandas locais para formar o maior representante do rock psicodélico da Bay Area. O baterista Bill Kreutzmann e o tecladista Pigpen McKennan são originários de uma grupo de rock chamado Zodiacs. Já os guitarristas Jerry Garcia e  Bob Weir, saíram, respectivamente, dos grupos Wildwood Boys e Hart Valley Drifters. O compositor Robert Hunter veio do Mother McCree’s Uptown Jug Champions. Como faltava alguém para tocar baixo, Jerry Garcia convidou seu amigo Phil Lesh que, na verdade havia estudado trompete e violino clássico e teve que aprender a tocar baixo em apenas duas semanas para poder entrar na banda. Inicialmente chamado de The Warlocks, o grupo começou a tocar nos bares da cidade e da Bay Area (área que contém todas as cidades da Baía de São Francisco)  no ano de 1965. O nome Grateful Dead apareceu em 1966 e marcou um estilo colorido e desleixado de se vestir, caracterizado pelas próprias camisetas do grupo que são vendidas até hoje. O som psicodélico do Grateful Dead trazia intermináveis solos, instrumentos de origens diversas, como indianos, por exemplo, improvisações minimalistas e arranjos inovadores. Para se ter uma idéia da psicodelia do grupo, uma de suas músicas, “Dark Star”, que faz parte do álbum ‘Live-Dead’, possui vinte e três minutos e seus shows chegavam a ter entre quatro e cinco horas de duração. Exatamente por possuir toda uma ideologia revolucionária e livre, o Grateful Dead fez vários shows gratuitos e recusou-se a assinar um contrato com qualquer gravadora até o ano de 1967, quando finalmente lançaram seu primeiro disco, “The Grateful Dead”. No ano seguinte, o segundo álbum de grupo contava com a participação do baterista e estudioso das várias etnias musicais, Mickey Hart, além do tecladista Tom Constanten, que era amigo de Lesh. Enxugando um pouco seu estilo, o Grateful Dead, em 1970, lançou “Workingman’s Dead” e “American Beauty”, que chegaram a figurar entre os trinta álbuns mais cotados daquele ano. Os dois discos são considerados por muitos fãs e especialistas em geral, os melhores do grupo em toda a sua carreira, juntamente com “In The Dark”, de 1987. “What A Long Strange Trip It’s Been”, gravado em 1977, foi outro álbum que a ser considerado importante dentro da discografia do Grateful Dead, uma vez que fazia a retrospectiva da história do grupo até então. As constantes mudanças de formação do Grateful Dead nunca chegaram a afetar a sua música ou sua fama. E olha que elas não foram poucas. Logo no começo da carreira, Mickey Hart deixou o grupo porque seu pai, então empresário deles, fora acusado de estar roubando dinheiro pertencente ao conjunto. Ele voltaria ao Grateful Dead em 1975. Já o tecladista Tom Constanten, que havia entrado no Grateful Dead para substituir Pigpen McKernan, que morreu em 1973, abandonou a carreira musical para estudar ciências, nunca mais retornando ao seu antigo posto na banda. Para seu lugar viria Keith Godchaux, que, em 1978, faria sua última aparição com o grupo em um show no Cairo, Egito. Seu sucessor, Brent Myland, passou alguns anos com o grupo, mas também veio a falecer, no ano de 1990. A estrutura do Grateful Dead resistiu aos testes a que foi imposta, permanecendo intacta até a morte de um de seus fundadores, Jerry Garcia. O ano de 1995 ficou marcado para a cidade de São Francisco pelos milhares de peregrinos que se amontoaram nos parques da cidade para mostrar seus sentimentos por Jerry, que tem seu rosto pintado em um enorme muro, localizado bem na rua Haight.



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Grindcore




Grindcore


Se o hardcore é, basicamente, o punk rock levado aos seus mais agudos extremos, o grindcore é exatamente o hardcore levado aos seus mais agudos extremos. Assim, não é difícil concluir-se que o grindcore surgiu exatamente a partir do hardcore, no momento em que as bandas desse estilo começaram a ser ainda mais agressivas, sujas, rudes, cruas e barulhentas do que já haviam sido aquelas do próprio hardcore. Alguns desses grupos, ainda hardcore, que deram impulso ao surgimento do grindcore foram o Crass, Electro Hippies, Larm, Crude SS e, principalmente, o Siege. Inclusive, algumas das músicas deste último, um conjunto americano que lançou apenas uma única e clássica demo, chamada “Drop Dead” (recentemente reeditada em CD), já eram grindcore. Entretanto, enquanto estilo definido, o grindcore só veio a surgir na Inglaterra, com o grotesco Napalm Death, o maior atentado musical surgido até então: para alguns uma barulheira infernal e ininteligível; para outros, o futuro da música. Com a explosão do Napalm, inúmeras bandas do estilo surgiram, como o Terrorizer, Sore Throat, Heresy, Concrete Sox, Unseen Terror, Carcass, Ripcord, Spazztic Blur, Agathocles e Beelching Belt. Em comum, essas bandas tinham o fato de suas músicas serem curtas (algumas com cerca de um segundo!), simples, rapidíssimas, barulhentas, toscas e sujas. No princípio, os discos eram extremamente mal produzidos e cheios de falhas técnicas, mas, com o crescimento do estilo, esses pormenores foram sendo melhorados. São muito comuns também as bandas que misturam o grindcore ao death metal - aliás, uma evolução natural do estilo que, quando mais bem tocado, se transforma no death (como aconteceu com Napalm Death, Carcass e outros) - e outras com várias características do hardcore (algo também muito natural, uma vez que, como já dito, o estilo é uma extensão do hardcore). Hoje em dia, já está surgindo uma vertente ainda mais extrema que o grindcore, o noisecore (do punk para o hardcore para o grindcore para o noisecore). Mas como ainda é um gênero muito incipiente, vamos mantê-lo sob o rótulo grindcore. Fora os citados, mais alguns bons nomes do gênero: Hellbastard, Anal Cunt, Brutal Truth, Nyctophobic, Meat Shits, Hiatus, Disrupt, Haemorrhage, Groinchurn, Deche-Charge, Gut, Impetigo, Mortician, Human Remains, Entrails Massacre, Cornucopia, Vermin, Dead Infection, Pathologist, General Surgery, Anal Blast e muitos outros.



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Grunge




Grunge


Grunge é a denominação utilizada para caracterizar a grande gama de grupos saídos de Seattle, Estados Unidos, no início da década de 90. Principiantes ou não, estas bandas foram colocadas em um só capítulo da história do rock, chamado grunge, cuja moda tomou conta do mundo há alguns anos. Milhares de adolescentes ao redor do mundo aderiram à esta nova maneira de ser que, como nos anos 60, quando o rock tomou conta do mundo, chocou os adultos e conservadores. Cabelos compridos e despenteados, camisas de flanela amarradas na cintura, camisetas de banda e bermudões largos compunham o visual grunge, que colocava garotos e garotas dentro de um mesmo estilo. A moda era ser anti-moda. Claro que o visual adotado por estes adolescentes era copiado de suas bandas preferidas que, muito antes de tudo isso, já se vestiam assim simplesmente por gostarem. E foi nessa onda grunge que muitos se esqueceram do verdadeiro significado, do verdadeiro motivo pelo qual os jovens estavam se vestindo assim: a música. Musicalmente falando, o movimento grunge continha grupos de rock com letras de protesto e um som agressivo. Dizia-se que a geração X, como apelidaram os jovens dos anos 90, havia crescido em um mundo liberal, mas sem futuro. E eram justamente esses jovens que faziam parte das bandas grunge, que gritavam para o mundo sua revolta contra tudo e contra todos. A revista norte-americana Rolling Stone coloca o início do movimento grunge no ano de 1988, quando o grupo Blood Circus lançou o álbum “Two Way Street”/ “Six Foot Under”. Além deste, muitos outros grupos fizeram parte do movimento, cuja base musical era misturar punk com heavy metal, obtendo um resultado tão agressivo e gritante quanto suas letras. Soundgarden, Mudhoney, Alice in Chains, Pearl Jam e Nirvana logo foram aclamados pelos fãs e pela crítica, como sendo as bandas que melhor representavam o estilo. Rádios, redes de televisão, revistas e toda a mídia mundial, fosse ela especializada em música ou não, voltaram suas atenções para estes grupos e seus maneirismos. Todos tentavam analisar e entender o comportamento rebelde dos filhos da liberação sexual. O que ninguém entendia, é que aquilo tudo não era para ser analisado, mas sim para ser escutado. Com certeza, os dois maiores expoentes da música grunge foram o Nirvana e o Pearl Jam. Ambos possuíam vocalistas carismáticos que, com sua maneira simples de ser, de encarar o público com desdém de quem está longe de querer ser estrela, conquistaram a todos. Nirvana e Pearl Jam venderam milhões de cópias e tocaram por todo o mundo, levando o grunge aos lugares mais inimagináveis. Claro que ambos têm sua importância no cenário musical mas, sem dúvida alguma, o Nirvana deve ser considerada a maior banda dos anos 90, uma vez que arregimentou milhões de fãs, vendeu milhões de discos e teve seu estilo musical imitado por muitos outros grupos. O Nirvana, que tinha Kurt Cobain como seu líder, foi o autor de clássicos como “Smells Like Teen Spirit” e “Rape Me”, figurantes do primeiro lugar na lista dos mais pedidos. Kurt e sua voz gritada, o quebra-quebra dos instrumentos e o problema com as drogas marcaram a carreira meteórica desta banda, cujo fim foi causado pelo suicídio do vocalista, em abril de 1994. Por outro lado, o Pearl Jam tinha uma atitude bem menos agressiva, letras mais poéticas e músicas bem elaboradas, como “Even Flow”, primeiro grande hit do grupo. Com o passar dos anos, e depois da morte de Kurt, que levou fãs de todo o mundo à loucura, o cenário grunge foi sendo substituído, ao menos nos Estados Unidos, pelo rock alternativo. Aos poucos, bandas como o Pearl Jam e o Soundgarden foram ficando obscurecidas e a vendagem de seus discos caíram à medida em que iam sendo lançados. Neste ano de 1997, o Soundgarden anunciou sua dissolução, mesmo depois do sucesso obtido no ano passado, quando se apresentaram no festival que passa por todo os Estados Unidos, Lollapalooza. Já o Alice in Chains, cujo vocalista passa mais tempo em clínicas de tratamento contra drogas do que no palco, anda meio sumido do cenário. Das bandas que surgiram após esta imensa onda grunge, nenhuma se mostrou tão promissora quanto seus influenciadores. E neste ritmo, a opção para quem gosta de grunge acaba por ser ouvir os álbuns e ver os vídeos deixados pelo Nirvana ou pelo Pearl Jam.



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Guns N'Roses




Guns N'Roses


Não é à toa que o Guns N’Roses leva o título de "a banda mais perigosa do mundo". O comportamento polêmico de seu vocalista e a violência musical de seus shows fizeram seu nome ainda maior dentre aqueles que gostam de uma boa dose de hard rock. Comum estilo de tocar e vestir bem parecido com o do Aerosmith, sua principal influência musical, o Guns N’Roses nasceu em Los Angeles, Califórnia, no ano de 1985. Sua primeira formação, que mudou consideravelmente ao longo dos anos, contava com William Axl Rose nos vocais, Slash e Izzy Stradlin’ nas guitarras, Duff McKagan no baixo e Steven Adler na bateria. Axl Rose e Izzy Stradlin’ eram amigos desde a infância, que passaram um tanto quanto longe dali, em Indiana. Já os outros membros do grupo,0conheceram-se nos clubes de L.A., onde suas bandas antecessoras, LA Guns e Hollywood Rose, tocavam com certa frequência. Ironicamente chamados de Guns N’Roses, por tratar-se de serem as partes restantes dos dois grupos já citados, o quinteto passou a apresentar-se nos bares e clubes da cidade, chamando a atenção por seus shows energéticos e cheios de fúria. Isso foi o suficiente para que várias gravadoras concorressem entre si, na esperança de conseguir assinar com o grupo. A Geffen saiu vencedora e, em março de 1986, tratou logo de anunciar seu mais novo contratado como a banda mais selvagem dos últimos tempos. Com uma grande gravadora para apoiá-los, o grupo tomou o tempo necessário e lançou, no final de 1987, seu primeiro álbum. “Appetite For Destruction” saiu das lojas direto para as paradas americanas, emplacando hits como “Sweet Child O’Mine” e “Welcome to the Jungle”, sendo que esta última fazia parte da trilha sonora de um filme de Clint Eastwood. Não só o hard rock furioso do grupo, como as letras de suas músicas também chamaram a atenção. Todo o aspecto negativo da vida era registrado e, em um só disco, podia-se encontrar “It’s so Easy”, que falava sobre violência; “Rocket”, sobre sexo; “Mr. Browstone”, sobre drogas; “Nightrain”, sobre álcool e muito mais.  O disco vendeu oito milhões de cópias só nos EUA e os shows continuaram a acontecer nos dezoito meses que se seguiram. Ainda em 1988, o Guns N’Roses lançou um disco com apenas cinco faixas, sendo quatro inéditas e uma gravação ao vivo, chamado “GN’R Lies”. A polêmica instaurou-se novamente quando “One In a Million”, que fazia parte deste disco, começou a ser notada. Sua letra trazia uma frase bastante preconceituosa (Imigrantes e bichas não fazem sentido para mim. Eles vêem ao nosso país e espalham doenças), que causou furor nas comunidades de homossexuais e imigrantes dos Estados Unidos. Condenado pela mídia, Axl Rose, autor da letra, tentou retratar-se dizendo que tinha problemas com homossexuais porque seu padrasto o abusava sexualmente quando ele era criança. Apesar de não ter resolvido o problema, que foi fracamente amenizado, o vocalista não se preocupou em se desculpar com os imigrantes e a banda seguiu em frente. O começo de 1989 foi um pouco tumultuado porque Axl Rose chegou a anunciar sua saída da banda assim que eles terminassem a turnê, que já estava programada, com os Rolling Stones. O motivo alegado por ele era o fato de estar cansado de ter que lidar com o vício dos outros integrantes do Guns. Passada a turnê, nada mais foi falado sobre o assunto e o grupo continuou junto, apesar de ter sofrido algumas mudanças. O baterista Steven Adler foi despedido e substituído por Matt Sorum, que tocava no The Cult. Ele faria parte do próximo lançamento do Guns N’Roses, os álbuns “Use Your Illusion I” e “Use Your Illusion II”, que saíram simultaneamente em 1991. O lançamento dos novos discos, que juntos continham cerca de trinta músicas, veio acompanhado pela saída do guitarrista Izzy Stradlin’, sendo que Gilby Clark entrou em seu lugar. Os álbuns foram considerados fracos em comparação ao seu antecessor e as faixas mais conhecidas eram “Civil War”, “Estranged”, “Back Off Bitch” e “Get In The Ring”. Além destas, as músicas que as rádios mais tocaram foram “Live and Let Die”, cover do Wings,  e “Knockin’ On Heavens Door”, cover de Bob Dylan. A fama repentina do Guns N’Roses começou a causar problemas, que iam desde internações por causa de drogas pesadas, brigas nos hotéis durante a turnê e péssimo tratamento com a imprensa, até o cúmulo do estrelismo em fazer o público esperar por horas a fio para que a banda entrasse no palco. Os processos contra o grupo começaram a surgir de todos os lados, sendo que o mais famoso de todos era contra Axl Rose. Ela havia pulado do palco e atacado um fã só porque este estava prestes a tirar uma fotografia sua. O grupo começava a honrar o apelido de “banda mais perigosa do mundo” mas, nem por isso, perdeu seus fãs, que lotavam estádios em todo o mundo para vê-los tocar. Depois de se internar em uma clínica para tentar curar sua violência e revolta, que o acompanham desde a infância, Axl Rose arranja uma namorada e parece estar mais calmo. A próxima novidade do grupo, seria a integração do tecladista Dizzy Reed, como membro definitivo do Guns N’Roses. Mais um ano se passou e o Guns n’ Roses ainda fazia parte das manchetes dos jornais. O assunto desta vez seria o acidente de moto envolvendo o guitarrista Gilby Clark, que quebrou a perna e teve que passar por uma cirurgia. Como a banda estava no meio de sua gigante turnê, que durou cerca de dois anos, Izzy voltou para substituir Clark, que ficou meses sem poder andar. A volta de Clark aconteceu em um show na cidade de Viena, Áustria. Depois de dois longos anos na estrada, o grupo separou-se e cada membro resolveu dedicar-se a um projeto solo, fato que causou uma série de boatos de que esta seria o fim definitivo da maior banda de hard rock dos anos 90.  Para sossegar os fãs, o Guns N’Roses lançou, no Natal de 1993, “The Spaghetti Incident?”, uma coletânea de músicas de outras bandas, regravadas pela banda. O disco rendeu vários lugares nas paradas americanas e britânicas, com covers do Misfits, Sex Pistols, UK Subs, entre outros, mas a faixa mais polêmica não estava citada no encarte. Era uma regravação de “Look At Your Game, Girl”, da autoria de Charles Manson, um músico que está preso por ser o assassino confesso de uma atriz. Passada a euforia de “The Spaghetti Incident?”, começaram novamente os boatos de que Axl Rose estaria deixando o grupo. Declarações confusas de todos os membros só serviam para piorar a situação e a falta de um novo trabalho acabava por firmar ainda mais a idéia de que o grupo estaria se separando. Em 1995, porém, o Guns N’Roses volta às rádios com a regravação de “Sympathy for the Devil”, dos Rolling Stones, que fazia parte da trilha sonora do filme Entrevista com um Vampiro. Depois desta rápida aparição no cenário mundial da música, o grupo cairia novamente na rotina dos boatos sobre volta e separação, que ora aparecem nos jornais sensacionalistas de Los Angeles e do resto do mundo. O guitarrista Slash continua com seu projeto paralelo, Slash’s Snakepit, que gravou um disco e chegou a tocar pelo mundo afora, mas ninguém confirma, nega ou sequer dá uma pista sobre o que teria acontecido com o Guns N’Roses. No final de tudo, depois de um sucesso repentino e de ganhar o mundo, o Guns N’Roses continua dedicando-se à sua especialidade: criar polêmica.



