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Índios

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Índios Norte-Americanos.


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Índios




Índios


A história que se deu origem ao nome Índios é realmente muito interessante pois foi um fator que poderíamos chamar de “mancada geográfica”.


Colombo, ao sair da Espanha à procura de novos caminhos para chegar às Índias, pois ele queria chegar lá dando a volta no globo, depara-se na América Central, e, ao ver um povo muito estranho, garante que chegou ao seu destino. Sem perceber que acabara de descobrir um novo continente, acredita serem todas aquelas pessoas Índios. Daí ficou o nome.


Verdade ou não, calcula-se que no momento do descobrimento da América haviam cerca de cinquenta milhões de Ameríndios, segundo algumas fontes. Outras afirmam que na época haviam de cinco a dez milhões. Desses apenas alguns milhões sobrevivem no México e na América do Sul. Não podemos esquecer de dizer que os esquimós não são considerados índios. Muitos críticos afirmam, porém, que os Ameríndios pertencem à raça dos mongóis, ou mongólidas, depende da tradução, que se caracterizam por terem a cor da pele castanho amarelado, pelo negro, não serem altos, cara ancha com pomos proeminentes e olhos escuros. Devido à pintura vermelha de algumas tribos da América do Norte convencionou-se chamá-los de “peles vermelhas”.


É interessante, no entanto, relatar uma teoria que tenta justificar o aparecimento dos índios na América. Segundo algumas hipóteses, a imigração dos índios iniciou-se por volta de quinze mil anos, durante o último período glacial americano, em inúmeros grupos procedentes da Ásia setentrional, atravessando o estreito de Behring. Chegaram como caçadores, coletores e pescadores por todo o continente americano até a Terra do Fogo, no extremo sul. Por volta do século VI a.C, os índios da américa central e da américa do sul se converteram em agricultores. Somente mais tarde é que as diferenças passaram a se tornar lingüísticas, gerando por volta de quatrocentas tribos com diversos tipos de cultura. Por exemplo a cultura de caçadores e coletores, cultura de agricultores na América do Norte e do Sul, civilizações avançadas, como os Astecas no México e os Incas nos Andes.



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Instituição




Instituição


Instituição em geral significa uma estrutura, um modo de organização. No sentido sociológico, Instituição são formas e normas de comportamento de um grupo social certamente reconhecido e que é exigido, pelo menos, sua institucionalização, isto é, que o processo de reconhecimento institucional seja aceito pelas regulamentações existentes. Por exemplo, o leitor identificará a instituição do matrimônio ou do Direito. Dentro desse aspecto sociológico, instituição são todos os modos de organização estruturados e formulados segundo as orientações do grupo institucional. A igreja é uma instituição, se servir como exemplo. Há vários tipos de instituição, como de caridade, financeira, pública, entre outras.


Politicamente instituição terá também um significado particular. É, aqui, a organização pública ou estatal cuja gestão é orientada para determinadas funções sociais, como, por exemplo, tribunais, representação do povo, serviços públicos, etc.


Em suma, instituição são organizações que visam a relação de um grupo para com a sociedade, podendo tirar disso proveito ou lucro ou simplesmente ter um caráter apenas social ou até mesmo religioso, ou de solidariedade.



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Lingüística




Lingüística


A Lingüística foi uma das principais ciências que contribuiu para o enriquecimento teórico da Antropologia, principalmente para o Estruturalismo - estendendo-se evidentemente para a Etnologia, - pois foi a ciência que praticamente introduziu as categorias analíticas de pesquisa antropológica.


Em quase todos os grandes pensadores da história, sempre houve a reflexão sobre a linguagem, principalmente sobre a língua falada e a língua escrita. Os Gregos da Antiguidade já sabiam do grande poder que a linguagem tinha, e a usavam e manipulavam-na com grande eloqüência e sabedoria. Podemos dizer que Aristóteles foi um dos primeiros filósofos a estudá-la à parte, estabelecendo-lhe categorias até hoje aceitas pelos estudiosos da linguagem, como os estudos de Retórica e Oratória. Mas para chegarmos à Lingüística demorou muitos séculos, e antes dela haviam ainda aqueles que já a pensavam de certa forma, embora sem esse conceito científico que aparecerá somente depois do início do século XX: a Filologia. Esta buscava (e ainda busca) nas palavras seu sentido primeiro, sua origem, e as transformações que lhe ocorreram através da História.


A Lingüística, enfim, realmente surge a partir de Ferdinand Saussure, no fim da primeira década do nosso século, especificamente em 1916 com a edição da obra Cours de Linguistique Genéral, ou Curso de Lingüística Geral, publicado postumamente pelos alunos de Saussure. Sua obra causou grande impacto mundial, mudando as linhas de pensamentos de muitos estudiosos da linguagem, que viram em Saussure novas respostas para velhos problemas da linguagem. Os novos estudos da Lingüística suscitaram o aparecimento de novas linhas filosóficas como, por exemplo, no surgimento do Formalismo Russo, corrente que traria após algumas décadas grande influência nos estudos lingüísticos. E é exatamente após algumas décadas de debates, discussões e muitas teses, lá pelos anos 60, que a lingüística ganhará novo impulso teórico, com intelectuais do porte de Romam Jackobson, Émile Benveniste, Mickhail Backthim, Noam Chomsky, entre outros; portanto, desde esse momento, a Lingüística consagrar-se-ia e ganharia mais destaque dentro das ciências humanas. Lévi-Strauss alertava com veemência a necessidade da Lingüística trabalhar em conjunto com a Antropologia, pois esta, ao estudar os costumes, o modo de organização das sociedades, necessitava do conhecimento lingüístico para complementar e poder compreender melhor as formas de interações entre os indivíduos, seus rituais, enfim, os códigos que as diversas sociedades usavam para se comunicar e, a partir daí, estabelecer as relações entre aquilo que pensavam e o que faziam, para demonstrar o que pensavam. Por outro lado a lingüística ganharia mais conhecimento sobre as sociedades, suas línguas e principalmente as transformações que ocorreram nestas, tentando de fato entender em que medida as transformações sociais ocorriam concomitantemente com as transformações da linguagem.


Os estudos lingüísticos atualmente são muito importantes para qualquer pessoa, leigos ou não, pois certamente contribui para um melhor entendimento sobre as formas de comunicações e sobre nós mesmos, na medida que avançamos cada vez mais rumo a novos meios de comunicarmos uns com os outros.



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Magia (antropologia)




Magia (antropologia)


A mágica sempre esteve presente para o homem, principalmente para os povos primitivos. Seria difícil, atualmente, acreditarmos em mágica. Mágica no sentido de magia, não no sentido de truque ou habilidade em iludir os olhos. Realmente o leitor concordaria com a impossibilidade de existir verdadeiramente mágicos, pelo menos no mundo moderno em que vivemos. Pois saibam que ela realmente existe, e suas ligações com os seres humanos estão diretamente associados com a Natureza. É o comportamento básico do ser humano fundado na concepção de que objetos, animais, e o próprio homem possui poderes mágicos, ou de algum modo são capazes de manifestá-los.


O xamã é o homem que possui poderes mágicos que a natureza lhe ofertou, devido a sua aptidão para sê-lo. Este é capaz de invocar espíritos bons ou ruins de curar doenças, prever o futuro, etc. O Xamã é a própria representação mágica da natureza, um intermediário entre os homens e os espíritos. Daí sua força sobrenatural.


Quando se trata de poderes mágicos relativos a objetos inanimados, de animais ou outros seres, estaremos mais próximos do Animismo, isto é, da teoria de que animais, objetos, ou o que seja, possui uma alma, um poder criador ou não, mas dotada de alguma mágica. Para muitos povos primitivos sempre houve alguma relação mágica entre a natureza e os homens e, para invocar esses espíritos, que podem ser bons ou maus, irá depender das práticas rituais do grupo. Em geral, as ações mágicas deviam descobrir o desconhecido, o oculto, e dirigir o tempo, o amor, a sorte, etc.


Desde tempos remotos, o homem sempre achou que era capaz de influenciar o tempo, a chuva. Esta crença de poder influenciar o tempo de forma mágica está estendida entre povos primitivos e povos de antigas culturas; especialmente na possibilidade de se dominar o vento, a chuva, os raios, etc.


Há também outras práticas mágicas, como a mágica defensiva. Este tipo de mágica está associada ao apaziguamento de grandes catástrofes através de meios defensivos, como por exemplo, fazer ruídos, disparos, acender fogo, pronunciar palavras mágicas, fazer amuletos... Tudo isso para amenizar as grandes catástrofes ou apaziguar os espíritos maléficos.


Além disso, existem outras formas de magia, que pode ser por conjuro ou enfeitiçamento. "Um indiviíuo, consciente de ser objeto de um malefício, é intimamente persuadido, pelas mais solenes tradições do grupo, de que está condenado; parentes e amigos partilham essa certeza. Desde então, a comunidade se retrai: afasta-se do maldito, conduz-se a seu respeito como se fosse, não apenas já morto, mas como fonte de perigo para seu círculo;(...) após muito sofrimento, a integridade física do enfeitiçado não resiste à dissolução da personalidade social." Levi-Strauss, Claude. Antropologia Estrutural, pág. 193.


Este exemplo mostra que magia depende exclusivamente do grupo ou das crenças religiosas, da psicologia do grupo. Para o leitor, passa parecer de certa forma uma bobagem, mas garantimo-lhes que para um povo primitivo não o é. Veja isso, leitor, e tire suas próprias conclusões: "Um indígena australiano, vítima de enfeitiçamento deste gênero, no mês de abril de 1956, foi transportado, moribundo, ao hospital de Darwin. Colocado num pulmão de aço e alimentado por uma sonda, ele se restabeleceu progressivamente, convencido de que a "magia do homem branco é a magia mais forte". Cf.Arthur Morley, in London Sunday Times, 22-04-1956, p.11.



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Matriarcado




Matriarcado


Muitos filósofos, antropólogos entre outros estudiosos das ciências sociais afirmam ter sido o matriarcalismo um dos primeiros sistemas de organização social que existiram. Este sistema consistiria na mulher como a figura principal, ou aquela que detém os poderes de decidir e de conduzir o grupo em que vive tomando as decisões que achar mais apropriadas. Estes estudiosos ainda afirmam que, após uma crise natural desse sistema passou-se para outro sistema, que conhecemos e vivemos até hoje sob o nome de patriarcado, ou patriarcalismo, que consiste no homem como detentor deste poder.


Até hoje existem certas organizações sociais em que a mulher assume o papel de chefe, embora atualmente existam muito poucos sistemas matriarcais, limitando-se algumas sociedades indígenas espalhadas pelo globo; sendo quase todos os sistemas atualmente patriarcalistas.


Não resistimos a tentação e faremos uma fofoca acadêmica. Um escritor muito conhecido no Brasil do período Modernista, de nome Oswald de Andrade, afirmou, numa tese para a Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo - USP (que na época tinha o nome de FFCL - Faculdade de Filosofia Ciências e Letras), - tese aliás recusada pela bancada de professores, que a humanidade caminharia de volta a sua origem: o matriarcalismo. Estaria errado? Ao se argumentar que nos primórdios, digo, no início da odisséia humana, o matriarcalismo fora um dos primeiros sistemas sociais existentes, tendemos a crer realmente que sim. Imagine o leitor nos primeiros tempos do homem, onde não se compreendia direito como se nascia ou por quê se nascia - não que saibamos hoje, mas naquele tempo tudo certamente era mais obscuro. Imagine ainda as pessoas ao verem a mulher gerando seres que dariam a continuidade da vida do grupo, seus filhos... Logo eles acreditavam que a mulher era uma espécie de deus pois era capaz de gerar a vida, gerar a si próprios. Portanto era ela que mandava em tudo, vulgarmente falando. Por isso, talvez, do culto a divindades femininas, da adoração e respeito às mulheres. Pois é esse um dos principais argumentos para se justificar o Matriarcalismo, ou o matriarcado, e que até hoje essa tese é muito discutida, pois vários teóricos não deixam passar a idéia de que várias sociedades existiram ao mesmo tempo, sociedades matriarcais, patriarcais, sociedades acéfalas, avunculares, etc. O que é fato é que muitas sociedades primitivas foram outrora matrilineares, legando este poder posteriormente aos homens. As avaliações e julgamentos deixamos ao leitor interpretar, pois esperamos que este tenha compreendido o significado do conceito Matriarcalismo.



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Mircea Eliade




Mircea Eliade


Mircea Eliade foi um historiador das religiões, filósofo e romancista. Nasceu em Bucareste, Romênia, em 1907. Passou três anos na Índia, de 1928 a 1930, fazendo suas pesquisas e recolhendo material para sua tese de doutorado sobre Yoga e a questão mística da Índia. Além disso, foi professor da Universidade de Bucareste e lecionou na França no período de 1945 a 1955.


Para o leitor, podemos destacar seus principais estudos, que consiste numa análise super interessante sobre o mito e que dizia ser "histórias exemplares" (dos mitos que recolheu em suas pesquisas principalmente na Índia) que exprimem a experiência essencial do homem.


Apesar de Mircea Eliade não ser um "etnólogo" de formação, foi sem dúvida um grande colaborador para a Antropologia e sua principais obras, resumiremos aqui:


Traité D'histoire des Religions, 1949; O mito do Eterno Retorno - Arquétipos e Repetição, 1949; e certamente um de seus textos mais interessantes: O sagrado e o Profano, de 1963.



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Mito




Mito


O leitor deverá entender o porquê de nos referirmos a Claude Levi-Strauss como um grande antropólogo e como alguém que sempre será uma fonte de referência dos estudos das ciências humanas e sociais, sem falar, é claro, da literatura.


Pois para se falar de Mito, nada melhor do que Claude Levi-Strauss, que, segundo alguns antropólogos, é quase tão fascinante quanto ouvir Freud discorrendo sobre a Interpretação dos Sonhos.


Quando se fala de mito, geralmente, as pessoas referem-se à narração de uma história falaciosa, um passado narrado que sabemos que poderia ser falso. Para nós, aqui, não importa a verosimilhança dos eventos narrados. O que importa para o estudo que Levi-Strauss faz sobre o mito é "a natureza inconsciente dos fenômenos coletivos". “Tal como Freud, Levi-Strauss procurará descobrir princípios de formação intelectual que sejam universalmente válidos para todas as mentes humanas." Essas estruturas universais, segundo Levi-strauss, atuam em nosso cérebro tanto quanto numa tribo indígena da América do Sul. O que acontece, no nosso caso, é que passamos por um adestramento cultural, freqüentando escolas, Universidades, e existindo numa sociedade altamente tecnologizada. E isso, certamente, recobre nossa lógica primitiva com várias lógicas especiais, de acordo com as necessidades artificiais do nosso meio social. Portanto, se quisermos saber mais sobre a lógica universal primitiva, "em sua forma não-contaminada" devemos analisar todos os processos de pensamento dos povos primitivos e tecnologicamente atrasados. Estudar o mito é uma das formas de se alcançar esse objetivo. O uso antropológico do mito, de certa forma, aproxima-se do uso Teológico, ou seja, o mito é uma formação do imaginário religioso do homem, ou, de outra maneira, é a expressão da realidade inobservável através de fenômenos observáveis.  "O mito é uma narrativa sagrada."


Mas pensemos um pouco (e o leitor acompanhar-nos-á). Se aceitarmos a proposta de que existe essa lógica não-racional universal, compartilhada por toda a humanidade, poderíamos perguntar onde está o início. Para Levi-Strauss o início está numa tradição oral que necessariamente obedece a um ritual religioso. Poderíamos discutir aqui, no entanto, o corpus desse material levantado pelos antropólogos, ou seja, a coletânea de mitos que o próprio Levi-Strauss teve o trabalho de transcrever. Mas agora a pergunta: se todo esse material, essa coletânea de mitos transcritos para uma linguagem escrita, já decodificado pelo especialista que as coletou, abreviou, e de alguma forma distorceu, seria possível alguma interpretação que não ficasse muito distante do original? Como podemos analisar um mito qualquer que tenha passado por uma série de transformações antes de chegar em nossas mãos? Essas perguntas estarão respondidas, pelo menos em grande parte, na bibliografia indicada. Caso o leitor esteja mais interessado, sugerimos que procure a obra As idéias de Levi-Strauss, de Edmund Leach, 2a. edição, Cultrix, 1970. A discussão sobre o mito encontra-se na página 53 sob o título "A estrutura do Mito". As aspas acima estão contidas nesta obra.



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Monoteísmo




Monoteísmo


Assim como o politeístas, o culto a apenas um deus criador também é muito antigo. Religiões monoteístas são encontradas desde tempos antigos, como a religião judaica que tem aproximadamente uns cinco mil anos; algumas oriundas da Índia, como a Budista, que o leitor certamente sabe que é anterior a cristo pelo menos uns quinhentos anos, ou até mesmo algumas mais ortodoxas e tão ou mais antigas quanto o budismo, que é o caso dos Hare Krishinas. Todas essas religiões são monoteístas, ou seja, acreditam apenas em um Deus. Sem falar, é claro, no cristianismo, que é uma releitura católica do antigo testamento judaico, adaptado para o novo momento da história após cristo. É sabido por todos que o Novo Testamento foi escrito pela Igreja Católica pelo menos uns quatrocentos anos depois de cristo ter morrido, aliás, foi exatamente nesse momento que surge a Igreja Católica. Os protestantes, por outro lado, surgem uns mil anos depois da igreja católica e, como sabemos, por questões políticas e econômicas basicamente.


Leitor, não nos leve a mal por sermos tão distanciados ao falarmos de religião. Você certamente entenderá que para falarmos de qualquer coisa precisamos nos distanciar um pouco.


Monoteísmo e Politeísmo são termos opostos e, se o leitor estiver interessado em saber um pouco mais sobre estas questões, terá outros verbetes para lhe esclarecer as demais dúvidas.


Por fim, vale anotar que entre os povos primitivos raramente se encontra o monoteísmo, e, a essas alturas, o leitor já deverá ter compreendido o porquê. De fato não conhecemos povos antigos cuja  religião tenha sido monoteísta (com exceção de algumas) pois cremos que não haveria motivos para haver apenas um deus. Talvez muitos deles cressem existir uma força criadora e vital, mas, em nível de demonstração ritualística não se detecta em quase nenhuma sociedade.



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Nômades




Nômades


Os nômades são povos, ou tribos, que não vivem em lugares fixos. Freqüentemente são pastores que trocam suas residências com seus rebanhos à procura de novas pastagens, normalmente em períodos de escassez de alimentos para seus rebanhos, de maneira regular, segundo as possibilidades que lhes são impostas.


Essa freqüente troca de local obriga ao nômades a viverem em tendas. A estes grupos pertencem os nômades da estepe centro-asiática (os mongóis) e os nômades dos desertos da Arábia e da Africa setentrional, como por exemplo os beduínos, os tuaregs. Os bosquímanos também são considerados nômades.


Há uma teoria interessante sobre os nômades. Pelo que se remonta, os nômades são os possíveis primeiros colonizadores do mundo. Através dessa teoria se afirma que muitos atravessaram o estreito de Behring, procurando novos lugares para habitar, caçar, pescar, além de cultivar rebanhos, fixando-se, posteriormente em todo o continente americano. De norte a sul. Essa a teoria remonta aproximadamente quinze mil anos, durante o último período glacial, de forma que, de acordo com essa teoria, os nômades propiciaram o surgimento de sociedades indígenas existentes, ou seja, foram os primeiros antepassados americanos. Devido a essa explicação, muitos teóricos concluem que os Ameríndios pertencem à raça dos mongólidos, originários da Ásia principalmente.


Apesar de ser uma teoria muito discutida, pois não se sabe ao certo de onde partiram inicialmente esses nômades - eles poderiam ter saído originariamente da África, por que não? - ; ou talvez já existisse na américa povos consolidados estruturalmente. Lembremo-nos de que recentemente foram encontrados fósseis humanos, na região sul do Piauí, na estação arqueológica de São Raimundo Nonato, de aproximadamente setenta mil anos. Será que nossa primeira hipótese falhou? Deixemos o leitor concluir ou sugerir novas hipóteses...



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Paleontologia




Paleontologia


Paleontologia é o estudo da vida animal e vegetal referente à era pré-histórica. Ele é realizado através da classificação de fósseis pertencentes a esta era, cujo achado permitiu conhecer e traçar a evolução dos seres vivos da Terra, estejam eles extintos ou não. A maioria dos fósseis foi encontrada em rochas sedimentares, dando condições para que os paleontólogos realizassem, paralelamente, estudos sobre as camadas do solo. A comparação destas camadas de diferentes lugares do mundo comprovou as mudanças climáticas e o desenvolvimento do meio ambiente terrestre. É por isso que paleontólogos muitas vezes ajudam na preparação de mapas geológicos que definem o lugar certo para a busca de água, minério e petróleo.


Mas o principal trabalho destes estudiosos foi dividir a evolução da Terra em eras, idades e períodos. Acredita-se que o nosso planeta tenha mais de 4 bilhões de anos. De seu nascimento até 570 milhões de anos atrás encerra-se o Período Pré-Cambriano, no qual surgiram os primeiros seres vivos. Há cerca de 3 bilhões de anos, bactérias e outros seres microscópicos habitavam o planeta, iniciando sua evolução, que culminaria com o aparecimento do homem qual o conhecemos hoje. Os últimos 570 milhões de anos da Terra foram devidamente divididos e caracterizados pelos paleontólogos de acordo com o surgimento de diferentes tipos e espécies de seres vivos.


Era Paleozóica


Esta era compreendeu mais de 340 milhões de anos e está dividida em seis períodos: Cambriano, Ordoviciano, Siluriano, Devoniano, Carbonífero e Permiano.


Período Cambriano


No início desse período, a vida animal só existia na água. Esses seres primitivos eram invertebrados, sendo que alguns deles se desenvolveram e foram extintos ainda na Era Paleozóica. Formas primitivas de artrópodes, moluscos e caramujos apareceram nesta época, assim como algas marinhas e líquens terrestres.


Período Ordoviciano


Os primeiros resíduos de fósseis de vertebrados encontrados datam deste período. Peixes e corais apareceram nesta época, mas o maior animal Ordoviciano foi um molusco cefalópode que possuía uma enorme concha protetora.


Período Siluriano


Foi neste período que surgiram os primeiros seres terrestres e que algumas espécies de planta desenvolveram um sistema para o transporte de alimento. Fósseis de escorpiões que datam desta época foram encontrados na Europa.


Período Devoniano


O desenvolvimento de uma miríade de peixes, que mais tarde daria origem aos anfíbios, é a principal característica deste período. Nele também surgiram as plantas com caule de madeira, que existiam em grande quantidade, e o primeiro inseto. Bem no fim do Devoniano apareceram alguns anfíbios primitivos, que originaram-se de peixes que possuíam pulmões.


Período Carbonífero


O clima quente e úmido deste período em muitas partes da Terra favoreceu o aparecimento de florestas densas e pântanos. Com eles, surgiram diferentes animais terrestres, como baratas e aranhas, além dos primeiros répteis. Uma grande quantidade de animais marinhos, que iam desde moluscos até tubarões, desenvolveram-se nesta época.


Período Permiano


Este período é caracterizado pela evolução e irradiação dos répteis, que podiam ser encontrados em dois tipos principais: uma espécie de lagarto que só vivia na terra e um tipo de lesma que vivia na água e na terra. Nesta época também surgiu o Theriodontia, um réptil ancestral dos mamíferos.


Era Mesozóica


Esta foi a época em que os répteis dominaram a Terra. Ela está dividida em três períodos: Triássico, Jurássico e Cretáceo.


Período Triássico


Os primeiros dinossauros e mamíferos surgiram neste período, há cerca de 225 milhões de anos. Ainda que bem menores do que seus sucessores, os dinossauros do Triássico dividiram seu espaço com pequenos mamíferos de aparência réptil e criaturas da água, como o Ictiossauro, e do ar, como o Pterossauro.


Período Jurássico


Este foi o principal período dos dinossauros, em que eles desenvolveram seu tamanho e aumentaram o número de espécies. É desta época que data o Tiranossauro Rex, maior animal carnívoro da Terra, o Estegossauro, o Brontossauro e vários outros gigantes herbívoros. Insetos que existem até hoje, como besouros, moscas e grilos, também surgiram no Jurássico. Os mamíferos deste período eram menores do que muitos cachorros atuais.


Período Cretáceo


Um tipo de dinossauro com chifre, chamado Ceratopiano, aumentou a gama de espécies deste réptil gigante da época. Alguns tipos de pássaros viveram no Cretáceo, período em que surgiram os caranguejos, os mamíferos dotados de placenta e centenas de novas espécies de peixes. O mais importante avanço evolucionário no reino vegetal no Cretáceo foi o aparecimento das plantas decíduas, que, mais tarde, originariam as angiospermas.


Era Cenozóica


A Era Cenozóica começou há 65 milhões de anos. Ela se divide em Período Terciário e Período Quaternário, que inclui a época atual. Entretanto, tantos acontecimentos cercaram esta era que os paleontólogos optaram por dividir cada período nas épocas que os formaram. Foram elas: a Época Paleocênica, Eocênica, Oligocênica, Miocênica e Pleistocênica.


Paleoceno


Marca o início da Era Cenozóica. Os mamíferos originários desta época surgiram no norte da Ásia e migraram para as outras partes do mundo. Eram pequenos, possuíam várias características em comum, como ter cinco dedos em cada pé e crânios com pequenas cavidades para o cérebro. Muitos destes animais estão extintos, mas alguns grupos sobrevivem até hoje, como os marsupiais e os roedores.


Eoceno


Nesta época, inúmeros ancestrais de animais que existem até hoje começaram a surgir. Eram menores, mas já possuíam características análogas às dos seus sucessores. O cavalo, o rinoceronte, o camelo e o macaco são descendentes diretos destas criaturas. Os primeiros mamíferos aquáticos também apareceram nesta época.


Oligoceno


A maioria dos mamíferos arcaicos surgidos nas épocas anteriores do Cenozóico deu lugar a indivíduos mais desenvolvidos. Apareceram os primeiros carnívoros, bastante semelhantes aos atuais gatos e cães. Dois grandes grupos de animais, hoje extintos, tiveram seu auge durante o Oligoceno os Titanoteres (parentes do rinoceronte e do cavalo) e os Oreodontos (pequenos animais parecidos com o lobo).


Mioceno


Os acontecimentos evolucionários do Mioceno estão intimamente ligados a um importante surgimento no reino vegetal: a grama. Este tipo de vegetação foi de vital importância e, sem ele, animais como o cavalo, o rinoceronte e o camelo não teriam surgido. Além destes, o mastodonte e diversas espécies de animais carnívoros passaram a existir em várias partes do mundo.


Pleistoceno


Basicamente, o Pleistoceno não difere muito do Mioceno. Entretanto, os paleontólogos encaram o período como o auge da era dos mamíferos. Grandes animais como o búfalo, o elefante e outros existentes até hoje atingiram sua evolução final no Pleistoceno. Já os mamutes, tigres dente-de-sabre e mastodontes extinguiram-se na mesma época. O mais evoluído de todos os animais, o homem, surgiu no Pleistoceno, que dura até os dias de hoje.



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Parentesco




Parentesco


Os estudos relacionados ao parentesco são um dos mais importantes desenvolvidos pela Antropologia, sendo Claude Lévis-Strauss um dos mais importantes teóricos desse assunto.


Como muitos estudiosos devem saber, os estudos sobre as relações de parentesco é bastante complicado, e nos esforçaremos o máximo possível para levar ao leitor alguns de seus conceitos básicos. De um modo geral, dos estudos sobre o parentesco podemos afirmar que é a totalidade das relações interpessoais que surgem numa determinada cultura, através do matrimônio e da filiação. Como muitos antropólogos afirmam, essas relações de parentesco independem necessariamente das relações de descendência sangüínea, mas principalmente das relações de afinidade entre os membros. Em outras palavras, são as relações "comportamentais" que irão definir as relações de parentesco.


Claude Lévi-Strauss, num de seus livros Structure Élémentaire de la Parenté, ou Estruturas Elementares do Parentesco, procura definir num grande e cansativo estudo sobre as relações de parentesco, os sistemas que são encontrados nas diversas sociedades humanas. Além de ser um grande e complicado estudo, Lévi-Strauss deixa muito a desejar quanto a explicação desses sistemas. Mas tentemos definir aquilo que ele irá chamar de estruturas simples e estruturas complexas.


Entendemos por estruturas elementares do parentesco os sistemas nos quais a nomenclatura permite determinar imediatamente o círculo de parentes e dos aliados, isto é, os sistemas que prescrevem o casamento com um certo tipo de parente. Ou, se quisermos, os sistemas que, embora definidos todos os membros do grupo como parentes, podem-se dividir em duas categorias: A dos cônjuges possíveis e a dos cônjuges proibidos. Essa é a que podemos chamar de sistema simples.


Sistemas fundados sobre a transferência de riquezas ou sobre a livre escolha, como vários sistemas africanos e o de nossa sociedade contemporânea, entrariam na categoria de estrutura complexa.


Muito além do que foi dito aqui, o estudo sobre as estruturas de parentesco vão muito além. Vários autores discutem o parentesco, como o funcionalista Edmund Leach, antropólogo inglês contemporâneo a nós, além de muitos outros, como Claude Lévi-Strauss. Pedimos ao leitor que tiver paciência que procure na bibliografia algumas referências ou que leia diretamente os antropólogos como Lévi-Strauss, se seu objetivo for fazer algum estudo sobre as relações de parentesco.



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Pensamento Primitivo




Pensamento Primitivo


O termo Pensamento Primitivo foi introduzido primeiramente pelo Antropólogo Claude Lévi-Strauss, apesar de outros antropólogos e cientistas sociais definirem a mesma idéia com termos diferentes. Devemos, portanto, esclarecer o leitor.


Pensamento Primitivo é o nome dado ao pensamento mítico, isto é, para o pensamento que opera através de analogias, mas que no entanto é lógico. Poderíamos destacar, para o leitor que incrivelmente continua a ler estas poucas linhas, por exemplo, as antigas escrituras.


Os Hieroglifos egípcios podem ser um grande exemplo de pensamento analógico. Estes Hieroglifos, que são escritos com imagens, não é possível de se lê-los sem necessariamente vê-los. Aqui a idéia do pensamento é representada através de símbolos, mais propriamente dito, o que acontece também com a escrita simbológica dos chineses. Para Lévi-Strauss, esse pensamento é universal.