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Hardcore




Hardcore


Enquanto estilo musical, em tese o hardcore não especifica um gênero em especial. A palavra hardcore é usada para definir algo extremo, que chega aos limites de suas próprias características. Por exemplo: um filme pornográfico hardcore é aquele que traz as cenas mais ousadas, mais obscenas, mais fortes. Assim, por esse raciocínio, hardcore poderia ser qualquer banda de qualquer estilo, já que uma banda death metal hardcore seria aquela mais pesada, mais rápida, mais inacessível aos não-iniciados no gênero. Contudo, na história do rock, convencionou-se chamar de hardcore os grupos que executam um som similar ao das bandas da segunda geração punk britânica. A segunda geração britânica de bandas punk surgiu no final da década de 70 quando, com o fim dos Sex Pistols, o punk foi dado como morto naquele país. Porém, uma grande cena underground, que não contava com o apoio e/ou cobertura da mídia (como os conjuntos da primeira geração), interessada nas novas modas, mantinha o punk rock vivo. Essa cena underground era formada pelas bandas que viriam a ser as criadoras do hardcore, um punk rock mais agressivo, mais tosco, mais direto, menos melódico e infinitamente mais polêmico. Essas bandas foram responsáveis também pela adoção de um visual pesadíssimo, pois seus integrantes vestiam roupas rasgadas e/ou surradas sobrepostas por peças de couro, correntes por todo lado, inúmeros piercings, tatuagens e moicanos imensos. Os mais importantes nomes da segunda geração punk britânica foram o The Exploited, o GBH e o Discharge. Obviamente, cada uma das três possuíam suas particularidades sonoras e líricas (bem como as bandas da primeira geração), mas eram parte de algo único, um movimento menor, mas mais autêntico e que realmente estava de acordo com sua música: suja, barulhenta, agressiva, ofensiva, mal tocada. Ou seja, hardcore. Além das citadas, fizeram parte em menor escala de importância (não de qualidade) da segunda geração punk britânica: Dead Man’s Shadow, Vice Squad, Cockney Rejects, Peter & The Test Tube Babies, The Lurkers, 999, Angelic Upstairs, Varukers e outras. Mas o hardcore também se fez presente em outras partes do mundo (e se faz até hoje). Alguns nomes: Terveet Kädet, Rattus, Crass, M.O.B., D.R.I., Verbal Abuse, Suicidal Tendencies, Descents, Agnostic Front, Cro-Mags, Murphy’s Law, Toxic Reasons, Chaos UK, Skrewdriver, Electro Hippies, Circle Jerks, Extreme Noise Terror, Disaster, S.O.B., Siege, Maniacs, Infernö, Larm, Riot Squad, Crude SS, Anti-Cimex, Ratos de Porão, Kaaos, Doom e inúmeros outros. Vale lembrar que alguns desses grupos possuíam em meio ao seu material músicas praticamente punks (afinal, foi dele que todas vieram) e outros já começavam a fazer aquilo que pouco mais tarde se tornaria o grindcore.



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Heavy Metal




Heavy Metal


Heavy Metal é a denominação utilizada para caracterizar um estilo musical descendente do rock’n’roll, que tornou-se muito popular na décadas de 70 e 80. O comportamento tipicamente revoltado e contra a sociedade aparecia nas letras agressivas e nos cabelos compridos e roupas adotados pelos grupos deste estilo. Musicalmente falando, os grupos de heavy metal normalmente fazem canções com batidas rápidas e instrumentos, guitarras e baixo, distorcidos acompanhadas por vocais gritados e solos intermináveis. A distorção da guitarra, que ganhou um som metálico e muitos decibéis acima do normal, rendeu ao estilo sua denominação, tornando-o especialmente famoso dentre os jovens mais agitados. É claro que o heavy metal não apareceu de uma hora para outra, tendo crescido e se desenvolvido paralelamente ao rock praticado pela grande maioria dos músicos. As experiências com instrumentos, volume, distorções e o virtuosismo daqueles que sabiam tocar muito melhor do que a grande média da população, contribuíram para o nascimento do metal, como é carinhosamente chamado pelos seus fãs. Apesar de 1970 ser considerado o ano do surgimento do estilo, muito antes disso, músicos como Jimi Hendrix, Eric Clapton e bandas como o The Who já davam seus primeiros passos em direção ao heavy metal, mesmo nunca tendo feito parte integral dele. O conjunto inglês Black Sabbath é considerado o precursor do heavy metal, assim como sua música “Paranoid”, que chegou às rádios em 1970. As letras que falavam de rituais macabros, as guitarras distorcidas e o trabalho do vocalista logo chamaram a atenção daqueles que já estavam enjoados dos ritmos ouvidos até então. Daí para frente, outros grupos começaram a surgir diversificando o estilo e difundindo o poder das guitarras, que agora eram instrumentos de suma importância, pelo mundo afora. Com o sucesso do Black Sabbath, apesar da polêmica que causava com suas letras, gravadoras e outros membros da indústria da música se empenharam em encontrar outras bandas para aumentar a gama que fazia parte do estilo. Pouco tempo depois, o ritmo acelerado, o visual exagerado e o virtuosismo apareceriam em bandas como Judas Priest, Deep Purple, Iron Maiden, AC/DC, Metallica, Megadeth, Anthrax, Manowar e centenas, milhares de outras que vieram com o passar dos anos, deixando sua marca no estilo inventado por Ozzy Osbourne e sua turma. Dentre os vários caminhos tomados pelo heavy metal desde o primeiro dia de sua existência, o heavy metal se desmembrou em diversos pedaços. Exatamente pelo fato da música ser o centro da criatividade e vivência de seu criador, alguns grupos incluíram novos instrumentos, novos estilos ou simplesmente adaptaram sua maneira de tocar o heavy metal, para seu próprio prazer. Como aconteceu com o próprio rock anos antes, o heavy metal foi inovado e ganhou novos estilos dentro do seu, que vieram acompanhados por novas denominações, na tentativa de melhor separar ou caracterizar os grupos. Um destes estilos é o chamado thrash metal, que teve seu clímax nos anos 80 através de bandas como o Metallica, Megadeth, Exodus e Testament. A diferença deste estilo para o heavy consiste, principalmente, na velocidade das músicas e na agressividade da voz. A partir do thrash, foi criado o black metal, representado por grupos como o Venom e o Bathory, cujas letras sombrias e riffs de guitarra marcados e pesados caracterizavam mais uma vertente do rock. Todo o peso do black metal foi acelerado centenas de vezes por aqueles que criaram o estilo mais agressivo e violento já saído do heavy metal. Chamado de death metal, suas letras sangrentas e velocidade, até então, inimaginável ganharam espaço dentre os ouvintes mais radicais. Bons exemplos para este tipo de som são Deicide, Death, Sodom e Morbid Angel. Seguindo na linha pesada, porém muito mais lenta, com guitarras altamente distorcidas e vozes guturais, está o doom metal. Além destas vertentes obscuras, existe também o glam metal com suas maquiagens e roupas coloridas, visual feminino e letras românticas, que conquistaram as garotas na década de 80. Seus maiores representantes são Slade, Kiss, Motley Crüe, entre outros. A fusão do heavy metal com o rap e o funk originou o funk metal, cujas principais características eram a utilização de frases faladas e não cantadas, além de batidas tão marcadas quanto às utilizadas pelos grupos de funk e rap. Os grupos Living Colour, Red Hot Chilli Peppers e Beastie Boys são ótimos exemplos para esta vertente do rock. Já o power metal, que ficou conhecido com bandas como o Helloween, cuja mistura aparentemente impossível de heavy metal com música clássica fez sucesso no mundo todo, caracteriza-se por músicos extremamente virtuosos, incluindo o vocalista, ritmo bastante acelerado e guitarras pouco distorcidas. Alguns estudiosos do rock afiram a existência de centenas de outras vertentes do heavy metal, cujas denominações foram criadas através dos tempos na tentativa de definir melhor cada grupo diferente que surgia. Nomes como speed metal, pop metal e muitos outros apareceram para confundir ainda mais aqueles que gostam do estilo, tornando praticamente impossível uma total classificação de todas as denominações que levam o sobrenome metal. Outro fato que dificulta bastante esta classificação é a questão de opinião de cada pessoa, que pode encaixar um certo grupo em dois ou mais estilos de heavy metal diferentes, porque este grupo pode soar como tais estilos. Digamos, então, que o heavy metal tradicional originou uma série de vertentes dentro de seu próprio ritmo, as quais servem para definir melhor e especificar as bandas que se diferenciam entre si. Mas, na verdade, não se pode esquecer de que todas estas vertentes saíram de um só estilo, que ainda possui a melhor e mais abrangente denominação para todos os grupos que utilizam guitarras distorcidas, som alto e bateria acelerada: o heavy metal.