Outros autores chamam essa mesma idéia de pensamento pré-lógico e acrescentam que existe aí um caráter também religioso ou místico sendo exclusivamente típico de sociedades primitivas. Para esses antropólogos, o argumento que justifica o pensamento pré-lógico é a contradição com pensamento lógico, típico das sociedades modernas que se baseiam na contradição, pois o que é lógico necessita de uma antítese.



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Pigmeus (pigmóides)




Pigmeus (pigmóides)


Os pigmeus são povos anãos que habitam certas regiões da África e da Ásia. Os homens medem cerca de 1,50 cm para menos, e a maioria deles habitam as selvas do Congo e dos Camarões. Os pigmeus africanos são de pele um pouco mais clara que os outros tipos de pigmeus encontrados na Ásia, que falaremos mais adiante; possuem a cabeça grande, nariz com forma de triângulo eqüilátero, lábios superiores convexos, pêlos em forma de espiral, braços e corpos relativamente largos.


São basicamente caçadores e coletores e utilizam arcos e flexas envenenadas quando saem para caçar, sempre todos os homens juntos. Já a coleta de frutos, raízes, entre outros alimentos são de responsabilidade exclusiva das mulheres.


O modo de vida dos pigmeus caracterizam-se por viverem em grupos de famílias e suas casas, as choças, têm forma de cúpula, como a maioria das aldeias indígenas. Suas relações com outras sociedades dá-se principalmente com os negros, onde trocam frutos, caças, ferramentas, etc.


Religiosamente são monoteístas, pois acreditam na existência de um ser supremo criador de tudo.


É necessário ainda citar que existem outros tipos de pigmeus. Mesmo na África, foram encontrados uma espécie que são mais altos, porém com praticamente as mesmas características que os pigmeus que falamos acima. Em alguns territórios da Ásia, nas Filipinas, na península de Malaka e na Nova Guiné também foram encontrados tipos de pigmeus com a cor da pele muito escura, lábios bem grossos e não medem mais que 1,50 cm. São também basicamente caçadores, coletores e pescadores.



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Pinturas Rupestres




Pinturas Rupestres


As Pinturas Rupestres são nomes dados a todas as pinturas que foram feitas durante o período paleolítico e neolítico, o que remonta um tempo de aproximadamente trinta mil anos ou mais.


Essas pinturas eram feitas normalmente em pedras ou paredes, às vezes dentro de cavernas, onde provavelmente esses povos habitavam ou se reuniam. Em geral, pelo que dizem os estudiosos, as pinturas rupestres teriam um significado mais cultural-religioso do que mágico, onde se nota, por exemplo, em algumas gravuras, a representação de homens caçando. Esse tipo de pintura parecia pertencer exclusivamente a culturas caçadoras, como dizem, e podem ser encontradas em muitos pontos da Terra.



Verbete:
Poder (antropologia)




Poder (antropologia)


Poder é um substantivo abstrato, mas que concretamente encerra a possibilidade de impor a própria vontade, incluindo contra a oposição, dentro de uma relação social, sem que se importe em quê se baseia esta possibilidade. Este é um pensamento do famoso sociólogo Max Weber e com certeza o leitor já faz uma idéia do que estamos falando. O que o sociólogo quer dizer é que o "poder" é a imposição de uma vontade, custe o que custar, dentro de uma relação social. O que devemos acrescentar é que o homem moderno busca o prazer ao exercer o poder, e isto o difere do poder que exerce um chefe de tribo ou um sacerdote religioso de uma sociedade primitiva.


Dentro de nossa sociedade, esta moderna em que vivemos, constatamos os diversos níveis em que essa relação de poder se dá. Um exemplo do cotidiano atual das pessoas é quando um político exerce poder. Certamente ele tem consciência de que suas decisões pode lhe gerar muitos lucros e ao mesmo tempo matar milhões de cidadãos. Será que ele se importa com o que a oposição lhe dirá? Certamente que não. Comprovasse, então, a teoria do nosso sociólogo mencionado. Agora, dentro de um outro nível de discussão, ou dentro de outra classe social, essa relação de poder também se dá, embora de outra forma. O exercício de poder entre os pobres acontece dentro de uma categoria, digamos, menos elaborada - é evidente que a falta de acesso à educação limita os recursos da linguagem -. O exercício de poder dentro dessa classe, enfim, acontece na experiência do cotidiano, nos acontecimentos do dia a dia, que são narrados entre seus membros: A experiência que incorre mais risco de que algo errado aconteça, quando é narrado, tornam-se mais significativas, ganhando mais poder de persuasão. É Neste momento da narração que ele exerce seu poder perante os outros membros do grupo.


É muito interessante de se observar isso em campo, e contrastá-lo com os diversos níveis sociais em que essa relação de poder se concretiza.


Por outro lado, o poder social é  uma  manifestação permanente do ordenamento social em todas as etapas de seu desenvolvimento. Se for utilizado com bom senso, talvez as perspectivas de um bem-estar comum apareça como possibilidade concreta.



Verbete:
Politeísmo (antropologia)




Politeísmo (antropologia)


Desde que entendemos o ser humano como um ser social, que necessita viver em grupo e que divide funções de trabalho além de muitas outras características, sabemos da sua necessidade em criar deuses ou um deus para justificar sua existência, criar entidades espirituais ou divinas para que haja um sentido na razão de ser. Assim tem sido desde os primeiros tempos. Portanto não há sociedade ou grupo sem religião.


Fizemos essa pequena introdução para mostrar ao leitor a necessidade que os homens têm em construir mitos, para que haja um sentido subjetivo para se explicar a existência, e isso podemos aplicar para todas as sociedades. Diríamos que é uma estrutura universal.


Desde os tempos longínquos, os seres humanos idolatram ou veneram seus deuses. Foi assim na antiga Índia, nos tempos dos anteriores às upanichadas, na Grécia, da qual não deixou um legado de deuses conhecidos até hoje. Politeísmo é a crença em vários deuses. Os povos primitivos, principalmente, podemos chamá-los de politeístas, pois não acreditavam que apenas existisse um deus. Os romanos, no começo, não davam muita bola para o cristianismo, pois achavam de uma pobreza absurda uma religião de um só deus.


Assim como os romanos, que herdaram a cultura grega, os povos primitivos acreditavam e veneravam vários deuses. Talvez não tão bem elaborados estruturalmente como a religião grega, mas certamente com direito a todos os deuses possíveis, principalmente aqueles que representavam a natureza, como o sol, a lua, o fogo, a terra, os animais, enfim, ficaríamos horas elencando os diversos deuses encontrados na mitologia indígena ou de qualquer outros povos.


Portanto Politeísmo é um panteão de deuses que são adorados por uma sociedade ou por uma comunidade e que pode variar de grupo para grupo.



Verbete:
Positivismo (antropologia)




Positivismo (antropologia)


O positivismo foi uma corrente filosófica que surgiu entre os séculos XVIII e XIX na Europa, mais propriamente na Inglaterra, França e Alemanha, onde ganharam mais força e adesão dos intelectuais. A doutrina do positivismo baseia-se principalmente na experimentação científica e empírica dos fenômenos tantos sociais como filosóficos, psicológicos, literários e antropológicos, onde o principal argumento baseia-se na observação desses fenômenos, vinculando-os com as leis naturais.


Daremos um exemplo curioso. Alguns psicólogos e antropólogos de orientação positivista, em meados do século XIX e já no XX, acreditavam que o caráter das pessoas estavam demonstrados fenotipicamente e genotipicamente nas pessoas. Como assim? Uma pessoa poderia ser acusada de mau caráter pela sua descrição física. Muitos "intelectuais" acreditaram nessa hipótese, tentando traçar um perfil de assassinos, psicopatas, etc, pela sua descrição física e psicológica, condenando dessa forma até os parentes dessas supostas pessoas, pois se acreditava também que era um fator genético. Teoria absurda, como concordará o leitor certamente. Até mesmo muitos antropólogos aderiram a essa teoria naquele momento.


Isso é o que chamamos também de Determinismo. Isto é, tudo estaria determinado segundo uma lei natural e lógica. Leitor, caso você tenha chegado em sua leitura até aqui, acesse o verbete Determinismo e tenha mais informações a esse respeito.


Já para a antropologia, influenciou principalmente os estudos etnológicos, orientando seus estudiosos no sentido de estabelecer nuances entre as manifestações culturais dos vários grupos e as leis universais que regem os seres humanos. Pensamos nem citar a Biologia, que certamente foi uma das ciências que mais beneficiou-se desse pensamento, colaborando para o Evolucionismo e as correntes adjacentes, como o Darwinismo.Os principais teóricos do Positivismo são Augusto Comte e D. Hume e seus defensores podemos citar L. Wittgenstein, M. Shlick, Charles Darwin, E. B. Tylor; na literatura, Émile Zola, entre outros.


Apesar de ser uma teoria reacionária e perigosa, o positivismo forneceu interpretações interessantes para vários segmentos das artes, em particular da literatura, contribuindo com novas perspectivas e orientações. Na literatura temos a escola Naturalista como resultado de grande influência do positivismo. Para o leitor curioso e apaixonado pela literatura brasileira sugerimos a leitura de autores como Aluísio de Azevedo, grande naturalista que escreveu, entre outros, O Cortiço, sua obra maior.



Verbete:
Povos Primitivos




Povos Primitivos


Para a Antropologia Cultural, dizendo melhor, para a Etnologia que se orienta na Escola de Viena, Povos primitivos referem-se a uma série de povos que, etnologicamente, resultam mais antiquados, mais atrasados comparando com outros ou mesmo mais residuais, isto é, povos que não tiveram muitos outros contatos com outras civilizações, ficando assim mais próximos de suas origens primitivas.


Outra forma de se explicar esse termo composto é a de classificá-los como seres humanos que têm uma relação de dependência com a natureza muito maior do que aqueles povos pertencentes a culturas históricas, ou seja, povos que dependem diretamente menos da natureza do que os povos mais primitivos. Esclareceremos melhor.


Dentre os povos chamados primitivos incluem-se aqueles que não têm escrita, isto é, que não têm história escrita, portando supõem-se mais atrasados. Atualmente muitos desses povos estão deixando de existir, ou por causa da colonização dos povos ditos avançados ou por contato com a civilização. Um exemplo bastante esclarecedor para o leitor brasileiro são os índios Tupis. Este povo não tem escrita, o que nos leva a concluir a predominância da tradição oral, conseqüentemente há uma dependência maior em relação à natureza no sentido de sobrevivência e nos remete, ainda, a pensarmos que este povo está muito próximo da origem dos homens. Ou não?


Decerto estes povos estão condenados à extinção, apesar da tentativa de resistir o tempo todo a invasão cultural, econômica e política da civilização. Os tupis atuais, principalmente aqueles mais próximos das cidades, já não são mais os tupis de outrora, bravos guerreiros que um dia já tomaram conta de todo o Brasil e adjacências. Hoje, ao contrário, estão doentes, "civilizados" e são, em sua maior parte, católicos.


Este problema não se limita apenas aos tupis, mas a quase todos os povos primitivos do planeta, ou pelo menos aqueles que já foram descobertos pelos "homens brancos", descaracterizando-os de sua forma original por mera desculpa de adequação aos novos tempos ou por pretexto de levar-lhes a civilização correta. Não cremos nisso. Aliás, estes povos viveram sem a nossa interferência durante muitos milênios.


Apesar de ser um problema muito sério, este que discutimos, os intelectuais modernos têm essa preocupação. Por isso preocupam-se em estudá-los sem interferir diretamente em seus valores, ou tentando preservá-los. Os antropólogos sabem disso. Gostaríamos de que o leitor tivesse essa consciência e que se interessasse em estudá-los também, pois, decerto, é muito prazeroso descobrir nossas raízes em nós mesmos, ou melhor, naquilo que um dia fomos. Fomos claros?



Verbete:
Povos Recoletores




Povos Recoletores


Povos recoletores, ou colectores, são grupos primitivos que estão entre os povos caçadores e agricultores. Sua função - que praticamente se estende às mulheres, - é a de coletar durante a boa estação as plantas silvestres, os frutos, as raízes, e depois conservá-las em um local apropriado. Este local, muitas vezes, é considerado sagrado, podendo apenas o chefe do grupo ou o sacerdote tocar o alimento, comê-lo ou até mesmo entrar nesse local.



Verbete:
Raça




Raça


O conceito de Raça pode ser observado sob vários pontos de vista e poderíamos enumerar, entretanto e aqui, alguns deles. O que nos importa, no entanto, é o que a Antropologia teria a dizer sobre esse termo. Segundo a definição da UNESCO de 1951, raça são grupos que apresentam, em contraste com outros grupos, diferenças condicionadas geneticamente e bem destacadas; ou são grupos que se diferenciam de outras raças na existência ou na freqüência de determinados genes.


O leitor poderá achar estranha essas definições mas, a variabilidade genética condicionada de uma espécie é tão grande, que nenhum individuo será idêntico a outro individuo genotipicamente falando, exceto, é claro, para alguns gêmeos. De fato, as classificações que pretendem sistematizadas raças são bastante arbitrárias e de pouca precisão. Por isso, a etnografia encontra dificuldades para poder classificar os sistemas de raça existentes. O valor de um sistema de raça depende primeiramente do número de raças diferenciadas; dos critérios utilizados para a sua classificação. Ambos os fatores dependem um do outro e, evidentemente, quanto melhor podermos definir os critérios de diferenciação, melhor poderemos diferenciar as raças. Um desses critérios de diferenciação podem ser a dos caracteres que os indivíduos herdam de suas raças. Existem métodos para a determinação desses caracteres, por exemplo:


1) Métodos de morfologia descritiva; caracteres externos somáticos em questão têm uma complicação tão grande, que na atualidade não se tem podido estudar o suficiente geneticamente;


2) Métodos bioquímicos; os caracteres que se incluem aqui, principalmente sangüíneos, são bem menos complicados;  podem-se estudar com muito mais facilidade geneticamente.


Com o auxílio da Antropologia, puderam diferenciar atualmente sessenta e cinco raças e sub-raças que pertencem aos três grandes grupos raciais do Mundo. Os Europidos, Mongolidos e os Negridos. Os estudos mediante à estimação das diferenças nas freqüências genéticas podem esclarecer várias dúvidas acerca da evolução da humanidade atualmente viva, além de proporcionar um estudo do conjunto de raças.


Na atualidade, esses tipos de investigações estão sujeitos a diversos pequenos erros e detalhes que merecem ser revistos. O exagero de uma visão sobre uma determinada raça pode causar sérios problemas sociais. Lembremo-nos de que no passado certas correntes filosóficas proferiam o fortalecimento de uma raça em detrimento da outra. O Nazismo obteve certo êxito com suas teorias racistas e, ainda hoje, em quase todo Mundo, seres humanos classificam-se como superiores ou inferiores, dependendo da "raça". É válido lembrar também que muitas ciências hoje estiveram a serviço do racismo e do preconceito no final do século XIX, como a psicologia, a antropologia, a biologia, etc., mas o que importa realmente é que raças apenas distinguem variações de humanos, denotando principalmente o locus originário, ou seja, o lugar em que cada raça prevaleceu enquanto grupo. E seria realmente um absurdo um argumento qualquer que sobreponha uma raça em relação de poder com outra. Certamente esse tipo de preconceito está ligado à exploração e à alienação que brancos submetem brancos, amarelos e negros à custa de interesses individuais, ou de setores sociais, e da generalização da miséria, que escraviza, por mero exercício de poder, seres humanos a seres humanos.



Verbete:
Radcliffe - Brown, A. R. (1881-1955)




Radcliffe - Brown, A. R. (1881-1955)


Grande antropólogo inglês, exerceu grande influência nos lugares que ensinou além de fazer muitos sucessores. Com certeza, foi um dos teóricos mais importantes e fundador do Estruturalismo na Etnologia, juntamente com Lévi-Strauss.


Suas contribuições mais notáveis para os estudos antropológicos foram sem dúvida para os estudos sobre os sistemas de parentesco e para a teoria sociológica sobre as tribos australianas.


Sua literatura consiste mais em recolhimentos de textos publicados em revistas. Podemos citar: The Social Organization of Australian Tribes, de 1930; The Andaman Islanders, 1922; Structure and Function in Primitive Society.



Verbete:
Religião




Religião


Para tratar do tema Religião, devemos esclarecer ao leitor o sentido etimológico da palavra. Se você já leu outros verbetes e percebeu que sempre nos prendemos de alguma forma ao sentido etimológico da palavra, notará que não faremos diferente agora. Breve explicação: A raiz da palavra (de todas elas) encerra seu sentido original pela qual foi designada uma vez. Se a conhecermos, saberemos o primeiro motivo pela qual ela (a palavra) foi usada. Por exemplo, a palavra religião. O leitor saberia sua origem? Exatamente. A palavra Religião vem do termo latino "religare" que em latim significa a (re)ligação do homem com Deus.


Portanto, expressa em geral a relação do ser humano com o sagrado, com aquilo que estaria além da sua compreensão, com Deus realmente. A atuação prática da Religião está nos cultos, ritos e cerimônias. Em outras palavras, subjetivamente falando, pratica-se a religião através da adoração e veneração dos Deuses, santos ou espíritos; objetivamente através da confissão ou do culto e do Direito.


Ao levantarmos as pesquisas para essa redação, notamos que muitos intelectuais e estudiosos em religião costumam classificá-las de diversas formas e vontades. Vimos falarem em religiões primitivas e avançadas; religiões estendidas e fundadas, religiões monoteístas e politeístas, além de religiões universais e populares, como o cristianismo, budismo, islamismo, espiritismo, entre outras.


Para a nossa análise, relataremos um pouco das religiões dos povos indígenas, ou primitivos, pois nos parece mais interessante pela simbolização que nos apresenta. Entre os povos primitivos agricultores é muito forte o que podemos chamar de religião agrária. Basicamente, esta consiste nos ritos da fecundidade, isto é, em rituais que favoreçam a fertilidade e fecundidade. Para estes povos, por exemplo, a colheita depende exclusivamente dos deuses - deuses da vegetação, do tempo atmosférico - de forma que pretende-se através dos ritos conseguir benefícios junto aos deuses de uma boa colheita, de uma boa caça. Dessa forma, acreditam os indígenas estarem agradando os deuses, fazendo-lhes festas, danças, e muitos cânticos, dependendo do grupo indígena. Crendo nessas idéias, eles esperam obter o agrado dos deuses, e assim, uma boa colheita e paz espiritual.


Portanto religião é, antes de tudo, o meio pelo qual o homem se relaciona com Deus, suas divindades e espíritos, bons ou ruins, não importa se é certa ou errada. Todas as religiões têm esse objetivo de re-ligar o homem a seus deuses, suas crenças e seus instintos primários, fundamento básico para a sobrevivência dos homens na natureza.



Verbete:
Rito




Rito


O Rito propriamente dito é um ato de culto cuja a execução é prescrita por meio da lei, que pode ser escrita ou não, e o conjunto desses ritos formam aquilo que chamamos de Ritual.


Podemos dizer que praticamente todas as sociedades primitivas têm um conjunto de Ritos, ou Ritual. Há vários ritos dentro das muitas sociedades existentes mas, um muito importante, que poderíamos exemplificar aqui, é o ritual de caça. Muitas tribos indígenas praticam o ritual de caça antes dos caçadores saírem em busca de alimentos. Por exemplo, o animal que faz parte do principal cardápio dos índios podem ser louvados antes da caça, por meio de danças, pronunciamentos, oferendas... para que a caçada seja boa, para que tragam muitos alimentos. Se o leitor perceber, é uma forma de respeito para com os animais que serão caçados, assim como para a natureza que lhe oferece a caça. Se a caçada não for boa, a justificativa estaria talvez no mau humor dos espíritos, ou talvez eles pensassem que a Natureza não estivesse contente com seus rituais. O que é certo é que sempre, para qualquer relação humana para com a natureza, haverá um ritual. Outros tipos de ritos são usados por outros povos. Os ritos de sangue utilizado no culto à bruxaria, normalmente eram usados sangues de meninos ou de virgens. Podemos afirmar que os cultos tinham uma função, cuja relação com a natureza era necessária e assim efetuava-se como cerimônia, independente de seu significado original.


A sincronização do grupo nas cerimonias é algo realmente espantoso. Todos os membros participam do ritual, tendo, quase sempre, cada indivíduo, uma função e a responsabilidade para com o grupo. Há porém rituais que apenas indivíduos especiais, ou dotados de algum poder, podem realizar. O caso mais comum se dá ao feiticeiro do grupo, ou um Xamã, que detém poderes espirituais de cura, de afastar espíritos maléficos, prever o futuro de alguém ou do próprio grupo. Um caso interessante se dá quando uma adolescente cai doente por terra após ter sido tocada por um jovem índio. (E acredite, segundo a descrição de Levi-Strauss, o índio apenas tocou-a no braço). Toda a tribo vê-se preocupada com o acontecimento e imediatamente capturam o índio, acusando-o de estar enfeitiçado, podendo pôr em risco toda a comunidade. Este percebe que poderá sofrer a pena capital, que é a morte e, após muitas tentativas de explicar que não tinha culpa, acaba admitindo que é feiticeiro, que toda sua família fora de feiticeiros e que precisaria encontrar algumas penas mágicas para desfazer o feitiço. Após um ritual muito complicado, ele consegue convencer aos juízes da aldeia, (pela história que ele conta, aí está o poder da persuasão) de que realmente não tivera culpa. E assim ele é libertado. O que fizemos aqui foi um pequeno resumo de uma descrição feita por Levi-Strauss numa aldeia indígena do Brasil Central, que poderá ser encontrado com mais detalhes em Antropologia Estrutural, de Claude Levi-Strauss, sob o título de “O Feiticeiro e sua magia“. Esta pequena narração deverá ilustrar ao leitor a necessidade dos rituais nos grupos primitivos, necessidade tão importante quanto comer ou dormir. Portanto, para quase tudo que se faz nas tribos primitivas, tem-se a necessidade de um rito, que é uma das formas de se integrar os homens à natureza das coisas e à sua própria coletividade.



Verbete:
Ritos de Passagem




Ritos de Passagem


Para o nosso estudo antropológico, o conceito de Ritos de Passagem terá um significado específico e particular, como verá o leitor curioso por entender a Antropologia.


Por um lado, o sentido que o termo Ritos de Passagem pode referir pode ser no sentido de purificação ou de pureza. Já, por outro lado, e este nos é mais interessante, como o leitor verá, Ritos de Passagem significa a mudança de um estado para outro, isto é, do nascimento para a maturidade; da maturidade para o casamento e por fim para a morte. É claro que estamos falando principalmente de civilizações indígenas, que na qual exige-se um rito para essas mudanças de estado. Daremos exemplos mais adiante para o leitor. Mas, antes, devemos dizer que até na nossa sociedade existem certos rituais para essas mudanças, rituais decerto herdados de alguns povos primitivos. Na nossa sociedade alguns desses Ritos podem ser demonstrados, por exemplo, para as "debutantes", ou seja, mulheres que ao completar quinze anos faz-se um baile (ritual), marcando a passagem da adolescência para a maturidade. O casamento pode ser considerado também um rito de passagem, onde a cerimônia religiosa consagra a mudança.


Para os povos indígenas não é diferente. Aliás, haverá sempre um rito para o indivíduo que passar de um estado para outro.


Para ilustrar, há um rito muito comum para alguns povos primitivos da América. O rito de iniciação (quando o jovem emancipa-se, isto é, torna-se adulto) para certas sociedades - como os Bororos, da região centro-oeste do Brasil e muitas outras, consiste na entrega do estojo peniano para o jovem. Este estojo peniano é introduzido nos jovens homens e consiste num aparelho que envolve o pênis do iniciado, de formato cônico, que permanecerá nele até a sua morte. Para cada grupo, porém, pode variar o rito. Para os judeus, por exemplo, faz-se a circuncisão nos homens. Em alguns povos primitivos costura-se os lábios maiores e/ou os inferiores da vagina da jovem mulher, marcando a passagem de um estado para outro. Outras tribos costumam espancar os jovens


índios, na sua passagem para o estado adulto, afirmando a necessidade do sofrimento para que eles compreendam o significado de ser um adulto. Enfim, vários ritos de passagem marcam essa mudança de estado em diversas sociedades, inclusive a nossa. Fica a cargo do leitor, a partir daqui, levantar outros ritos importantes e compreendê-los como fases da vida de todos os seres humanos, fases que marcam o início, o meio e o fim de tudo.



Verbete:
Ruth Benedict




Ruth Benedict


Ruth Benedict nasceu em Nova York em 1887 e morreu em 1948.


Etnóloga e grande poetisa americana, foi uma das intelectuais, talvez a principal, que trabalhou a Etnologia com a noção de "tipo psicológico", isto é, foi uma das primeiras a unir a Antropologia e a Psicologia. Trabalhou conceitos como Apolíneo e Dionisíaco nas diversas culturas, afirmando inclusive pertencer a cultura norte-americana com a do tipo apolínea, além de desenvolver outras categorias.


Trabalhou entre os índios da Califórnia, os Zuni, e entre os imigrantes. Foi professora na Universidade de Columbia e aluna de Franz Boas e Kroeber.


Podemos citar alguns de seus livros, embora não haja muitas coisas traduzidas para o português: Patterns of Culture, 1934 e um dos mais incríveis livros sobre a cultura japonesa no pós Segunda Guerra: O Crisântemo e a Espada, Boston, 1946.



Verbete:
Sacrifício




Sacrifício


Segundo as histórias das religiões, o sacrifício sempre esteve acompanhado à oração, uma das formas mais antigas e essenciais do culto religioso. Está diretamente ligado à expressão de adoração, devoção, e ao oferecimento e consagração de oferendas visíveis às divindades. Em outros casos, na maioria das vezes, tem lugar em determinadas festas sagradas, em lugares também sagrados.


A oferenda é elevada da esfera do profano para a do sagrado, por meio de um determinado Rito. Em relação às diferentes intenções do sacrifício, fazem-se, entre outras, oferendas de adoração, de agradecimento, de rogo, de expiação enfim.


A execução do sacrifício, assim como do rito, está reservada a pessoas aptas para realizá-las, como sacerdotes, feiticeiros, chefes de famílias, entre outros.


Havia, até pouco tempo atrás, sacrifícios de viúvas. Para alguns povos, era um tipo de sacrifício que acompanhava aos mortos, no caso, o marido. Isto ocorria principalmente na Índia. As viúvas eram queimadas vivas, e isto não tinha apenas um caráter de sacrifício, pois, no inicio, era um feito voluntário.Ou seja, as mulheres viúvas de seus maridos sentiam a necessidade de morrer junto aos seus companheiros, devido à crença mítica da autocremação da esposa de Shiva, Sati, que significa esposa fiel. Em 1829, no entanto, essa prática fora abolida pelos ingleses oficialmente.


Quanto aos sacrifícios humanos, vários povos primitivos praticaram este tipo de sacrifício por motivos religiosos, de magia e de culto. Curiosamente, pois o leitor estará atento, os sacrifícios humanos passam pela idéia dos povos primitivos como liberação das forças vitais, contidas especialmente no sangue e na cabeça, em favor dos deuses e das forças da natureza.


Nas antigas culturas agrárias o sacrifício humano devia favorecer especialmente a fertilidade da terra e a boa colheita no futuro. Era uma forma de se precaver de perdas, como a destruição da colheita, uma safra não muito boa, pois, assim, fazendo sacrifícios, estes povos acreditavam que acalmariam os espíritos maléficos e assim, não se prejudicariam.


Havia, ainda, por fim, oferendas de sangue, autosacrifício, de animais, de mortos e de fogo.



Verbete:
Sincretismo




Sincretismo


A palavra Sincretismo significa, para a maioria das pessoas, a recepção e reinterpretação de elementos culturais estrangeiros mesclados, ou misturados, com uma cultura local.


Para o leitor não habituado com terminologias acadêmicas, sincretismo significa a mistura de culturas, crenças diferentes, originando assim novas formas de cultura. O Sincretismo, devemos alertar, aparece com mais freqüência no âmbito religioso, ou seja, nas religiões propriamente ditas, sendo mais raro seu surgimento, por exemplo, na economia ou na política.


Ao invés de complicar, devemos dar exemplos ao leitor que, certamente, a esta altura, já deve estar quase desistindo de ler esta redação. Pois não se desespere. Conhecemos o Sincretismo no Brasil através das religiões oriundas da África, como o Candomblé e a Umbanda. Dentro dessas duas religiões misturam-se elementos católicos e Africanos, compondo assim uma nova religião. É bastante curioso notar que para cada santo católico há um correspondente nos orixás da Umbanda e do Candomblé.


Já na América Central há também um sincretismo que muitos de nós já pelo menos ouvimos falar: O Vudu, ou Vodu enfim. Essa prática também é uma mistura de elementos africanos com um pouco da cultura Ameríndia e elementos católicos. É um culto secreto dos negros do Haiti e que está ligado à crença nos espíritos e demônios. Daí podemos dizer a referência ao sincretismo religioso. Em geral, sincretismo significa mistura de idéias, comportamentos, culturas, gerando não apenas religiões, mas novos movimentos culturais, artísticos e intelectuais.



Verbete:
Sir James George Frazer




Sir James George Frazer


Ao fazermos as pesquisas para redigir os verbetes sobre Antropologia, foi-nos citado, inúmeras vezes, o nome de J. G. Frazer por alguns antropólogos. Sentimo-nos na obrigação, portanto,


de fazermos um breve resumo de seus trabalhos e citarmos algumas referências bibliográficas para o leitor interessado.


Etnólogo de origem escocesa, foi reconhecido principalmente após a publicação de sua espessa obra, The Golden Bough, que compreende doze volumes e que foram escritos (a terceira edição) entre 1911 e 1915.


Esses textos consistem numa espécie de epopéia sobre a magia, a religião e uma análise do conceito de alma.


Foi discípulo do polêmico E. B. Tylor e um intelectual de gabinete. Publicou também Totemismo e Exogamia, em que expõe suas teorias sobre o tabu do incesto.



Verbete:
Sociedade




Sociedade


Os diversos modos e tipos de organização em que as relações inter-humanas são agrupadas em torno dos próprios homens constitui uma sociedade. É, pois, o conjunto histórico concreto das relações inter-humanas, dos grupos e das estruturas sociais.


Para o homem, ser social por definição, seu desenvolvimento depende exclusivamente de sua integração na sociedade, de como essas relações humanas se dão entre os próprios homens dentro dessa sociedade. Jamais o homem poderia se desenvolver se não existisse dentro de uma sociedade.


Já para a sociedade, é essencial a classificação e divisão dos homens em grupos, associações, profissões, classes, enfim, em várias categorias que comportem os anseios da sociedade e do


próprio homem.


Atualmente não existe aquilo que poderíamos chamar de sociedades diferentes. Com exceção de grupos indígenas ou povos primitivos que resistiram à civilização branca-capitalista, existem muito poucas sociedades que não se baseiam na idéia da produção e do consumo, como é a nossa.


Portanto sociedade é a base para a sobrevivência dos homens sendo impossível seu desenvolvimento fora dela. Por isso devemos lembrar aos homens sua condição de ser social, pois nos parece que freqüentemente ele se esquece disso, e torna-se um individualista, egoísta e narcisista, além de agressivo, tolo e ignorante, para consigo mesmo e principalmente para a sociedade, da qual depende inteiramente e mantém uma relação de reciprocidade que muitas vezes passa desapercebido devido a sua alienação.


Sociedade é a organização tipicamente humana, na qual seus membros exercem individualmente e coletivamente funções preestabelecidas segundo as condições em que vivem e como vivem. Caracteriza-se também por ser extremamente contraditória e complexa, por manter as condições de vida da imensa maioria das pessoas no caos absoluto e miséria para sustentar os desejos de pequenos grupos socialmente "diferentes", que nessa sociedade são diferenciados de "pobres" e "ricos". Em outras palavras, os ditos "ricos" são a sociedade enquanto os "pobres" são a sua margem e base de sustentação.



Verbete:
Tabu




Tabu


O termo Tabu tem sua origem etimológica na palavra polinésia Tapou, que significa aquilo que está muito marcado. Já que o nosso objetivo é esclarecer o máximo possível os conceitos que aqui são discutidos, faremos uma tradução e já interpretaremos para a língua portuguesa essa palavra polinésia. Podemos, por assim dizer, que Tabu é uma espécie de lei sagrada.


É bem dessa maneira que a maioria dos povos primitivos irá interpretar o Tabu. Quando a Etnologia preocupa-se em estudar os costumes e a cultura de vários povos primitivos (e esse é seu principal objetivo), certamente ela diria que Tabu poderá estar ligado a uma proibição mágico-religiosa, que por sua vez está ligado ao sagrado ou aquilo que possui algum tipo de força e poder.


Para ilustrar o leitor ansioso por exemplos, certos povos indígenas não podem tocar, por exemplo, seus chefes, ou o sacerdote, enfim. Caso acontecesse, poderia haver uma maldição. Isto pode ser considerado um Tabu. Há outros casos ainda. Em certas comunidades há um tabu em relação aos alimentos, por exemplo, de se consumir determinados tipos, como ervas, ou de tocá-los num momento proibido, privilégio apenas de sacerdotes, chamas ou chefes de tribo.


Para ilustrar com mais alguns exemplos de Tabu, citaremos um comum a quase todas as sociedades: o incesto. Como sabemos, essa prática não é comum nas sociedades que conhecemos, mas faz parte de algumas outras que não a entendem como Tabu. Algumas sociedades permitem o casamento entre primos, por exemplo. Apesar de não ser muito comum, a relação incestuosa pode ter finalidades específicas, como a de manter uma determinada família no poder de uma comunidade, transferir riquezas ou mantê-las dentro de uma mesma família. Durante muitos séculos, na Idade Média principalmente, casavam-se parentes por questões políticas ou econômicas e, muitas vezes, com autorização ou não da Igreja.


Devemos pedir ao leitor atenção ao interpretar ou julgar um tabu existente. Ele deverá ser interpretado e analisado sempre do ponto de vista da sociedade que a preserva, para assim, não incorrermos em erros e preconceitos desnecessários. Devemos, antes de tudo, entendê-los e contextualizá-los para, assim, podermos reconhecer nossas próprias limitações e procurar entender as leis que regem as sociedades existentes.



Verbete:
Totemismo




Totemismo


O Totemismo caracteriza-se principalmente pela crença nas relações místicas, de parentesco ou similares, bem como ao culto de um ascendente comum, que poderia ser um animal ou uma planta. Este é chamado de Totemismo individual, por caracterizar-se por uma estreita relação de amizade e proteção do individuo com um animal, uma planta ou um objeto.


Chamamos de Totemismo de grupo as manifestações totêmicas realizadas a partir de um grupo social, ou seja, uma família, um clã, etc, que seriam representadas por um Totem. Os estudiosos chamam essa relação de Totemismo de Grupo.


O leitor acharia curioso, por exemplo, em saber que o Totemismo Individual, principalmente ao norte da Ásia e na América, tem relações diretas com o xamanismo. Já na Austrália, por outro lado, os homens e as mulheres de uma tribo têm, de certa forma, para cada um, um determinado Totem.


Podemos dizer que a idéia básica sobre o Totemismo encontra-se na união mágica, mística e religiosa dos animais com os povos caçadores. Além disso, uma sociedade totêmica segue uma série de regras sociais indispensáveis ao grupo. São obrigatórias, por exemplo, a exogamia - proibição de matrimônio dentro do mesmo grupo totêmico -, a proteção, a proibição de matar, comer ou tocar um totem protetor, parente ou ajudante.


O Totemismo também pode ser representado por aquilo que chamamos de Poste Totêmico, ou seja, um poste normalmente alto, com várias "caras" de animais e seres humanos umas sobrepostas às outras; em parte pintado, para representar a legenda genealógica de uma família. Podemos chamar também de poste Genealógico, como sugere alguns críticos.


O Poste Totêmico existe entre os índios da costa Ocidental da América, e também entre os índios dos mares do Sul. Sob regra geral, os postes são colocados diante das casas, como signo demonstrativo da família à qual corresponde sua origem ou seus antepassados.



Verbete:
Tradição (antropologia)




Tradição (antropologia)


A palavra tradição, podemos dizer, está ligada ao costume, ao uso e à sua transmissão, e de certa forma ao folclore. Esclareceremos ao leitor essas diferenças. O que queremos dizer é que o emprego do termo Tradição significa, pelo menos teoricamente, a denominação para todos os procedimentos por meio dos quais são transmitidos todos os conhecimentos adquiridos, todas as criações que a sociedade conheceu. A tradição, em outras palavras, é um dos modos de se difundir e concretizar um dado cultural muito antigo, uma tradição iniciada por alguém e compreendida por todas as pessoas como uma espécie de rito necessário à manutenção de seus valores.


Com efeito, o leitor talvez entenda: Então tradição e cultura estão intimamente ligados? Sim, mas devemos alertar que a Cultura seria o próprio aprendizado, a absorção dos valores, e a tradição seria a forma de uma sociedade demonstrá-la, ou seja, é a forma pela qual a cultura pode ser representada e afirmada.


Um exemplo para o leitor brasileiro é a farra do bumba-meu-boi. Apesar de ser um folclore, isto é, uma festa de caráter tipicamente popular, a tradição existente neste folclore é a prática que há em, por exemplo, fazer a "farra do boi" que consiste nas pessoas vestirem-se de "boi" ou "touro" e sair pelas ruas como se estivessem perseguindo as pessoas. Às vezes, o touro é de verdade, e isso pode causar alguns problemas, como o leitor já deve ter pelo menos ouvido falar nos meios de comunicação.


Outro exemplo é o carnaval. Apesar de o Carnaval ser uma comemoração muito antiga em muitos outros países, é no Brasil que essa tradição se consolida mais claramente. Pelo menos da forma que é comemorada. Faz parte da tradição atual o carnaval ser comemorado em sambódromos, com escolas de samba, festas, etc. Mas percebemos, se formos rever a história do carnaval no Brasil, que houve várias transformações desde os tempos das famosas marchinhas até os atuais sambas-enredo.


Portanto, a tradição assegura a continuidade daquilo que uma vez foi começado e possibilita, além disso, o seu aprimoramento e evolução, como é caso do carnaval brasileiro, que sofreu várias transformações desde a sua origem até os dias atuais.



Verbete:
Babilônia (Cidade)




Babilônia (Cidade)


O nome Babilônia significa “portão de Deus”, mas esta antiga cidade foi mesmo o palco de inúmeras conquistas e disputas pelo poder. Localizada no lado leste do rio Eufrates, a noventa quilômetros ao sul de Bagdá, Iraque, a cidade da Babilônia foi primeiramente ocupada nos tempos pré-históricos, tornando-se conhecida somente muitos anos depois. No ano 2200 a.C., Babilônia foi o lugar escolhido para a construção de um templo, por localizar-se perto da importante cidade de Ur, mas foi em 1894 a.C., quando um rei Amorita chamado Sumu-abum fundou uma dinastia ali, que a Babilônia tornou-se independente. A continuação do reinados dos Amoritas foi fundamental para o desenvolvimento da cidade, que atingiu um alto ponto quando estava sob as ordens de Hamurabi, o rei que praticamente dominou toda a Mesopotâmia, fazendo com que a sua população cumprisse seu famoso código de leis, conhecido como Código de Hamurabi.


No ano de 1590 a.C., a Babilônia sofreria sua primeira grande dominação. Os Cassitas tomaram a cidade, transformando-a na capital do reino da Babilônia, que compreendia todos os povoados do sul da Mesopotâmia. A cidade tornou-se o centro administrativo e religioso de todo o império babilônico, elegendo o deus Marduc como o maior de todos na crença deste povo. Mas a paz na região durou pouco mais de quatrocentos anos quando, por volta de 1158 a.C., a capital do reino da Babilônia seria saqueada pelos Elamitas, que tiraram várias obras de arte e até mesmo o Código de Hamurabi dali, transferindo tudo para a sua capital, Susa. Depois, no final do século VIII a.C., os Assírios passaram a governar a cidade, que era somente mais uma conquista para este povo e, nesta época, perdeu sua importância política.


A Babilônia reerguer-se-ia politicamente, recuperando seu antigo poder e fama, no século VI a.C., quando os Caldeus, especificamente o rei Nabopolassar, fundou uma nova dinastia babilônica. Ele e seu filho, Nabucodonosor II, expandiram as fronteiras de seu reino, tornando-o um dos mais importantes impérios já existentes. Na cidade, foram construídas novas edificações, além de um muro de proteção com cerca de dezoito quilômetros de extensão, que servia para protegê-la de possíveis ataques. Palácios e templos ganharam reformas, foram aumentados ou reconstruídos e as ruas que serviam de local para as procissões ganharam pavimentação. Muitos portões imensos e fortes serviam para guardar a maior cidade que já existiu naquele tempo, pois a Babilônia chegou a ter mais de mil hectares de tamanho. Neste período foram construídos o Palácio de Nabucodonosor e A Rua da Procissão, decorada com animais vitrificados em relevo. Os legendários Jardins Suspensos, que Nabucodonosor teria erigido especialmente para a sua esposa são, hoje, considerados uma das sete maravilhas do mundo.


No ano de 539 a.C., pouco depois das dinastias dos caldeus, a Babilônia foi incorporada ao império Persa quando Ciro, o Grande, conquistou a cidade. Por algum tempo, Babilônia foi a residência de alguns imperadores, mas uma revolta local liderada por Xerxes I destruiu a grande maioria das edificações do local e queimou a estátua do deus Marduc. O que havia sido a maior cidade de todos os tempos estava assistindo sua decadência que seria inevitável, mesmo com a tentativa de Alexandre, o Grande de torná-la a capital de seu grandioso império. Ele tomou a Babilônia por volta do ano 330 a.C., com planos de reconstruí-la e reerguê-la, mas morreu antes que isso chegasse a acontecer. O declínio total aconteceria com a fundação de Seleucia, a nova capital grega, que acabaria por apagar totalmente a importância da Babilônia, pois uma grande parte de sua população a deixou para viver na nova capital. Os grandiosos templos da cidade continuaram sendo visitados e usados por algum tempo, mas a cidade de Babilônia definhou cada vez mais e desapareceu no século VII d.C.


As ruínas desta grandiosa cidade revelaram muitas informações sobre o modo de vida e os costumes de seu povo. Babilônia, na época, era dividida pelo rio Eufrates, sendo que na margem leste ficava a maioria dos templos e palácios, como Esagila, o grande templo de Marduc e o zigurat Etemenanki, que possuía sete andares, sendo muitas vezes associado à lenda da Torre de Babel. Neste lado do rio também localizava-se a Rua da Procissão, usada pelos poderosos e políticos nas comemorações do ano novo e que levava ao Portão de Ishtar (Vênus), decorado com leões e dragões coloridos. Perto do portão ficava o templo do ano novo, chamado Akitu, além das estruturas em forma de abóbadas dos Jardins Suspensos. Na margem oeste do rio estava a chamada cidade nova, que abrigava alguns templos e a maioria das moradias da Babilônia.



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Belzoni, Giovanni Battista




Belzoni, Giovanni Battista


Giovanni Battista Belzoni foi engenheiro, arqueólogo e explorador. Nascido na cidade de Pádua, Itália, no dia 15 de novembro de 1778 e falecido aos quarenta e cinco anos de idade, em 3 de dezembro de 1823, ele foi o primeiro homem de nossos tempos a explorar o interior da segunda pirâmide de Khafre, em Giza, no Egito. Belzoni estudou Engenharia Hidráulica em Roma mas, por causa da invasão das tropas de Napoleão na Itália, ele se mudou para a Inglaterra, onde trabalhou no circo por mais de dez anos.


Depois de trabalhar como artista circense, Belzoni viajou ao Egito para mostrar a Mohammed Ali, o soberano daquele país, um de seus inventos hidráulicos. Ele então começou a trabalhar coletando antigüidades egípcias para o Museu Britânico e ajudando a removê-las até a Inglaterra. Uma destas peças foi o imenso busto do faraó Ramsés II, retirado da cidade de Tebas. Belzoni deu início, então, à exploração de sítios arqueológicos como o templo de Idfu e as tumbas no Vale dos Reis, onde ele encontrou a tumba do rei Seti I. Ele também fez escavações em Al Karnak, abriu as entradas do templo em Abu Simbel e identificou as ruínas do porto de Berenice, no Mar Vermelho, Egito.


Giovanni Belzoni voltou para a Inglaterra em 1819 e publicou um livro sobre as suas descobertas, chamado Narrative of the Operations and Recent Discoveries Within the Pyramids, Temples, Tombs and Excavations in Egypt and Nubia ou “Narrativa das operações e recentes descobertas dentro de pirâmides, templos, tumbas e escavações no Egito e em Núbia”, datado de 1820.



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Botta, Paul Emile




Botta, Paul Emile


Paul Emile Botta foi um arqueólogo e diplomata francês, que nasceu em 6 de dezembro de 1802 na cidade de Turim, Itália, e morreu em 29 de março de 1870, aos sessenta e sete anos de idade. Seu pai era um historiador italiano que se tornou cidadão francês quando Paul tinha apenas doze anos.


Botta havia estudado medicina, mas fazia parte do corpo diplomático da França, o que o levou a morar em diferentes países ao redor do mundo. O Egito foi o primeiro lugar para o qual Paul foi designado, sendo que algum tempo depois ele foi transferido para o Iraque e em seguida para a Turquia. Neste país, Botta começou a formar uma expedição para escavar onde ele acreditava que poderia encontrar vestígios do povo Assírio, que eram os maiores representantes do militarismo na região da Mesopotâmia.


A expedição liderada por Botta encontrou várias estatuetas e obras de arte dos Assírios, mas sua mais importante descoberta foram as ruínas da cidade de Dur Sharrukin, fundada pelo rei Sargão II, um dos primeiros soberanos conquistadores do povo Assírio. Dentre estas ruínas estavam partes do palácio de Sargão II, que foram consideradas os maiores achados de Botta. Algumas das peças encontradas por ele estão expostas no famoso Museu do Louvre, em Paris.



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Carnarvon, George Edward Stanhope Molyneux Herbert, 5º Conde de

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Carnarvon, George Edward Stanhope Molyneux Herbert, 5º Conde de




Carnarvon, George Edward Stanhope Molyneux Herbert, 5º Conde de


O Conde de Carnarvon foi um grande especialista em Egito, que nasceu no dia 26 de junho de 1866, em uma pequena vila inglesa, e morreu em 6 de abril de 1923, aos cinquenta e seis anos. Por ser de uma família endinheirada, George Edward Herbert estudou nas melhores escolas inglesas, cursando, inclusive, a conhecida e conceituada Universidade de Cambridge. Herbert também viajou muito durante toda a sua vida, tendo ido ao Egito pela primeira vez no ano de 1903. Três anos depois, o conde viria patrocinar uma expedição na cidade de Tebas, onde trabalharia juntamente com outro arqueólogo inglês, chamado Howard Carter.


Os dois ingleses descobriram várias tumbas da 12ª e 18ª dinastias do Egito, façanha que foi devidamente documentada na publicação “Cinco anos de explorações em Tebas”, datada de 1912. Dez anos depois, a expedição de Herbert localizou a entrada da tumba do faraó Tutancamon, um dos mais influentes e poderosos da 18ª dinastia egípcia. George Herbert morreu cerca de dois meses depois de sua mais importantes descoberta, pouco tempo antes de a tumba e o sarcófago serem abertos.



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Carter, Howard




Carter, Howard


O britânico Howard Carter foi um arqueólogo e egiptologista que nasceu em Londres, no dia 9 de maio de 1873 e morreu aos sessenta e cinco anos, em 2 de março de 1939. Ele trabalhou no Departamento de Pesquisas Arqueológicas do Egito, tornando-se inspetor do Departamento de Antigüidades do governo egípcio e supervisionando várias escavações em tumbas no Vale dos Reis, em Luxor. Howard recebeu de Sir Flinders Petrie, um conhecido arqueólogo inglês, um treinamento sobre escavações e regras gerais de sobrevivência.


Em suas expedições, Carter encontrou a tumba do importante faraó Thutmose IV e da rainha Hatshepsut, mas a sua maior descoberta foi considerada um dos maiores achados arqueológicos do século. Trata-se da tumba até então intocada do faraó Tutancamon, o conhecido soberano do antigo Egito, que reinou na 18ª dinastia egípcia e que estava cheia de tesouros e obras de arte bastante valiosas. Junto com Carter, estava outro famoso e conceituado arqueólogo inglês, chamado George Edward Herbert, mais conhecido como o Conde de Carnarvon. Carter publicou um livro chamado A tumba de Tut-ankh-amen, que contava todos os detalhes de sua famosa expedição e os tesouros encontrados por ele já ficaram expostos em vários museus do mundo.



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Chichen Itza




Chichen Itza


Chichen Itza significa “a boca do poço de Itza”, na linguagem yucateca. Este também é o nome de um grande centro cívico da cultura Maia, que se originou de uma pequena vila formada por fazendas. Chichen, como era chamada inicialmente, surgiu em meados do ano 500 a.C., localizando-se na porção norte da Península de Yucatan, lado leste do México. Muito tempo depois, por volta de 700 d.C, o lugar começou a receber peregrinos que vinham de toda parte trazer oferendas para homenagear o deus da chuva. As oferendas eram atiradas em uma espécie de poço sagrado, escavado naturalmente nas pedras calcárias. A peregrinação trouxe não somente fama a Chichen, como também promoveu a construção de templos e palácios, além de um observatório astronômico, todos em grande estilo arquitetônico. No ano de 987 d.C, o povo Tolteca da parte central do México, juntamente com um outro povo Maia chamado Itza, dominou Chichen, transformando-a em uma capital para as duas nações (a Tolteca e a Maia). Daí o nome Chichen Itza.


Depois de passar a ser o centro de duas culturas importantes, a cidade ganhou novos templos, calçadões, praças, salas de banho e palácios. As edificações mais importantes eram adornadas com murais que contavam a história de Chichen Itza e os costumes de ambas as nações que formavam o seu povo. Os palácios eram normalmente construídos com a função de homenagear algum soberano ou deus, como o Castillo, por exemplo. Sendo uma das principais construções da parte nova da cidade, o templo em forma de pirâmide foi dedicado à Kukulcan- o homem que liderou os Toltecas na tomada de Chichen. Outra edificação importante era o Palácio dos Guerreiros, localizado em uma grande praça de onde saía o caminho para o poço sagrado. Este templo trazia em sua arquitetura o estilo de um outro templo situado em Tula, a capital Tolteca no México central, comprovando assim a variedade de estilos encontrados em Chihen, que fora provocado pela miscigenação de diferentes povos.


A decadência de Chichen Itza aconteceu no fim do século XII, quando a cidade foi invadida e saqueada por uma revolta liderada pelo soberano de Mayapan (cidade localizada no lado oeste da Península de Yucatan). O povo Itza fugiu para o sul e estabeleceu uma nova cidade onde seus descendentes viveram até 1697. Depois do saque e da fuga do povo Itza, Chichen Itza nunca mais chegou a ser o centro cívico e cultural dos Maias, perdendo totalmente a sua importância outrora tão relevante.



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Chimu




Chimu


Chimu foi um reino muito poderoso da antigüidade, que atingiu o seu apogeu nos séculos XIV e XV e teve seu declínio marcado pela invasão dos Incas. Localizado na costa norte do que hoje é o Peru, este reino tinha uma grande extensão, indo praticamente de Lima até a divisa com o Equador. Só a capital, que era rodeada por um muro de quase dez metros de altura e se chamava Chan Chan, tinha uma área de mais de quinze quilômetros quadrados. O Estado Chimu e seu povo são conhecidos pela alta tecnologia empregada em suas construções, assim como as técnicas de irrigação desenvolvidas para a cultivação de alimentos nos vales locais.


As obras de arte dos Chimus são variadas e muito bem trabalhadas. São conhecidas efígies de cerâmica negra com desenhos em baixo relevo, além de peças esculpidas em ouro e prata adornadas com pedras preciosas. Algumas ruínas em bom estado de conservação permanecem até hoje no Peru, mas pouco se sabe sobre a vida social deste povo, que sofreu duas invasões durante a sua existência.


Por volta do ano de 1450 d.C., durante a dinastia de Minchançaman, Chimu foi invadida pelos Incas e sua cultura seria facilmente assimilada e misturada à de seus invasores. Mas, algum tempo depois, com o descobrimento do continente americano, Chimu, assim como várias outras cidades e reinados da antigüidade, seria invadida e destruída por colonizadores espanhóis, que não se preocuparam em tomar muitas anotações sobre a sociedade e a cultura Chimu.



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Cultura Lung-Shan




Cultura Lung-Shan


A Cultura Lung-Shan, que nasceu por volta de 1900 a.C., faz parte da pré-história chinesa e tinha uma população formada, na sua maioria, por agricultores que viviam no norte da China. O povo Lung-Shan vivia em pequenas vilas cercadas por muros de argila, sobrevivendo do cultivo de arroz e milho e da criação de animais domésticos como gado, ovelhas, porcos e cabras. Estudiosos afirmam que a sociedade era muito bem dividida e, por causa de indícios de morte violenta encontrados nas vilas, deduz-se que, ocasionalmente, deviam ocorrer revoltas e conflitos sociais por parte daqueles que não estavam contentes com sua posição social. A descoberta da Cultura Lung-Shan ficou marcada por ser a primeira constatação de que a escrita chinesa poderia estar conectada com uma arte de tirar a sorte usando ossos de animais. O povo Lung-Shan desenvolveu seu lado artístico de forma bastante singular, fabricando artesanalmente vasos e outros objetos em cerâmica negra, que se diferenciava de qualquer outro tipo de arte que usava o mesmo material por ter um fino acabamento. A cultura deste povo, assim como seu modo de vida, espalhou-se, indo em direção ao sul até chegar no Taiwan. Alguns estudiosos acreditam que a sua evolução poderia ser uma derivação da cultura Yang-Shao, mas as opiniões são bastante divergentes a esse respeito.



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Dólmen




Dólmen


Dólmen é um tipo de construção pré-histórica composta por dois ou mais blocos de pedra, fincados paralelamente na terra. Esse blocos verticais servem como suporte para um outro bloco, que está horizontalmente sobreposto a eles formando uma espécie de telhado. Algumas vezes, os Dolmens eram cobertos com terra e a grande maioria deles está cercada por megalitos (Mega = grande e Litos = pedra) em forma de círculo. Diz-se que os Dolmens eram usados como câmaras para a realização de enterros, mas sabe-se também que estes monumentos feitos de pedra serviam como altar para cerimônias, como no caso dos encontrados na Ilha de Guernsey. Arqueólogos acreditam que os Druidas usavam os Dolmens como altar em seus rituais religiosos e muitos deles foram encontrados na Irlanda e Inglaterra, em distritos como Devon e Cornwall. Há o conhecido Dólmen de Soto, localizado na Espanha, além de outros encontrados no noroeste da França, norte da África e em vários outros países, incluindo até mesmo o Japão.



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Heliopolis




Heliopolis


Heliopolis, que em grego significa “cidade do sol” foi a cidade do antigo Egito destinada ao culto do deus Sol, chamado Ra pelos egípcios. Localizada a cerca de dez quilômetros a nordeste da cidade do Cairo e oito quilômetros a leste do rio Nilo, Heliopolis nasceu como centro do deus do pôr-do-sol, Tem, sendo depois transformada em Per-Ra (cidade de Ra), como era conhecida na literatura egípcia. A história desta cidade, que também foi chamada On, Beth-Shemesh e Aven na Bíblia, mostra que ela já existia em meados do ano 2900 a.C.. Sua saga foi dividida em três impérios sendo que o Velho ia de 2686 a 2180 a.C., o Médio império ia de 2133 a 1786 a.C. e o Novo, que durou de 1570 a 1085 a.C. Foi neste último reinado que Heliopolis atingiu o seu apogeu, pois o deus Ra, que passou a se chamar Amon-Ra, foi considerado o chefe dos deuses egípcios.


A cidade de Heliopolis foi economicamente beneficiada por causa de sua avantajada localização, que ficava bem no meio de uma das rotas de comércio que iam da Ásia até a Europa. Além disso, Heliopolis também ficava próxima a uma grande pedreira de quartzo, que foi muito explorada durante os anos do Novo império. Durante a 13ª dinastia egípcia, que funcionava sob o comando do faraó Ramsés II, a cidade viveu o ponto mais alto


de sua crença religiosa quando o templo de Heliopolis recebia milhares de pregadores. Este templo servia como biblioteca para guardar os escritos dos pregadores religiosos, conhecidos e renomados por saberem ler e escrever.


Heliopolis teve seu declínio marcado pela fundação da cidade de Alexandria, no ano de 332 a.C., quando perdeu completamente sua importância religiosa e política dentro do império. Mais tarde, quando Roma ocupou o Egito, vários edifícios foram destruídos para dar lugar a novas construções e o material deles foi usado em outras cidades. As obras de arte e obeliscos foram removidos para outros lugares e, hoje, as ruínas do que restou de Heliopolis estão misturadas com as casas do subúrbio da cidade do Cairo.



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Herculaneum




Herculaneum


Herculaneum foi uma antiga cidade fundada por colonizadores gregos no ano 600 d.C., sendo assim nomeada em homenagem ao herói da mitologia grega, Hércules. No começo do ano 100 a.C., todos os habitantes de Herculaneum passaram a ser cidadãos Romanos. Localizada a oito quilômetros ao sul da Baía de Nápoles, na Itália, Herculaneum, assim como sua vizinha Pompéia, tornou-se uma colônia de férias para os ricos e poderosos Romanos, que ali construíram casas de banho, teatros e lojas. A cidade ganhou então uma malha de ruas pavimentadas com calçadas, um fórum, que ficava bem no centro dela, uma basílica e muitas mansões para abrigar e divertir os Romanos endinheirados. As edificações mais importantes, como a Casa de Netuno e Amphitrite, eram adornadas com estátuas de mármore e bronze, pisos e paredes com mosaicos e pinturas. A grande maioria das residências encontradas neste sítio arqueológico data do século III a.C., tendo pertencido a apenas uma família.


A prosperidade deste paraíso romano foi abalada no ano 63 d.C., quando um forte terremoto abateu a cidade, destruindo-a quase que por completo. Mas o pior viria tempos mais tarde, mais precisamente em 24 de agosto de 79 d.C., ano em que o Monte Vesúvio entrou em erupção e cobriu Herculaneum e Pompéia com lava e lama fervente. Cerca de quatro mil habitantes conseguiram escapar do desastre, mas a cidade ficou coberta por uma espessa camada de quinze metros de lama. Todos os prédios foram completamente carbonizados, o que permitiu a preservação de utensílios domésticos como vasos de cerâmica, cordas, roupas, móveis e até documentos que não deterioraram com o passar dos anos. Herculaneum foi encontrada por arqueólogos em 1709 e desde 1738 acontecem escavações em diferentes pontos deste sítio, que hoje se mistura com uma cidade chamada Resina, fato que vem atrapalhando e atrasando muito o trabalho das expedições que investigam o local. Muitos objetos e obras de arte encontrados em Herculaneum estão expostos no Museu Nacional de Nápoles.



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Idade da Pedra




Idade da Pedra


A Idade da Pedra foi o tempo em que os homens pré-históricos usavam este material para a fabricação de ferramentas, armas e utensílios domésticos. Esta é a primeira Idade na divisão que os estudiosos fizeram para definir a evolução do homem na pré-história, sendo que a Idade do Bronze e do Ferro são, respectivamente, suas sucessoras. Consta que a Idade da Pedra começou há cerca de dois milhões de anos, quando o homem descobriu grandes qualidades neste material resistente, e seguiu-se por muito tempo, até o início da Idade do Bronze com uso de metais como estanho e cobre. Não se pode definir uma data para o início do uso da pedra em todo o mundo, pois isso dependia principalmente do avanço dos diferentes agrupamentos humanos que habitavam a Terra. Por causa de mudanças drásticas no clima e na cultura humana durante a Idade da Pedra, e para melhor poder estudá-la, esta era foi dividida em três períodos, chamados Paleolítico, Mesolítico e Neolítico.