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Hellhammer/Celtic Frost




Hellhammer/Celtic Frost


Para muitos, o Hellhammer e o Celtic Frost não são mais do que a mesma banda (já que os integrantes, por muito tempo, foram os mesmos). Para outros, trata-se de dois grupos de importância ímpar e inegável, mas distintos, que só têm em comum o fato de ter possuído integrantes coincidentes em suas formações. De qualquer modo, as duas bandas estão intimamente ligadas uma à outra, sendo que a forma mais simples de contar sua história é juntando-as. O Hellhammer foi formado na Suíça, em 1982, pelo guitarrista e vocalista Thomas Gabriel (que, na época, atendia pelo pseudônimo de Tom Warrior). A formação durante essa época modificou-se inúmeras vezes, mas sempre com Gabriel à frente. No mesmo ano e no seguinte, o grupo gravou duas demos, “Death Fiend” e “Triumph Of Death”. O material contido nessas duas fitas era, por um lado, primitivo e simplesmente antimusical (os próprios integrantes admitiam na época não saber tocar seus instrumentos), mas, por outro, totalmente de vanguarda, inédito, nunca feito antes. Era heavy metal, mas com uma energia e simplicidade musical que o aproximava do punk, a agressividade não encontrava paralelos no cenário musical de então - os riffs sujos e graves, a voz gutural e a cozinha rápida eram a chave - e a imagem sombria do grupo contribuía para completar o mito: estava surgindo ali dois gêneros musicais, o death metal (que mais tarde teria seus contornos definidos) e o black metal (embora esse nome só seria dado ao estilo com o lançamento do clássico disco homônimo do Venom, de 1982). O Hellhammer se tornou uma unanimidade no underground metálico e Warrior uma verdadeira lenda - apesar das constantes acusações (sempre assumidas por eles, lembremos) de incapacidade musical. Em 1983, a formação se estabilizou com Gabriel nos vocais e guitarra, Martin E. Ain no baixo e Bruce Day na bateria. Este trio lançou mais uma demo, “Satanic Rites”, e, finalmente, em 1984, o clássico EP “Apocalyptic Raids”, uma das gravações mais importantes do heavy metal nos anos 80. Embora mal produzido, mal tocado (alguns erros de execução são evidentes na gravação), curto (só quatro faixas) e dificílimo de ser encontrado (originalmente, era uma produção independente), o disco foi imediatamente elevado à categoria de obra-prima pelos cultuadores do grotesco quarteto. As quatro músicas do EP, “The Third Of Storms (Evoked Damnation)”, “Massacra” (um hino), “Triumph Of Death” e “Horus/Agressor” são, até hoje, vistas como quatro pérolas do estilo e qualquer fã real de death metal as conhece de cor e salteado. Pouco após o lançamento de “Apocalyptic Raids”, Stephen Priestly entrou no lugar de Bruce Day. Contudo, as habilidades musicais do trio começaram a se expandir e a limitação do material do Hellhammer já não mais coincidia com seus objetivos. Por isso, ainda em 84, os três acabam com o conjunto e formam o Celtic Frost, com a mesma formação (por isso muitos encaram ambas as bandas como sendo uma única). Os dois primeiros produtos fonográficos do Celtic Frost, os EPs “Morbid Tales” e “Emperor’s Return”, traziam a mesma proposta básica do Hellhammer, mas muita mais evoluída e musicalmente relevante. Os fãs mais radicais do Hellhammer não aceitaram aquela mudança, mas foram minoria. O Celtic não demorou muito a atrair uma legião de seguidores e, em 1985, o álbum “To Mega Therion” saiu e tornou-se mais uma obra-prima de Gabriel, Ain e Priestly. Ainda sombrio, direto, cru e extremo, o disco era bem tocado, bem produzido, original, trazia idéias novas e, acima de tudo, mostrava que o death metal não precisava ser, necessariamente, tosco. No ano seguinte, teve início o que, para muitos, foi a decadência do Celtic Frost. O LP deste ano, “Into The Pandemonium”, apresentou uma série de inovações nunca vistas no death metal. Agora, violinos, metais, letras em francês, sonoridades de hip hop e outras virtudes bizarras juntavam-se ao peso das guitarras e à agressividade da seção rítmica. O Celtic Frost provava ser corajoso o suficiente para experimentar, mas os fãs (ao contrário da crítica) começou a chamá-los de decadentes e traidores. Mas foi em 1988 que tudo foi por água abaixo. Ain deixou o conjunto e foram adicionados a ele Oliver Amberg (guitarras) e Curt Victor Bryant (baixo). O agora quarteto assumiu um visual simplesmente ridículo (inspirado nas bandas glam de Los Angeles, como Poison, Mötley Crüe e outras, que eram um fenômeno de vendas na época) e Warrior abandonou o pseudônimo e passou a assinar como Thomas Gabriel. O disco gravado sob esse panorama foi chamado “Cold Lake”. Dizer que esse álbum é pífio seria elogiá-lo. As músicas já não têm mais nada em comum com o death metal (era, agora, um hard rock insosso), soam artificiais e descartáveis. Parecia claro que Gabriel tencionava conquistar o mercado americano, inatingido pelo Frost, e resolveu copiar os grupos que então faziam sucesso por lá - logo ele, que ficara famoso como um vanguardista. Contudo, a tentativa foi em vão, já que o álbum não foi bem nos EUA. Além disso, os antigos fãs viraram as costas ao conjunto, que outrora representara o que de mais íntegro existia no underground e que, de repente, se transformou naquilo que eles mais odiavam: uma banda comercial, barata, vendida. Com o fracasso de “Cold Lake”, Gabriel viu-se num beco sem saída. Estava claro que continuar com aquela proposta não o levaria a lugar nenhum e, se decidisse voltar aos velhos tempos, seria oportunismo demais - e o underground não tolera oportunismo. O fim foi, então, irremediável. De qualquer forma, apesar de ter se transformado numa piada ao final de sua carreira, a banda (ou as bandas?) de Warrior, indiscutivelmente, foi responsável por uma reviravolta no heavy metal, uma das mais ousadas e vanguardistas de sua história - seja quando provou que a simplicidade podia ser imaginativa, seja quando teve a capacidade de trazer a um estilo tido como limitado as maiores inovações já sofridas por ele. O grupo tentou inutilmente uma volta na década de 90 (tentativa nunca admitida): lançou uma coletânea com algum material inédito e apresentou-se como convidado em alguns shows. No entanto, seu tempo já passou.



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Helloween




Helloween


O Helloween é o grupo alemão de heavy metal que criou um estilo próprio, hoje imitado por centenas de bandas em todo o mundo, inclusive no Brasil. Guitarras virtuosas e melódicas, acompanhadas por um baixo sagaz, bateria ultra rápida e uma técnica vocal parecida com a utilizada por cantores de ópera, o Helloween se destacou dos demais grupos de sua época justamente por possuir músicos de primeira linha em sua formação. Outra característica da banda é a utilização de trechos e instrumentos de música clássica no meio de suas composições, que contém letras contando histórias épicas da luta entre bem e o mal. O Helloween foi formado no começo da década de 80, pelo guitarrista Kai Hansen, que chamou Michael Weikath, também guitarrista, para juntar-se à ele. Mas, antes do Helloween, Kai Hansen e Peter Sieck montaram um grupo chamado Gentry, ao lado de músicos convidados. Quando a formação se estabilizou, com Markus Grobkopf no baixo e Ingo Schwichtenberg na bateria, o grupo mudou seu nome para Second Hell. Infelizes com sua nova denominação, mudaram novamente para Iron Fist e, quando Kai Hansen chamou Michael Weikath, por volta de 1982, o grupo finalmente adotou o nome Helloween. O grupo, agora formado por Kai Hansen e Michael Weikath nas guitarras, Markus Grobkopf no baixo e Ingo Schwichtenberg na bateria, deu início aos ensaios e à apresentações em bares pequenos na Alemanha. Dois anos mais tarde, o Helloween seria convidado a participar de uma coletânea, chamada ‘Death Metal’,  com uma série de outras bandas. O grupo gravou, então, duas músicas que saíram nesta coletânea com os vocais de Kai Hansen e chamara a atenção dos fãs de heavy metal para sua competência musical. Em 1985, o Helloween finalmente entrou em estúdio para gravar seu próprio disco, um mini-LP, auto-intitulado, que contava com o poderoso Mike Kiske nos vocais. O acerto com Mike era provisório, uma vez que ele só participou do ‘Helloween’, mas, um ano mais tarde, Kiske foi novamente chamado para empunhar o microfone nas gravações do primeiro álbum do Helloween, chamado ‘Walls of Jericho’, lançado em 1986. ‘Walls of Jericho’ marcou a entrada definitiva de Kiske no grupo, que agora começava a ser reconhecido e bastante apreciado pelo público em geral. A simpatia e a voz de Kiske, que é capaz de alcançar notas altíssimas enquanto canta, contagiaram os alemães, que passaram a freqüentar os shows da banda. O primeiro grande sucesso mundial do Helloween viria com ‘Keeper of the Seven Keys Part I’, lançado em 1987 e muito bem sucedido na Europa. Depois de fazer uma turnê pelos principais países europeus, a banda entra novamente em estúdio para gravar ‘Keeper of the Seven Keys Part II’, álbum que consolidou a fama do Helloween ao redor do mundo. A banda chagava ao auge da sua carreira, fazendo shows por todos os continentes e arregimentando centenas de fãs e seguidores, que montaram suas próprias bandas tendo o Helloween como principal influência. E foi bem na melhor parte de sua história que o grupo sofreu uma queda. A troca de empresário e a mudança de gravadora, da Noise alemã para a EMI, obrigaram o Helloween, por causa de processos judiciais, a ficar proibido de lançar qualquer produto. Como se não bastasse, o fundador e guitarrista Kai Hansen resolve deixar a banda alegando estar muito cansado por causa das constantes viagens. Hansen, logo após a saída do Helloween, montou outro grupo chamado Gamma Ray. Para completar, Mike Kiske se desentende seriamente com os outros integrantes da banda e Ingo Schwichtenberg começa a apresentar sinais de piora de sua esquizofrenia hereditária. Os altos e baixos no humor de Ingo tornavam suas atitudes estranhas no palco e fora dele. Esta esquizofrenia somada ao vício em cocaína resultou em sua trágica morte, quando Ingo se suicidou. Não se sabe como, mas o Helloween, depois de muito tempo, recuperou suas forças e lançou ‘Pink Bubbles Go Ape’, que decepcionou os fãs por estar bem diferente do antigo estilo do Helloween. Todos creditaram o fracasso do disco ao fato de que a banda ainda estava se levantando do grande tombo que havia levado. Depois deste, o Helloween lança, em 1993, ‘Chameleon’, também considerado fraco quando comparado à grande maioria de seus antecessores. ‘Master of the Rings’, de 1994, apresenta imensos indícios da recuperação da banda, com total reformulação em sua formação, com Andi Deris nos vocais, Michael Weikath e Roland Grapow nas guitarras, Markus Grobkopf no baixo e Uli Kusch na bateria. Em 1996, vem o álbum ‘The Time of the Oath’. Depois deste lançamento, o Helloween voltou ao antigo posto de melhor banda do gênero, fato que foi comprovado na imensa turnê mundial que o grupo fez para divulgar o álbum. 



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Influência da Pop Music no Rock




Influência da Pop Music no Rock


A existência do rock nunca foi fácil. Estilo musical socialmente inaceitável, por si só possui características que fazem do seu fim algo potencial. Mais de uma vez, o gênero se viu frente a tempos difíceis, nos quais suas premissas básicas deixavam de ser importantes, mas sempre surgiram artistas inovadores para devolver a ele sua importância - e sua existência. Se existiu uma época em que o rock’n’roll se viu realmente em vias de se extinguir, essa época foi a segunda metade dos anos 70, pouco antes da explosão do punk rock. Apesar de o estilo ter se mantido vivo entre os grupos de fãs que sempre haviam lhe mantido suporte, sinais inequívocos de visível indiferença marcaram o gênero no momento ao qual estamos nos referindo. Foi sob esse contexto que surgiu a disco music, grande culpada pela quase morte do rock. A origem da disco music está nas comunidades negras e homossexuais americanas do início da década de 60, nas quais proliferavam as discotecas, casas de dança em que uma pessoa (o DJ) selecionava as músicas a serem executadas, enquanto a platéia dançava - vale dizer que está aí a origem das chamadas danceterias modernas, que, ainda hoje, constituem-se uma antítese do rock. Aos poucos, as discotecas passaram a se desvincular dessas comunidades e a proliferar por todos os lugares. Evidentemente, tudo era feito para que o público não parasse de dançar (premissa básica da existência de uma discoteca), por exemplo: usava-se mais de um aparelho de som para que, quando da troca das músicas (e dos discos), não houvessem interrupções. Para atingir o mesmo objetivo, ou seja, para impedir que as pessoas parassem de dançar, dava-se prioridade de execução às músicas que não possuíssem mudanças de tempo (isto é, sempre com a mesma batida, o mesmo compasso, a mesma contagem, etc.) nem mudanças de “clima” (isto é, não havia espaço para surpresas, como uma parte acelerada em meio a uma música lenta por exemplo) - o que fez com que muitas músicas passassem a ser executadas com samplers e baterias eletrônicas, ou seja, o “músico” muitas vezes nem precisava tocar seu instrumento. Seria perfeito se as letras fossem banais, para não provocar no ouvinte nenhum tipo de pensamento ou reflexão que o afastasse da dança. Tudo isso relegava a segundo plano a inventividade, a criatividade, a qualidade musical, a relação artista-público (os intérpretes da disco music eram desconhecidos, só suas músicas eram lembradas), tudo. Era um espécie de “emburrecimento” da música, um processo para torná-la secundária, coadjuvante, mecânica - contrário a tudo que o rock significava. Durante o final da década de 70 esse processo acima descrito foi levado a cabo paralelamente ao surgimento de cada vez mais discotecas e, em 1978, a disco music explodiu com o lançamento do filme “Saturday Night Fever” (Os Embalos de Sábado à Noite). De uma hora pra outra, Bee Gees, KC and The Sunshine Band, Village People, Kool and The Gang, Tavares, Chic e muitos outros tornaram-se sucessos retumbantes e uma discoteca aparecia a cada segundo em algum lugar do mundo ocidental. Mas, se a disco pouco tem a ver com o rock, por que estamos falando dela? Porque, com o declínio do punk, a disco music (e, por extensão, seu acachapante sucesso) conquistou o mundo e obscureceu o rock. O resultado disso foi que o próprio rock acabou por influenciar-se pela proposta, muitas vezes com resultados desastrosos (exemplo claro e definitivo: ouça o Kiss dos discos “Dynasty” e, principalmente, “Unmasked”). Entretanto, como toda moda, a disco music também caiu com a mesma velocidade que subira. Em meados da década de 80, o público desinteressou-se, as bandas acabaram, as discotecas fecharam e o rock ressurgiu triunfante - ainda que um pouco debilitado pelos anos que ficara relegado segundo plano. Obviamente, a disco music deixou seu legado nefasto, afinal, provêm dela quase todos os estilos antimusicais que temos hoje, nos quais inexistem instrumentos musicais, apenas batidas hipnóticas insuportáveis e um sujeito cantando qualquer coisa: dance music, electronic body music, house, trance, etc. - nos quais o “músico” é, na verdade, um programador de computador. No entanto, por mais que se queira a mecanização e a debilitação, o rock sempre soube como não sucumbir aos momentos em que a falta de talento falou mais alto que a criatividade e/ou a inventividade. As discotecas são a prova cabal e definitiva da imortalidade do estilo.



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Influência do Reggae no Rock




Influência do Reggae no Rock


O reggae é um ritmo característico da Jamaica, que tem como seu maior representante o cantor e compositor Bob Marley. A base do reggae, assim como do rock, é o R&B que os jamaicanos ouviam nas transmissões das rádios norte-americanas. Com um ritmo lento e compassado e riffs marcantes e simples nas guitarras, o reggae surgiu no final da década de 70, criando duas vertentes musicais: o skatriplo e o rock steady. O uso de instrumentos musicais de percussão tipicamente africanos, assim como flautas e banjos, conferiu ao reggae uma direção bastante diferente dada ao rock’n’ roll. Os compositores jamaicanos freqüentemente incluíam em seus grupos um grande número de backing vocals, na sua maioria femininos, que serviam como complemento ao vocalista principal. Mais tarde, os grupos de reggae também passariam a usar instrumentos de sopro, como saxofones e trompetes, para tornar ainda mais rico aquele ritmo tão diferente. Apesar do reggae estar bastante famoso na Jamaica, este ritmo só se tornou realmente conhecido nos Estados Unidos quando o filme The Harder They Come, que era jamaicano, foi lançado na América do Norte. O ator principal deste longa-metragem era Jimmy Cliff, um grande cantor de reggae que, através das telas, ajudou a disseminar o ritmo de sua terra natal. O filme contava uma história comum, mas trazia muito reggae em sua trilha sonora. Como a grande maioria das letras escritas pelos jamaicanos naquela época tratava de problemas como a invasão dos americanos na Jamaica, as condições péssimas de vida na qual os jamaicanos eram obrigados a sobreviver, entre outros, além de ser usada como meio de disseminação da filosofia rastafari (uma religião praticada pelos jamaicanos). Com a fama crescente do reggae, vários músicos de todos os lugares do mundo passaram a se interessar pelo novo ritmo. Muitos, inclusive, viajaram até a Jamaica para poder aprender in loco as batidas marcadas e a filosofia rastafari. O resultado dessa grande mistura pode ser facilmente percebido em bandas importantes de várias vertentes do rock como no som dos ingleses do The Police, principalmente em seus últimos discos, assim como em algumas músicas dos punk s do The Clash e em muitas outras bandas. O ska, por sua vez, também fez vários adeptos ao redor do mundo, sendo que muitas bandas cultivam este estilo puro até hoje. Uma das misturas mais charmosas que se usa o ska, é a combinação deste ritmo, que utiliza trompetes e saxofones, com a energia do punk da nova geração. As bandas californianas Rancid e NOFX são ótimos exemplos a serem citados dentre muitas e muitas outras de todas as partes do mundo. O reggae, com seu calor característico e seu ritmo cativante conseguiu servir como um tempero a mais para o rock’n’ roll, aumentando, através desta saudável mistura, a gama de fãs do ritmo mais ouvido do planeta. 