No período Paleolítico, que também é conhecido como Antiga Idade da Pedra por ser o primeiro dos três, os homens começaram a utilizar a pedra para abater e preparar sua caça. Armas e instrumentos eram fabricados com lascas de pedra, que possuíam um poder de corte até então desconhecido pelos humanos. Com o tempo, houve um aumento na diversificação destes instrumentos, que ganharam funções cada vez mais específicas e foram gradativamente aperfeiçoados. Há cerca de cem mil anos, os homens de Neandertal passaram a fazer ferramentas com pedra e ossos de animais e já no final deste período, foram fabricadas armas avançadas como arpões para caça e pesca. Na fabricação de armas, diferentes tipos de pedra eram quebradas ou cortadas em lascas, tornando-se mais fortes ou mais pontiagudas para melhor servir à sua proposta de massacrar, cortar ou rasgar alimentos e animais.


O desenvolvimento da manufaturação de armas e diversos instrumentos feitos em pedra continuou rapidamente através dos tempos. No período Mesolítico, utensílios cortantes e cada vez mais aperfeiçoados foram adaptados às novas necessidades humanas, pois o clima estava cada vez mais ameno com o fim da Era Glacial. Com esta mudança climática a comida tornou-se muito mais abundante, uma vez que a vida animal florescia com o calor. A caça e a pesca tornaram-se o meio principal para a subsistência do homem e armas direcionadas para este tipo de atividade foram desenvolvidas a partir dos modelos antigos. Grãos, vegetais e frutas diversas passaram a ser preparadas com utensílios que os trituravam ou fatiavam, transformando-os em farinha ou facilitando a sua digestão. Por volta de 8000 a.C., com a chegada do período Neolítico, estes utensílios aperfeiçoados começaram a ser utilizados na agricultura, mudando completamente os hábitos nômades dos seres humanos que antes migravam de um lado para outro procurando comida. As pedras eram cuidadosamente partidas ou esculpidas em forma de lança, sendo polidas em seguida e, às vezes, até ganhando um pequeno desenho serrilhado em sua lateral. Elas eram acopladas a cabos feitos com ossos ou madeira, transformando-se em lanças poderosas para a caça. Quando o homem chegou na Idade da Pedra Lascada, ele já produzia vasos em cerâmica e começava a descobrir a utilidade dos metais que, anos mais tarde, viriam substituir a pedra.



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Idade do Ferro




Idade do Ferro


A Idade do Ferro foi um período onde os humanos de todo o mundo começaram a aprender a extrair e derreter este metal para fabricar armas, ferramentas e utensílios. Este período é uma das Eras ou Idades em que os estudiosos no assunto dividiram a pré-história dos humanos, de acordo com a evolução dos mesmos. Seqüencialmente, existe a Idade da Pedra, a do Bronze e a do Ferro, cujas denominações indicam o tipo de material usado pelos homens para construir suas ferramentas. Não se sabe exatamente onde e quando o ferro começou a ser explorado pelos humanos, uma vez que isso aconteceu em diferentes épocas, dependendo do avanço técnico de cada povo. A técnica de derretimento do ferro é mais complicada do que a de outros minérios como o estanho e o cobre e requer vários estágios para que o metal fique puro, sem fragmentos de pedras. Objetos feitos com ferro fundido datados de 3000 a.C. foram encontrados no Egito, mas sabe-se que os Hititas só o descobriram por volta de 1900 a.C. e, durante o seu império, aprenderam a aperfeiçoar as técnicas de fundição e uso deste minério. Nesta época, os Hititas espalharam seu conhecimento avançado no manuseio do ferro por toda a Europa e região do Mar Mediterrâneo, marcando definitivamente o fim da Idade do Bronze para muitos povoados locais.


Cerca de novecentos anos mais tarde, a indústria do ferro já movimentava centenas de pessoas que migravam de seus povoados para trabalhar na extração do minério. A produção em massa de utensílios de ferro trouxeram pessoas da Ásia para a Europa e vice-versa, iniciando o uso deste minério na Grécia e norte da Itália. Por volta do ano 600 a.C., foi a vez de os chineses aprenderem a usar este material e, pouco tempo depois, eles desenvolveram fornos de fundição tecnicamente superiores aos europeus, que só começaram a usá-los na Idade Média. Estes fornos produziam um ferro de altíssima qualidade, muito mais puro do que já se havia visto. Com um material resistente, os chineses começaram a fabricar armas, como machados e espadas, e utensílios como enxadas e foices, que os ajudaram a desenvolver ainda mais sua agricultura, revolucionando seus campos de plantações. O uso do ferro foi, ao longo dos anos, se espalhando pelo mundo, chegando na África por volta de 400 a.C. e tornando-se conhecido dos Celtas por volta de 450 a.C.. Na América, porém, não se tem conhecimento do uso deste material antes da chegada dos europeus.



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Kensington Rune Stone




Kensington Rune Stone


Kensington Rune Stone é um bloco de pedra que possui inscrições antigas e foi encontrado por um fazendeiro perto da cidade de Kensington, no Estado de Minnesota, EUA. As inscrições datam do ano de 1362 e contam sobre uma expedição de cerca de trinta suecos e noruegueses que teriam sofrido um ataque indígena naquele lugar. Alguns estudiosos usaram este achado para justificar suas teorias de que o povo nórdico teria mesmo explorado o interior da América do Norte antes da chegada de Cristóvão Colombo, uma vez que a teoria original diz que eles abandonaram a América em meados do ano 1000 d.C. A veracidade das inscrições são discutidas até hoje e muitos especialistas e arqueólogos acreditam que elas são uma farsa.



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Kent’s Cavern




Kent’s Cavern


A Caverna Kent está localizada na Inglaterra, perto de uma cidade chamada Torbay, no Estado de Devonshire. A caverna, que é de pedra calcária, foi uma das primeiras evidências de que haveria existido outros tipos de seres humanos e animais que, hoje, já estariam extintos. As escavações no local começaram por volta de 1825 e lá foram encontradas várias camadas que escondiam objetos e ossos humanos de diferentes períodos da história do homem. Havia cerca de seis camadas sendo que, nos níveis superiores, estudiosos encontraram vestígios do período romano, além de pedras polidas, cerâmicas e artefatos feitos em metal, que teriam pertencido ao começo da Era do Ferro e do Bronze. Também foram encontrados ossos humanos que, segundo arqueólogos, indicam a presença de seres humanos canibais nessas eras acima citadas. Nos níveis mais profundos, que ficavam abaixo de várias camadas de pedra calcária, descobriu-se a existência de ossos de animais que pertenciam à Era Paleolítica, como mamutes, renas e cervos gigantes e também de ossos humanos misturados a terra vermelha e negra.



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Machu Picchu




Machu Picchu


Machu Picchu é uma antiga cidade Inca, localizada a oitenta quilômetros de Cuzco, Peru. Construída no cume de um morro, entre dois íngremes picos e a cerca de 2.400 metros acima do nível do mar ou seiscentos metros acima do rio Urubamba, Machu Picchu ficou bastante conhecida por sua curiosa localização e técnicas de plantio. Suas ruínas ocupam uma área de treze quilômetros quadrados onde uma praça central está rodeada de terraços e escadas que ligam suas edificações. A mais conhecida delas está esculpida em uma rocha, chamada Intihuatana, cercada de muros de pedra com janelas em forma de trapézio e servia, provavelmente, como templo de adoração ao sol. Aliás, algumas das maiores construções de Machu Picchu parecem estar relacionadas com a religião Inca, tendo sido usadas para a adoração de seus deuses ou erigida em sua homenagem.


A população desta pequena cidade sobrevivia de sua alta tecnologia de engenharia agrícola, que chegou a ser usada, muitos anos mais tarde, depois de sua divulgação, por outros povoados que viviam em locais geograficamente parecidos com Machu Picchu. As lavouras eram inteligentemente plantadas em grandes degraus feitos nas ladeiras íngremes da montanha, facilitando o cultivo e valorizando o espaço que havia em volta da cidade. O clima quente e úmido, com muitas chuvas, cuidava do resto. O desenvolvimento da cultura Inca neste povoado também pode ser visto pelo seu fino artesanato, que inclui jóias feitas com prata e pedras preciosas, e também pela delicada e bem acabada cerâmica que ali era confeccionada. Acredita-se que todo o planejamento arquitetônico da cidade tenha sido supervisionado pelos imperadores Incas, que viviam na capital de seu império, a cidade de Cuzco.


Machu Picchu não foi encontrada pelos espanhóis, quando estes invadiram a América, ficando esquecida por mais de trezentos anos. Pouco se sabe sobre sua história e a respeito de sua verdadeira função dentro do império Inca; a cidade, abandonada, ficou encoberta pela vegetação local até que o arqueólogo americano Hiram Binghan a descobriu, fato que só veio acontecer no ano de 1911. Alguns estudiosos acreditam que Machu Picchu serviu como refúgio para os Incas quando os espanhóis invadiram, saquearam e destruíram Cuzco. Outros dizem que sua localização, bem na ponta leste de todo o império Inca, pode significar que a cidade foi um posto de fronteira, inteligentemente construído em cima da montanha para ter melhor visão e proteção. Devido à escassez de documentos ou descrições sobre a cidade, a história de Machu Picchu parece ter desaparecido com seus habitantes, quando os Incas foram dizimados pelos conquistadores espanhóis.



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Monte Alban




Monte Alban


Monte Alban foi o centro da civilização Zapoteca e estava localizado no topo de uma colina que hoje pertence à cidade de Oaxaca, México. O topo da montanha foi artificialmente aplainado para a construção da cidade que possuía uma praça central de cinquebta e cinco acres de extensão, com inúmeros palácios, templos, pirâmides, passagens subterrâneas, além de um observatório astronômico. Uma das principais construções era chamada de Templo dos Danzantes e possuía um lindo trabalho em baixo-relevo esculpido em suas paredes. A cidade, cujo aparecimento data de 400 a.C., teve início como um pequeno centro cívico e cerimonial da cultura Zapoteca, que abrigava alguns poucos residentes. O morro também foi esculpido em degraus para facilitar a construção de cabanas que serviriam como moradia para uma população que chegou a mais de trinta mil habitantes.


Cerca de duzentos anos mais tarde, no ano 200 a.C., Monte Alban atingiu o seu ápice tornando-se um grande centro no território Zapoteca e aumentando ainda mais o seu tamanho. Hieróglifos ainda não totalmente decifrados mostram uma história de conquistas e expansões através de um forte poder militar. Tumbas em forma de abóbada, recheadas de tesouros e obras de arte encontradas em Monte Alban foram consideradas as mais bem elaboradas de todo o Hemisfério Oeste. Essas características indicam um povo bastante desenvolvido nas artes, arquitetura e escrita, que conseguiu manter sua independência perante a todos os outros povos da antigüidade no México.


Não se sabe quais seriam as razões para o declínio desta civilização que existiu por mais de mil anos. Depois do ano 800 d.C., o lugar foi usado como cemitério de nobres Zapotecas e Mistecas, que continuaram construindo tumbas esplendorosas ornamentadas em ouro e prata e pedras preciosas. Monte Alban foi abandonado totalmente no tempo em que os espanhóis conquistaram toda aquela região mas, anos mais tarde, a cidade seria bastante pesquisada por arqueólogos e estudiosos de todo o mundo.



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Monumentos Megalíticos




Monumentos Megalíticos


Megalitos, que em grego significa pedra grande, são estruturas imensas construídas pelos homens pré-históricos. Eles dispunham estes blocos de pedra em diferentes maneiras, usando-os como monumentos funerários, altares e memoriais. A grande maioria deles foi encontrada na Europa, principalmente no lado leste, em países como Espanha e Portugal, mas muitos outros lugares como a França, Bélgica, o norte da África, Índia e até mesmo o Japão possuem estas construções pré-históricas. Talvez o monumento megalítico mais conhecido e visto em fotografias seja o da Ilha de Páscoa, que tornou-se ponto turístico para os apreciadores da antigüidade. Algumas destas construções datam do quinto milênio antes de Cristo até os primeiros séculos da Era Cristã, sendo que os megalitos da Ilha de Páscoa foram, provavelmente, erigidos, durante a Era Medieval européia. Até mesmo nos dias de hoje, em alguns lugares da Indonésia, Índia e oeste da África, o povo local ainda constrói este tipo de monumento em homenagem aos mortos ou para usá-los como altar para idolatrar seus deuses.


Os monumentos megalíticos foram divididos em quatro tipos principais, de acordo com sua disposição e função. O Menir, que é um único bloco de pedra fincado verticalmente no chão, foi comumente encontrado nas Ilhas Britânicas e na França. Algumas vezes os Menirs estavam em grande número, formando uma ou até mesmo duas fileiras paralelas, chamadas Fileiras Alinhadas, que é outro tipo de monumento. Essas fileiras eram usadas como via para procissões, sendo que algumas acabavam em um Menir solitário, considerado um provável altar. Círculos feitos com pedras foram encontrados em grande número na Escócia e em toda Grã-Bretanha, como o famoso Stonehenge da Inglaterra. Suas funções são desconhecidas, mas acredita-se que as medidas, como raio e diâmetros destes círculos que formam o terceiro tipo de monumento megalítico, obedeçam a um padrão de 0,82 metros e foi chamado jarda-megalítica.


O quarto e mais importante tipo de monumento megalítico são os Dolmens. Usados como câmaras para enterrar pessoas ou como memorial em homenagem a alguém falecido, os Dolmens consistem de dois ou mais Menirs, dispostos paralelamente e cobertos por um terceiro bloco de pedra, que serve como teto. Além deles, as tumbas construídas com estes blocos de pedra, mas que possuem uma espécie de passagem para seu interior, o qual muitas vezes está decorado com desenhos, também são monumentos megalíticos com funções religiosas para enterrar indivíduos. A característica principal destas tumbas é o fato de elas possuírem um ou mais blocos de pedra que servem como telhado, formando uma câmara fechada que guarda o morto enterrado. De acordo com os estudiosos, os monumentos mais antigos estão localizados em Brittany, na França.



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Persépolis




Persépolis


Persépolis, que em grego significa “cidade dos Persas”, foi um dos principais centros cerimoniais do reino da Pérsia, servindo também como residência para alguns dos grandes reis daquele império. Localizada em Takht-i Jamshid, cerca de 56 quilômetros ao norte de Shiraz, no Irã, as ruínas bem conservadas de Persépolis mostram porque ela foi considerada uma das cidades mais prósperas e esplendorosas de seu tempo. Dário I, um dos reis que residiram no local, foi quem começou, por volta de 518 a.C., a construir templos e palácios que combinavam o estilo persa e assírio. A cidade foi construída sobre uma imensa plataforma de pedra calcária, o que tornava suas estruturas ainda mais seguras para seus palácios, que possuíam colunas e vergas de sustentação e eram feitos de pedra maciça. Característica da arquitetura persa, os palácios traziam ornamentações em seus capitéis (espécie de coluna que serve para segurar a viga de sustentação do telhado), que eram esculpidos com cabeças de touro ou de cavalo. Os telhados eram feitos com vigas de madeira e os muros exteriores recobertos por ladrilhos esmaltados ou desenhos em baixo-relevo, bastante detalhados e rebuscados.


As imponentes obras da cidade dos Persas continuaram nos reinados seguintes. Xerxes I, que governou a Pérsia de 486 a 465 a.C., foi quem, substancialmente, terminou a cidade. Depois dele, Artaxerxes I, que reinou de 464 a 425 a.C., e Artaxerxes III, governante persa dos anos 359 a 338 a.C., também construíram seus respectivos palácios. Consta que a mais ou menos 6 quilômetros ao norte de Persépolis, os reis edificaram suas tumbas. Dentre as ruínas da cidade, os arqueólogos encontraram os palácios de Dário, Xerxes e Artaxerxes III, além de um labirinto cheio de tesouros, várias passagens ornamentadas e um harém. Outra edificação esplendorosa descoberta foi o palácio de convenções de Dário, chamado Apadana, mas também conhecido por Palácio das Cem Colunas. A sua entrada possui uma enorme escada dupla, decorada com esculturas em relevo que retratam a parada dos nobres Persas, a qual acontecia durante o sagrado festival do ano novo. Treze colunas de pedra deste palácio ainda estão em pé e, junto com as majestosas escadarias, vem sendo restauradas por especialistas e arqueólogos.


Persépolis assistiu sua derrubada juntamente com todo o Império Persa. Depois de várias guerras perdidas por Dário e Xerxes, o maior império até então construído na Ásia Central, cuja moderna administração estimulava o comércio e enriquecia o reino, seria destruído pela expansão macedônica, comandada por Alexandre Magno. Por volta de 330 a.C., as tropas de Alexandre invadiram a cidade de Persépolis, saqueando todos os seus bens e ateando fogo em suas propriedades. Depois da devastação, a cidade foi gradualmente abandonada por seus moradores e o Império Persa, completamente aniquilado pelo poder da Macedônia.



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Petrie, Sir William Mathew Flinders




Petrie, Sir William Mathew Flinders


William Mathew Flinders Petrie foi um arqueólogo britânico nascido na cidade de Charlton em 3 de junho de 1853 e falecido em 28 de julho de 1942, aos oitenta e nove anos de idade. Petrie foi um autodidata, nunca tendo, portanto, freqüentado escola ou universidade. Mesmo assim, ele se tornou professor de Egiptologia na Universidade de Londres, Inglaterra, desde 1892 até 1933, conquistando também a cadeira principal desta área na universidade. Petrie escreveu mais de cem livros sobre o assunto, além de vários artigos e reportagens para revistas e jornais, sendo também o criador de um método para conhecer a evolução do Egito, baseado na seqüência cronológica de vasos e outros objetos em cerâmica. Ele foi o primeiro a desenvolver um método como este que, mais tarde, foi seguido e aperfeiçoado por outros estudiosos.


Sir Flinders Petrie foi ao Egito trabalhar em pesquisas arqueológicas, por volta de 1880, com a intenção de sobreviver dentro da Grande Pirâmide, assim como fazer escavações nesta e em outras pirâmides de Giza. O arqueólogo conduziu escavações na cidade grega de Naucratis, num templo em Tânis, na Palestina e em vários outros lugares, somando cerca de trinta sítios arqueológicos pesquisados por ele. Suas maiores descobertas foram uma grande coleção de jóias que pertenceram a uma princesa egípcia, datada de 1800 a.C. e uma inscrição comemorativa de Merneptah, de meados dos anos 1200 a.C.. As escavações de Petrie comprovaram que, no Egito, havia mais de uma colônia da Grécia antiga.



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Pompéia (arqueologia)




Pompéia (arqueologia)


Pompéia foi fundada no século VII a.C., por um povo primitivo italiano que logo se deixou controlar pelos Gregos. Algum tempo depois, a cidade foi tomada pelos Etruscos passando, mais tarde, por volta do ano 500 a.C., para as mãos dos Samnitas. Somente no ano 89 a.C., quando o general romano Sula conquistou Pompéia, a cidade foi transformada em município romano. Localizada na Baía de Nápoles, Itália, entre as cidades de Herculaneum e Stabiae, e ao sul do Monte Vesúvio, Pompéia desenvolveu-se tanto como cidade turística para Romanos endinheirados, quanto como porto para toda a região do vale do rio Sarno. Sua população atingiu a marca de mais de vinte mil habitantes, distribuídos em uma área urbana de sessenta e seis hectares, constantemente protegida por uma muralha de mais de três mil metros de comprimento que a cercava. Esta muralha possuía sete portões de acesso e onze torres, que teriam sido usadas para vigiar seus arredores.


No centro da cidade ficavam o mercado, que era todo rodeado por colunas; a basílica, ou palácio de justiça; o comitium, onde ficava a assembléia municipal; e o templo principal, que havia sido construído em homenagem aos deuses Minerva, Júpiter e Juno. Ruas que ligavam os anfiteatros às casas de banho, muito comuns nesta estação de veraneio romana, continham casas com varanda cuidadosamente arquitetadas e decoradas com mosaicos e pinturas nas paredes e no piso. Uma escola de luta, chamada de palaestra pelos Romanos, um quartel de gladiadores, um templo Dórico do século VI a.C. e um teatro ao ar livre compunham o chamado Fórum Triangular, o qual localizava-se na porção sul de Pompéia. Uma edificação conhecida como a Casa de Fauno, justamente por causa da estátua de um fauno encontrada ali, traz o famoso mosaico que retrata uma batalha entre Alexandre o Grande e Dário, o rei da Persa. Já a Vila dos Mistérios tem, em seus muros e paredes, pinturas demonstrando rituais sagrados e religiosos. Pompéia ficou conhecida pelo acabamento artístico dado às suas construções, como mosaicos e imensos murais pintados.


Pompéia sobreviveu a um terremoto no ano de 62 d.C., que danificou e destruiu muitas casas e construções importantes, mas não conseguiu resistir à terrível erupção do Monte Vesúvio. O desastre aconteceu dezessete anos depois, na manhã do dia 24 de agosto de 79 d.C., quando a cidade foi tomada por uma chuva de lava e cinzas que matou mais de dois mil habitantes, arrasando a cidade. A maioria da população escapou da erupção, que também atingiu as vizinhas Herculaneum e Stabiae, levando todos os bens possíveis. Dois dias depois, quando tudo havia terminado, a cidade estava completamente destruída e soterrada num mar de lava quente de cerca de seis metros de altura. Alguns sobreviventes voltaram ao local para tentar reencontrar seus bens e riquezas, escavando em suas casas e edifícios públicos, levando tudo o que era de valor, até mesmo pedaços de blocos de mármore. O efeito químico da lava e das cinzas que cobriram a cidade preservaram incrivelmente bem todo tipo de objetos, como vasos, cordas, roupas e obras de arte, assim como edificações, casas, teatros e lojas. Os corpos das vítimas foram rapidamente carbonizados pela lava incandescente, que funcionou como um molde, conservando suas posições na hora do desastre. A cidade nunca mais se reergueu.


As ruínas de Pompéia, que até então estavam encobertas, foram encontradas cerca de mil e quinhentos anos depois de sua destruição, mas somente no ano de 1738 iniciaram-se as escavações na região que compreendia também Herculaneum e Stabiae. Johann Joachim Winckelmann, um arqueólogo alemão, foi um dos primeiros a ressaltar a importância da descoberta de Pompéia como sítio arqueológico, uma vez que este sítio possibilitaria, por seu ótimo estado de conservação, a realização de um minucioso estudo sobre a arquitetura e os costumes Romanos. Novas expedições escavaram e continuam escavando até hoje a cidade de Pompéia e suas duas vizinhas, sendo que cerca de três quartos da cidade já foram tirados de debaixo da terra. A maioria dos corpos carbonizados, utensílios e objetos de valor, assim como pinturas, esculturas e partes de mosaicos, que foram retirados de Pompéia, estão agora em exposição no Museu Nacional de Nápoles.



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Rosetta Stone




Rosetta Stone


Rosetta Stone, como o próprio nome sugere (stone significa pedra, em inglês) é um bloco de basalto negro que foi encontrado acidentalmente por soldados das forças armadas de Napoleão, no mês de agosto de 1799. A tropa estava trabalhando no Forte Julien, que fica perto da cidade de Rosetta, na parte baixa do Egito, quando achou o bloco de pedra que trazia várias inscrições. O bloco foi levado para o Museu Britânico, onde alguns egiptologistas tentaram decifrar o conteúdo de suas inscrições, que apareciam hieróglifos e demóticos egípcios e também em grego. Os demóticos egípcios eram uma variação cursiva do hieróglifo ou, como dizemos, era o hieróglifo em letra de mão.


O grande problema era que não se poderia traduzir totalmente os hieróglifos e demóticos, uma vez que não se sabia tudo a respeito desses caracteres. Os estudiosos, então, traduziram o texto que estava em grego e deduziram, pelo que se sabia da escrita egípcia, que os outros dois textos seriam iguais a este. A partir desta tese, e das inscrições em grego, diferentes egiptologistas e cientistas conseguiram decifrar o que faltava na escrita egípcia, encontrando então a chave dos hieróglifos que estava perdida desde o século IV antes de Cristo. Muitos anos de pesquisa foram dedicados a este bloco de pedra mas as glórias do achado dos hieróglifos deve ficar com o físico inglês Thomas Young, que fez descobertas substanciais sobre as inscrições, e com o egiptologista francês Jean François Champollion, que deu a arrancada final nas traduções.



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Schliemann, Heinrich




Schliemann, Heinrich


Heinrich Schliemann foi um arqueólogo alemão pioneiro na técnica de escavações em campo. Ele nasceu em 8 de janeiro de 1822, no reino do duque de Mecklenburg-Schwerin, e morreu em 26 de dezembro de 1890, aos sessenta e oito anos de idade. Por pertencer a uma família sem dinheiro, Schliemann teve que deixar a escola e passar a estudar por conta própria quando tinha apenas quatorze anos. Mesmo assim, ele se tornou um especialista em línguas estrangeiras e um apaixonado pela lenda de Homero.


Por causa de facilidade em aprender idiomas, Heinrich Schliemann se tornou um homem de negócios de grande sucesso na Rússia, quando começou a ganhar muito dinheiro. Ele e sua esposa Sophia viajaram muito, sendo que Heinrich, inclusive, conseguiu se tornar cidadão americano depois de passar uma temporada na Califórnia, em 1850. Com pouco mais de quarenta anos de idade, Schliemann já tinha juntado uma fortuna e decidiu então se aposentar para dedicar-se à grande paixão de sua infância: a arqueologia.


Em 1870, Schliemann viajou com sua esposa até as colinas de Hissarlik, na Turquia, com o intento de procurar os vestígios da legendária cidade de Tróia. Durante as escavações, o arqueólogo descobriu não só uma, mas várias cidades que teriam sido construídas sobrepostas umas às outras. Ele determinou então que a segunda cidade, contando de baixo para cima, seria Tróia, palco da famosa Guerra de Tróia. Mais tarde, porém, outros estudiosos constataram que Tróia, a cidade da lenda de Homero, estaria um pouco mais acima do que pensou Schliemann. Neste mesmo lugar, também foram encontradas jóias feitas em ouro puro, que ficaram expostas em um museu alemão até a II Guerra, quando o então atual governo mandou que todas as relíquias históricas fossem guardadas em um lugar mais seguro.


Depois de Tróia, Schliemann fez inúmeras descobertas em suas escavações na antiga cidade de Micenas, na Grécia. Neste lugar, Schliemann encontrou várias tumbas de reis micênicos, sendo que uma delas pertencia ao rei Agamemnon, líder do povo grego na Guerra de Tróia. Ainda na Grécia, o especialista em escavações descobriu também o Palácio de Tiryns. Sem ele, a cidade de Tróia ainda seria considerada apenas uma lenda.



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Stein, Sir Mark Aurel




Stein, Sir Mark Aurel


Mark Aurel Stein foi um arqueólogo e explorador húngaro, que nasceu em 26 de novembro 1862 e morreu, aos oitenta e um anos de idade, em 26 de outubro de 1943, na cidade de Kabul, Afeganistão, enquanto se preparava para mais uma de suas expedições. Stein foi diretor do Oriental College, em Lahore, Paquistão, e também trabalhou como superintendente do Departamento de Pesquisas Arqueológicas da Índia. Ele é conhecido por ter sido um dos primeiros exploradores da Ásia Central, onde estudou, em quatro grandes expedições, o traçado das rotas das antigas caravanas que iam da China para o Oeste. Stein também pesquisou minuciosamente os movimentos de Alexandre, O Grande no continente asiático, conseguindo encontrar a localização da base militar oriental deste imperador. Mas uma de suas maiores descobertas foi um importante esconderijo de manuscritos e obras de arte budista.



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Tânis




Tânis


A cidade de Tânis, chamada na Bíblia pelo nome de Zoan, foi um importante porto e a capital do Egito na 21ª dinastia. Localizada em um ponto bastante favorecido, tanto para o transporte de mercadorias como ponto estratégico militar, Tânis fica a nordeste do delta do rio Nilo bem perto da fronteira com a Ásia, onde hoje está a cidade de San al-Hajar al Qibliyah. Na verdade, as ruínas da antiga capital egípcia está parcialmente ocupada por esta vila de pescadores comumente chamada de San. Em 1866, um egiptologista alemão, chamado Karl Lepsius, encontrou em Tânis algumas inscrições escritas em hieróglifos, demóticos (uma variação cursiva do hieróglifo egípcio) e grego, denominadas “O Decreto de Canopus”.


Por volta da 20ª dinastia, Tânis tornou-se um principado independente mas, depois da morte do último faraó desta dinastia, a unidade do Egito foi restaurada e a cidade voltou a fazer parte daquele país. Tânis foi um centro bastante rico em comércio até que Alexandria, que também foi uma capital egípcia, foi fundada. Por volta do ano 174 d.C., o povo de Zoan se rebelou contra Roma e a cidade foi destruída pelos Romanos como forma de punição contra a revolta. A decadência desta cidade se deu com a inundação do Lago Tânis, que acabou por espantar lentamente seus moradores. Tânis foi gradualmente abandonada durante o século IV d.C.. A cidade foi o berço de grandes reis da 21ª e 23ª dinastias e lá foram encontrados vários templos, obeliscos e estatuetas que caracterizam a sua importância perante ao Estado egípcio.



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Tebas (Egito)




Tebas (Egito)


Tebas foi a capital do Egito antigo e tornou-se, com o passar dos tempos, uma cidade de grande poder político e religioso deste império. Localizada a cerca de setecentos quilômetros ao sul de onde hoje fica a cidade do Cairo, Tebas ocupava ambas as margens do rio Nilo e foi primeiramente colonizada ainda nos tempos pré-históricos. A cidade era conhecida pelos Gregos como Diospolis (cidade do paraíso), tendo também sido citada na Bíblia, mais especificamente no Antigo Testamento, como No-Amon (cidade de Amon). Sua importância no império egípcio começou a ser registrada em documentos a partir do ano 2700 a.C., quando a cidade se tornou o berço de Amon, o maior deus dos Egípcios. Nesta época, os faraós da 6ª dinastia construíram suas tumbas na margem oeste do rio. Outra construção erigida nesta fase de Tebas foi o grande templo de Amon, que é uma das mais bem preservadas ruínas de todo o império egípcio e está, hoje, na cidade de Al Karnak. Este templo tem um tamanho espantador, cerca de cinquenta e quatro hectares, e foi construído aos poucos, levando muito tempo para ficar pronto.