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Iron Maiden




Iron Maiden


O grupo inglês Iron Maiden é, com certeza, um dos mais importantes na história do heavy metal tradicional. Eles são a banda mais conhecida e idolatrada da chamada New Wave of British Heavy Metal, inspiraram centenas de bandas do estilo e estão juntos até hoje. O Iron Maiden, conhecido carinhosamente pelos fãs como A Dama de Ferro, ou somente Iron, teve início no ano de 1977, quando o baixista Steve Harris deixou de lado sua paixão pelo futebol e resolveu começar a tocar algo diferente do som punk , que estava em alta na Inglaterra naquela época. Depois de tocar em alguns bares e pubs ingleses e de ter sua formação original alterada, a banda gravou, em 1979, um compacto chamado “The Soundhouse Tapes”, que vendeu rapidamente suas cinco mil cópias. O sucesso foi tanto que, neste mesmo ano, a banda, agora formada por Steve Harris (B), Dave Murray (G), Dennis Straton (G), Doug Sanson (D) e Paul Di’Anno (V), assina um contrato com a EMI. Por estar doente na época da gravação, Doug foi substituído por Clive Burr, que acaba permanecendo na banda. Em 1980, o disco auto-intitulado começa a vender bem e o Iron Maiden parte para uma turnê com o Judas Priest e o Kiss. Neste mesmo ano, o guitarrista Dennis Straton resolve deixar a banda e Adrian Smith, um velho amigo de Dave Murray, entra em seu lugar. A consagração do Iron Maiden no cenário mundial veio com “Killers”, lançado em 1981, ano em que a banda fez shows pelo Japão, Estados Unidos, Europa e Canadá. Foi nesta turnê que nasceu o Eddie, famosa caveira que é mascote da banda e modelo de quase todas as capas de seus discos. Ao final desta volta ao mundo, que durou oito meses e visitou cerca de quinze países, o vocalista Paul Di’Anno deixa o conjunto, sendo substituído por Bruce Dickinson, que até então fazia parte do Sanson. Sua voz e estilo incomparáveis deram outra perspectiva à banda que, menos de um ano depois, mostrava ao mundo seu novo álbum, “The Number of the Beast”, que, com a música de mesmo nome, consagrou a Dama de Ferro. A turnê com o novo vocalista rodou dezesseis países em dez meses, incluindo uma apresentação no Reading Festival, onde tocaram como atração principal para mais de trinta mil pessoas. Mais uma alteração no time e Clive Burr deixa o campo para dar lugar a Nicko McBrain, que logo participa da gravação de “Piece of Mind”, álbum que conquistou as paradas norte-americanas com “Flight of Icarus”. Depois desse veio “Powerslave”, cuja turnê mundial incluiu o Brasil, em 1985, quando eles tocaram no festival Rock In Rio. Desta volta ao mundo surgiu o álbum ao vivo “Live After Death”, lançado quase que simultaneamente a “Somewhere in Time”, que ficou conhecido pela maravilhosa “Wasted Years”. Sem parar de produzir, o Iron Maiden, dois anos mais tarde, mostra ao mundo sua nova criação, intitulada “Seventh Son of a Seventh Son”, cuja faixa-título não parava de tocar nas rádios do globo. Junto com o disco, é claro, veio a turnê mundial. Foi exatamente depois desta turnê que o Iron Maiden resolveu tirar suas tão merecidas férias, voltando renovada e cheia de novidades em 1990. O guitarrista Janick Gers havia tomado o posto de Adrian Smith, que resolveu deixar o grupo, e o álbum “No Prayer for the Dying” acabava de sair do forno, recheado de hits como “Bring Your Daughter to the Slaughter” e “Holy Smoke”. Mais uma vez, o sucesso da banda dentre os fãs do heavy metal exigia uma mega turnê mundial, que contava com uma produção incrível e até mesmo shows com efeitos especiais e ilusionismo. Como um relógio que nunca atrasa, o Iron Maiden lançou “Fear of the Dark” exatamente dois anos depois. O disco emplacou músicas, como “Be Quick or Be Dead” e “Wasting Love”, que ganharam vídeos na MTV e passaram a tocar em todas as rádios do Brasil. A turnê mundial de 1992 incluiu o Brasil e foi a última de Bruce Dickinson que, no ano seguinte, resolveu dedicar-se à sua carreira solo. Neste mesmo ano de 1993, o Iron lançou mais três discos ao vivo: “A Real Live One”, “A Real Dead One” e “Live at Donington”. O último disco do quinteto britânico, “The X Factor”, saiu em 1995 já contando com a voz de Blaze Bayley, escolhido dentre muitos para substituir Bruce. Blaze foi muito bem recebido pelos fãs na turnê mundial do álbum que, mais uma vez, passou pelo Brasil no festival Monsters of Rock de 1996. 



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James Brown




James Brown


Embora não seja exatamente um intérprete de rock, e sim de soul music, James Brown foi uma grande influência para os músicos de sua geração. Nascido em 1933, lançou seu primeiro disco em 1956, mas sem conseguir muita repercussão. Dois anos depois, porém, a música “Try Me” estourou os Estados Unidos, principalmente no sul do país, onde a música negra começava a despontar como a mais empolgante de então. A partir daí, passou a se apresentar em todo o território americano e seus discos passaram a ser sucessos nacionais. Suas canções flertavam com o rhythm & blues, com o gospel e, claro, com o rock’n’roll. Com seu LP mais rocker, “Prisoner Of Love”, de 64, conquistou definitivamente seu espaço, em especial por causa de seus vocais roucos e performance alucinada. Daí em diante, voltou-se novamente ao blues e à soul music, adicionando um tempero pop às suas composições. Passou, então, a atingir um outro tipo de público, com igual sucesso. Da segunda metade da década de 70 em diante, sua música adquiriu contornos dançáveis e totalmente pops, o que contribuiu para que sua carreira entrasse em franca decadência. Seus shows, porém, estão sempre lotados, já que Brown é uma lenda viva e escreveu alguns bons temas do rock’n’roll.



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Janis Joplin




Janis Joplin


Considerada por muitos uma das melhores cantoras de rock de todos os tempos, Janis Joplin nasceu em 19 de janeiro de 1943, no Estado do Texas. Durante o movimento hippie das décadas de 60 e 70, ela mudou-se para a cidade de São Francisco, na Califórnia, o principal ponto de encontro dos adeptos ao movimento paz e amor. Janis então, juntou-se ao grupo “Big Brother and the Holding Company”, que era formado por Sam Andrew e James Gurley (guitarras), Pete Albin (baixo) e David Getz (bateria), tornando-se uma vocalista poderosa que se destacava de todos os outros. Mas foi no Monterey Pop Festival, que aconteceu em 1967, nos arredores de São Francisco, que Janis Joplin ganhou a atenção de todos. Nele, a vocalista e sua banda conseguiram assinar um contrato com a Columbia Records, pela qual gravaram “Cheap Thrills”. O disco começou a vender muito (ficou oito semanas no primeiro lugar da lista dos mais vendidos), transformando-se em uma das preferências nacionais. Com o alto índice de vendas, o grupo tornou-se bastante conhecido no país e a voz poderosa e rouca de Joplin chamou a atenção do público, que dizia jamais ter visto uma mulher branca cantar blues tão perfeitamente. Com todos os olhos virados totalmente para ela, a totalmente hippie Janis Joplin partiu para uma gloriosa carreira solo. Seu primeiro disco, “I Got Dem Ol Kozmic Blues”, foi lançado em meados de 1969 e era acompanhado pela banda “The Cozmik Blues”. O jeito gritado e totalmente rhythm & blues de cantar de Janis Joplin rendeu ao álbum o quinto lugar nas paradas e seu nome ganhou ainda mais espaço no cenário da música, ultrapassando os limites de São Francisco e chegando a todo o país. No ano seguinte, Janis gravou e lançou seu segundo disco, intitulado “Pearl”. O sucesso da paródia “Mercedes Benz”, onde ela imita com perfeição todos os trejeitos de uma típica cantora de coro negra, fez com que muitos outros músicos a elogiassem incansavelmente. Mas, infelizmente, no dia quatro de outubro deste mesmo ano de 1970, Janis Joplin morreu de overdose de heroína, aos vinte e sete anos de idade. O álbum “Pearl”, que foi lançado pouco depois de sua morte, ficou nove semanas no primeiro lugar das paradas norte-americanas. Sua música mais conhecida, e talvez a mais importante na carreira de Joplin, era “Me and Bob McGee”, que saiu também como single e vendeu bastante.  



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Jefferson Airplane




Jefferson Airplane


Ao lado do Grateful Dead, o Jefferson Airplane foi o grupo mais importante do movimento hippie acontecido na cidade americana de San Francisco. Formado em 1965 por Marty Balin (vocais), sua melhor e mais famosa formação foi a que trazia Grace Slick (vocais), Paul Kantner (guitarra), Jorma Kaukonen (guitarra), Spencer Dryden (bateria), Jack Cassidy (baixo) e, claro, o próprio Balin. Embora tenham feito sucesso entre as comunidades hippies locais desde o instante de sua formação, começaram a se tornar uma lenda do rock americano somente após o lançamento do primeiro disco, “Jefferson Airplane Takes Off”, que trazia uma música até então inédita, que misturava blues, folk e jazz a muita psicodelia e letras engajadas. Quando lançaram seu terceiro disco - “After Bathing At Baxters”, considerado por muitos sua melhor obra, cheio de improvisos e viagens musicais infindáveis,  entraram em sua fase áurea, solidificando seu nome na história do rock e se tornando um mito para os hippies de todo o mundo. Seguiram-se, então, mais duas obras-primas, “Crown Of Creation”, de 68 (que disputa com “After Bathing...” o título de melhor disco de sua carreira), e o agressivo “Volunteers”, de 69, um álbum pacifista, mas inconformado, que tem como tema central e único a guerra do Vietnã, a pleno vapor na época de sua gravação. Mas, após “Volunteers”, tem início a decadência do movimento hippie e, com ela, a decadência do Jefferson Airplane. Problemas internos de relacionamento entre membros da banda, principalmente entre Marty Balin e o casal Grace Slick/Paul Kantner, acabam por forçar a saída de Balin e, posteriormente (após o lançamento de mais alguns discos medíocres), o fim do grupo. Quase todos os membros passaram a desenvolver trabalhos solo ou em parceria após o término do conjunto. Assim, não foi muito surpreendente quando, em 1974, eles se reuniram para formar uma nova banda, Jefferson Starship, que, apesar de ter levado a cabo turnês de imenso sucesso (obviamente por se tratar do Jefferson Airplane, ou seja, garantia de que seriam tocados os velhos hinos da década de 60), não conseguiu construir carreira qualitativamente sólida. Louve-se, porém, sua iniciativa de retornar com outro nome, para não sujar aquele que foi dos mais belos capítulos da história da psicodelia americana.



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Jerry Lee Lewis




Jerry Lee Lewis


Uma das figuras mais controversas e polêmicas da história do rock, Jerry Lee Lewis, que era aspirante a pastor no Instituto da Assembléia de Deus localizado em uma pequena cidade do Texas, viu sua carreira crescer rapidamente. Jerry, como muitos outros de sua época, começou a estudar música desde cedo, tocando piano e cantando no coro de sua igreja. Por causa de seu talento, Jerry logo começou a tocar nos clubes da cidade de Ferriday, na Louisianna, onde nasceu. Anos mais tarde, em meados da década de 50, impulsionado pelo crescente sucesso do jovem Elvis na gravadora The Sun, Lewis resolveu tentar a sorte como músico profissional. Ele simplesmente dirigiu-se à gravadora, levando uma fita com suas composições, e insistiu até que alguém lhe desse atenção e resolvesse escutá-la. Com sorte, o agitado rapaz foi aprovado e gravou “Crazy Arms”, que seria um teste dele na gravadora. A experiência musical adquirida durante anos de estudo e a convivência com as comunidades negras da Louisianna foram fundamentais na formação do estilo de Jerry, que fazia um rock’n’ roll explosivo com balanço e tom de voz tipicamente dos negros. Suas apresentações eram dinâmicas e inovadoras, uma vez que Jerry não conseguia manter-se sentado à frente do piano e seu jeito quase selvagem de tocar o tornaram conhecido dentre os jovens. Logo em seguida, ele regravou uma antiga canção negra chamada “Whole Lotta Shakin’ Going On”, cuja letra um tanto quanto avançada chocou os mais puritanos e acertou em cheio nos jovens norte-americanos. No mesmo ano de 1957, o cantor e pianista gravaria sua música mais conhecida, que é também o nome do filme que conta sua história, “Great Balls of Fire”. Com a intenção de fazer de tudo para chamar a atenção, Jerry passou a atear fogo em seu piano todas as vezes que apresentava esta canção, levando seus fãs à loucura. O jeito selvagem, arrogante e totalmente fora-da-lei de Jerry Lee Lewis logo passou a ser apreciado pelos mais jovens, que o consideravam excêntrico. E foi bem no ano de 1958, no auge de sua carreira, que começava a direcionar-se para a Inglaterra, onde ele já era bastante conhecido, que Jerry viu tudo desmoronar-se. A sociedade conservadora mundial, principalmente dos Estados Unidos e Inglaterra, condenou o grande artista que era Jerry pelo simples fato de que ele havia se casado com sua prima, uma garotinha de quinze anos. Depois que o casamento fora descoberto pela imprensa, todas as portas fecharam-se para Lewis, que teve que voltar da Inglaterra por sua turnê ter sido cancelada assim que a notícia  espalhou-se. Ele foi praticamente banido das rádios dos dois países e teve que desaparecer por algum tempo até que todo o tumulto passasse. Da noite para o dia, Jerry Lee Lewis passara de astro do rock a tarado em potencial, simplesmente porque casou-se com sua prima. Sua música e carreira haviam sido prejudicadas por causa de sua vida pessoal. Depois disso, o cantor “afundou-se” na bebida, a qual, aliás, o acompanha até hoje, mas continuou gravando músicas nos estilos rock e country. Em 1961, “What’d I Say” chegou a entrar nas paradas norte-americanas e britânicas e, dois anos mais tarde, ele assinaria um contrato com a Mercury para lançar vários sucessos da música country. Seu nome nunca foi esquecido pelos apreciadores do rock dos anos 60 e várias coletâneas com suas canções daquela época ainda são lançadas e relançadas. Há apenas alguns anos, Jerry Lee Lewis fez uma pequena turnê onde apresentou todos os seus antigos sucessos, reunindo fãs de todas as idades. Definitivamente, ele é uma das lendas vivas do rock’n’ roll. 