Depois de adquirir poder religioso, Tebas começou a figurar entre as cidades politicamente mais importantes do império. A partir da 9ª dinastia, a cidade passou a ser o centro administrativo do poderoso governo egípcio, tornando-se a capital do Egito na 10ª dinastia, quando seu faraó ganhou o controle de todo o reinado. Muitas construções importantes foram concluídas nesta época de ouro para Tebas. Templos, palácios e tumbas recheadas de ouro, estátuas e pinturas foram encontradas neste importante sítio arqueológico, que inclui também o Vale dos Reis. Neste vale, povoado por suntuosas tumbas, foram enterrados os maiores faraós egípcios, como Tutancamon e rainha Hathsepsut. Esta rainha encomendou para si um grande templo, que era tão grande e demorou tanto tampo para ser construído que ela não chegou a vê-lo pronto, mas ele é, sem dúvida, uma das construções mais imponentes deste sítio. O faraó Ramsés II edificou o templo de Ramasseum, e seu sucessor, Ramsés III, contribuiu para a história quando construiu um templo em sua homenagem. Outro monumento erigido em Tebas quando esta atingiu seu maior grau de importância, foi uma avenida decorada com esfinges. A maioria deste monumentos históricos foram decorados com obras de arte e pinturas que datam de milhares de anos atrás, sendo consideradas peças fundamentais para o estudo da cultura egípcia na época áurea de seu reinado.


Mesmo tendo perdido sua condição de capital do Egito, Tebas manteve sua importância como centro religiosos de adoração ao deus Amon. Controlada por sacerdotes, a cidade sempre ganhou a atenção dos governantes egípcios, que continuaram construindo suas tumbas, templos e palácios tanto em seu interior como em seus arredores. Perto do centro, forma encontrados alguns palácios que, de tão grandes, serviam como moradia para muitas pessoas, tornando-se um pequeno povoado dentro de Tebas. Como exemplo, podemos citar o palácio de Amenhotep II e a cidade de Medinet Habu, ambas localizadas na margem oeste do rio Nilo. Mas, por volta de 700 a.C., a decadência de Tebas foi acelerada quando os Assírios invadiram e saquearam a cidade. Mesmo tendo sido parcialmente reconstruída pelos governantes da época, a cidade enfraqueceu junto com todo o império egípcio, até que foi destruída pelos romanos cem anos antes do nascimento de Cristo. Hoje, as ruínas de Tebas estão misturadas às cidades de Luxor e Al Karnak, no Egito.



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Teotihuacan




Teotihuacan


Teotihuacan foi uma cidade que dominou a parte central do México no começo do primeiro milênio. Localizada à cerca de quarenta quilômetros nordeste da Cidade do México, Teotihuacan começou como uma pequena vila, por volta do ano 200 a.C., desenvolvendo-se rapidamente até que, no ano 100 d.C., já era considerada uma grande cidade, chegando a ter uma população de mais de cinquenta e cinco mil habitantes. Povoada principalmente por agricultores, Teotihuacan foi a primeira cidade da Mesoamérica e uma das maiores passando a influenciar politicamente outros grandes centros e mantendo contato com os Maias da Península de Yucatán e com o povo Kaminaljuyu, da Guatemala.


A cidade atingiu seu apogeu no ano de 600 d.C., quando abrigava mais de cento e cinquenta mil pessoas, dentre elas políticos, sacerdotes, líderes militares e mercadores, além de agricultores. Teotihuacan tinha aproximadamente oito quilômetros quadrados de extensão e era famosa por suas edificações de grande porte, como as pirâmides do Sol e da Lua, localizadas na chamada Rua dos Mortos. A desenvolvida cidade contava com mercados, palácios, templos e mais de duas mil casas com vários cômodos, que serviam como moradia para uma parte da população local. O crescimento bem planejado da cidade fez com que córregos que passassem por ela fossem canalizados para respeitar o desenho das várias ruas e construções existentes ali. Nos arredores de Teotihuacan moravam pintores, escultores e artistas em geral, assim como os estrangeiros que tinham migrado para este centro em busca de trabalho.


Mas, sem um grande motivo aparente, as construções bem adornadas de Teotihuacan, assim como sua influência e poder, começaram, por volta de 650 d.C., a perder sua importância. Estudiosos acreditam que a decadência deste grande centro se deve a conflitos internos, os quais teriam sido causados por problemas na agricultura, que era a principal fonte de renda do povo. Depois de perder sua dominância, Teotihuacan foi saqueada e queimada e nunca recuperou sua reputação de grande centro. Uma parte da população ainda continuou vivendo no vale que rodeava a cidade, mas ela só conseguiu atrair um pouco de atenção quando, anos mais tarde, os Astecas fizeram algumas peregrinações nas ruínas, as quais eles acreditavam que teriam sido construída por deuses.



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Tiahuanacu

 


Tiahuanacu


Tiahuanacu é uma cidade pré-Inca localizada a sudeste do lago Titicaca, nos andes bolivianos. Considerado um dos mais altos povoados das Américas, Tiahuanacu foi construída a quatro mil metros acima do nível do mar. Estudiosos acreditam que a cidade foi fundada pelo povo Aimara no ano 100 d.C., tornando-se um grande centro religioso e desaparecendo, por razões ainda desconhecidas, em torno do ano 900 d.C.. A cidade possuía um populoso centro urbano sustentado por um sofisticado sistema agrícola, que driblava as dificuldades de estar em um local alto e provia farta colheita durante todo o ano. A arquitetura encontrada neste sítio arqueológico espantou seus descobridores por ser moderna, arrojada e bastante resistente. Um complexo com várias edificações feitas em alvenaria, incluindo templos e pirâmides, ainda permanece em pé e pode nos mostrar a grande habilidade que este povo tinha para trabalhos manuais. Os habitantes de Tiahuanacu descobriram uma maneira de unir os blocos de pedra usados para construção de sua cidade e criaram um estilo de decoração próprio, que influenciou outros povos do Chile e Argentina.


Quase no centro da cidade, que ao todo possui seis complexos de edificações e um enorme cemitério, fica o Kalasasaya. Esta construção está cercada por uma espécie de muro feito com monólitos (blocos de pedra fincados no chão), sendo que nela fica o Portão do Sol. Este famoso portão foi esculpido em uma pedra de 9 toneladas e traz um magnífico trabalho em alto relevo onde, bem no centro, está uma figura humana carregando um bastão. Mas a maior edificação encontrada em Tiahuanacu é Akapana, uma pirâmide com 152 metros de lado e 15 metros de altura, cujos terraços ainda resistem ao tempo. Vários outros templos faziam parte de Tiahuanacu, incluindo um semi-subterrâneo que guardava uma coleção de estátuas de estilo simétrico. Acredita-se que a cidade tenha sido um centro religioso de importantes ligações econômicas com outros povos sul-americanos. De sua vida social e costumes, porém, sabe-se muito pouco.



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Tróia




Tróia


Tróia é uma cidade famosa bastante citada nas lendas gregas, que foi encontrada pelo arqueólogo alemão, Heinrich Schliemann, no ano de 1870. Localizada no monte Hissarlik da Turquia atual, Tróia também era conhecida como Illion ou Illius, nome inspirador do título da importante obra de Homero, “A Ilíada”, a qual retrata sua queda. Segundo a lenda, o fundador da cidade foi Illus, que a chamou Tróia em homenagem a seu pai, Tros. Consta que o reinado desta família teve fim quando Hércules invadiu e tomou a cidade. Mais tarde, durante o reinado de Priam, Illion seria destruída pelos gregos na famosa Guerra de Tróia. Até ter sido descoberta por Schliemann, a cidade foi considerada lendária e não acreditava-se em sua real existência. As escavações deste arqueólogo alemão foram muito mais reveladoras do que se poderia imaginar, pois no sítio foram encontradas não só uma, mas várias cidades construídas sobrepostas umas às outras. As nove camadas de edificações encontradas foram definidas como Tróia I a IX, sendo que a número VII foi identificada como aquela destruída pela guerra e cuja história foi contada por Homero. Através deste grande achado, toda a saga de Tróia pôde ser reconstituída pelos arqueólogos e estudiosos do assunto.


A camada mais profunda de Tróia revela que um primeiro povoado surgiu ali por volta do ano 3000 a.C.. Seus habitantes primitivos construíram casas de pedra e argila, mesmo material usado no muro que cercava a cidade, tornando-a uma pequena, mas poderosa, fortaleza. Tróia I durou cerca de 500 anos quando, então, teria sido devastada por um incêndio. Ela foi reconstruída quase que no mesmo local, só que com edificações maiores e mais fortes, prova de que Tróia II era mais rica e bem sucedida do que a anterior. A cerâmica encontrada no local era bastante trabalhada e havia muitos objetos em ouro e prata que adornavam as casas e fortalezas. Durante os 300 anos de sua existência, a cidade era poderosa, porque controlava o tráfego comercial no Mar Egeu. Novamente o fogo seria a razão da destruição do lugar, que só reganhou importância no ano de 1800 a.C., com a chamada Tróia VI, pois, até então, pequenas vilas sem importância foram erigidas sobre os escombros de suas antecessoras. Tróia VI era uma fortaleza que possuía muros enormes feitos de pedra trabalhada, portões e torres imensas, de onde os soberanos a governavam e faziam negócios com os povos vizinhos. A cidade foi arrasada por um terremoto, por volta do ano 1300 a.C..


Aqueles que sobreviveram ao terremoto logo reconstruíram em cima dos antigos edifícios, transformando-a em Tróia VIIA. Casas muito próximas umas às outras com porões escavados na terra e usados para armazenar alimentos são a principal característica desta fase da cidade. Foi também durante este tempo que teria ocorrido a Guerra de Tróia, grande provocadora de sua decadência definitiva. Tempos depois, durante as fases de Tróia VIIB e VIII, a cidade, que ficara vazia por vários anos, seria transformada em uma simples vila grega com casas de pedra. Durante a fase IX, Tróia tornou-se a cidade greco-romana de Illion e ganhou um novo templo, teatro e edifícios públicos na tentativa de reerguê-la como atração turística. Mas isso nunca aconteceu e Tróia tornou-se uma lenda conhecida das novas gerações, até que Schliemann a encontrou.



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Tula




Tula


Tula foi a grande capital dos Toltecas nos séculos X a XII. Localizada a sessenta quilômetros de onde hoje está a Cidade do México, Tula foi o centro de um comércio que envolvia povoados de toda a América Central e do Sul. A cidade estava intimamente ligada à Chichen Itza, tanto pela troca de comércio, quanto pela cultura de seus habitantes. As semelhanças entre as duas cidades ficou ainda maior quando Kukulcan, rei dos Toltecas que adotou o nome do deus Quetzalcoatl, deixou sua capital para conquistar Chichen Itza. Enquanto o maior povoado da Península de Yucatan estava sob o poder dos Toltecas, novas construções foram erigidas e o comércio de troca intensificou-se ainda mais. Estilos arquitetônicos, costumes e religiões se misturaram de tal maneira, que palácios e templos continham figuras idênticas em ambas as cidades. A presença de colunas para servir de sustentação dos telhados, esculpidas como figuras femininas ou masculinas e entidades religiosas ou míticas, foi comumente usada por estas duas diferentes civilizações. Alguns estudiosos, porém, acreditam que a similaridade entre estes dois centros foi acontecendo gradativamente por causa de sua relação comercial e não pelo fato dos Toltecas terem conquistado Chichen Itza. Eles afirmam também que muitas características arquitetônicas de Chichen, como as colunas esculpidas em formas míticas, foram copiadas em Tula, o que comprovaria que não houve conquista e sim uma grande troca de informações e costumes.


O sítio arqueológico de Tula está sendo escavado e restaurado há vários anos e a cada descoberta pode-se definir um pouco mais os costumes e técnicas do povo tolteca. Arqueólogos mexicanos encontraram palácios e grandes edificações no local, o que os permitiu determinar a localização do centro da cidade. Lá fica a Pirâmide B, que guardava inúmeras estátuas de guerreiros Toltecas e colunas esculpidas e também um grande palácio, que era o centro administrativo de todo o império tolteca. Junto às margens do rio Tula, foram localizadas ruínas do que teria sido um conjunto de casas populares. Não muito longe dali, um enorme templo, cercado por colunas esculpidas em formas humanas com mais de quatro metros de altura, provavelmente dedicado ao Quetzalcoatl, mostra a grandiosidade da arquitetura deste povo, que era bastante religioso. No total, cerca de três templos, um grande palácio e algumas pirâmides, além de casas comuns, foram encontrados neste sítio. Muitas destas construções estão sendo cuidadosamente restauradas, para que se possa ter uma idéia de como teria sido este grande centro comercial da antigüidade.



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Ur




Ur


Também conhecida como Ur da Caldéia, esta antiga cidade da Mesopotâmia localizava-se a 300 quilômetros a sudeste de Bagdá, Iraque, a 15 quilômetros sudoeste do rio Eufrates e na cabeça do Golfo Pérsico, junto ao deserto de al-Hajar. A localização de Ur, que estava bem na saída para o oceano, era bastante favorável ao desenvolvimento do comércio pois, naquela época, utilizava-se principalmente de mares e rios para o transporte de mercadorias. O sítio arqueológico com as ruínas de Ur está hoje na cidade de Tell al-Muqayyar e alguns estudiosos afirmam que, no local, existem evidências de que povos pré-históricos do 5º milênio antes de Cristo teriam vivido ali, até terem sido expulsos por uma grande inundação. Também foram encontradas várias tumbas reais, que guardavam não só os corpos dos nobres enterrados como também tudo que pertencia a eles, desde móveis, objetos em ouro e prata, utensílios e até animais.


Ur surgiu durante o 3º milênio antes de Cristo e tornou-se o principal centro de comércio dos Sumérios. A cidade chegou a ser capital do reino por algum tempo, durante a 1ª dinastia de Ur, comandada por Mesanepada e seu filho Aanepadda. Ele construiu um templo para a deusa Ninhursag. Mas sua importância foi consumada como principal centro religioso de adoração ao deus da Lua, Nanna e de seu equivalente na Babilônia, o deus Sin. Para este deus foi erigido uma construção, chamada zigurat, que fica a cerca de 21 metros acima do deserto e servia como templo de adoração. A cidade foi várias vezes citada na Bíblia como terra dos Caldeus e lugar onde Abraão teria vivido antes de migrar para a Palestina.


Conquistada e reconquistada, a cidade de Ur esteve sob o comando de três importantes dinastias que estenderam seu poder e território por toda a Mesopotâmia. A 1ª foi fundada por Mesanepada, que teve seu filho como seguidor deixando vários documentos que contam sobre seu reinado. O contrário aconteceu com a 2ª dinastia, da qual não se tem muitas informações. Seguindo o período de soberanos acádios, a cidade se tornou o centro do império mesopotâmico na 3ª dinastia. Fundada por volta de 2100 a.C. pelo rei Ur-Nammu, Ur atingiu seu apogeu como maior porto e uma das cidades mais ricas da região, vendo renascer também sua cultura, incluindo arte e literatura sumeriana. O soberano e seu filho, Shulgi, foram os responsáveis pela construção de vários templos, compreendendo o magnífico zigurat em homenagem a Nanna, tanto em Ur como em outras cidades do império. Mais de cem anos depois, os elamitas capturaram o rei Ibbi-Sin e saquearam a cidade, destruindo-a quase que por completo. Pouco tempo depois, ela já tinha sido reconstruída e passou a fazer parte do reino de Isin sendo, em seguida, anexada ao reino de Larsa. Mais tarde, porém, Ur seria incorporada ao reino da Babilônia, enquanto este estava sob as ordens dos cassititas. Mesmo sofrendo tantas mudanças, Ur permaneceu sendo um importante centro religioso mantido pelos cassititas, tornando-se capital do reino quando este passou a ser comandado pelos assírios.


Mas os assírios não conseguiram manter o seu poder sobre o Império da Babilônia e este lhes foi tomado pelos caldeus. Novas edificações foram erguidas pelo rei Nabucodonosor II, como um muro de retenção de água, e muitos edifícios foram restaurados e embelezados pelo último soberano da Babilônia, o rei Nabonidus. Este rei nomeou sua filha mais velha


sacerdotisa de Ur e reconstruiu o zigurat de Nanna, aumentando-o de tamanho e incluindo escadas que levavam ao topo do edifício, onde ficava um altar para o deus da Lua. Além deste, muitos outros templos, como o de Giparu, que era dedicado à Ningal, foram encontrados neste sítio arqueológico. Várias outras construções, como o palácio cerimonial de Ehursag, mansões reais e tumbas formavam, junto com quarteirão inteiro de casas que pertenciam ao povo e datavam do começo do segundo milênio (época em que Abraão teria vivido ali), a tão cobiçada e concorrida cidade de Ur. Muitas informações a respeito da cidade puderam ser lidas nas tábuas com textos em escrita cuneiforme encontradas pelos arqueólogos e que contavam tudo sobre o comércio local.


A decadência de Ur aconteceu lentamente depois que o reino da Babilônia conquistou o império Persa. Nabonidus foi o último a comandar a cidade que, por volta do quarto século antes de Cristo, foi gradualmente abandonada e esquecida pelos seus moradores e soberanos. Estudiosos acreditam que Ur pode ter sido vítima de uma mudança de curso do rio Eufrates, o que resultaria na total desativação do sistema de irrigação que alimentava a cidade. As ruínas desta cidade foram encontradas e escavadas pela primeira vez em 1854, pelo inglês J.E. Taylor, que descobriu a localização do zigurat de Nanna. Anos mais tarde, por volta de 1918, os arqueólogos, também britânicos, Reginald Thompson e Mr. Hall, trouxeram à tona mais uma parte de Ur. E as escavações continuaram sob o comando de Sir Leonard Wooley até o ano de 1934. Na parte mais profunda da cidade, foram encontrados indícios de que esta teria sido realmente inundada pela mudança de curso do rio Eufrates.



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Vale dos Reis




Vale dos Reis


Vale dos Reis é o nome dado ao local usado para a construção das tumbas dos grandes reis egípcios da 18ª dinastia (datada de 1570 a 1320 a.C.), assim como da 19ª dinastia (de 1320 a 1200 a.C.), no que foi chamado de Novo Império. Localizado na margem oeste do rio Nilo, o vale está num lugar estrategicamente seguro por encontrar-se cercado por altíssimos penhascos, sendo que sua única entrada é bastante longa, estreita e tortuosa. Consta que, antes do Novo Império, os soberanos egípcios eram enterrados em complexos que abrigavam pirâmides e templos. Mas o faraó Amenhotep I, da 18ª dinastia, resolveu mudar a tradição e construiu a sua tumba mais próxima à margem do rio, em cima de um penhasco. Os faraós que o sucederam decidiram, então, utilizar-se do vale e construir suas tumbas dentro dele, já que assim elas ficariam protegidas pelos penhascos. A grande preocupação destes reis era manter suas tumbas cheias de tesouros bem longe do alcance de saqueadores e ladrões em geral e a localização do vale funcionava como uma proteção natural, que dificultaria a ação de marginais.


Cerca de 34 tumbas foram descobertas no Vale dos Reis, mas sabe-se que ainda há muitas outras como a do faraó Ramsés II, para a qual ainda não foi encontrado um acesso. Em 1817, o arqueólogo italiano Giovanni Battista Belzoni descobriu a primeira tumba do vale, que pertencia ao rei Seti I. Neste mesmo ano, Belzoni viria a ser o primeiro homem a entrar em uma tumba sagrada, explorando-a completamente. A tumba do faraó Ramsés VI também foi construída neste local. Dentro dela os arqueólogos encontraram pinturas em relevo muito bem preservadas, que traziam cenas religiosas características de sua época. A última tumba a ser descoberta no Vale dos Reis foi a do conhecido e poderoso faraó Tutancamon (18ª dinastia). Os arqueólogos ingleses Howard Carter e George Herbert, também conhecido como Conde de Carnarvon, conseguiram localizar, em 1922, a entrada da tumba de Tutancamon, que guardava uma grande coleção de tesouros pertencentes ao rei. Esta foi uma das poucas tumbas que não foram totalmente saqueadas na antigüidade, sendo que mais de cinco mil peças foram encontradas em seu interior.



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Winckelmann, Johann




Winckelmann, Johann


Johann Winckelmann foi um historiador de arte e arqueólogo alemão, que nasceu em 9 de dezembro de 1717, em Stendal, e morreu em 8 de junho de 1768, aos cinquenta anos de idade. Winckelmann estudou na Universidade de Halle, conseguindo bolsa de estudos para cursar Filosofia, Literatura, Desenho e Línguas e foi um dos primeiros estudiosos de arte na antigüidade. Ele escreveu vários trabalhos, sendo que seu primeiro tratava sobre arte Grega e foi bastante conceituado pelos críticos do período neoclássico. Depois, Johann conseguiu acesso a várias coleções de esculturas clássicas romanas pouquíssimo conhecidas, estudando-as incansavelmente. O historiador também viajou muito pelo sul da Itália, fazendo reportagens minuciosas sobre as escavações nas cidades de Pompéia e Herculaneum. Estes textos são, até hoje, considerados documentos detalhados que contém informações bastante científicas sobre os tesouros encontrados nas cidades.


Em 1762, Winckelmann publicou um de seus trabalhos mais marcantes, chamado Anmerkungen über die Baukunst der Alten ou “Observações sobre a arquitetura antiga”, em português. Johann gostava de observar pessoalmente os monumentos da antigüidade, tanto que escreveu também um livro com ilustrações exclusivas de peças dos museus de Roma, na Itália, chamado Monumenti Antichi Inediti ou “Monumentos Antigos Inéditos”, em português. Mas a obra principal deste alemão, que representava fielmente suas teorias de que a arte também deve ser reconhecida e estudada sob o ponto de vista histórico, era intitulada Geschichte der Kunst des Altertums, traduzindo : “História da Arte Antiga”, datada do ano de 1764.



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Arco (arquitetura)




Arco (arquitetura)


Estrutura em curva, apoiada sobre colunas; geralmente encontrada em aberturas de paredes ou como sustentáculo de uma cobertura. Sua forma curva, construída com pedras ou tijolos (cuneiformes ou retangulares) ligados por argamassa e se sustentando por pressão mútua, permite que a carga suportada seja transferida para as colunas que a sustentam.


Um arco apresenta diversos elementos componentes. Como principais podemos citar a primeira pedra do arco, denominada Saimel, e a última, a chave da abóbada. A superfície anterior ou posterior chama-se Arquivolta (ou testa), a interna, Intradorso e a superfície superior externa denomina-se Extradorso. 


A distância entre as colunas é chamada de Corda. Algumas das mais comuns formas de arcos são: Arco elíptico, Arco ogival, Arco Mourisco, Arco de volta inteira, Arco de volta rebaixada, Arco de dois centros e Arco de consola.



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A Capella




A Capella


O termo refere-se à música vocal sem acompanhamento instrumental.



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Abertura (fotografia)




Abertura (fotografia)


Orifício que controla a quantidade de luz transmitida pela objetiva. Seu tamanho é variável, o que permite determinar a intensidade luminosa que chega até o filme.



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Abertura (música)




Abertura (música)


Forma musical geralmente utilizada para iniciar as óperas. Diversos compositores escreveram aberturas como obras individuais, das quais se destaca a Abertura Trágica, de Brahms.



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Abside




Abside


	* ver Basílica



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Ação Paralela




Ação Paralela


Seqüência intercalada ao plano principal. Em geral, descreve uma ação simultânea, que se desenvolve em um outro lugar. Esta ação pode ser um Flashback ou Futuro imaginário.



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Acento




Acento


Refere-se à ênfase do ritmo ou dinâmica de uma nota musical.



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Acidente




Acidente


É o símbolo que altera a altura de uma nota no pentagrama. O sustenido eleva a altura em um semitom. O bemol abaixa a altura de uma nota em um semitom. O bequadro indica que a altura permanece inalterada. Os bequadros são utilizados para indicar alterações temporárias de acidentes colocados na armadura de Clave.



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Acorde




Acorde


Execução simultânea de notas musicais.



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Acrópole




Acrópole


Abrigando os templos e principais edifícios públicos da Grécia antiga, as acrópoles tratavam-se de edificações construídas em terrenos mais altos, ou seja, naturalmente fortificados pela sua própria localização em termos de topografia.



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Acústica




Acústica


A acústica é o ramo da Física que estuda todos os fenômenos físicos ligados à geração, à propagação e à detecção de ondas mecânicas que se encontram em uma determinada faixa audível de freqüência. Tais ondas são denominadas ondas sonoras. Geralmente encontramos as ondas sonoras propagando-se em meios gasosos e líquidos sob a forma longitudinal, no entanto ela pode se propagar transversalmente em meios onde seja alta a coesão molecular, como ocorre em sólidos. As ondas mecânicas não se propagam no vácuo. A faixa de freqüência citada anteriormente está localizada entre 20Hz e 20000Hz, e é apenas dentro desta faixa de freqüência que as terminações nervosas no interior de nossos ouvidos entram em ressonância e transmitem através de pequenos pulsos elétricos a sensação sonora ao nosso cérebro. Existem no entanto outros animais cuja percepção sonora é mais aguçada do que no ser humano, como por exemplo gatos, animais que conseguem perceber sons de até 50000Hz, ou então os morcegos, cuja capacidade auditiva se estende até cerca de 120000Hz. 


O som é uma sensação que pode nos proporcionar prazer ou então dor e outros sentimentos. No caso da música, dependendo da forma em que ela é apresentada, ela pode causar no ouvinte, por exemplo, uma sensação relaxante ou uma tensão. Estes fenômenos associados à música têm sido estudados por grandes compositores de nossa sociedade, os quais conseguiram resultados impressionantes ao tentar passar aos ouvintes um determinado sentimento. No oriente, o estudo relacionado à música é ainda mais aprofundado, e, principalmente na Índia, a utilização de microtons, que são tons musicais intermediários entre os tons normais de uma escala musical ocidental, proporcionam ao ouvinte sensações variadas, sendo inclusive utilizadas com fins terapêuticos. Estilos como o heavy metal e outros, por serem geralmente tocados em volumes elevados, proporcionam a dilatação das pupilas e a contínua injeção de adrenalina no corpo do ouvinte. 


A acústica estuda também os níveis de intensidade sonora, que estão relacionados à energia transmitida pelas ondas sonoras. Aparece aqui a noção de deciBel, que é a unidade de intensidade sonora. Os físicos que estudam acústica também têm muito trabalho no desenvolvimento de salas para concertos musicais, as quais requerem determinados matérias e uma geometria de proporções exatas para permitir o alcance sonoro em todos os pontos do teatro e permitir também o mínimo de reverberação na sala. Existem também projetos destinados a diminuir ruídos de grandes máquinas, permitindo então a aproximação dos trabalhadores sem riscos de danos à audição. 


A acústica também estuda os infra-sons, que são ondas cujas freqüências são inferiores a 20Hz, e os ultra-sons, cuja freqüência é superior a 20000Hz. Os infra-sons estão geralmente ligados a maremotos, terremotos e avalanches, assim como estão ligados a enjôos provocados por veículos automotores. Os ultra-sons são também largamente utilizados pelos humanos hoje em dia, seja através de aplicações médicas (ultra-sonografia), seja através de aplicações na indústria (limpeza de peças e localização de cardumes).



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Acústica apagada




Acústica Apagada


Ambiente com reverberação muito baixa, em que as superfícies absorvem e “apagam” o som.



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Acústica brilhante




Acústica Brilhante


Ambiente com alto nível de reverberação.



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Acutância




Acutância


Nitidez do limite entre as áreas claras e escuras da imagem ou filme.



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Aditiva, Síntese




Aditiva, Síntese


Formação de cores da luz presentes no espectro, combinando-se as cores primárias RGB (Red, Green and Blue), vermelho, verde e azul.



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Aerofônico




Aerofônico


Refere-se aos instrumentos musicais que dispõem, em sua estrutura, de uma coluna de ar para a produção do som.



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Afresco




Afresco


Afresco é uma técnica de pintura que deve o nome ao fato de que precisava ser realizada nas paredes ou tetos (preferencialmente de nata de cal, gesso ou outro material apropriado) enquanto o esboço ainda estava úmido (ou fresco). Na sua utilização, as tintas ou pigmentos em geral devem ser granulados, reduzidos ao pó e depois misturados à água. Dessa forma, as cores podem penetrar nas superfícies úmidas como parte integrantes delas.


Por ter ótima durabilidade em países onde o clima é seco, foi particularmente aplicada nesses lugares, como o norte da Europa e a Itália (com exceção de Veneza).


O fato dos afrescos secarem rapidamente, obrigava o pintor a vencer o tempo de secagem, ser ainda mais rápido, ter traços firmes e propósito claro. Outro fator limitante era a enorme dificuldade de se realizar correções posteriores.


Provavelmente utilizada desde a antiguidade, especula-se que eram afrescos as paredes pintadas na ilha de Creta antiga (principalmente no período de 2.500 a.c a 1100 a.c) ou na antiga Grécia. É encontrado ainda fora da Europa, nas pinturas chineses e hindus. Porém Giotto é seu primeiro grande mestre, sendo após dele largamente usada na Renascença Italiana (os artistas da época pensavam que somente pigmentos naturais eram ideais em afrescos). Pintores como Masaccio, Rafael, Michelangelo são alguns exemplos dos que utilizaram a técnica em suas obras.


A partir do século XVIII seu uso começa a ser cada vez mais escasso (Tiepolo é o último dos grandes nomes da pintura italiana a pintar afrescos). Porém, nos séculos seguintes ela encontra novos momentos de valorização, como entre os pintores alemães do século XIX Nazarenes e Cornelius e no século atual, entre os muralistas mexicanos, Riviera, Orozco e Siqueiros.



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AGC




AGC


Controle automático de ganho.



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Alberto da Veiga Guignard




Alberto da Veiga Guignard (1896 - 1962)


O pintor Alberto da Veiga Guignard (1896 - 1962) distingue-se pelo lirismo de suas representações de paisagens e figuras brasileiras. Minas Gerais, em especial Ouro Preto é um dos temas preferidos do artista que lhe rendeu ótimos trabalhos.