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Jimi Hendrix




Jimi Hendrix


Sem dúvida nenhuma, o guitarrista mais importante de todos os tempos, uma figura lendária que influenciou todos os instrumentistas que viriam depois dele. Seu estilo de tocar revolucionou não só a própria guitarra, mas também todo os padrões do rock vigentes até então. Hendrix (aliás, James Marshall Hendrix) nasceu em Seattle, no dia 27 de novembro de 1942, e começou tocar guitarra por volta dos dez anos de idade, tendo como grandes influências os blueseiros Muddy Waters e Robert Johnson. Chegou a participar de dúzias de bandas de garagem, até que iniciou sólida carreira profissional, tocando ao lado de grandes nomes do rock de então, como B.B. King, Sam Cooke, Jackie Wilson, Little Richard e outros. À época, usava o pseudônimo Jimmy James e seus primeiros registros fonográficos ocorreram em 1964, em discos de Lonnie Youngblood, Isley Brothers e Curtis Knight. Foi numa apresentação deste último que o empresário Chas Chandler o viu tocar, ficou impressionado com o seu estilo e passou a trabalhar com ele. Paralelamente, Hendrix já tinha seu próprio grupo, Jimmy James and the Blue Flames. Entretanto, ambos decidiram que o melhor formato era o trio, com guitarra, baixo e bateria. Formada, a banda Jimi Hendrix Experience, com Noel Redding (baixo) e Mitch Mitchell (bateria), Chandler os levou para Londres e o sucesso foi praticamente imediato. Em 66, se apresentam no programa “Ready Steady Go”, da TV inglesa, apresentando, entre outras, aquela que seria seu primeiro mega-sucesso, a clássica “Hey Joe”. Claro que o foco das atenções era aquele guitarrista que reunia todas as qualidades encontradas em outros instrumentistas: rapidez, técnica, presença de palco apaixonada e, acima de tudo, uma criatividade tão imensa que tornava seu estilo de tocar algo único, incomparável, inimitável. Tocava com os dentes, ateava fogo na guitarra, fazia amor com ela, produzia microfonias, distorções, desafinações sem fim, mas nunca de forma gratuita. Após “Hey Joe”, seguiram-se mais alguns compactos (dentre eles o segundo mega-sucesso, “Purple Haze”) até o primeiro álbum, “Are You Experienced ?” Nada, até então, era tão pesado e tão inovador. A banda passou a se apresentar em todos os festivais importantes da época, dentre eles o Monterey Pop, que finalmente lhes valeu sucesso em seu país-natal. Em 69, no entanto, o Experience se desfez. Em Woodstock, naquela que a apresentação mais magistral de sua carreira, quem tomou conta do baixo foi Billy Cox, um antigo amigo de Hendrix, com Mitchell na bateria. Ainda neste ano conseguiu realizar um antigo sonho: formou uma banda só com músicos negros, a Band Of Gypsies, com Cox no baixo e Buddy Miles. Entretanto, tal grupo não funcionou bem e logo Mitchell é convidado a voltar para as baquetas. Em julho de 1970 ele toca pela última vez nos EUA; em agosto inaugura seu próprio estúdio, o Electric Ladyland, em New York, e, ainda em 70, toca no festival da Ilha de Wight, vindo a morrer em Londres alguns dias depois, por intoxicação com barbitúricos e sufocado no próprio vômito. Porém, estava viva para sempre a lenda, um músico que jamais será igualado, cuja genialidade foi proporcional à revolução que causou no rock’n’roll, sentida até hoje.



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Judas Priest




Judas Priest


Os fãs do heavy metal elegeram o Judas Priest como o melhor representante do gênero. Com uma história de vinte e cinco anos, que influenciou a grande maioria das bandas de rock de hoje, e uma legião de admiradores, o legendário Judas Priest nasceu na cidade de Birmingham, Inglaterra, no ano de 1973. Formado por Rob Halford nos vocais, Glenn Tipton e K.K. Downing nas guitarras, Ian Hill no baixo e Dave Holland na bateria, o grupo tinha como característica principal suas roupas de couro cheias de tachas de metal, o que mais tarde viria a ser a moda principal dos chamados metaleiros. A fúria do som do Judas Priest, acompanhado da voz estridente e única de Rob Halford são as maiores armas da banda que, quando toca ao vivo, transforma seu show de rock em uma performance quase que teatral. Mas esta fúria tinha uma razão. Os integrantes do grupo estavam dispostos a tudo para não ter que terminar como a grande maioria dos jovens de sua idade naquela época: trabalhar em uma das centenas de indústrias sediadas em Birmingham. O mais engraçado é que K.K. e Ian, que já se conheciam antes, resolveram pegar Rob como vocalista depois que este imitou a atriz Doris Day cantando com precisão. O tom de voz um tanto quanto incomum de Rob tornou-se uma das marcas registradas do Judas Priest. Depois, o grupo arregimentou o guitarrista Glenn Tipton e o baterista Dave Holland. Na verdade, considera-se a formação original da banda como sendo o vocalista, os dois guitarristas e o baixista, uma vez que a troca de baterista era constante. Depois de ensaiar e compor algumas músicas, o Judas, como é chamado pelos fãs mais queridos, assinou com o selo Gull, pelo qual gravou “Rocka Rolla”, em 1974. O disco foi lançado quase sem ser notado, ao contrário de seu sucessor, “Sad Wings of Destiny”, de 1976, que conquistou todos aqueles que gostavam de um som mais pesado. Este disco, que beira o gótico e o doom metal, inclui a famosa “Victim of Changes” foi o ponto de partida para o sucesso da carreira do grupo inglês. Tocando em várias casas do país e tendo seu nome cada vez mais reconhecido, o Judas Priest deixa a Gull em 1977, para assinar com a grande CBS. A mudança de gravadora foi essencial para a banda, que passou a receber um maior suporte financeiro e publicitário. Nesta mesma fase, o grupo, finalmente, conseguiu acertar com Les Binks, baterista que permaneceria com o Judas por um longo período. Com tudo acertado, os ingleses entraram em estúdio para gravar seu primeiro trabalho com a CBS, “Sin After Sin”, que firmou a banda no cenário do rock britânico com seu rock rápido e trabalhado, recheado com letras inteligentes e enfeitado com a voz gritante de Rob. “The Sinner” é a faixa mais clássica deste álbum. Com maiores condições financeiras, o grupo começa a investir mais em seu visual, exagerando nas botas e jaquetas de couro preto, cujas partes de metal chegavam a brilhar no palco. O ano seguinte, 1978, foi cheio de surpresas e lançamentos. O grupo colocou nas lojas nada menos do que dois álbuns de primeira qualidade. “Stained Class” e “Killing Machine” causaram impacto, colaborando para o crescimento do nome Judas Priest. Nos shows ao vivo, a performance teatral furiosa e, ao mesmo tempo, hilária de Rob Halford deixava os fãs alucinados. As turnês destes dois discos fizeram com que a banda ficasse meses viajando pelo mundo, o que resultou na gravação de um disco ao vivo, “Unleashed in the East”. O álbum foi gravado no Japão e criou uma polêmica quando chegou aos ouvidos públicos, em 1979. Por causa da qualidade da gravação, muitos faziam brincadeiras com o nome do disco, dizendo que este deveria se chamar “Unleashed in the Studio”, por parecer ter sido dublado em estúdio. Piadinhas à parte, o álbum é, hoje, considerado um clássico do Judas Priest, que seguiu em frente e, já no ano seguinte, lançou mais um trabalho. “British Steel”, de 1980, alcançou altos índices de vendas e emplacou hits pedidos até hoje nos shows do grupo. A famosíssima “Breaking the Law”, com suas guitarras marcadas e vocais competentes, assim como “Midnigth”, “United” e “Living After Midnight” chegaram a altos postos nas paradas inglesas, nomeando o Judas Priest como uma das mais imponentes bandas da New Wave of British Heavy Metal. Dois anos mais tarde, o Judas Priest atingiria o auge de sua carreira com o lançamento de “Screaming for Vengeance”, que dominou toda a Inglaterra, chegando para arrasar também nos Estados Unidos. O preconceito norte-americano contra bandas vindas da Inglaterra, como aconteceu com Beatles e Rolling Stones, foi quebrado como vidro frágil pelos berros de Rob Halford e sua banda. O sucesso de “Screaming for Vengeance” exigiu uma turnê mundial, que serviu para colocar o grupo definitivamente no mapa. Musicalmente falando, o disco trazia algumas mudanças advindas da tecnologia disponível, como o uso de sintetizadores, mas nada que pudesse estragar ou abalar a fúria do quinteto, que continuava a apresentar-se de maneira energética e a tocar o mais alto possível. Com as portas abertas para o mundo, o Judas Priest continuou seu trabalho lançando “Defenders of the Faith”, seguido de “Turbo” e “Blade Runner”, todos seguindo a mesma linha sonora que consagrou o grupo junto aos fãs de heavy metal. Já aos seus quinze anos de estrada, o Judas Priest ainda conseguia manter sua fama de destruidor de palcos, não por terem o costume de quebrar os instrumentos, mas por causa da intensidade de seus shows. Sem perder o pique, nem o sucesso, o grupo lança, em 1988, “Ram it Down”, que, mais uma vez, é muito bem recebido pelos fãs. Inatingíveis, os ingleses do Judas Priest simplesmente não oferecem nenhum tipo de concorrência a seus compatriotas mais novos. O lugar do grupo no coração dos fãs de heavy metal é sagrado e isso ficou muito bem comprovado com o lançamento de “Painkiller”, de 1990. O disco estourou em vendas confirmando o sucesso do grupo, que ganhou ainda mais seguidores mundo afora. “Painkiller” veio acompanhado por uma turnê mundial, na qual os veteranos do Judas Priest mostraram que ainda tinham fôlego para ir muito além do imaginado. Inexplicavelmente, depois de um disco tão bem sucedido, o Judas sofreria uma grande perda, pois, em 1992, o vocalista, e um dos maiores símbolos do grupo, Rob Halford, anuncia que está deixando o Judas Priest. Ao mesmo tempo, ele começa a dedicar-se a uma outra banda, composta por integrantes bem mais novos, chamada “Fight”. Esta parada abrupta na carreira do Judas Priest impulsionou seu guitarrista, Glen Tipton,  a gravar um disco solo, enquanto o grupo fazia audições com novos vocalistas. Definitivamente sem Rob, as dificuldades em encontrar um substituto para um vocal tão característico e poderoso tem atrasado um novo lançamento do Judas Priest. Enquanto isso, os fãs aguardam.



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Kiss




Kiss


O Kiss nasceu em 1973, quando Eugene Klein e seu amigo Stanley Eisen decidiram tocar juntos. Eles chegaram a gravar alguma coisa, mas o material nunca foi lançado. Mesmo assim, sem desanimar, os dois seguiram com seu projeto, adotando um visual extremamente exagerado, que chamou a atenção do público dos bares de New York. Com um anúncio no jornal, Stanley Eisen (V/G), que passou a se chamar Paul Stanley, e Eugene Klein (B/V), rebatizado como Gene Simmons, encontraram Peter Criss (D/V) e Ace Frehley (G/V). O quarteto estava formado. Eles começaram a tocar em lugares pequenos, até que a gravadora Casablanca os procurou para assinar um contrato que, em 1974, resultou no primeiro disco da banda, “Kiss”. A crítica execrou o disco, mas os fãs começaram a surgir e, ainda em 1974, o Kiss lançou “Hotter than Hell”. Trabalhando sem parar o quarteto só conseguiu algum reconhecimento de verdade com “Dressed to Kill”, que saiu em 1975 e bateu um recorde de vendas. A música “Rock’n’ Roll All Nite” passa a ser o hino da juventude americana, que estava alucinada com as roupas e os efeitos visuais utilizados pelo grupo em seus shows. Com a aceitação total do público, a crítica começa a mudar de opinião sobre o Kiss que, neste mesmo ano, lança um álbum duplo ao vivo, chamado Alive I. Este álbum acaba por provocar um aumento de vendas de todos os seus antecessores, colocando o Kiss nas paradas musicais dos EUA. Sem parar de trabalhar e tocando como loucos por todo o mundo, a banda lança, em 1976, “Destroyer”, que foi considerado seu melhor disco. Clássicos como “Detroit Rock City”, “God of Thunder” e “Shout it out Loud” saíram deste disco. Com um ritmo inacreditável, o grupo entra novamente em estúdio para terminar, no mesmo ano, “Rock and Roll Over”, que leva o mesmo estilo rock alegre do Kiss de sempre. Com a pilha toda, o Kiss, em 1977, apresenta ao mundo “Love Gun”, cujo palco da turnê mundial contava com centenas de artefatos pirotécnicos, lasers e até sangue para o deleite dos fãs. No final do ano, outra compilação ao vivo, “Alive II”, chega às lojas e estoura em vendas, aumentando ainda mais o prestígio do grupo. Cansados da correria, 1978 foi um período diferente, marcado pela gravação de álbuns solos de todos os integrantes do Kiss e pelo lançamento das coletâneas “The Originals” e “Double Platinum”. Começam a surgir as intrigas internas na banda e, neste clima, “Dynasty” é lançado em 1979, seguido de “Unmasked”, de 1980. Este foi o último disco com Peter Criss, que deixa o grupo para ser substituído por Eric Carr. “Music from the Elder”, também de 1980, foi bem recebido pela crítica, mas odiado pela própria banda, que se apressou em gravar “Killers”, de 1981. Os olhos dos fãs voltaram-se novamente na direção do Kiss em 1982, quando “Creatures of the Night” trouxe sucessos como “I Love it Loud”, “War Machine” e a romântica “Still Love You”. Nesta época, Ace Frehley sofre um acidente de carro, sendo obrigado a deixar o grupo. Vinnie Vincent entra em seu lugar, já participando das gravações de “Lick it Up”, de 1983, álbum que marca os dez anos e o fim das famosas maquiagens e do visual excêntrico do Kiss. No ano seguinte, vem “Animalize”, do sucesso “Heavens on Fire”, já com Bruce Kulick no lugar de Vinnie, que saiu para montar sua própria banda. Sem o mesmo ritmo alucinante de outrora, o quarteto grava “Asylum” em 1985 e “Crazy Nights” em 1987. O ano seguinte só viu a coletânea “Smashes, Thrashes & Hits”, que reviveu alguns sucessos como “Rock and Roll All Nite” e “Detroit Rock City”. “Hot in Shade”, de 1989 e “Revenge”, de 1992, foram os últimos álbuns de Eric Carr no Kiss. Pouco depois do lançamento de “Revenge”, Eric faleceu, vítima de câncer. Por ironia do destino, ele seria substituído por alguém de mesmo nome, Eric Singer. Um ano mais tarde, seria lançada a terceira coletânea ao vivo, “Alive III”, que veio seguida de uma longa pausa da banda e de vários boatos sobre seu fim. Em 1996, porém, a rede americana MTV conseguiu unir novos e velhos integrantes do Kiss para a gravação de um programa onde eles tocariam seus maiores sucessos de maneira acústica. E foi exatamente nesta noite que surgiu a idéia de uma volta aos velhos tempos, ou seja, os integrantes originais do Kiss voltariam a tocar juntos e gravariam um disco. Os fãs foram ao delírio e, no mesmo ano, o Kiss lançou a coletânea “You Wanted the Best, You Got the Best” e saiu viajando pelo mundo com seu velho visual excêntrico dos anos 70. A volta bem sucedida causou histeria por parte dos fãs e desgosto por parte de Bruce Kulick e Eric Singer, que ameaçaram deixar a banda. Até o começo do ano de 1997, o Kiss ainda estava em sua mega-turnê com sua formação original e não há nada confirmado sobre a saída dos outros dois integrantes do grupo, que têm lotado estádios em todo o planeta.   