Apesar de freqüentemente exposto com artistas modernos e de ser considerado um modernista, Guignard nunca foi um artista associado a movimentos, permanecendo isolado. Em sua pintura sempre se pode perceber a relação com o objeto que representa, apesar das formas e cores próprias do artista.


Nasceu no Rio de Janeiro, tendo se mudado com sua família para Europa poucos anos depois. Em 1916 começa a estudar na Real Academia de Belas-Artes de Munique. Expõe, no Salão de Outono, de Paris, por duas vezes (1923 e 1928) e em 1924 retorna pela primeira vez ao Brasil. 


Segundo estudiosos e críticos de suas obras, essa volta para o país natal impregnou sua pintura de afeto pelos temas brasileiras, já vistos nas séries do Jardim Botânico, que realiza logo quando chega ao Rio de Janeiro. Podem ser sentidas ainda na sua série de retratos brasileiros, como “Família do Fuzileiro Naval“, um dos mais famosos que mostra uma família como que pousando para o uma fotografia. A mãe - com um vestido amarelo - e o pai - com o uniforme - estão sentados em cadeiras, conservando os filhos atrás e em pé entre essas duas figuras. O ambiente é decorado de forma alegre, como revelam as cores do tapete e as paredes. Uma janela aberta mostra uma paisagem com muita profundidade.


As paisagens são extremamente importantes para a obra de Guignard, destacando-se temas como Itatiaia,as montanhas, casas e igrejas mineiras (acabou mudando-se para o estado), e principalmente, a cidade de Ouro Preto, local que gostava especialmente .”Paisagem Mineira“ e “Vista do Caminho para Mariana“, são alguns de seus trabalhos que demonstram amor por Minas.


Naturezas-mortas, auto-retratos e quadros como “O Domador“ também faziam parte do repertório do artista. Além disso, considera-se que Guignard tenha sido o responsável pela revitalização da pintura religiosa brasileira. Mesmo suas dramáticas imagens de Cristo não destoavam do aspecto de leveza e tranqüilidade que marcam suas obras.


Quanto mais avançava em sua carreira, mais a luz tropical e a leveza tornavam-se importantes para Guignard. Uma certa ingenuidade e leve saudosismo são importantes características de suas obras, além do afeto que parecem revelar pelos temas abordados. O desenho também foi ganhando cada vez mais destaque nas obras do artista (principalmente a partir de meados de 30).


Quanto às suas técnicas, suas pinturas eram preferencialmente lisas e costumava pintar em camadas finas que se sucediam. 


Em 1961 foi criada a Fundação Guignard, que cuidava de seu patrimônio artístico e de seu próprio bem-estar.



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Aldemir Martins




Aldemir Martins (1922 - )


Aldemir Martins é um artista brasileiro extremamente conhecido no país, como demonstram pratos com temas de sua pintura como flores, frutos nacionais e animais domésticos ou seus guaches realizados em 1975 para a abertura da novela “Gabriela“. No exterior destaca-se o Prêmio Internacional de Desenho recebido na XXVIII Bienal de Veneza .


Nascido em 1922 em Ingazeiras, Ceará, já participa, vinte anos depois, da renovação modernista do estado. Em 1946, muda-se para São Paulo, onde se estabeleceria. Expôs no Grupo dos 19, formado por dezenove expressionistas, que realizaram uma única mostra coletiva em 1947 (o grupo dos 19 não se mostrou forte como movimento, especialmente pelas grandes diferenças entre seus membros). Na ocasião recebeu o terceiro prêmio em pintura.


Sua arte, ligada ao expressionismo, nesse período tratava principalmente de temas religiosos e sociais e, em menor escala, motivos regionais. Principalmente a partir da década de 50 a situação inverteu-se e os temas regionais passaram a ganhar importância primordial em sua obra. 


Mulheres rendeiras, cangaceiros e a seca eram motivos bastante explorados. A água-forte “Seca do Nordeste“, de 1950, é um bom exemplo de sua obra. Além disso, animais como gatos, pássaros, galos, cabras e ainda naturezas-mortas tornaram-se marca registrada de seu trabalho. Como “Galo“ e “Flor“, de 1979, extremamente vibrantes pelas forte presença das cor (principalmente a partir de 1952 a cor era incorporada ao trabalho de Aldemir Martins, que anteriormente privilegiava o desenho).


O toque nacional captado por seu inconfundível estilo é o aspecto de sua obra que mais salta à vista. Além de pintor e desenhista, Aldemir Martins distinguiu-se como cenógrafo.



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Aleijadinho




Aleijadinho (1730 - 1814)


Antônio Francisco Lisboa, brasileiro, mineiro, nasceu em 1730, filho de um arquiteto português e de sua escrava. Parece que nunca freqüentou a escola além dos primeiros anos. Sabia ler e escrever e conta-se que seus conhecimentos de arquitetura, escultura e desenho foram aprendidos na escola de seu pai e com o desenhista e pintor João Gomes Batista.


A afirmação de que não conhecia a arte européia costuma ser considerada espantosa pelos estudiosos de suas obras, devido às semelhanças que sua produção apresenta em relação às do velho continente. Talvez tivesse tido contato com elas somente a partir de gravuras, como costuma-se afirmar. Entretanto, apesar de seu enorme talento, é freqüente ser argumentado que suas obras apresentam algumas imperfeições (termo bastante discutível) típicas de sua falta de estudos. Na realidade, o alcance de seus estudos são um ponto obscuro na biografia de Aleijadinho.


É considerado o maior artista do Brasil Colonial, imortalizando obras do barroco brasileiro. Seu apelido - Aleijadinho - deve-se a uma grave doença contraída com cerca de 47 anos que deformou e paralisou partes de seu corpo. Perdeu todos os dedos do pé, atrofiando-se, curvando (e chegando mesmo a perder) os dedos de sua mão. A vista foi danificada e o rosto acabou retorcendo-se, ganhando um aspecto extremamente desagradável. Entretanto, mesmo com as dificuldades físicas continuou pintando até ser efetivamente imobilizado no final de sua vida, em parte graças ao escravo Maurício, que lhe adaptava os ferros e o macete às mãos.


Realizava desde obras de arquitetura, como a planta da Capela de São Francisco de Assis, em Ouro Preto, aos trabalhos de esculturas pelos quais é particularmente conhecido. A pedra-sabão e o cedro eram suas principais matérias-primas. Trabalhou preferencialmente nas cidades mineiras associadas ao ciclo da mineração (apesar de ter passado pelo Rio de Janeiro).


Suas obras foram realizadas nas capelas de São Francisco de Assis, de Nossa Senhora do Carmo e das Almas, em Ouro Preto; nas matrizes de São João do Morro Grande; na matriz de Sabará e nas pequenas igrejas das fazendas ao seus arredores da Serra Negra, Tabocas e Jaguara; nas Igrejas de Santa Luzia; na Capela de São Francisco, em Mariana; na matriz e capela de São Francisco em São João del Rei e nas igrejas de Congonhas do Campo. Acredita-se que seus trabalhos mais importantes estejam nessas duas últimas cidades.


Em suas obras de temática bíblica e grande força dramática, merecem destaque o conjunto escultórico dos Passos e Profetas de Congonhas. Retrata a via-sacra de Cristo, associada à figuras do Antigo Testamento, seguindo a tradição barroca. O sacro Monte de Braga, em Portugal, deve ter sido a inspiração para a encomenda dos Passos.


Sua construção parece ter começado no ano de 1796 na Igreja do Senhor Bom Jesus de Matosinho, em Congonhas do Campo. As sessenta e seis imagens de madeira, distribuídas nos seguintes grupos: Ceia, Horto, Prisão, Flagelação, Coroação de Espinhos, Cruz-às-Costas e Crucificação levaram três anos e meio de trabalho de Aleijadinho e seus colaboradores. Não é definida qual a exata participação destes na obra e o único nome conhecido é o do escravo Maurício. As pinturas de alguns grupos ficaram sob a responsabilidade de Manuel da Costa Ataíde.


As principais imagens dos Passos possuíam olhos de vidro. Destaca-se a extremamente expressiva figura de Cristo da Cruz-às-Costas, com seus olhos de vidro em esfera maciça e íris negra, diferente das demais peças.


Já os Profetas, iniciados logo após o término dos Passos, levaram cinco anos para sua conclusão, uma vez que os trabalhos foram interrompidos em 1801 e em 1803 - 1804 (na realidade, tomaram dois anos e meio de trabalho da equipe). É considerada uma das séries mais completas da arte cristã, devida à apurada observação das indicações bíblicas. Aqui, o critério de separação daquilo que foi realizado por Aleijadinho do trabalho realizado pelos colaboradores foi a presença de traços marcantes do estilo do artista.


Esse estilo caracteriza-se principalmente pelo modo anguloso como as vestes das figuras lhes caem sobre o corpo, estruturas robustas de corpos, com músculos e veias saltantes, os olhos rasgados e a linha inferior em semicírculo, os lacrimais acentuados, altas sobrancelhas com linhas contínuas ao nariz, lábios de contornos sinuosos, unhas quadrangulares em dedos alongados e má implantação do polegar. Apesar da tentativa de seus discípulos em imitar-lhe os mínimos detalhes, a distinção pode ser ajudada pelo fato de possivelmente ter cabido a Aleijadinho as obras principais, como Cristo, apóstolos e ladrões da Crucificação.


Um dado interessante das obras de Aleijadinho é estarem perfeitamente inseridas na lógica teatral barroca. Algumas imperfeições, por exemplo, creditadas às suas imagens, desaparecem se observadas sob o ângulo correto, evidenciando a importância de um ponto de vista privilegiado em sua apreciação do conjunto.



Verbete:
Alemanda




Alemanda


Peça musical utilizada normalmente na abertura da suíte clássica.



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Alfredo Volpi




Alfredo Volpi (1896 - 1988)


Alfredo Volpi (1896 - 1988) foi um pintor radicado no Brasil com prestígio nacional e internacional. Nasceu em Lucca, na Itália, tendo se mudado para o Brasil com um ano de idade. Começou a trabalhar como decorador e pintor em construções, realizando suas primeiras paisagens a partir de 1914.


Um jogo de cores sensível e orgânico, sugerindo emocionalidade e a recriação de formas, baseadas normalmente em relações geométricas (especialmente a partir de 40), são as principais características de suas obras mais famosas . A temática brasileira cotidiana, como as fachadas de prédios, símbolos como bandeirinhas juninas ou a religiosidade são aspectos bastante presentes em seu trabalho. A forma e o conteúdo apresentam grande unidade, não sendo facilmente dissociável - tanto a  realidade exterior quanto  a existência interior são essenciais para a sua pintura.


Apesar de ter sempre se declarado como um pintor autônomo, independente de grupos, realizou exposições com os concretistas brasileiros, mantendo contato pessoal com seus membros . Alguns concretistas afirmam que as premissas teóricas do movimento influenciaram Volpi, o que o artista sempre negou (apesar de se notar algumas aproximações com o movimento em sua pintura a partir de 50. Por outro lado, Volpi era de temperamento contrário às discussões teóricas).


A questão das influências do pintor, aliás, parece ter sido sempre problemática. Por exemplo uma das principais inspirações que os críticos apontam em seu trabalho é a do pintor italiano expressionista Ernesto de Fiori, no Brasil a partir de 1936. Volpi também constantemente negava ter conhecido as obras do europeu. Há que se considerar que sobre um artista podem convergir várias influências sem que ele conscientemente  se aperceba delas.


Expôs nas Bienais de Veneza e de São Paulo (recebeu o prêmio de melhor pintor nacional, juntamente com Di Cavalcanti, na II Bienal de São Paulo) e ainda em países como Japão e Alemanha, além de ter mostrado seus trabalhos em importantes museus brasileiros como o MAM (Museu de Arte Moderna) de São Paulo.



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Alla Breve




Alla Breve


Termo do italiano que indica a execução  em tempo rápido.



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Alto




Alto


Abreviatura de Contralto. Refere-se à Clave aonde são escritas as partes de Viola. Indica a afinação possível de vários instrumentos.


Refere-se ao segundo grupo de vozes femininas de um Coro convencional.



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Altura de Corte




Altura de Corte


Nível-padrão de planos para captação da figura humana, de modo que o resultado não seja desagradável.



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Amplificador




Amplificador


Instrumento elétrico que aumenta o nível de um sinal sem afetar sua qualidade.



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André Breton




André Breton (1896 - 1966)


O poeta, crítico e ensaísta André Breton (1896 - 1966) foi o fundador do Movimento Surrealista, que começou como um movimento literário. Tinha conhecimentos de psicanálise, o que lhe facilitou a idéia de se utilizar do potencial poético das imagens oníricas (simbólicas).


Em 1919, junto com Philippe Soupault, fundou a revista “Littérature“ . O termo surrealismo foi usado para designar o método de escrita espontânea que ambos estavam se utilizando. Breton passa a aproximar-se dos artistas plásticos dadaístas, convidando alguns a colaborarem em sua revista. Entretanto, com a radicalização cada vez maior do “culto do absurdo“ nesse movimento e sua própria perda de coesão e desestruturação, Breton provoca a reunião de alguns de seus ex- membros desejosos de criar algo mais construtivo num novo movimento.


Em 1924, publica então o “Manifesto Surrealista“ defendendo a “escrita automática“, as imagens inconscientes e o livre fluxo do pensamento que deve expressar-se sem o controle da razão. Posteriormente, distingue o movimento em época puramente instintiva e época racional, sendo que na segunda fase deixa de acreditar “no pensamento supremo sobre a matéria“.


Breton descreve como chegou a realizar os experimentos surrealistas: a partir de uma noite, ao preparar-se para dormir, ouviu  distintamente a frase “há um homem cortado em dois pela janela“, reforçada por sua imagem visual. Resolveu então obter dele mesmo, o que esperava  daqueles que tratava ocasionalmente durante a guerra: “um monólogo despejado o mais rapidamente possível, sobre o qual a faculdade crítica do indivíduo não tem qualquer controle“. Utilizando-se disso, passou a “encher folhas e folhas de papel, sentindo um elogiável desprezo por qualquer que fosse o resultado literário dessa atividade. “Realizando a mesma experiência com Soupult, compararam os resultados e descobriram uma enorme semelhança, criando as bases do movimento surrealista.


Em 1925 assume a direção da revista “La Révolution Surréaliste“ (fundada em 1924 por Pierre Naville e Benjamin Péret) e publicou o “Segundo Manifesto do Surrealismo“, em 1929.


Além dos livros e artigos surrealistas, Breton também fazia espécie de montagens de objetos surrealistas justapostos, os “Poemas-Objetos“ ou “Poemas Visíveis“.



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Andy Warhol




Andy Warhol (1928 - 1987)


O americano Andy Warhol (1928 - 1987) é considerado um dos artistas mais polêmicos e enigmáticos da pop art, exercendo grande influência sobre sua época. Atuou como pintor, artista gráfico e cineasta. A projeção de sua imagem, bastante conhecida desde o começo de sua carreira, parece ter se valido de suas técnicas como artista comercial. Já nos anos 50, seu estilo era antecipado pelas ilustrações de artigos para jornais e revistas, além de anúncios de produtos, áreas em que atuava profissionalmente.


Entretanto, é em 1962 que ele alcança real fama, utilizando-se das latas de sopa Campbells  para uma natureza-morta. A partir daí, artigos de consumo em geral como garrafas de Coca-Cola e notas de dólar passaram a ser freqüentes em sua obra.


Torna-se conhecido pela documentação dos ícones e fetiches norte-americanos. Utilizou-se das figuras de Marilyn Monroe, Elvis Presley, Jacqueline Kennedy, o presidente Mao, Lyz Taylor, Silvester Stallone, estrelas do show business e até a Mona Lisa, numa sucessão de imagens  impressas em silkscreen, método que possibilitaria infinitas repetições. Através dessa técnica,  desprendia das pinturas seu conteúdo emotivo.


A banalização das imagens dos meios de comunicação de massa eram fontes temáticas de seu trabalho, bem como as imagens documentais como choques de automóveis, cadeiras elétricas, os distúrbios raciais e as flores. No estúdio chamado “A Fábrica“, realizava suas obras.


Não acreditava na arte como meio de expressão da personalidade ou da individualidade do artista (apesar de suas obras terem personalidade inconfundível). Sobre o assunto, afirmou: “Eu quero todo mundo pensando igual. Eu acho que todo mundo poderia ser uma máquina“, numa de suas inúmeras declarações polêmicas que ajudaram a construir sua notariedade.


A esse respeito, cabe que lembrar que suas declarações públicas provocavam grandes efeitos. Suas frases notabilizavam-se no mundo inteiro. Uma das mais famosas talvez seja: “no futuro todos terão quinze minutos de fama”.


Em 1965, anunciou que se afastaria do mundo das artes plásticas para dedicar-se à realização de filmes e ao grupo The Velvet Underground  (que descobriu e atuava como empresário). É famosa a capa do primeiro disco da banda de rock - uma banana - realizada pelo artista.


Seus filmes eram silenciosos e bastante estáticos (o próprio Warhol já declara a seu respeito: “É melhor falar sobre eles do que vê-los“). Apesar de serem considerados underground eram bastante reconhecidos pelo grande público. Exemplos deles são “Empire“, de 64, que mostra, por oito horas o edifício americano visto sob um ponto, ou “Sleep“, de 63, um homem dormindo por seis horas. “Chelsea Girls” (66, com sua concentração sexual) e “Lonesome Cowboys“ (68) são outros de seus filmes. Acaba voltando a produzir trabalhos plásticos, atividade que mantém junto com a produção cinematográfica.


Em 1968, foi baleado por um participante de um de seus filmes, num episódio que acabou por aumentar-lhe a popularidade. Após sua morte, foi aberto o Museu Andy Warhol, em Pittsburgh, Pensilvânia, cidade natal do artista.



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Anfiteatro

Anfiteatro


Grande construção, geralmente de forma oval ou circular, com uma área aberta central circulada por assentos; no período clássico era utilizada por romanos para fins de entretenimento, como por exemplo, disputas entre gladiadores, representações públicas, lutas entre feras, etc.


O surgimento dos anfiteatros data do ano 59 a.C.. No início, apresentavam-se como construções temporárias em madeira (a estrutura era desmontada após o uso), o primeiro anfiteatro permanente foi construído por Augusto no ano de 50 a.C. no Campo de Marte, em Roma e se manteve como o único parcialmente executado em pedra até a construção do mais célebre dos anfiteatros: o Coliseu, que comportava cerca de oitenta mil pessoas, erguido, também em Roma, por Vespasiano no ano 80 a.C..


O anfiteatro dividia-se basicamente em uma arena central, em torno da qual se elevavam degraus que serviam como assento para os espectadores. Embaixo destes localizavam-se as estrebarias e alojamentos, enquanto que sob a arena localizavam-se os depósitos e estrebarias.


 Os grandes estádios modernos derivam, tanto na forma como na função, dos anfiteatros romanos.



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Anita Malfatti




Anita Malfatti (1896 - 1964)


Anita Catarina Malfatti (1896 - 1964) foi uma das principais personalidades associadas ao início do Modernismo no Brasil. De acordo com depoimento de Mário de Andrade “foi ela, foram os seus quadros, que nos deram uma primeira consciência de revolta e de coletividade em luta pela modernização das artes brasileiras. Pelo menos a mim.“


Embarcou para Berlim com o objetivo de estudar pintura em 1912, e volta ao Brasil, em 1914, impressionada com a arte realizada na Europa por essa época (em especial os Pós-Impressionistas). Nesse mesmo ano viaja para Nova York onde estuda na Independent School of Arts, de Hermer Boss, de tendências modernistas. Nessa escola conhece artistas como Marcel Duchamp.


Seus primeiros trabalhos são marcados pela influência dos principais movimentos de vanguarda europeu do período, em especial o Cubismo e o Expressionismo. Entretanto, soube se utilizar dessas formas artísticas revolucionárias vindas do exterior sem perder a identidade brasileira. Em dezembro de 1917 realiza uma exposição individual com trabalhos que pintara até então, obras significativas como: “A Estudante Russa“, “Mulher de Cabelos Verdes“, “O Homem Amarelo“, “Caboclinha“. 


A economia de traços, o vigor das formas e cores, a perturbação de algumas figuras, a grande originalidade e quebra dos padrões a que o público brasileiro estava acostumado, causaram duas reações imediatas. De um lado o choque conservador representado pela agressiva crítica feita por Monteiro Lobato publicada a 20 de dezembro no jornal “O Estado de S.Paulo“. De outro, jovens artistas, escritores e poetas que se reuniram em torno de Anita Malfatti com reações que acabariam por desembocam no surgimento do Modernismo Brasileiro, que culminou com a Semana de Arte Moderna de 22 e uma mudança de rumos das artes plásticas no país.


“A Propósito da Exposição Malfatti“, mais conhecido como “Paranóia ou Mistificação?“ foi o nome do artigo de Lobato. Nele, dividia os artistas em dois tipos, os que vêem normalmente as coisas e fazem arte pura e uma outra espécie (com a qual identificava Malfatti) “formada pelos que vêem anormalmente a natureza, e interpretam-na à luz de teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes, surgidas cá e lá como furúnculos da cultura excessiva “. A partir de observações como essas, que denunciam o conservadorismo do crítico e seu preconceito contra tudo aquilo que ameaçasse o naturalismo, Lobato continua sua cruel crítica a respeito da “exposição da Sra. Malfatti onde se notam acentuadíssimas tendências para uma atitude estética forçada no sentido das extravagâncias de Picasso e companhia“.


Apesar do apoio de artistas ao redor de Anita Malfatti, a pintora após essa crítica parece nunca mais ter conseguido recuperar a força inicial de suas obras. Chegou a expor na Semana de Arte Moderna de 22, mas suas obras a partir de 1917 já não possuíam o mesmo impacto. Continuou pintando até o final de sua vida, mas sua importância maior para a História da Arte Brasileira parece efetivamente concentrado nesse seu princípio de carreira.



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Antiguidade (arte)




Antiguidade (arte)


Na História da Arte, o termo Antiguidade refere-se à arte produzida pelas civilizações grega e romana (ver Arte na Grécia Antiga e Arte na Roma da Antiguidade), em especial aqueles objetos remanescentes dessas civilizações, como as esculturas. Essas peças exerceram grande influência sobre a arte ocidental, sendo valorizadas por longos períodos como verdadeiros modelos de perfeição.


A Renascença Italiana foi um dos períodos em que essa valorização da arte grega e romana foi mais intensa. Seus padrões e formas eram ideais a serem perseguidos pelos artistas. Coleções do Vaticano e de famílias como os Medici (extremamente poderosos na época e patronos das artes) eram importantes guardiões da arte antiga. Entretanto, por mais fiéis que os artistas tentassem se manter à arte do passado, uma leitura baseada nos próprios valores da época histórica em que se encontravam era inevitável. Temas do cristianismo, por exemplo, eram extremamente freqüentes na Arte Renascentista.


A partir da Renascença, a arte clássica (como também é chamada a arte antiga) foi se estabelecendo cada vez mais como uma arte nobre, que deveria pautar o trabalho de um artista. Bernini, por exemplo, um dos mais importantes escultores barrocos sempre ressaltou sua inspiração na arte clássica. Nas academias que começaram a surgir  a arte antiga era extremamente identificada como sinônimo de pura beleza e ideal artístico.


O período Neoclássico assiste novamente a uma exacerbada admiração pela arte antiga, até mesmo como uma reação aos exageros do rococó . Os artistas do período procuravam copiar os modelos do passado, normalmente interpretados de uma maneira mais fria e impessoal do que a arte grega e romana efetivamente se mostrava.


A partir do advento do Romantismo a supremacia da arte clássica vai perdendo cada vez mais espaço para a subjetividade. Entretanto, sua influência persistiu mesmo no século XX, sendo considerada ainda uma das bases de aprendizado dos artistas e inspirando nomes como Picasso .



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Antônio Parreiras




Antônio Parreiras (1860 - 1937)


Antônio Diogo da Silva Parreiras (1860 - 1937) foi um artista de extrema popularidade no Brasil do início do século, tendo sido eleito em concurso nacional entre os leitores da revista Fon Fon, o maior pintor nacional vivo.


Realizou cerca de oitocentos e cinquenta pinturas e sessenta e oito exposições individuais. Seus principais motivos eram a História do país, paisagens e nus femininos. Nasceu em Niterói, cidade que abriga o museu Antônio Parreiras (o estúdio do pintor até sua morte) e um busto do pintor, inaugurado em 1927.


Ingressou no curso da Academia Imperial de Belas-Artes, abandonando-a pouco tempo depois, quando o paisagista alemão Georg Grimm se retirou da Academia. Passa então a fazer parte do grupo Grimm, que orientado pelo europeu, realiza suas pinturas ao ar livre na Praia de Boa Viagem, em Niterói.


Em 1888 vai para a Europa, freqüentando a Academia de Veneza como aluno livre. Volta ao Brasil, realiza uma exposição de grande sucesso e recebe convite para fazer parte da Academia. Entretanto, abandona-a um ano após, em protesto contra o afastamento de Pedro Américo e Vítor Meirelles motivado pela amizade dos dois com o Imperador que havia acabado de ser deposto e não por méritos artísticos.


É considerado um grande paisagista, que soube retratar com bastante sensibilidade o colorido tropical. Obras suas como “Sertanejas“, de 1896, a partir de vários estudos realizados ao ar livre nas florestas de Teresópolis foram extremamente prestigiadas pela crítica tanto nacional quanto internacional.


Foi o pintor brasileiro que mais realizou quadros históricos, normalmente atendendo a encomendas oficiais, como “A Conquista do Amazonas”. Acredita-se, entretanto, que esses quadros tenham maior importância documentária do que realmente artística.


Após abandonar a Academia passa bom tempo na Europa, em especial em Paris, onde realiza exposições. Era conhecido na cidade francesa como ótimo pintor de nus, especialmente devido a obras (não muito bem recebidos no Brasil) como: “Fantasia“, “Frineia“, “Dolorida“, “Fleur Brésilienne” e “Nonchalance“.


Em 1926 publica um livro de memórias “História de um Pintor Contada por Ele Mesmo“ e ingressa na Academia Fluminense de Letras.



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Appogiatura




Appogiatura


Termo do Italiano que define uma nota harmônica acentuada, que normalmente resolve para baixo. As appogiaturas são utilizadas para decorar melodias.



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Arabesco




Arabesco


Arabesco é tipo mais característico de ornamento islâmico e utiliza-se, basicamente, do entrelaçamento de formas. Uma vez que a religião de Maomé proibia a reprodução de imagens de criaturas vivas, esses desenhos abstratos tornaram-se um grande meio expressivo para os artistas dessas sociedades. Um exemplo de sua utilização são os pátios e salões do Alhambra em Granada (Espanha).


Acredita-se, entretanto, que sua origem seja bem mais antiga, uma vez que é encontrado ainda na arte helenística, em especial na Ásia Menor (de meados do século IV a.c ao século I a.c). Sua vertente árabe aparece somente a partir so século IX, para popularizar-se como uma ornamentação extremamente usada pelo mundo islâmico. Os arabescos foram conhecidos como morescos no período da Alta Idade Média (mouro era a denominação dada aos árabes pelos europeus na época). Despertou ainda um grande interesse europeu no século XVI, quando o continente voltava-se para a arte islâmica.


Esse termo é ainda utilizado na denominação das combinações usadas pelos decoradores renascentistas. Consiste no entrelaçamento de linhas com ramagens, flores, frutos, grinaldas e outros temas em moda na época.



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Arcaísmo




Arcaísmo


Trata-se da preferência pela arte antiga e mais primitiva. Na Europa do século XVIII - juntamente com a volta da padrões estéticos góticos e gregos - foi comum o gosto por um estilo artístico que apresentasse como atributos a simplicidade e a pureza.


Na História da Arte foram comuns os períodos em que se procurava a volta de padrões mais primitivos, como por exemplo, o gosto entre os colecionadores do século I pela arte grega arcaica ao invés das desenvolvidas posteriormente por essa civilização.


Pode ser citado em especial dois períodos em que o arcaísmo está bem exemplificado: os Nazarenes na Alemanha e os Pré-Rafaelitas na Inglaterra.


Os Nazarenos foram um grupo surgido no começo do século XIX que tinha como principal objetivo a restauração dos laços entre a arte e os propósitos religiosos, propósito este, segundo eles, desvirtuado desde o século XVI. Suas inspirações vinham da arte da Idade Média e a do começo do Renascimento. Esse grupo acabou influenciando os Pré-Rafaelitas.


A Irmandade dos Pré-Rafaelitas foi um nome adotado por um grupo inglês em 1848 que tinha como objetivo o resgate da arte Italiana anterior a Rafael, considerada mais simples e sincera. Seus temas eram, em grande parte das obras, religiosos. Iam contra o academicismo e as pinturas de genre.


Na arte moderna, essa tendência manifesta-se principalmente através da valorização do primitivismo nas obras.



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Arco

Arco


Imagem da seção de Arquitetura.


Arco.


Copyright: © G.L.L.G.



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Arcobotante




Arcobotante


	*ver Contraforte



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Ária




Ária


Música solo com acompanhamento instrumental muito utilizada em óperas e oratórios.



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Armadura




Armadura


Sucessão de sustenidos ou bemóis que indicam, no início da partitura, o tom predominante da música.



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Arpejo




Arpejo


Notas de um acorde tocadas sucessivamente.



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Arquitetura




Arquitetura


A arquitetura é a arte vinculada à harmonização estética de espaços interiores e formas exteriores de edificações. Além dos princípios de simetria e proporção dos quais a arquitetura é servida, a arquitetura também se preocupa com a própria finalidade utilitária do espaço criado: a funcionalidade e a estética também devem formar um conjunto harmonioso.



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Arquitetura




Arquitetura (profissões)


A arquitetura é a arte e a técnica de projetar espaços, organizando-os de maneira funcional, confortável e estética para a realização de obras civis ou outros fins que visem a melhora da qualidade de vida de forma geral. O arquiteto tem como função projetar e coordenar a construção e reformas, também pode planejar cidades, bairros, praças, jardins, sempre com a preocupação de atender às necessidades da comunidade para quem se destina o projeto.


Os materiais que são usados numa construção também podem ser definidos pelo arquiteto, que, através deles, resolve problemas de iluminação, volume e cor. Os arquitetos não são apenas responsáveis pela planta da construção, eles podem trabalhar com desenhos de objetos, móveis, equipamentos industriais, letreiros e muitas outras coisas.