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Kreator




Kreator


Uma das bandas que ajudaram a definir a “cara” do death metal na década de 80, o Kreator iniciou suas atividades em 1982, na Alemanha, com o nome de Tormentor. No início, eram um quarteto, mas quando decidiram fazer um som mais sujo e mais rápido, viram que o então vocalista não iria segurar a barra e expulsam-no do grupo. Passaram a ser um trio, formado por Mille (vocais e guitarra), Ventor (bateria) e Rob (baixo). Isso aconteceu por volta de 1984 e, no ano seguinte, em virtude das muitas bandas homônimas existentes, o grupo resolveu mudar o nome para o atual. Nessa época, já haviam gravado suas demos tapes que chamaram a atenção de diversas gravadoras underground. Para aproveitar o bom momento, o grupo entrou em estúdio em 1985 para gravar seu primeiro LP, embora tivessem poucas músicas totalmente concluídas (as cinco restantes foram compostas em cima da hora, em meio às gravações). O resultado disso tudo foi o álbum “Endless Pain”. O disco mostrava um thrash cru e ríspido, cuja agressividade encontrava poucos paralelos no cenário de então. A sonoridade do Kreator era uma leve amostra do que viria a ser conhecido como death metal alguns anos depois. Em 1986, foi lançado o segundo álbum, “Pleasure To Kill”, já bem mais trabalhado que o primeiro, mas ainda muito pesado e rápido. Ainda no mesmo ano, a banda lançaria o EP “Flag Of Hate”. Em 1987, retornaram definitivamente à formação quarteto (já haviam tentado isso na época do segundo LP, mas o integrante em questão era muito ruim) e lançaram o excelente “Terrible Certainty”, disco que os elevou à condição de ‘superstars’ do underground. Posição consolidada com o álbum de 89, “Extreme Aggressions”, o melhor e mais bem produzido trabalho de sua carreira. A partir do disco seguinte (“Coma Of Souls”), contudo, as coisas começaram a dar errado. Neste disco, o Kreator investiu muito em tecnicismos e não agradou seus antigos fãs, acostumados à violência do som do grupo. Com “Renewal” a situação ficou ainda pior, pois, na tentativa de voltar à antiga sonoridade, acabaram soando totalmente artificiais. Já nessa época, muitas mudanças de formação (com idas e vindas de integrantes, à exceção de Mille, que sempre se manteve à frente do conjunto) já ocorriam e o grupo perdia progressivamente sua identidade. Mas a importância de seus primeiros trabalhos sempre será sentida e reverenciada.



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Led Zeppelin




Led Zeppelin


Sem dúvida, dos mais importantes nomes na história do rock pesado, o Led Zeppelin exerceu influência determinante e incontestável sobre todas as outras bandas do gênero que vieram depois dela. Incorporando elementos de blues, hard rock e muitas viagens sonoras, inovaram o estilo e conquistaram platéias não só em seu país-natal, a Inglaterra, mas ao redor de todo o mundo. A história da banda é até confusa e mesmo trágica, mas qualquer fã de rock’n’roll a conhece “decor e salteado”. Quem formou o Led Zeppelin foi o guitarrista Jimmy Page. Ex-músico de estúdio, ele entrara no Yardbirds e, com o fim daquela banda, montou o The New Yardbirds, com  o auxílio do baixista de estúdio John Paul Jones. Para os vocais, a dupla tentou convencer Terry Reid a entrar. Contudo, este declinou do convite, mas sem antes deixar de indicar o nome de um amigo seu para o cargo, Robert Plant, que cantava numa banda chamada Band Of Joy. Plant, após ter impressionado Page com seu estilo de cantar, aceitou o convite e indicou seu companheiro de banda John Bonham para assumir a bateria. Estava formado o The New Yardbirds, que logo saiu em turnê. Em 68, após apresentação no Marquee Club, de Londres, Keith Moon (baterista do The Who) sugere à banda que troque o nome para Led Zeppelin. A sugestão não é aceita de imediato (The Whoopee Cushion e The Mad Dogs foram nomes que chegaram a batizar o conjunto por algum tempo), mas logo é escolhida como definitiva. Começaram fazendo mais sucesso nos Estados Unidos, onde o compacto com “Whole Lotta Love” (acusada de ser recriação de “You Need Love”, de Willie Dixon, cujo nome acabou sendo incluído posteriormente nos créditos de autoria da canção) e “Living Loving Maid” se tornou um sucesso de vendagens assim que foi editado, em 1968, a despeito do desprezo da crítica. No ano seguinte, saiu o primeiro álbum, que tornou-se um imenso sucesso de vendas. Ainda no mesmo ano sai o segundo, que trilhou o mesmo caminho dourado. O terceiro LP, composto no País de Gales, deixou o peso um pouco de lado, ao trazer várias canções acústicas, dentre elas a famosa “Since I’ve Been Loving You”. Entretanto, em 1971, foi editado quarto álbum, a sua obra-prima. Cheio de referências místicas (que lhes valeu acusações de satanismo e bruxaria), traz clássicos definitivos, como “Black Dog”, “Rock’n’Roll” e a imortal “Stairway To Heaven”, considerada por muitos a melhor música de todos os tempos. A seguir, vieram “Houses Of The Holy” e “Physical Graffiti”, que deram continuidade ao sucesso massacrante da banda. Aí, começaram os problemas. Plant teve problemas na garganta, Page machucou a mão e Bonham sofreu de úlcera. Por isso, cancelaram algumas apresentações e foram tirar férias. Durante elas, Plant sofre um grave acidente de carro e grava o pesadíssimo álbum “Presence” (com certeza o mais incompreendido de sua carreira), todo engessado. Em virtude do estado do vocalista, não podiam se apresentar ao vivo e aproveitam a oportunidade para lançar o filme e disco “The Song Remains The Same”. Só retornaram aos palcos em 77 e, mesmo assim, por pouco tempo, pois o filho de Plant, Karac, faleceu em meio à turnê que faziam naquele ano. Em 1979, foram para Estocolmo gravar “In Through The Out Door”, que trazia John Paul Jones também nos teclados. No ano seguinte, a tragédia maior: Bonham “encheu a cara” de vodca na casa de Jimmy Page e morreu de intoxicação alcoólica ali mesmo, pondo fim a um dos mais espetaculares grupos de hard rock da década de 70. Em 1980 ainda foi lançado um disco póstumo com sobras de estúdio, “Coda”, e Jimmy Page e Robert Plant partiram para carreiras solos, razoavelmente bem-sucedidas. Ambos voltaram a gravar juntos em 1994/95, quando levaram a cabo o projeto Page & Plant, que muitos encararam como uma volta do Led Zeppelin.



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Little Richard




Little Richard


Figura essencial dos primórdios do rock’n’roll, Little Richard não só deixou um legado de clássicos definitivos do rock como também inovou a maneira de tocar piano e cantar, fazendo dessas duas atividades algo absolutamente anárquico. Nascido em 1932, seu nome verdadeiro é Richard Penniman. Já aos 14 anos cantava no coral da igreja e participava de concursos de calouro, chegando a vencer um deles aos 16 anos. Em 1951, começou a compor e, pouco depois, formou um grupo, The Upsetters. Com esse grupo, gravou por conta própria, em 1955, a canção “Tutti Frutti”. Um pequeno selo de Los Angeles se interessou pela música e lançou-a em um compacto. Resultado: milhões de cópias vendidas e sucesso imediato. Daí em diante, Richard compôs clássicos atrás de clássicos, tornando-se a maior fábrica de hits de rock’n’roll da época. Quem nunca ouviu “Long Tall Sally”, “Good Golly Miss Molly” e “Rip It Up”, músicas que ajudaram a definir o que seria o rock? Fora isso, seu modo de tocar piano, martelando as teclas, e de cantar, utilizando onomatopéias e palavras rimadas, maravilhou e influenciou todos os artistas que vieram depois dele. Entretanto, Richard era de uma família de tradições religiosas extremamente fortes e, em 1957, ele decide deixar a música para se dedicar a Deus. Decepciona-se com a igreja e volta à cena em 1963, compondo agora mais próximo do blues, contudo. Daí em diante, sua carreira entra em progressivo declínio e, atualmente, velho e com a voz desgastada, segue viajando pelo mundo interpretando seus antigos e imortais clássicos.



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Lynyrd Skynyrd




Lynyrd Skynyrd


O Lynyrd Skynyrd foi das mais importantes bandas de southern rock (o rock sulista americano) do início da década de 70. Formado em 1970, o grupo possuía como integrantes de sua line up original Ronnie Van Zant (vocais), Allen Collins (guitarra), Gary Rossington (guitarra), Leon Wilkeson (baixo), Billy Powell (teclados) e Bob Burns (bateria). Entretanto, o time mudou diversas vezes e muitos terceiros guitarristas (sendo Ed King o mais importante) e inúmeras vocalistas passaram pelo grupo. Logo após sua formação, a banda já conseguiu chamar a atenção em meio às outras do circuito roqueiro de Jacksonville, sua cidade-natal, principalmente por causa da voz privilegiadíssima de Van Zant. Não demorou muito para conseguirem o primeiro contrato de gravação, que deu origem ao LP “Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd”. Apesar da boa repercussão, o disco não foi capaz de reproduzir a energia que possuíam as apresentações ao vivo do grupo. Em 1975, Artimus Pyle assumiu o posto de baterista e, no ano seguinte, Steve Gaines passou a ocupar a terceira guitarra. Porém, em 1977, uma tragédia se abateu sobre a banda. Em um desastre de avião, morreram Steve Gaines, Ronnie Van Zant e sua irmã, a vocalista Cassy. A partir daí, apesar das tentativas dos outros integrantes, o Lynyrd Skynyrd nunca mais conseguiu se reerguer. Curiosidade: Lynyrd Skynyrd é uma corruptela para Leonard Skinner, que era o nome do professor de educação física que chateava os alunos de cabelos longos da escola que muitos dos membros frequentaram na adolescência.



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Manowar




Manowar


O Manowar se auto-proclama a única banda verdadeiramente heavy metal do mundo. Com um visual diferente, usam calças e coletes de couro e entram montados em Harley Davidsons no palco, o grupo faz um som pesado, composto por baixo e bateria rápidos e vocais poderosos. Sempre tentando ultrapassar todos os limites, o Manowar conseguiu um lugar no Livro dos Recordes como sendo a banda que toca mais alto em todo o mundo. Suas apresentações são famosas porque sempre acontece alguma coisa diferente, como aparecer um bando de mulheres dançando no palco ou eles estarem vestidos como guerreiros bárbaros. O fato é que, desde que foi formado, em 1982, o Manowar nunca alterou seu estilo musical ou seguiu qualquer tendência, permanecendo-se fiel ao que chamamos de heavy metal tradicional, inclusive visualmente falando. A primeira formação desta banda, que vem de New York, contava com Joey DeMaio no baixo, Eric Adams nos vocais, Donnie Hamzik na bateria e Ross The Boss na guitarra e teclados. O grupo logo assina um contrato com a Liberty Records e lança seu primeiro álbum, intitulado ‘Battle Hymns’, cuja faixa “Dark Avenger” se torna um destaque, pois é narrada pelo ator Orson Welles. No ano seguinte, 1983, o baterista Donnie Hamzik deixa o grupo para ser substituído por Scott Columbus. A nova formação logo começa a ensaiar e compor material inédito, chegando também a tocar em bares e casas pequenas nos Estados Unidos. Em agosto do mesmo ano, o Manowar muda de gravadora assinando com a Music for Nations, pela qual gravam ‘Into Glory Ride’, o primeiro com Columbus. É bem nesta época que o grupo ganha o apelido de The New Barbarians, começando a tocar em mais lugares, tornando-se mais conhecidos. ‘Hail to England’, de 1984, serviu como um trampolim para levar o Manowar direto para a Inglaterra e, conseqüentemente, toda a Europa. Aqueles que já eram fãs ficaram agradecidos com a homenagem oferecida no título do novo disco e os que não conheciam o grupo, pelo mesmo motivo passaram a conhecê-lo. Enfim, o álbum ajudou na consolidação do nome do Manowar no Velho Continente. Seguindo com a carreira de sucesso, o Manowar entra em estúdio para gravar ‘Fighting the World’, um de seus álbuns mais conhecidos e mais polêmicos. Segundo alguns fãs, ‘Fighting the World’, que foi lançado em 1987, é muito leve se comparado aos demais trabalhos do grupo, mas o fato é que a faixa-título ganhou bastante espaço nas rádios e é uma das mais pedidas nos shows de hoje. No ano seguinte viria ‘Kings of Metal’, título que passou a ser o apelido do próprio grupo, seguido de ‘The Triumph of Steel’, de 1992. Este último marca a saída do guitarrista David Shankle e do baterista Rhino, que desfalcaram de uma só vez a formação do Manowar. Depois de quase quatro anos parados, ou melhor, sem gravar um disco, o Manowar volta à ativa e lança, em 1996, ‘Louder than Hell’. O último álbum do grupo conta com Joey DeMaio no baixo, Eric Adams nos vocais, Karl Logan na guitarra e o velho Scott Columbus, que já havia feito parte do Manowar, na bateria. Uma turnê mundial, que incluiu o Brasil, foi programada para divulgar o álbum e trazer o Manowar à ativa, tocando mais alto do que nunca. Quinze anos depois de ter começado, a banda anuncia que não pretende parar tão cedo. 