A arquitetura tem uma ligação com as artes plásticas e o profissional deve desenvolver suas capacidades criativas, além de desenvolver habilidades para cálculo. O bom senso e uma desenvoltura nas relações sociais são coisas a serem exercitadas por alunos de arquitetura, porque seus projetos só terão sucesso na medida em que observarem e se voltarem para as características humanas de quem usufrui da produção profissional.


Para possibilitar todas estas características profissionais o curso proporciona aos alunos aulas de estética, história da arte, estudos sociais, cálculo, desenho, estruturas e materiais de construção. Atualmente, o trabalho com computadores para desenvolver projetos gráficos tem sido muito importante para a formação de profissionais desta área.


O trabalho em arquitetura pode ser especializado em várias áreas. A organização de espaços internos, definindo o mobiliário, detalhes, cores, acabamentos do ambiente, materiais de revestimento e iluminação pode ser desenvolvido por arquitetos de interiores. Nesta área o profissional pode trabalhar com a organização de casas, escritórios, navios, teatros, cinemas, palcos e outros espaços, funcionando quase como um trabalho de decoração, mas sempre levando em conta a funcionalidade de tudo que se coloca no espaço e a garantia de conforto para quem vai utilizar o espaço.


Outra possibilidade de trabalho é com comunicação visual, que é uma área de criação e desenvolvimento de marcas e logotipos de empresas ou estabelecimentos, este trabalho inclui também a elaboração de placas de sinalização, cartazes, capas de livros e discos, vinhetas eletrônicas para a televisão ou vídeos e outros trabalhos gráficos, que atualmente estão em desenvolvimento por causa da computação gráfica.


Os arquitetos podem trabalhar ainda com desenho industrial, edificações, luminotécnica, paisagismo, pesquisa e urbanismo.


O curso tem duração mínima de quatro anos, a titulação é de arquiteto e urbanista e, para exercer a profissão, é obrigatório o registro no Conselho Regional de Engenharia, Arquitetura e Agronomia (CREA).



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Arquitetura Mesopotâmica




Arquitetura Mesopotâmica


 A arquitetura mesopotâmica compreende o período que vai da pré-história até o século VI a.C. na região atual do Iraque, entre os rios Tigre e Eufrates, o que deu origem ao nome mesopotâmia (entre rios). Os Sumérios das épocas mais remotas, utilizavam materiais como junco e argila para suas construções, que não resistiram ao tempo. Por volta do ano 5000 a.C. passa-se a utilizar tijolos e com isso desaparecem as estruturas de madeira, porém no plano construtivo permanece a influência do junco, como nas aberturas das fachadas, algumas casas têm base de pedra, como em Hassuna. Escavações revelaram, na primitiva Eridu, um templo de planta retangular dividido por paredes, onde haviam um nicho para uma imagem e um altar para oferendas. Esse templo é o precursor das construções religiosas de planta retangular, construídas nos anos seguintes.


Por volta de 3000 a.C. os templos passam a ser implantados em altas plataformas, utiliza-se então o tijolo cozido em forno para se fazer uma construção em degraus. Surge, assim, o Zigurate, forma típica da arquitetura templária mesopotâmica, algumas vezes com plantas circulares, como o zigurate de Nimrud, a famosa Torre de Babel citada na Bíblia, em Babilônia. Outros exemplos são os zigurates de ‘Aqarquf, e o do deus da lua Nanna em Ur. A intenção do projeto era servir como base para que os padres e reis pudessem estar mais perto de seu deus ou para que os deuses pudessem descer para terra. Quase sempre o zigurate era implantado dentro de um espaço murado, juntamente com outros templos também de tijolos. Possuíam planta simples, um santuário rodeado de câmaras, raramente continham pátio interno, como no templo de Ishtar Kititum, em Ischali. Sua ornamentação era feita nas paredes e nos muros com frisos e baixo-relevo, cujos temas eram religiosos ou de animais.


Por volta do ano 1600 a.C. os cassitas invadem o reino Babilônico, assim como os elemitas por volta de 1150 a.C..  Ambos vindos do oeste, esses povos adaptam-se à antiga cultura e passam a reproduzi-la. A então capital Hatusas era protegida por muralhas de quatro quilômetros, com altas torres e portões emoldurados por esfinges esculpidas. Nesse período, as paredes dos templos são decoradas com afrescos e as casas tinham seus aposentos voltados para um pátio central, para receber iluminação.


O mais importante período assírio dá-se por volta do ano 1000 a.C., os templos voltam a ser construídos como na época sumeriana, agora com portais imensos, ladeados por enormes animais alados. Os palácios de dimensões absurdas chegavam a ter duzentos quartos com pátios internos, um grande templo e outros menores, além de outras residências, como a do rei Sargon II (722-705) em Khorsabad, assim como Sennacherib (705-681), que construiu seu palácio em Nimrud, e Ashurbanipal em Nineve.


A partir de 612 a.C., os babilônicos conquistam nova hegemonia e se dedicam a reconstruir sua antiga capital, destruída pelo assírio Sennacherib. A reconstrução inclui o período governado por Nabucodonosor II, construtor de uma das sete maravilhas do mundo antigo, Os Jardins Suspensos da Babilônia. O fim do reinado babilônico coincide com o fim do período mesopotâmico. A reconstrução da antiga capital suméria de Ur, entre os anos de 556 e 539, onde reconstrói-se inclusive seu zigurate, é o último feito dos babilônicos.



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Arquitetura Austríaca




Arquitetura Austríaca


A Áustria apresenta-se como um antigo centro de civilizações. Essa condição foi, em parte, determinada por sua localização geográfica; no passado situava-se no coração da Europa, na interseção de importantes vias de três grandes civilizações: a romana, a germânica e a eslava.


A civilização austríaca começa a se formar com os romanos e os celtas. Os romanos formam a província de Noricum, marcando o início de um período de prosperidade que duraria aproximadamente um século. Grande parte das atuais cidades austríacas provém de acampamentos romanos dessa época.


Durante os anos seguintes a região passou a ser invadida por germânicos, hunos e húngaros, até que no ano de 955, com a derrota e expulsão dos últimos húngaros, na batalha de Lechfeld, estabeleceu-se a nação austríaca.


Sobre a arquitetura pré-românica na Áustria, pouco se sabe. O período subseqüente, chamado de romanesco, apresenta um estilo interessante, essencialmente cristão, mistura de elementos provenientes da Bavária (como as basílicas), da Lombardia (as artes decorativas), Alemanha e França. As mais preservadas edificações desse período são as catedrais de Gurk, na Coríntia e de Seckau, na Estíria.


O período Gótico (séculos XIII a XV) veio trazer, não apenas um novo estilo arquitetônico, mas também um novo modo de vida. O estilo foi introduzido pelas ordens mendicantes e pelos monges cistercienses; os primeiros trouxeram o gótico italiano e os últimos, o gótico Francês. A peculiaridade do gótico austríaco são as chamadas Hallenkirchen, igrejas com duas ou três naves com aproximadamente o mesmo tamanho; o maior exemplo é a catedral de St. Stephen em Viena, a maior e mais importante construção gótica da Áustria.


No início do renascimento, a Áustria vinha se destacando nas artes plásticas (Escola do Danúbio); porém, com o crescimento do protestantismo, avesso às artes pictóricas, essa área entrou em declínio, levando a igreja católica e o governo a convocar artistas italianos. O mesmo ocorreu com a arquitetura, que durante esse período passou simplesmente a representar a tradição italiana com influência da atmosfera austríaca. Um bom exemplo dessa fase é a catedral de Salsburgo.


No final do século XVII, com o fim da ameaça turca, houve uma retomada nas construções. O Barroco (1656 - 1730) representa o auge da arquitetura austríaca; seus maiores exponentes foram os arquitetos Johann Bernhard Fischer von Erlach (1656 - 1723) e seu rival Johann Lucas von Hildebrandt (1668 - 1745). Fischer foi o responsável pela introdução de elementos estrangeiros, particularmente italianos, no estilo austríaco; como pode ser visto no projeto da Biblioteca Nacional Austríaca, entre outros. Hildebrandt, que em 1723 sucedeu Fischer no cargo de arquiteto da corte, se destaca por suas configurações espaciais diferenciadas e decoração detalhada. Sua obra mais importante é o Belvedere, palácio de verão do príncipe Eugene, em Viena. Uma variação típica do barroco austríaco é o estilo conhecido por Teresiano, semelhante ao rococó francês, surgido durante o reinado de Maria Theresia (1740 - 1780), estilo presente no interior do palácio de Schön Brunn.


Durante a segunda metade do século XIX, a monarquia austro-húngara começa a se tornar um estado moderno sob o reinado de Francis Joseph I; o que faz com que Viena passe a ser o centro de uma unidade econômica multinacional. A cidade torna-se também um dos pólos do historicismo mundial através de uma reestruturação urbana em grande escala que fez surgir uma grande quantidade de prédios de diversos estilos, atraindo arquitetos de todo mundo.


No final do século XIX Otto Wagner (1841 - 1918) juntamente com Adolf Loss (1870 - 1933) abandonam o historicismo e criam um novo estilo funcional que viria a ser o idioma do novo século, conhecido por estilo século XX. A mais importante obra desse estilo são as residências operárias em Viena (1915).


A Áustria registra uma participação importante no desenvolvimento das linguagens arquitetônicas européias, adotando soluções estrangeiras e adaptando-as de acordo com seus próprios princípios artísticos.



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Arquitetura Bizantina




Arquitetura Bizantina


A arte bizantina é o resultado da fusão da cultura helênica com a oriental, que criou identidade própria. Como raros são os exemplos da arquitetura remota, é através das basílicas, construídas a partir do ano 330, que se pode analisar a arquitetura bizantina, caracterizada pela abundante utilização de mosaicos e das cúpulas que aparecem no século VI. O centro criativo é Bizâncio, porém a difusão da arte bizantina se estende pela Ásia Menor, Grécia, Países Balcânicos, Rússia e Itália. Sua produção floresce a partir do período de Constantino, século IV, e dura até o século XII. Exemplos remanescentes das primeiras obras bizantinas são: a basílica de São João (463), a basílica dos santos Sérgio e Baco (527-36), e Santa Sofia, todas em Constantinopla. Tem plano básico simples, coberturas em cúpula sobre plantas quadradas.


O exemplo máximo de sua arquitetura é Santa Sofia, construída em apenas cinco anos (entre 532 e 537) por Justiniano, no mesmo local onde existia uma antiga basílica. Sobre uma estrutura de tijolos e argamassa pousa uma enorme cúpula achatada, sustentada por quatro enormes pilares que, unidos, formam quatro grandes arcos. As naves laterais estão voltadas para o espaço central, ampliando a perspectiva para além das colunas. Causa enorme efeito a orientação da luz que ilumina seu revestimento de mármore, seus mosaicos, suas colunas e capitéis. Nela se verificam a contraposição dos espaços cheios, dos vazios e das cúpulas, características da arquitetura bizantina.


Na Itália o maior centro da arte bizantina, entre os séculos IV e VII, está em Ravena, muito pelo esforço da imperatriz Gala Plácida, que ali chega por volta do ano 430, é o mausoléu de Gala Plácida a obra mais conhecida da arquitetura antiga ravenense, data do século V, e foi construído com materiais simples como tijolo cozido, com planta em cruz. Seu pequeno e aconchegante espaço interior é ricamente decorado com mosaicos. No início do século VI, por influência do bárbaro Teodorico, simpatizante da arquitetura bizantina, são construídos o templo de Santo Apolinário Novo, o batistério dos arianos e o mausoléu do rei. A experiência bizantina em Ravena termina com a magnífica construção de São Vital, cuja planta central deriva tanto das soluções clássicas romanas como dos exemplos encontrados em Constantinopla.


Sofre também influência bizantina as cidades: Milão, como se verifica na basílica de São Lourenço e nos mosaicos de Santo Aquilino e São Vítor; Roma, bem representada pelos mosaicos de Santa Inês; e as cidades adriáticas de Perenzo e Grado.



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Arquitetura Brasileira




Arquitetura Brasileira


A história da arquitetura brasileira é restrita aos cinco séculos após a descoberta, pois o período pré-cabralino não temos como reconstituir. A arquitetura indígena é baseada nas convicções mágicas que tinham tanto para a moradia quanto para o conjunto urbano. A disposição geométrica de uma aldeia visa funcionalidade, mas também é orientada pelo gosto. Uma aldeia circular, com orientação norte-sul, tendo como eixo a casa central servindo de passagem e como espaço de reuniões, seu conceito é a “aldeia do além” : assim, o arco da existência supera o tempo e o trânsito terreno em função do infinito. Esta filosofia governa os atos de viver, as expressões plásticas e mais ainda a poesia, compondo uma cultura bem definida.


Já os portugueses começam da estaca zero, os pioneiros improvisavam-se construtores para levantar moradias e entrincheiramento a fim de se defenderem dos índios e de outros brancos. Na necessidade da conquista e manutenção do espaço cria-se um sistema feudal e organizam-se os arraiais, como no caso de Salvador uma cidade cercada por muros de taipa, essa técnica, embora precária quando bem mantida, perpetua-se ao longo dos séculos. Em cada uma das regiões ocupadas recursos locais são utilizados na construção, como a carnaúba no Piauí que ainda hoje é utilizada. Até a primeira metade deste século grande parte das casas no Recife eram construídas como no século do descobrimento.


A “casa-fortaleza”, como era denominada, utilizava pedra, cal, pau-a-pique e era telhada e avarandada. Não se tem amostras mas sabe-se através dos documentos que obedeciam às prescrições da Coroa ao conceder-se uma sesmaria. Com o crescimento das vilas, os construtores começam a procurar materiais mais resistentes e passam a utilizar a pedra. A primeira obra em pedra parece ter sido a torre de Olinda, construída por seu primeiro donatário (Duarte Coelho). A grande produção desta época é de fortalezas e o número de arquitetos é grande, porém a maioria ocultos.


A arquitetura “arte” foi preocupação dos missionários, pois sabiam da importância da construção das Igrejas na catequese. Esta arquitetura toma vulto com a chegada de Francisco Dias e Luís Dias, assim como Grandejean de Montiny, no século XIX e Le Corbusier no século XX.


Deve-se notar aqui as conquistas holandesas, os batavos muito produziram com alta qualidade e fazem com que Recife torne-se a cidade mais importante da colônia, porém não se misturam com os produtores da insipiente arte local. É com a ajuda de Pieter Post, arquiteto incluído na expedição de Nassau, que se realizam um conjunto de obras urbanísticas e arquitetônicas notáveis.


É nesta época que o barroco começa a dar sinais de vida, e as Igrejas buscam construir com luxo, enquanto o povo continuará a viver da maneira mais simples até os anos setecentos. A prosperidade da arquitetura religiosa deve-se, também, à instituição das Irmandades que construíam suas igrejas, às vezes, rivalizando com as Ordens. Os artistas eram disputados e razoavelmente retribuídos. Nosso barroco floresce de maneira torta e não é comparável aos outros movimentos no mundo, pode-se dizer que é mais parecido com o alemão do que com o italiano.


A arquitetura civil é inexpressiva e servia, praticamente, a fins religiosos. Quase todos os arquitetos brasileiros da primeira metade do século XVIII, constroem igrejas de nave octogonal, a primeira, construída entre 1714 e 1730, é a de Nossa Senhora da Glória do Outeiro, no Rio de Janeiro, muito importante por representar uma evolução em relação às igrejas portuguesas ou mesmo qualquer igreja da época. Outras Igrejas brasileiras de plano octogonal são: a igreja paroquial de Antônio Dias (1727); a Igreja de Santa Efigênia em Ouro Preto (1727), ambas atribuídas a Manuel Francisco Lisboa, pai de Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho; igreja do Pilar em Ouro Preto (1720); igreja de São Pedro dos Clérigos de Recife (1728-1782), de Manoel Ferreira Jácome; igreja da Conceição da Praia em Salvador, projetada por Manoel Cardoso Saldanha, que foi a última de importância construída na Bahia, também a última de plano octogonal a ser erguida, tanto no Brasil quanto em Portugal.


Na segunda metade do século XVIII, Minas Gerais passa a dominar a arquitetura religiosa em igrejas como: o Santuário de Bom Jesus de Matosinhos, em Congonhas do Campo (1757-1770); a de São Pedro dos Clérigos, em Mariana (1771) e a Capela do Rosário de Ouro Preto. Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho principal escultor e arquiteto da época deixou vasta obra, adepto do estilo rococó, soube integrar melhor do que ninguém a arquitetura e a escultura, a decoração rebuscada à sobriedade da arquitetura religiosa portuguesa. Ele modifica a estrutura do altar suprimindo o baldaquim ou elevando-o até a abóbada. A igreja de São Francisco em Ouro Preto foi inteiramente projetada, construída e decorada por Aleijadinho num espaço de vinte e oito anos entre 1766 e 1794, o que explica sua extraordinária unidade. Sua capela-mor é uma das obras mais importantes de Aleijadinho.


A transferência da Corte de Dom João VI para o Brasil provoca mudanças sensíveis na arquitetura.


Em 1816 chega ao Rio de Janeiro a chamada Missão Francesa incumbida, por Dom João, da educação artística do povo brasileiro. Liderada por Lebreton, a missão trouxe como arquiteto Auguste-Henri-Victor Grandjean de Montigny (1776-1850), que introduziu o Neoclassicismo e fez adeptos. A primeira obra, que foi encomendada a ele, foi a da Academia de Belas-Artes, edifício cujas obras paralisadas durante anos, por ocasião da morte do Conde da Barca, responsável pela vinda de Grandjean. tal fato faz com que o arquiteto passe a dedicar-se a outros projetos, como o edifício da Praça do Comércio, já demolido, a Alfândega, o antigo Mercado da Candelária e várias residências, além de ter sido o primeiro professor de arquitetura do Brasil.


Atuaram também nesta época os arquitetos José da Costa e Silva, Manuel da Costa e o Mestre Valentim da Fonseca e Silva, autor da ornamentação do passeio público do Rio de Janeiro. Já no começo do século, o Art Nouveau e o Art Deco aparecem de forma restrita, principalmente em São Paulo, e seu expoente máximo é Victor Dubugras, que faleceu em 1934.


A Semana de Arte Moderna de 1922 e a sequente revolução de 1930 são a alavanca da arquitetura moderna no Brasil. Já em 1925 o arquiteto Gregori Warchavchik publicou seu Manifesto da Arquitetura Funcional. É interessante notar que a Casa Modernista que Warchavchik construiu em São Paulo, em 1928, é anterior à construção da Casa das Rosas, da Av. Paulista.


Le Corbusier, arquiteto modernista francês, visitou o Brasil pela primeira vez em 1929 e realizou conferências no Rio e em São Paulo; chegou a propor um plano de urbanização para o Rio de Janeiro que não foi executado. Provavelmente o seria, não fosse a Revolução que colocou Getúlio Vargas no poder e Júlio Prestes no exílio. Mas a revolução traz vantagens para a arquitetura: Lúcio Costa torna-se diretor da Escola Nacional de Belas Artes, para onde chama Warchavchik. Por motivos políticos, sua gestão não dura um ano, mas não sem frutos. Cedo uma nova geração de arquitetos surgia: Luiz Nunes, os irmãos M.M.M. Roberto, Aldo Garcia Roza, entre outros. Em 1935, é realizado o concurso para o prédio do Ministério da Educação no Rio de Janeiro, cujo primeiro prêmio foi para um projeto puramente acadêmico; porém, por decisão do Ministro Gustavo Capanema, o projeto passa para as mãos de Lúcio Costa, que reúne uma equipe com outros concorrentes, entre eles Oscar Niemeyer. Le Corbusier faz nova visita ao Brasil para opinar sobre o projeto do concurso e também para discutir o projeto da Cidade Universitária do Rio de Janeiro.


Lúcio Costa deixou, em 1939, a chefia da equipe que construía o Ministério da Educação e em seu lugar assume Oscar Niemeyer, no início de uma carreira brilhante, que tem seu apogeu juntamente com Lúcio Costa, com a construção de Brasília, vinte anos mais tarde. No mesmo ano de 1939, acontece a Exposição Internacional de Nova York, onde o Pavilhão do Brasil, obra de Lúcio e Oscar, causa furor. A arquitetura brasileira dá sinais de vida mundialmente. Niemeyer constrói o conjunto da Pampulha em Belo Horizonte durante a prefeitura de Juscelino Kubitschek, que depois o leva para Brasília, onde realizará um conjunto de obras notáveis juntamente com o plano geral de Lúcio Costa. Oscar Niemeyer também esteve à frente da equipe que construiu o parque do Ibirapuera em São Paulo entre 1951 e 1955. No Ibirapuera, o paisagismo é de Roberto Burle Marx, que tem vasta obra a ser apreciada e é o maior expoente dessa arte no país. Em 1954, foi construído o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, de Affonso Eduardo Reidy.


Outro arquiteto modernista de grande importância é Villanova Artigas, autor, entre outras obras, da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo. Artigas, que esteve exilado por causa do regime militar, quando retornou ao Brasil, viu-se obrigado a fazer uma prova de admissão para poder lecionar na faculdade que ele mesmo projetara, prova que ficou registrada em forma de livro.


Não é possível, neste breve esforço, abranger toda a produção arquitetônica contemporânea, porém não podemos deixar de citar aqui a grande obra de Lina Bo Bardi, mulher de Pietro Maria Bardi, autora de projetos como o do SESC Pompéia, em São Paulo ou o do MASP (Museu de Arte de São Paulo), cuja arrojada estrutura foi uma imposição do terreno. O projeto deveria conservar o antigo belvedere, e a solução encontrada por Lina foi construir um prédio sustentado apenas por quatro pilares nas extremidades do terreno, uma vez que o túnel da Av. 9 de julho, que passa por baixo do terreno, não permitia outra conformação. O resultado é uma grande caixa de vidro suspensa, envolta em dois pórticos, formados pelos pilares somados às vigas de sustentação da cobertura. Seu vão livre, de setenta e dois metros em concreto protendido, é uma aventura a ser apreciada.



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Arquitetura Chinesa




Arquitetura Chinesa


Há maior preocupação em manter um estilo que se mostra eficaz por séculos do que inovar: na conservadora arquitetura chinesa as formas arquitetônicas permanecem imutáveis através dos séculos. Os estilos pouco variam através dos milênios. Os regulamentos de edificações da época da dinastia Chou (1122-256 a.C.) vigoram ainda hoje, com poucas modificações, e é a partir desses documentos que se pode reconstituir a arquitetura antiga, uma vez que, em virtude da pouca resistência do material utilizado nas construções, como a madeira, não se tem exemplos dessa arquitetura. Um dos exemplos mais antigos da arquitetura chinesa é a Muralha da China (228 a.C.), construída pelos imperadores tártaros da dinastia Ch’in, tem cerca de 2.400 Km de extensão e torres de vigilância. O Pagode (templo chinês) deriva aparentemente de formas arquitetônicas indianas. A multiplicidade dos tetos na estupa indiana repete-se no pagode e também define a estrutura de madeira, ainda que se possam encontrar exemplos em materiais mais pesados. Os templos e palácios eram construídos em madeira com base de pedra, as paredes, sem função estrutural, servem de fechamento e decoração, e os telhados sempre recurvados. O P’ai lou chinês, assim como o torii japonês, arco construído em memória dos mortos, também deriva do portal da estupa indiana. A arquitetura chinesa é totalmente integrada à natureza e é o reflexo de sua filosofia e religião.


A cidade de Pequim tem sido a capital da China desde 1271, com algumas interrupções. Durante todo esse tempo, imperadores construíram palácios, santuários e jardins. A Cidade Proibida, como é chamada, começou a ser construída na dinastia Ming (1368-1644) e abriga, no interior de suas muralhas vermelhas, os pavilhões oficiais e as habitações do imperador e de sua corte, essas construções sofreram reformas e ampliações durante os séculos XVII à XIX, depois arruinou-se e só foi resgatada a partir de 1949 por Mao Tsé-Tung. Jardins requintados com pinheiros de mais de quinhentos anos, recantos melancólicos de vastos pátios entre imponentes paredes silenciosas, as entradas são guardadas por grandes leões estilizados, dragões enroscam-se nas escadas, rampas, muros e tronos, tartarugas e aves fênix aparecem, tudo organizado de maneira impressionante e equilibrada. Todo o conjunto é hoje um museu. Em 1959 para comemorar o 10º aniversário da República Popular, são realizadas algumas obras, entre elas, a da praça da Paz Celestial (Tian An Men), que fica em frente à Cidade Proibida, e é uma das maiores praças do mundo, com quarenta hectares de área, no centro de Pequim. Outra obra que complementa a nova urbanização de Pequim é a Avenida Chagan (Paz Prolongada) com mais de cem metros de largura e 16 Km de comprimento. Além da Cidade Proibida, existem na capital monumentos importantes como: o Templo do Céu, conjunto de edifícios e jardins construídos em 1420; o parque de Peihai, onde se criou um pequeno morro para implantar um pagode branco, em 1652; entre outros.



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Arquitetura Egípcia




Arquitetura Egípcia


O Antigo Império é o mais longo e mais importante período da civilização egípcia, durou quase mil anos (3200 a.C. - 2052 a.C.), nele foram criadas as primeiras leis civis e religiosas, sua identidade artística e a escrita hieroglífica. A primeira metade do império é marcada pelo isolamento do Egito em relação aos outros povos, o que contribuiu para a sedimentação de sua cultura.


A partir de 3650 a.C. inicia a época chamada das pirâmides e a ela pertencem os faraós da III à VI dinastias. O primeiro faraó da III dinastia foi Djoser, que construiu o primeiro grande edifício de pedra: a pirâmide escalonada de Sakkara, no mesmo local onde se encontram as construções funerárias mais antigas do Egito, em frente à Mênfis. Com o crescimento da cidade, a necrópole também cresce, primeiro em direção sul até Dashur, depois em direção ao norte até Gizé. A IV começa com o faraó Snefru, pai do famoso faraó Quéops, ele desenvolveu o método para construção de pirâmides de faces lisas, sua pirâmide foi construída em Dashur, mas foi superada pela magnificência dos faraós seguintes: Quéops, Quéfrem e Miquerinos, construtores do complexo de Gizé ao norte de Mênfis.


O Antigo Império termina com o período chamado Primeiro Intermediário (2190 a 2000) das dinastias VII à X. Por volta do ano 2000 a.C. a capital é transferida para Tebas.


O Novo Império é marcado pela arquitetura religiosa, são notáveis os templos de Amon-Ra em Karnak (por volta de 1570-1070 A.C.), de Horus em Edfu e outros. A arquitetura doméstica pode ser analisada a partir das casas desenterradas em Tel el Amarna, que serviam aos artesãos contratados pelo faraó Aknaton (1500 a.C.). Embora as casas fossem construídas em alvenaria e não em pedra como nas grandes construções, inclusive no caso do faraó, tinham a significação essencial da arquitetura egípcia, dela se originam todas as formas arquitetônicas egípcias. O mais famoso faraó egípcio, Ramsés II da XIX dinastia, reinou de 1290 a 1223 a.C.. Algumas de suas construções são: o Rameseum de Tebas, parte do templo de Luxor, e a sala hipostila do templo de Karnak. Afirma-se que ele mandou apagar o nome de outros faraós para colocar o próprio nas construções que mandou reconstruir.



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Arquitetura Espanhola




Arquitetura Espanhola


A arquitetura espanhola até o século XVIII é determinada pela influência de diversos povos que lutaram pela conquista da península ibérica. A romanização da península é marcada por grandes obras como teatros, aquedutos como o de Segóvia e pontes como a de Alcântara. Com a queda do império romano, parte do território é ocupado por povos árabes, que não deixam de dar sua contribuição para a arquitetura espanhola, como é o caso do castelo de Alhambra em Granada, assim como a Sinagoga de Santa Maria la Blanca em Toledo, que posteriormente será transformada em catedral cristã, promovendo grande fusão de estilos.


Durante o século XIII, o estilo gótico francês invade a Espanha como pode ser conferida na catedral de Segóvia, que até o século XVI não havia sido concluída. A maioria dos prédios construídos no século XVI assumiam estruturas renascentistas, porém a ornamentação das fachadas, numa fusão do gótico, do mouro e do renascentista, formam um estilo espanhol distinto, denominado Plateresque, como a fachada da universidade de Salamanca.


Com o advento dos descobrimentos, a Espanha renascentista torna-se poderosa e rica, fato que se reflete na arquitetura, que toma dimensões e aparências que não haviam sido experimentadas até então.


O imperador Carlos V constrói seu palácio em 1526, e encomenda a Pedro Machuca um projeto baseado na simplicidade dos palácios romanos.


A interpretação religiosa das formas italianas pode ser vista nos clássicos pilares da catedral de Granada. Essa tendência clássica culmina com a arte de Juan Herrera, autor do projeto do Monastério Escorial, para Felipe II.


Nos séculos XVII e XVIII o barroco italiano reage ao purismo de Herrera. Deve-se citar a obra de Fernando de Casas e Novoa como a catedral de Santiago de Compostela.


O neoclassicismo encontra colaboradores em Calezas e Rodrigues, que são parcialmente responsáveis pela igreja de São Francisco el Grande em Madrid, enquanto a interpretação do rococó é vista na obra de Hipólito Rovira, como no palácio do Marquês de Dos Aguas, em Valência.


Rovira é também o vencedor do concurso para reurbanização de Barcelona, porém seu projeto não foi executado, mas sim o projeto de Idelfonse Cerdá que tanto caracteriza a cidade de Barcelona, com suas quadras que conservam uma área não construída no interior.


Próximo ao fim do século XIX e começo do século XX, Antônio Gaudi nega a funcionalidade com uma arquitetura surrealista e inesperada, realizando com maestria sua arte inspirada na natureza, dando vida às massas e formas com suas cores e detalhes. Suas obras são extraordinárias como a Casa Milà, o parque Guell e a bizarramente espetacular igreja da Sagrada Família que se encontra em obras até os dias de hoje.