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Megadeth




Megadeth


Até o ano de 1982, guitarrista Dave Mustaine fazia parte do Metallica, grande nome do heavy metal da Bay Area, na Califórnia. Por problemas pessoais com os outros integrantes do grupo ele resolveu deixar a banda para seguir seu próprio caminho. Pouco tempo depois, Dave estaria formando o Megadeth, do qual ele também se tornaria vocalista, juntamente com o guitarrista Chris Poland, o baixista Dave Ellefson e o baterista Gar Samuelson. Com um estilo tão rápido e agressivo quanto o Metallica, o novo grupo de Dave Mustaine começou a ensaiar e compor várias faixas, apresentando-as nos bares da cidade de São Francisco e arredores. O conhecimento que Dave tinha do mercado e da indústria musical, graças à sua boa fase no Metallica, abriu portas para o Megadeth que, em 1985, já entrava em estúdio para gravar seu primeiro disco. ‘Killing is my Business... And Business is Good’ estava repleto de riffs bem tocados, letras polêmicas e muita, muita velocidade, características que renderam ao grupo o título de banda de speed metal. As performances energéticas nos shows ao vivo e o próprio Dave Mustaine serviram como chamariz para os fãs de música pesada de qualidade. Não só os fãs, como também as gravadoras, voltaram suas atenções para o rápido Megadeth e logo o grupo estaria assinando um contrato com a grande Capitol Records. Trabalhando feito loucos, os integrantes do Megadeth entraram estúdio para lançar, em 1986, seu primeiro disco através de uma grande gravadora. ‘Peace Sells... But Who’s Buying?’ trazia em sua faixa-título toda a fúria do Megadeth, que criticava a política de guerra mundial, assim como vários outros temas, acompanhado por riffs intensos e pela voz estridente de Dave. Faixas como “Wake Up Dead” e “Black Friday” ultrapassaram direto a barreira do som para atingir em cheio o gosto dos norte-americanos. Uma pequena turnê dentro dos Estados Unidos seguiu o lançamento deste disco e, depois dela, Chris Poland e Gar Samuelson deixariam o grupo para serem substituídos por Jeff Young e Chuck Behler. Dois anos mais tarde, o novo quarteto testaria sua química em estúdio, gravando ‘So Far, So Good, So What!’, lançado em 1988. O álbum, que teve ótima aceitação do público dentro e fora dos Estados Unidos, trazia poucas mudanças em sua música, mas muitas no comportamento do fundador do grupo. Dave estava sofrendo com o forte vício em heroína, que o atrapalhava desde a fase de composição de novas músicas e comprometia até mesmo sua performance ao vivo. Percebendo o erro que estava cometendo, Dave logo tratou de se cuidar e fez um bom tratamento para se livrar das drogas. Passando por uma nova fase de sua vida, ele decide reformular o grupo, recrutando o guitarrista Marty Friedman e o baterista Nick Menza para fazer parte do Megadeth. O quarteto ensaia e compõe algumas músicas, sendo que a grande maioria são da autoria de Dave, e entra em estúdio para gravar seu quarto álbum. ‘Rust in Peace’ é lançado em 1990 e traz à tona toda a velocidade que o Megadeth tinha em seu início. A faixa ‘Hangar 18’, assim como várias outras, ganharam espaço nas rádios de todo o mundo, levando o Megadeth a fazer uma grande turnê que passou por vários países. Dois anos mais tarde, ‘Countdown to Extinction’ chegaria ao mercado para consolidar de uma vez o nome do Megadeth no cenário do heavy metal de todo o planeta. O grupo, mais uma vez, saiu viajando e tocando em dezenas de países para divulgar o novo trabalho e satisfazer os desejos dos fãs. Mais maduros, os quatro integrantes do Megadeth deixam traspassar para a música sua nova fase de vida. Ao compor ‘Youthanasia’, que foi lançado em 1994, o grupo preferiu riffs mais lentos e mais pesados, que vieram acompanhados por temáticas menos políticas e mais introspectivas, falando sobre drogas, relacionamentos e outros problemas da vida. ‘Youthanasia’ teve uma festa de lançamento em grande estilo, à meia noite de 31 de outubro, data em que se comemora o Dia das Bruxas nos Estados Unidos. As músicas ‘Train of Consequences” e a “Tout Le Mond” logo apareceram na lista das mais pedidas das rádios norte-americanas especializadas em rock e também tiveram seus vídeos dentre os melhores da MTV. O Megadeth, agora, se tornava uma banda de grande porte, com um imenso prestígio mundial e todo esse sucesso exigia o cumprimento de uma rigorosa agenda de shows por todos os continentes. Três anos mais tarde, em 1997, o Megadeth coloca no mercado seu sétimo trabalho, que estava sendo ansiosamente aguardado pelos fãs. ‘Cryptic Writings’ foi lançado em abril deste ano e trouxe Dave Mustaine, Nick Menza, Marty Friedman e Dave Ellefson de volta ao centro das atenções da mídia mundial. Nestes três anos de intervalo entre ‘Youthanasia’ e ‘Cryptic Writings’, o Megadeth passou meses na estrada, mas seus integrantes tiveram tempo de se dedicar à projetos paralelos. Dave Mustaine montou um grupo chamado MD.45, Nick Menza tocou em uma banda cujo nome é Soma e Marty Friedman esteve trabalhando em seu disco solo, que também foi lançado em 1997. Mesmo com todos estes projetos, os integrantes do Megadeth afirmam que a meta principal é trabalhar neste grupo, que viu sua carreira crescer aos poucos e hoje é considerado o melhor de sua geração e estilo.



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Metallica




Metallica


O Metallica foi a banda de heavy metal mais importante dos anos 80, conseguindo tornar mundialmente popular seu estilo rápido, arrojado e melódico. O nome da banda veio de um fanzine de rock de Los Angeles, local de seu nascimento, que aconteceu em 1981, quando o baterista Lars Ulrich se juntou ao vocalista e guitarrista, James Hetfield, ao baixista Ron McGovney e ao guitarrista Dave Mustaine. Eles começaram a fazer vários shows na cidade abrindo para bandas locais e passaram a se destacar delas por fazer um thrash metal em alta velocidade. Nesta época, gravaram a demo ‘No Life ‘Till Leather’, que continha faixas como “Seek and Destroy” e “Jump in the Fire”. Em 1982, são descobertos pela gravadora Megaforce e, por problemas pessoais, Dave e Ron deixam a banda, sendo substituídos por Cliff Burton (baixo) e Kirk Hammet (guitarra). Em 1983, o Metallica se muda para São Francisco, visando afastar-se da cena glam rock que tomava conta de L.A., Neste mesmo ano, eles lançam seu primeiro álbum ‘Kill’em All’, que foi um sucesso e chegou a vender mais de 20 mil cópias em apenas duas semanas. A fama chegou do outro lado do oceano e o Metallica tocou duas noites lotadas no Marquee, uma famosa casa de shows londrina. Depois de quase um ano de turnê mundial, a banda gravou seu segundo petardo, ‘Ride The Lightning’, na Dinamarca, terra-natal de Lars. O álbum era ainda mais rápido e brutal que seu antecessor e vendeu mais de 250 mil cópias em seis meses, consagrando o Metallica a maior banda de thrash do planeta. O ano seguinte, 1985, foi marcado por grandes shows, como o Donington Festival, onde o grupo tocou para mais de 60 mil pessoas, e por uma turnê imensa por todo o país. No final deste ano, o Metallica entrou em estúdio para gravar seu terceiro álbum, que só sairia no ano seguinte. ‘Master of Puppets’ foi lançado em disco simples e também em edição dupla especial e trazia sucessos como “Battery” e a faixa-título. Logo depois do lançamento, o grupo saiu em turnê mundial e tudo estava correndo bem até que, em uma viagem pela Escandinávia, o ônibus da banda derrapou no gelo e capotou, matando o baixista Cliff Burton. O resto da turnê foi cancelada e a banda voltou para São Francisco com a idéia de homenagear o amigo falecido. Algum tempo depois, foi lançado o vídeo ‘Cliff’em All”, com imagens inéditas do grupo. Jason Newsted, baixista do Flotsam & Jetsam, foi o escolhido, depois de várias audições, para ficar no lugar de Cliff. Em 1987, o Metallica retomou sua turnê, tocando com Jason no Japão e Europa. A primeira participação registrada do novo baixista aconteceu no EP ‘Garage Days Re-Revisted The $5,98 EP’, que trazia vários covers de outros grupos. O próximo grande disco da banda, ‘...And Justice for All’, viria em 1987, acompanhado de uma turnê superproduzida. Depois de meses na estrada e um ano de férias, o grupo lançou ‘Metallica’, em 1991. Com músicas menos pesadas e mais melódicas, o Metallica aumentou sua legião de fãs e exibiu seus vídeos na MTV. Este álbum ficou marcado por hits como “Enter Sandman” e “Nothing Else Matters”, que tocavam em todas as rádios do mundo. O sucessor do álbum preto, como é conhecido, só sairia cinco anos depois e, nesse tempo, o grupo viajou pelo planeta e aproveitou para lançar uma caixa com vídeos e discos ao vivo. O último disco do Metallica foi lançado em 1996, ano em que a banda foi a atração principal do festival Lollapalooza. ‘Load’ trouxe o grupo, agora com um visual completamente diferente, de volta às telas e rádios do mundo.



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Monkees




Monkees


Formado por Davy Jones (vocais), Michael Nesmith (guitarras e vocais), Peter Tork (baixo e vocais) e Mickey Dolenz (bateria e vocais), o grupo norte-americano The Monkees foi criado pela rede NBC de televisão, no ano de 1966. A intenção era dar a resposta, ou pelo menos tentar, à famosa invasão de bandas inglesas, como os Beatles, que, naquela época, haviam tomado conta do cenário do rock’n’ roll dos Estados Unidos. Os quatro integrantes escolhidos para fazer parte do grupo eram bem apessoados e bem comportados. Seu jeito de vestir, cortes de cabelo e até mesmo a disposição no palco eram totalmente copiados dos originais britânicos, que nunca chegaram a ser abalados pelos Monkees. Na verdade, a idéia da NBC era produzir um seriado televisivo nos moldes dos longa-metragens A Hard Day’s Night e Help, que haviam feito muito sucesso e eram estrelados pelo quarteto de Liverpool. A série iria ao ar uma vez por semana e o diretor escolhido era Don Kirshner. Mas, diferentemente do esperado, o sucesso da série, que durou vários anos, transferiu-se para a indústria da música, transformando o The Monkees em um monstro das vendas fonográficas em todo o país. Em apenas dois anos, o grupo ganhou dez discos de ouro e seu primeiro disco, chamado somente “The Monkees”, alcançou um número alto de vendas nas lojas americanas. Sem maiores explicações, o baixista Peter Tork deixou o grupo em 1968, abalando fortemente as estruturas do quarteto. Eles decidiram continuar como um trio, mas, já no ano seguinte, o The Monkees teria o seu fim quase que definitivo. Apesar da dissolução, as músicas do grupo continuaram a tocar nas rádios americanas e também do resto do mundo até que, em 1975, Davy Jones e Mickey Dolenz tentaram promover a reunião do conjunto. Como os outros dois integrantes não aceitaram, eles foram obrigados a procurar substitutos para os postos de baixista e guitarrista. Tommy Boyce e Bobby Hart ocupariam estes cargos e também os de principais compositores. A turnê desta nova fase, que passou por boa parte dos Estados norte-americanos, até que obteve algum sucesso, mas, um ano depois de seu término, o The Monkees veria seu fim, desta vez definitivo, acontecer com a total dissolução do quarteto. 



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Morbid Angel




Morbid Angel


Banda de grande importância para o death metal, o Morbid Angel foi formado em 1984, na Flórida, Estados Unidos, pelo guitarrista Trey Azagthoth. A formação durante a fase inicial do grupo modificou-se inúmeras vezes, mas sempre girando em torno de Azagthoth e do baterista Pete Sandoval. Dois anos depois, o conjunto gravou seu primeiro álbum, “Abominations Of Desolation”. Entretanto, a gravadora que iria editar o disco faliu pouco depois das gravações e ele não foi lançado. Em 1988, o dono do selo que lançaria “Abominations...”, David Vincent, juntou-se à dupla e passou a ser o vocalista e baixista do Morbid Angel. Um ano depois, o trio lançou finalmente seu primeiro LP. Não, não se tratou de “Abominations Of Desolation”, mas sim de “Altars Of Madness”, que imediatamente transformou-se num sucesso entre os fãs de death metal (alcançou o primeiro lugar da parada inglesa de discos independentes), pois trazia inúmeros elementos novos ao gênero e outros nunca dantes tão bem acabados. Características que se tornaram ainda mais marcantes no segundo disco, “Blessed Are The Sick”, que rendeu à banda um sucesso por parte da crítica musical muito raro em se tratando de death metal (gênero odiado pela mídia). O sucesso foi tão avassalador que, tão logo “Blessed...” consagrou-se, o trio assinou com uma grande gravadora. Para aproveitar o bom momento, a Earache (então selo do conjunto) decidiu editar, cinco anos sua gravação, o debut “Abominations Of Desolation”, que se transformou também num grande sucesso de vendas. Em 1993, foi editado o irrepreensível “Covenant”, o primeiro álbum de death metal editado por uma ‘major’ (no caso, a Giant). Tão bem-sucedido quanto os anteriores, este álbum permitiu ao grupo rodar o mundo em extensas turnês, sempre com muito sucesso por onde passavam. A grande quantidade de shows rendeu um álbum ao vivo, “Entangled In Chaos”, editado em 1997. Este foi o último registro do Morbid Angel com Vincent na formação, uma vez que ele abandonou o grupo para juntar-se ao de sua mulher, The Genitortures. De qualquer forma, ainda que nunca mais volte a ser o mesmo com essa mudança, a importância e influência do trio jamais serão esquecidas.



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Motorhead




Motorhead


Banda inglesa formada no ano de 1975 pelo vocalista e baixista Lemmy Kilmister, o Motörhead logo se tornou concorrente em potencial de todas as bandas punk s que infestavam a Inglaterra bem nesta época. Lemmy, que havia sido roadie de Jimi Hendrix e acabara de sair de um grupo chamado Hawkind, chamou Larry Wallis para as guitarras e Lucas Fox para a bateria do Motörhead. Logo eles começaram a ensaiar uma série de composições próprias que fariam parte de seu primeiro disco, ‘On Parole’. O álbum foi gravado em 1976, mas devido à sua má aceitação, ele só foi lançado anos mais tarde. Aliás, a polêmica acompanha o Motörhead desde o seu início quando, no ano de sua formação, eles se apresentaram no Blue Oyster Cult e imediatamente ganharam o título de pior banda do mundo. Mas, todos aqueles que gostavam de metal e punk logo se identificaram com Lemmy e sua turma, passando a acompanhá-los de perto. Por causa da má repercussão do primeiro disco, Lemmy substitui Larry e Lucas pelo guitarrista Eddie Clark e baterista Philty Taylor. Logo eles estavam tocando nos lugares mais barra pesada de Londres, onde conheceram muitos músicos e conquistaram muitos fãs. Algumas dessas pessoas os apresentaram para uma gravadora pela qual, em 1977, o Motörhead lançou seu primeiro disco, auto-intitulado. ‘Motörhead’ foi um sucesso e fez com que a banda recebesse inúmeros convites para tocar em toda a Inglaterra, fato que os ajudou muito a divulgar suas músicas e seu estilo punk de tocar e rock de agir. A voz rouca, as letras e o jeito irreverente de ser de Lemmy, somados à riffs simples e energéticos, típicos do punk, foram registrados mais uma vez em estúdio, logo após a turnê pelo país. Um ano mais tarde, ‘Overkill’ viria para provar a total aceitação do Motörhead no mercado da música. Faixas como “No Class”, entre outras do disco, entrariam rapidamente na lista das mais pedidas pelos britânicos, que passaram a freqüentar com grande assiduidade os shows em altíssimos decibéis da banda. No ano de 1979, chega às lojas o álbum ‘Bomber’, que consolidou definitivamente o nome do grupo no cenário musical inglês. O ano de 1980 ficou marcado para aqueles que acompanham a carreira do Motörhead desde o seu início. Foi durante esses doze meses que o grupo gravou e lançou ‘Ace of Spades’, considerado por uma maioria esmagadora o melhor disco do grupo em toda a sua existência. O álbum trazia grandes faixas como “We Are the Road Crew”, “The Hammer” e “Ace of Spades”, esta última é uma das mais pedidas nos shows do grupo até hoje. Depois do sucesso esmagador deste disco, o Motörhead sai em turnê pela Europa e Estados Unidos viajando e tocando durante meses seguidos. O resultado desta grande viagem foi ‘No Sleep Till Hammersmith’, que saiu em 1981 e trouxe o grupo em seus maiores momentos de fúria tocando ao vivo todos os seus hits. Sem parar sequer por um minuto, a banda entra novamente em estúdio para gravar ‘Iron Fist’ que, apesar de conter boas faixas, não obteve a repercussão esperada. Alguns especialistas em música afirmam que isto aconteceu devido ao grande surgimentos, bem nesta época, de bandas novas, que traziam muita energia tocando um novo estilo musical chamado thrash metal. Neste mesmo ano de 1982, Eddie Clark decide sair do Motörhead, sendo substituído por Brian Robertson, que havia tocado no Thin Lizzy. E foi com Brian nas guitarras que o grupo compôs e gravou ‘Another Perfect Day’, lançado em 1983. O álbum não foi bem recebido por fãs e crítica, fazendo com que Lemmy ficasse bastante decepcionado com o desempenho dos outros dois integrantes da banda. Vários desentendimentos aconteceram e o resultado foi a saída de Brian e Philty Taylor, permanecendo somente o vocalista, que teve, mais uma vez, que recomeçar o grupo. Sem perder as esperanças, Lemmy saiu à procura de novos integrantes para o Motörhead e acabou modificando a estrutura da banda, que ganhou mais um guitarrista. Peter Gill, que fez parte do Saxon, entrou para comandar a bateria enquanto que Phil Campbell e Würzel formavam a dupla de guitarristas. Enquanto o novo Motörhead ensaiava e compunha novas músicas, foi lançada a coletânea ‘No Remorse’, que continha antigos sucessos, lados B de singles e quatro músicas inéditas que já contavam com esta nova formação. Apesar do quarteto estar com toda a força pronta para lançar mais um disco, os problemas com a gravadora Bronze, que anunciou a sua falência, colocou o grupo em brigas judiciais obrigando-o a ficar fora dos estúdios por um período considerável. Problemas resolvidos, o Motörhead corre para o estúdio e lança, no ano de 1986, ‘Orgasmatron’. A faixa-título, dentre outras como “Claw” e “Doctor Rock”, fez um imenso sucesso revigorando o nome do grupo. “Orgasmatron” ficou ainda mais famosa quando, anos mais tarde, a banda de rock brasileira de thrash metal, Sepultura, a incluiria em um de seus discos. Três anos mais tarde, Lemmy e sua turma colocariam no mercado ‘Rock’n Roll’, cuja faixa “Eat The Rich” se torna parte de um file homônimo do qual o próprio Lemmy participa. O ano de 1991 traz consigo um Motörhead dedicado à homenagear os outros. O álbum ‘1916’ continha, dentre outras, as músicas “Ramones” (uma homenagem clara à maior banda punk norte-americana) e “Going to Brazil” (que fala, é claro, do nosso país), sendo que esta última foi escrita no avião, quando o grupo estava a caminho do Brasil, onde fizeram várias apresentações. Depois de tocar em vários lugares do mundo, em uma turnê gigante, o Motörhead lançou ‘March or Die’, que trouxe as participações especiais de Ozzy Osbourne (ex-Black Sabbath) e Slash (Guns N’Roses). A faixa mais conhecida do disco, chamada “Hellraiser”, teve e Ozzy e Lemmy como compositores, sendo que os dois dividiram os vocais em outra música, “I Ain’t a Nice Guy”. A participação do guitarrista Slash ficou registrada em duas faixas, sendo uma a mesma em que Ozzy canta junto com Lemmy e outra “You Better Run”. Mesmo com sua formação tendo sofrido constantes mudanças, o que torna praticamente impossível detalhar em poucas linhas todas as flutuações de pessoal ocorridas no grupo, o Motörhead foi aos poucos ganhando um grande espaço na mídia especializada e um enorme respeito dentre todos aqueles que gostam de rock. A inovação do grupo, como já foi dito antes, é o fato de eles terem misturado dois tipos diferentes de música, conquistando dois tipos distintos de público. O Motörhead continua na ativa até os dias de hoje, tendo lançado ‘Bastards’ no ano de 1994, cuja turnê mundial durou meses. Enquanto o grupo preparava mais um álbum, Lemmy teve tempo de gravar uma música em parceria com Whitfield Crane, vocalista do Ugly Kid Joe, que saiu na trilha sonora do filme Airheads. Seu último trabalho, chamado ‘Overnight Sensation’, acaba de ser lançado mundialmente e traz composições típicas do Motörhead, com letras que falam sobre drogas, inveja, desarmamento da população e, é claro, rock’n’ roll.



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Motown




Motown


A Motown é uma gravadora de suma importância para a história da música norte-americana que antecedeu e depois conviveu com o rock’n’ roll. Fundada em 1960 por Berry Gordy Jr., um compositor conhecido desde a década de 50, a Motown lançou dezenas de artistas de grande peso no cenário musical dos Estados Unidos. O nome é uma homenagem à cidade onde foi fundada, Detroit, considerada a cidade dos motores (motor town) por causa do grande número de indústrias lá existente. Gordy, que já possuía experiência no meio musical, logo montou uma competente equipe de compositores, como Smokey Robinson e Brian e Eddie Holland que, juntamente com ele escreveram os maiores hits de sua época. Depois de vários anos de trabalho em conjunto, Robinson, que também fazia parte de uma outra gravadora, resolveu dedicar-se em tempo integral à Motown. Ele, em 1971, passaria a ser vice-presidente da crescente empresa. A Motown Records trabalhava especialmente com jovens talentos negros, descobertos pelo próprio Gordy, que também utilizava-se de orquestras e bons músicos para complementar suas criações. O sucesso da Motown deve-se ao fato de que Gordy produzia seus artistas através de roupas caras e diferenciadas, coreografias especiais e até mesmo cenários. Além disso, ele tinha um cuidado especial com a parte musical, que deveria ser muito bem elaborada e cujos artistas deveriam ser altamente capazes para reproduzir as difíceis técnicas de voz e de tocar criadas por Gordy. Simplesmente tudo era supervisionado e conferido pelo compositor e presidente da empresa. Com um bom gosto incrível para a música, Gordy e sua equipe transformaram a gravadora em uma fábrica de hits. Só para se ter uma idéia dos números alcançados por eles, no ano de 1966, setenta e cinco por cento das músicas mais pedidas nas rádios norte-americanas pertenciam à artistas da Motown. Até o dia em que Robinson assumiu a vice-presidência da gravadora, ele sozinho produzira catorze hits para a Motown. Dentre os grupos e artistas mais conhecidos que a Motown lançou estão as Marvelettes, Marvin Gaye, Temptations, Little Stevie Wonder, Four Tops, The Supremes, The Jackson Five e os Beach Boys. Vale a pena lembrar que Diana Ross fazia parte do grupo Supremes, destacando-se das outras duas integrantes logo no início de sua carreira. Depois de algum tempo, Diana saiu do grupo para tornar-se a cantora e, logo em seguida, atriz mais conhecida da gravadora. O mesmo aconteceu com o irmão caçula dos Jackson Five, Michael Jackson que, depois de uma carreira de muito sucesso com seus irmãos, ganhou destaque e se tornou o maior cantor de música pop de todos os tempos. Descoberta da Motown. Até mesmo a surf music ganhou lugar na gravadora e os Beach Boys invadiram os Estados Unidos com seu jeito californiano de ser. Até hoje, a Motown é considerada uma das grandes, senão a maior, responsáveis pela apresentação e divulgação dos melhores nomes da música pop negra do mundo.



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Música Afro-americana




Música Afro-americana


Se não podemos dizer que eles inventaram o ritmo, também não se pode negar a grande contribuição dada pelos negros ao rock’n’ roll. Desde o sentimento envolvido até o jeito de cantar daqueles que fizeram mais sucesso, sejam eles brancos ou não, tudo está relacionado à música africana que os escravos trouxeram quando chegaram na América. A relação pode não ser totalmente direta, mas o rock muito pouco tem a ver com o estilo europeu de fazer música. Se pegarmos as raízes mais próximas deste ritmo, encontraremos o rhythm & blues, tocado pelos negros e o country blues, que é a mistura do R&B com a música européia. A mistura aconteceu exatamente quando os negros nascidos nos Estados Unidos começaram a aprender a tocar música dos brancos, colocando nelas seu estilo mais animado e “selvagem”, como muitos diziam na época. A música africana é, na verdade, considerada grande ponto de origem do rock’n’ roll. O que aconteceu para transformar a música africana, desenvolvendo-a através dos tempos até que se chegasse ao rock pode ser contado com fatos da história norte-americana. Depois de terminados os quase quinze anos seguidos de guerras, os Estados Unidos sofreu uma grande depressão financeira e cultural devido à falta de esperança de um povo sofrido e cansado. Um dos poucos meios de se divertir, consistia em ouvir ou tocar músicas que, na sua grande maioria, eram baladas sentimentais populares. Todas as canções eram muito parecidas e os ouvintes podiam prever o que aconteceria com elas durante sua apresentação, o que as tornava insuportavelmente entediante para os mais exigentes. A necessidade de se ouvir algo novo e mais alegre fez com que muitos músicos brancos deixassem de lado seu preconceito para apreciar o ritmo sensual e cheio de sentimentos dos negros. As batidas fortes e a falta de uma estrutura previsível atraía cada vez mais curiosos, que se encantavam com a música africana. O uso de diferentes ritmos em uma só canção, que não tinha fórmula correta, mas soava muito bem, acabou sendo incluído timidamente nos trabalhos de alguns músicos brancos. Aos poucos, as pessoas começaram a admirar as vozes fortes e capazes (provenientes de um cuidadoso treinamento no coral da igreja), o ritmo marcado, as palmas e todas as outras características da música vinda da África. A prática dos cantores e pastores de igreja, que têm que convencer seus fiéis, fora adaptada para a música, tornando-a envolvente e convincente. Algo que tocava a alma. E todas essas qualidades musicais têm origem diretamente no continente africano, onde as tribos praticavam rituais religiosos nos quais cantavam, dançavam e gritavam para seus deuses. O uso constante de tambores e outros instrumentos de percussão também colaboraram para tornar o ritmo africano forte e marcante. É claro que, através dos tempos, o que era um ritual foi sendo adaptado às novas culturas e hábitos dos negros que acabaram por integrar-se aos costumes da sociedade em que estavam vivendo. Desde a música africana mais bruta até o rock’n’ roll há um grande espaço onde brancos e negros misturaram suas culturas através de uma convivência mútua diária. Mesmo sofrendo um grande preconceito por parte dos brancos e mesmo tendo se adaptado à vida no novo continente, os africanos nunca se esqueceram de seus costumes, de suas raízes. Elas eram tão fortes que, na verdade, foram assimiladas e idolatradas por todos aqueles que reverenciam o rhythm & blues, a soul music e o rock’n’ roll da maneira mais agradável possível: através da música.   



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Música Country




Música Country


A country music - também conhecida como a música caipira americana - foi uma das manifestações artísticas mais importantes para o surgimento do rock’n’roll, assumindo, ao lado do blues e do rhythm’n’blues, papel de total relevância para o nascimento do estilo. Em outras palavras: sem o blues, o rhythm’n’blues e a country music não haveria rock’n’roll. Basicamente, pode-se dizer que o rock foi o produto da junção destes três elementos da música popular americana de então, sendo o country a contribuição branca para o gênero, uma vez que o blues e o R’n’B foram invenções inegavelmente negras. Manifestação artística do oeste americano por excelência, atravessou seu auge qualitativo durante as décadas de 20, 30 e 40 e deu ao rock’n’roll o sotaque, a batida acelerada e a irreverência de seus intérpretes - características que seriam, todas elas, enfatizadas e tornadas originais mais tarde. Sem dúvida, essas mesmíssimas características podiam ser encontradas também no blues, mas quando este já havia sofrido a influência da própria country music (a partir da metade da década de 30, já fazendo prever o inevitável cruzamento que os estilos sofreriam posteriormente). O processo inverso também se mostrou verdadeiro e, por isso, dos precursores do rock’n’roll, alguns vieram do blues (Muddy Waters, Robert Johnson, etc.) e outros do country (Bill Haley, Johnny Cash, etc.). Mais tarde, quando já tornara-se um gênero autônomo, o rock cada vez mais distanciou-se do country (embora tenha mantido firmes seus laços com o blues), mas jamais poderá negar-lhe a influência e a “paternidade”.