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Arquitetura Gótica




Arquitetura Gótica


A arquitetura gótica nasce na França, no gótico aparece o arcobotante, que possibilitou a grande altura de algumas catedrais góticas. Uma de suas características mais marcantes é a ogiva, mesmo suas abóbadas são ogivais. Suas catedrais são decoradas com motivos da flora e da fauna e com monstros (gárgulas). Produto da cultura cristã, reflete a mentalidade da Idade Média e da doutrina teocêntrica.


A abadia de Saint-Denis iniciada em 1132 é a primeira realização da arquitetura gótica. No século XII, são construídas as catedrais francesas de Sens, Senlis, Noyon, Laon, Notre-Dame de Paris, que tem em comum um segundo piso nas naves laterais, o que nas igrejas românicas chamava-se tribuna, que visava dar maior sustentabilidade à abobada central. Em 1194 começa a se construir a catedral de Chartres, que junto com Reims e Amiens caracterizam uma evolução no gótico, onde a tribuna é substituída pelo trifório, que cabe apenas uma pessoa.


Amiens, a maior e uma das mais belas catedrais góticas, começou a ser edificada no início do século XIII e antes do final do século estava quase concluída, pode-se considerar um tempo curto para tal empreendimento. A primeira das igrejas de Amiens foi destruída por um incêndio em 1218 e sua reconstrução se dá a partir do ano 1236. O projeto de Amiens é realmente surpreendente, compõe-se de três naves, um amplo transepto e a nave composta do altar-mor que é rodeado por sete capelas, sendo a central mais profunda, em Reims são apenas cinco, e em Paris são também sete, porém todas iguais. A estrutura da catedral sugere extrema leveza, seus pilares são constituídos por colunas dispostas em diagonal. Amiens também se destaca por seus vitrais, perfeitamente integrados, que representam uma evolução na apropriação da luz. Em sua fachada verificam-se três características das igrejas da época: acima dos portais encontra-se o friso vazado, feito com uma arcada ogival; logo acima do friso está um conjunto de estátuas que representam monarcas franceses, característica única do gótico francês; e a enorme rosácea envidraçada que fica entre as duas torres. A ornamentação de sua fachada com elementos iconográficos é tão vasta que já foi chamada de “a Bíblia de Amiens”.


Na Espanha, já em 1220, inicia-se a construção da catedral de Burgos e a de León em 1280, mais tardias são as construções de Sevilha (1401-1506) e a de Toledo, igreja de São João dos Reis. A mistura do gótico com elementos mouriscos, produz em Toledo e na Andaluzia o estilo mudéjar, que será desenvolvido durante os séculos XIV e XV, caracterizado pelas abobadas em estalactite e pela ornamentação rebuscada.


A Inglaterra também sofre influência do gótico francês, verifica-se em catedrais como a de Lincoln (1192 a 1233), a de Salisbury (1220-1266) e a de Winchester (1371-1460), que apresenta o estilo perpendicular que marca o fim do gótico na Inglaterra. No gótico inglês a arquitetura militar encontra seu apogeu, como se pode ver nos fortes de Harlech, Conway e Pembroke.


A Alemanha oferece maior resistência à entrada da influência francesa, porém em 1248 tem início a construção da catedral de Colônia que é puramente gótica, a partir de então o estilo se firma em toda Alemanha e influenciará a Áustria e a Hungria.


Na Itália a influência gótica é menor, porém são consideradas obras-primas os castelos de Ferrara e Bari ou o Palazzo Vecchio, em Florença. Em Veneza o gótico se mistura com o estilo bizantino, gerando um estilo curioso como se pode verificar no famoso Cà-d’oro, construído entre 1421 e 1437.



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Arquitetura Gótica

Arquitetura Gótica


Imagem da seção de Arquitetura.


Detalhe da Bela Arquitetura Gótica nos Palácios e  Edifícios da Cidade de Siena.


Copyright: © 1997 RLM & MGA.



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Arquitetura Grega




Arquitetura Grega


A civilização que antecede a grega é a cretense, que durou de 1800 a 1100 a.C., e construíram cidades e palácios, como o de Cnosso. Suas casas tinham vários andares, tetos planos e piso de pedra.


O surgimento da cultura grega dá-se após o período que vai do fim do século XIII e começo do século VIII a.C., período marcado pela obscuridade, também chamado “Idade Média Grega”, quando acontece a dissolução da cultura miceno-cretense, devido a crises internas e invasões, principalmente pelas invasões dóricas, por volta do ano 1200 a.C., que provoca a dispersão do povo pelo mediterrâneo, ocupando as regiões costeiras, que acabam por originar na Jônia cidades como Éfeso e Mileto.


Preocupados em exaltar a beleza e o calor da vida, ao contrário de outros povos que cultuavam o além-túmulo, os gregos construíam com fins públicos, pela realização da coletividade, ou religiosos, onde o homem continua sendo a medida das coisas, até mesmo pela qualidade humana de suas divindades.


A conformação cidade-estado confere, aos centros helênicos, autonomia criativa. Atenas é regida por princípios de liberdade, democracia e individualismo, ao contrário de Esparta, estruturada no militarismo e em regimes totalitários.


Por volta do ano 750 a.C. começa a primeira onda migratória em direção ao ocidente, para a Sicília e a costa da Itália, a chamada Magna Grécia.


É ainda no período arcaico que se dá o nascimento do templo grego, trata-se agora de uma construção sólida, que utiliza pedra e mármore, e ergue-se sobre uma plataforma com degraus (estilobata), com planta retangular e volume horizontal, tinha uma sala principal chamada cela, onde ficava a estátua de um deus ou uma deusa. A estrutura, externa, é composta por fileiras de colunas. Marca da arquitetura grega, essas colunas eram cuidadosamente desenhadas, na parte central sua circunferência é maior do que na base e na parte superior ainda menor. Seguiram três tipos de ordens: a dórica, a jônica e a coríntia.


O templo grego conserva uma característica de suas origens. O fato de ser um edifício onde o espaço é mais exterior do que interior, não se destina a abrigar os fiéis, é por assim dizer a casa de um deus, os fiéis o contemplam no conjunto e sobem até ele levando oferendas e sacrifícios, porém não permanecem no seu interior.


O Partenon, de ordem dórica, projetado por Ictino e Calícrates, foi erguido na acrópole de Atenas, eleva-se sobre a cidade num terreno de menos de 300m de comprimento por 130m no ponto mais largo; nele, melhor do que em qualquer outro, verifica-se a composição grega dos cheios e vazios, do ritmo da luz e sombra. Em seu frontão encontrava-se a escultura de Fídias, que retratava o nascimento de Atenéia e a disputa entre Atenéia e Posídon. Fídias também é o autor da obra que ocupou a cela do templo, Athena Parthenos, em ouro e marfim, que não mais existe.


No ano 407, uma estrutura complexa, que reúne um conjunto de lugares sagrados, ergue-se o Erection de ordem jônica, onde se encontra um novo elemento, o balcão aéreo, sustentado por seis estátuas com figuras femininas, as Cariátides, que, com sua graça, suavizam a construção.


No fim do período clássico na século IV, a arquitetura continua a se desenvolver e a inovar, como na realização dos teatros, onde a geometria funcional e estética define de forma definitiva o anfiteatro, com arquibancadas escavadas, íngremes e de forma semicircular e com palco circular ou semicircular, que tem um cenário natural, como o teatro de Dionísio em Atenas, e o de Delfos.


Outra inovação do século IV é o aparecimento da ordem coríntia, derivada da ordem jônica, que será desenvolvida no período helenístico e também na arquitetura romana.


O período helenístico inicia-se em 323 a.C. com a morte de Alexandre Magno, e com a dissolução do império macedônio, conquistado por Alexandre, na sua luta contra os persas. A fundação de Alexandria cria um novo polo da cultura helenística. Na arquitetura, o emprego das ordens é livre, às vezes com combinações, e com amplo desenvolvimento da ordem coríntia, como no templo do Zeus Olímpico ou no monumento votivo de Líscrates de planta circular, ambos em Atenas.


Outras inovações no campo técnico e no conceito de monumentalidade podem ser verificadas no grande templo-altar de Zeus (180 a.C.) em Pérgamo, que foi reconstruído no Museu de Berlim, já que quase tudo se perdeu da magnífica Alexandria.



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Arquitetura Islâmica




Arquitetura Islâmica


A partir da Hégira (fuga de Maomé de Meca para Medina em 622), em um intervalo de aproximadamente cem anos, o islamismo cria um dos maiores impérios que já se viu. Estendia-se pela Síria, Egito, Iraque, Pérsia, Ásia Menor, parte do norte da África, Espanha e Sicília. A diversidade dos povos que o compunham determinou o aparecimento de diversos estilos, porém com uma estética própria. A construção típica da arquitetura islâmica é a mesquita, espaço destinado à congregação dos fiéis para a oração. Seu plano básico é simples, compreende: um grande pátio (zam) com um chafariz central (sabil), para abluções; uma grande sala (baram), que por seu formato longitudinal utiliza muitas colunas, orientada para Meca, a parede do fundo (qibla) tem no centro um nicho (mirhab) e ao lado do mirhab ergue-se um púlpito (mimbar). Outra característica marcante são os minaretes ou almenaras, torres de onde o almuadem convoca os fiéis.


Na síria encontram-se os exemplos mais importantes da primeira etapa da arte islâmica, época da dinastia oméia (661-750). Na então capital Damasco, ocupam a grande basílica de São João e a transformam em mesquita, assim como em Jerusalém a mesquita de al - Aqsa e junto a ela a Cúpula da Rocha. Nelas verifica-se a influência dos modelos bizantinos, como a abobada de pingentes, a arcada contínua e os mosaicos intrincados. Da Pérsia sassânida deriva grande parte da arquitetura islâmica, já nesta primeira etapa inicia-se a construção de palácios com influências sassânidas, o uso do tijolo na construção das abóbadas, a decoração geométrica, o arco pontiagudo e a ornamentação em estalactite. São desta época o palacete de Qusair Amra, nas margens do Mar Morto, o palácio de Qasr al - Hair, entre Palmira e Damasco, e o grande palácio de Khirbat al - Mafdjar. A sede islâmica muda-se para Bagdad (Iraque) e lá floresce em cidades como Rakka, século VIII, e Samarra, século IX, com mesquitas como a de Mutawakkil (847-861), quase totalmente destruída. São desta época grandes palácios como os de Uhaydir e Balkuwara. No Egito a mesquita mais antiga é a de Amr, século VII, em Fustat, a qual já demonstra influência mesopotâmica em virtude da transferência para Bagdad. O general turco Ahmad ibn Tulun torna o Egito independente por algum tempo, seu legado é a mesquita que leva seu nome, a qual é inspirada na mesquita de Samarra e demonstra influência das construções espanholas. No século X tem início a dinastia dos fatímidas, que criam uma nova capital ao norte de Fustat, a origem da atual Cairo, al - Qahirah. Em 1012 terminou-se a segunda grande mesquita fatímida, a do sultão al - Hakim. A partir do século IX, a arte mesopotâmica perde influência em detrimento da arte persa. Na Pérsia a arquitetura monumental é derivada da antiga arte iraniana, lá surge o liwam (câmara abobadada), que pode ser visto na mesquita de Ispahan. Suntuosos palácios são erguidos, como o de Ispahan, onde é feita uma decoração com faiança policromada, um azulejo primitivo. Na Índia a arquitetura islâmica também se adapta às formas tradicionais, durante a dinastia mongul (XVI - XVII) são construídas obras esplêndidas como os palácios de Delhi, Agra, Fatehpur, Sikri, Lahore e Udaipur, que eram divididos em partes públicas e privadas. As mesquitas são de influência persa. Mas é na arquitetura mortuária que se encontra o maior esplendor da arquitetura islâmica indiana, como o de Mahmud, em Bijapur, mas sobretudo pelo famoso Taj Mahal, erguido pelo imperador Shah Jahan entre 1631 e 1633 em memória de sua esposa Mumtaz-i-Mahal. Exemplo da arquitetura islâmica africana é a mesquita de Kairouan, Tunísia, construída em 670 e reconstruída em 836. Lá surge uma nova forma, a maksoura, espaço coberto com uma cúpula e fica em frente ao mirhab.


Esta arquitetura reflete-se na arquitetura espanhola (Sevilha, La Giralda), onde as mais belas casas e palácios são obras de arquitetura mourisca como em Alhambra, Granada.



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Arquitetura Moderna




Arquitetura Moderna


A arquitetura moderna é o reflexo das grandes inovações técnicas que começam a surgir já no fim do século XIX. Com a revolução industrial passa-se a utilizar o ferro de maneira nunca antes vista nas construções. Materiais como o aço e o concreto armado dão aos arquitetos possibilidades inéditas de criação, o que faz com que este estilo se torne completamente diferente de tudo que se viu até então. São engenheiros os pioneiros na utilização das novas técnicas como nos arranha-céus de Chicago ou na famosa Torre Eiffel de Paris.


A fundação da escola Bauhaus de Weimar, por Walter Gropius (1883-1969), é de suma importância para o desenvolvimento da arquitetura moderna. Dentro do conceito da Bauhaus o artista não era diferente do bom artesão e é a partir desse pensamento que surge um artista até antes desconhecido, o desenhista industrial. A escola foi fechada por ordens de Hitler, não antes de resgatar para a arquitetura sua posição de arte maior, seus artistas, pelo menos grande parte deles, transferem-se para os Estados Unidos, onde darão prosseguimento à sua arte.


O que melhor caracteriza a arquitetura moderna é a utilização de formas simples, geométricas, e desprovida de ornamentação, valoriza-se o emprego dos materiais em sua essência como o concreto aparente, em detrimento do reboco e da pintura.


As diferenciações apresentadas nessa arquitetura variam quase de arquiteto para arquiteto, podendo-se notar semelhanças regionais, como é o caso de Frank Lloyd Wright (1867-1959), Walter Gropius, Le Corbusier (1887-1965), Oscar Niemeyer (1907-), Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Alvar Aalto (1898-1976), que apresentam características claramente distintas e próprias.


A grosso modo, pode-se dividir os arquitetos em dois grupos: os organicistas, encabeçados por Frank L. Wright, que dizia que o edifício, assim como um organismo vivo, precisa crescer a partir de seu meio, deve partir da função para a forma, ao se olhar para uma construção desse tipo é muito fácil saber a que se destina. A obra mais famosa de Wright é a Casa da Cascata, em Bear Run. A casa está implantada sobre a cascata, que pode ser desfrutada de seu interior. É impressionante a integração da casa com a natureza; já os funcionais da escola de Le Corbusier subordinam a função à forma, porém, nos dois tipos, a forma está em harmonia com a função.


Le Corbusier é o autor do Le Modulor, conjunto de estudos que visa mesurar o homem e suas atividades, criando assim o conceito de ergonomia, o desenvolvimento de seu pensamento faz com que ele proponha a casa como “máquina de morar”. Sua genialidade pode ser verificada na capela de Ronchamp, na França.


A maior e mais complexa invenção do homem, a cidade, passa agora a ser projetada de forma integral, e não há nada mais notável do que a construção das cidades de Chandigarh, na Índia, por Le Corbusier e Brasília, no Brasil, por Oscar Niemeyer e Lúcio Costa (1902-).



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Arquitetura Pré- Colombiana




Arquitetura Pré- Colombiana


O mais importante aspecto a se considerar na arte pré-colombiana é o fato de suas civilizações terem vivido seu tempo em total isolamento dos valores culturais e espirituais difundidos por outras civilizações. Suas manifestações mais evoluídas realizam-se em duas grandes áreas: uma, ao norte na região do México, ainda que mais vasta que seus limites atuais; a outra na região que integra o atual Peru. Raras são as interações entre os dois pólos, mundos totalmente independentes.


No México a alternância e a fragmentação das civilizações é muito maior do que no Peru, invasões de populações nômades do norte são recorrentes. É na tropical península de Yucatán que será implantada a civilização Maia, que compreendia também a Guatemala e Honduras. Esta é sem dúvida a mais estável e duradoura das civilizações mexicanas. Numa primeira etapa, entre as anos 1000 a.C. e 300 d.C., verifica-se uma evolução lenta e primitiva. A partir de 300 d.C., dá-se o período áureo que se estende até pouco depois do ano 1000, quando a civilização Maia entra em decadência e acaba por integrar-se com outras civilizações dando origem à civilização maia-tolteca, cujos descendentes chegam até a sobreviver à dominação espanhola. Constroem grandes cidades como Uxbal e Kabah, no Yucatán, Palenque, na região de Chiapas, ou Copán em Honduras. Na arquitetura Maia encontram-se dois tipos importantes de construção: a dos templos em forma de pirâmides escalonadas, com grandes escadarias íngremes, que dão acesso ao topo onde pousa o templo, de planta retangular e na maioria apenas um andar. Todo revestido de tijolos, na parte de cima do templo encontram-se frontões esculpidos; a dos palácios em geral de um só andar, as vezes com embasamento e escadaria de acesso, também tem planta retangular e tinham grandes fachadas ornamentadas. Nas duas, encontra-se a falsa abóbada, construída a partir da superposição de pedras, pode ser piramidal ou ogival.


A invasão tolteca acontece a partir do século IX, deixam evoluídos exemplos em arquitetura como em Tollan e Xochicalco, templos-pirâmides e templos de colunas-estátuas.


Do ano 1000 d.C. em diante, conta-se a fase maia-tolteca que terá como centro criador a cidade de Chichén-Itzà, no Yucatán. São construções desta época a pirâmide de Kukulkan, o templo dos jaguares e o templo de Los Guerreros.


Outras civilizações como a zapoteca, cujo período mais expressivo dá-se entre os anos 400 e 1000 d.C., floresce na região do estado de Oaxaca, sua cidade tinha grau de desenvolvimento requintado, com escadarias, um conjunto de templos piramidais e até campo para jogo de pelota.


A civilização asteca consegue sua hegemonia entre os anos 1324 e 1521. Tenochtitlán, às margens dos lago Texcoco, é a capital, imensa e imponente, nela templos, palácios, e ricas obras particulares se interligavam. Neste período, as tendências da arte deixadas pelas civilizações precedentes foram trabalhadas à exaustão.


Das civilizações que ocuparam a região do Peru, a última a ser implantada antes da exterminadora invasão espanhola, a civilização inca, é sem dúvida a mais significativa do ponto de vista arquitetônico, ocupando a montanhosa região andina, utilizam pedras ciclópicas em suas construções, muito imponentes, porém despojadas e funcionais, onde o único elemento decorativo é a forma trapezoidal das aberturas e nichos. Assim surgem cidades como Cusco e Macchu Picchu, num esforço urbanístico surpreendente.



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Arquitetura Renascentista




Arquitetura Renascentista


O Renascimento começou na Itália e se espalhou pela Europa durante os século XV e XVI, é interessante observar que a Itália oferece grande resistência à arquitetura gótica, embora utilize técnicas góticas de construção, como faz o próprio Brunelleschi. É a retomada dos valores clássicos das artes gregas e romanas. A arquitetura renascentista baseia-se na clássica, mas não a copia.


O impulso renascentista faz ressurgir o Tratado de Vitrúvio, achado em 1415 em Monte Casino, dele surgem outros tratados como o de Re Aedificatoria (A Arte da Edificação) de Leone Battista Alberti.


Quando o arquiteto italiano Filippo Brunelleschi (1377-1446) projetou a catedral de Florença fez uma combinação de elementos clássicos com o método gótico de construção, dando assim início a um estilo novo e promissor. Ao projetar a capela Pazzi, também em Florença, Brunelleschi utiliza a Seção Áurea, que faz com que todo o conjunto esteja em harmonia. Sucessor de Brunelleschi, Donato Bramante (1444-1514) projetou as dimensões gigantescas da basílica de São Pedro em Roma, sua construção é iniciada em 1506, e quem dá prosseguimento a suas obras é Miguel Ângelo (1475-1564), cuja contribuição vai muito além da arquitetura. A basílica também foi trabalhada por Rafael (1483-1520), e posteriormente por Maderno e finalmente por Bernini. Bramante, entre outros projetos, criou um novo tipo de abóbada, que pode ser verificada na igreja de Santa Maria das Graças, além de ter sido mestre de Miguel Ângelo, Bramantino e Alberti entre outros. Leone Battista Alberti (1404-1472), projetou a igreja de Santo André, em Mântua, cuja entrada é em forma de arco do triunfo romano.


No renascimento, os projetos de casas particulares tomam grande importância como no caso da Villa Rotonda, projetada por Andrea Palladio (1508-1580), que influenciou muitos arquitetos por séculos.


Na França e na Alemanha o renascimento só aparece no final do século XVI, ainda conservando traços da arquitetura gótica. A parte antiga do Louvre, em Lescot, é um exemplo da renascença francesa. Na renascença alemã o destaque fica para os castelos como o Alte Schloss, em Stuttgart.


Na Inglaterra o renascimento é introduzido por Inigo Jones (1573-1652), seguidor de Palladio, como se verifica em seu projeto para o Queen’s House em Greenwich, Londres. Podem ser citados como exemplos da renascença inglesa os prédios das universidades de Cambridge e Oxford, embora suas formas sejam claramente góticas.


Na Espanha o renascimento encontra seguidores como Juan de Herrera (1530-1597), que projetou o Escorial, próximo a Madrid.


O que caracteriza a arquitetura renascentista é o fato de basear suas medidas em relação ao homem, como na arquitetura grega, o homem é a medida de todas as coisas, mas ao contrário da arquitetura romana , que busca a monumentalidade mais do que a escala humana.



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Arquitetura Romana




Arquitetura Romana

 A arquitetura romana, com sua monumentalidade que comunica a grandiosidade 
  do Estado, é o símbolo de seu império. A escala das construções é multiplicada, 
  busca-se uma solidez imponente em detrimento da elegância e da escala humana. 
  Aquedutos, estradas pavimentadas, pontes em alvenaria dão a dimensão do espaço 
  ocupado e da evolução urbanística alcançada pelos romanos.


Para se entender a estética e a evolução da arte romana deve-se notar que ela é o resultado da somatória de algumas culturas: a primeira forma de urbanização utilizada pelos romanos é a solução Etrusca da cidade cercada por muralhas, com moradias de planta elíptica, sistema de esgoto com canais cobertos, e ruas com traçado ortogonal; a concepção dos templos de Saturno, Bacco e outros no mesmo período de Augusto (43 a.C.- 14 d.C.) são de influência Itálica; já no século I a.C. os templos da praça Argentina, os do Foro Olitório dão mostras da arquitetura grega. Já no ano 13 a.C. a construção do Teatro de Marcelo define uma ordem romana, sua arquibancada não é escavada como no teatro grego e sim sustentada por pilares.


Nos anos seguintes de Tibério, Cláudio e Nero segue-se a estética imperial de Augusto, sendo que o grande avanço artístico se dá com os Flávios (Vespasiano, Tito e Domiciano entre 70 e 96 d.C.) época da construção do Coliseu 80 d.C. cuja arquibancada abriga cinquenta mil pessoas. A parte externa da construção é escalonada na sucessão das ordens: tuscânica, jônica e coríntia.


A seguir destaca-se o período de Trajano 90-117 d.C. e Adriano 117-136. É durante o governo de Adriano que se constrói uma das mais soberbas obras da Roma Imperial: o Panteon, que foi construído sobre um templo já existente de influência grega, que passa a ser a estrutura interna do templo, um cilindro externo é construído e ele termina numa cúpula aberta no centro, que determina uma iluminação zenital tocante. Obra que evidência a arte de revestir romana com o uso do mármore. As conquistas de Trajano constituem-se a última expansão do império que entra em decadência.


Marco Aurélio, Séptimo Severo e Caracala 161- 217 d.C. preocupam-se em manter o império, pois previam-se invasões bárbaras e a expansão do cristianismo. Séptimo Severo é quem inicia a construção das termas de Caracalas, que já foi chamada de arte barroca romana, suas ruínas são ainda hoje uma das visões mais surpreendentes de Roma.


Vale ressaltar a importância de Vitrúvio, o maior teórico do classicismo romano, que será seguido em todas as épocas até a completa conversão do Império para o cristianismo na era de Constantino, quando a arte romana encerra seu ciclo.



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Arquitetura Românica




Arquitetura Românica


Estilo arquitetônico, de cunho religioso, surgido na Europa em meados do século XI, o românico deriva de uma série de exaustivos ensaios que vinham ocorrendo desde o início da expansão do cristianismo.


Com o fim das invasões bárbaras, a Europa começa a se estabilizar, o comércio impulsiona uma lenta retomada econômica e o ressurgimento das cidades. As influências arquitetônicas bizantinas e do mundo Islâmico eram trazidas pelos cruzados que retornavam do oriente.


O estilo românico aponta para uma organização construtiva da igreja: o destinatário é o povo; esta ordem construtiva é alcançada no final do século XI, quando se passa a utilizar a abóbada de pedra, solucionando em definitivo o problema da cobertura que até então era de madeira. O uso desta cobertura acaba determinando a forma do edifício (fechada em si mesma e com aberturas obedecendo um ritmo preciso), uma vez que para sustentar tal carga, surge a necessidade de paredes mais sólidas.


Esquematicamente, os templos românicos apresentam planta em cruz, com três naves cobertas com abóbadas (apenas uma nos templos menores) e capelas na cabeceira, sendo que a largura maior da nave central faz com que sua cobertura tenha maior altura. Uma exceção são os templos de planta poligonal ou redonda.


Uma das inovações do românico é a ornamentação das pilastras, capitéis, arquitraves, arcos, tímpanos e altares com figuras ou cenas da cultura religiosa. Esculturas e ornamentos são perfeitamente integrados à arquitetura e têm a função de transmitir mensagens, uma vez que o texto escrito é pouco acessível, isso leva à utilização de uma linguagem ilustrativa, tanto na pintura como na escultura.


O estilo românico pode ser encontrado em várias linguagens regionais, cada uma com suas próprias influências. A França, mais especificamente a ordem dos beneditinos de Cluny, na Borgonha, representa importante papel na difusão desta arquitetura. O estilo ali praticado, denominado por alguns estudiosos de “primeira arte românica”, espalhou-se através dos peregrinos, ao longo do Caminho de Santiago, por onde o estilo começa a se consolidar na Espanha, principalmente na Catalunha, onde a influência muçulmana mais se evidencia. O maior exemplo do românico na Espanha é a catedral de Santiago de Compostela, erigida entre os séculos XI e XII.


Na Inglaterra, o românico chega através da invasão normanda, em 1066 e apresenta como característica, além da escassa utilização de esculturas, a propensão para escalas monumentais em suas construções. Essas proporções podem também ser observadas no românico alemão, fazendo com que as torres das catedrais se sobressaiam, numa sugestão de força, como na catedral de Colônia.


Na Itália a tradição clássica mistura-se à influência bizantina, resultando em um tipo de construção que segue o padrão de igreja, batistério e campanário; além de utilizar a coluna como elemento de sustentação e o frontão como arremate, como pode-se notar no conjunto da Catedral de Pisa, (1118), cujo campanário é a famosa torre inclinada de Pisa.



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Arquitrave




Arquitrave


*ver ordem



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Art Deco (arquitetura)




Art Deco (arquitetura)


É o estilo dos anos 20 e 30. Seu nome deriva da Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais realizada em Paris no ano de 1925. Trata-se de um estilo, geralmente aplicado às artes decorativas e não a arquitetura em si, que se situa entre a tradição e a vanguarda, absorvendo influências de várias fontes e movimentos, como o Cubismo, Futurismo e Expressionismo. Na arquitetura, o Art Deco começa no fim da década de 20, com Robert Mallet - Stevens(1886 - 1945), arquiteto francês, e logo se espalha pelos mais diversos países do mundo. O movimento aparece com maior destaque na Europa, principalmente França, Holanda (Escola de Amsterdã), Alemanha e nos Estados Unidos. Na América o estilo se situa a meio caminho entre as Belas Artes francesa e as mais modernas técnicas de construção. Isso resultou no surgimento dos maiores ícones do movimento: os reluzentes arranha-céus metálicos, como o Chrysler Bulding (1928 / 30) em Nova York. Nos diversos países em que aparece, o Art Deco se mescla a tradições arquitetônicas locais, o que leva às mais variadas expressões desse movimento; tamanha variedade, que o movimento é também conhecido por Universalismo. Ao adicionar elementos modernos às suas criações clássicas, os arquitetos da época estavam, em parte, reagindo contra as normas do Neoclassicismo. Algumas características estéticas do movimento são: delicado contorno curvilíneo, painéis florais estilizados, elementos geométricos, trabalhos em metal, esculturas modernas porém com linguagem clássica, generosidade no uso das cores, justaposição de claros e escuros.



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Art Deco (artes)




Art Deco (artes)


O termo Art Deco denomina um estilo artístico, utilizado principalmente na decoração de interiores, extremamente famoso, nas décadas de 20 e 30 do nosso século. Pode se dizer que sua grande inspiração é a ênfase no decorativo nascida através da art nouveau (ou modern style, na Inglaterra e Estado Unidos). Entretanto, difere-se dele por uma maior estilização e geometrização de formas. Seus maiores críticos afirmam que, tanto quanto a art nouveau, ela é menos um estilo do que  “uma afetação“, com sua preocupação excessiva com a forma.


Nasceu da “Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Moderns“, em Paris, no ano de 1925 e logo passou a ser moda na Europa e Estados Unidos. Em oposição ao contemporâneo Bauhaus, priorizava a qualidade do bom artesanato individual. Nesse período caracterizava-se ainda pelos materiais luxuosos de que se utilizava, como o jade e o marfim. Num segundo período, quando uma outra exposição de Art Deco foi realizada no Metropolitan Museum de Nova York, em 1934, a atenção deixou de ser concentrada nos objetos individuais, passando para a valorização do estilo como um todo, a impressão de um interior.


Com a crise econômica causada pela Depressão, os materiais mais baratos e facilmente produzíveis em série ganham importância no estilo.



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Art Nouveau




Art Nouveau


Estilo artístico desenvolvido na Europa a partir do final do século XIX. O estilo Art Nouveau é caracterizado pela sua ruptura com as tradições que até então persistiam excessivamente na arte e na arquitetura. Tratou-se de um estilo novo voltado para a originalidade da forma, de modo que era destituído de quaisquer preocupações ideológicas e independente de quaisquer tradições estéticas. Pretendendo-se como nova arte, o estilo procura ainda rejeitar as formas meramente funcionais envolvidas em todos os objetos decorativos provenientes da produção em massa e adere às formas sinuosas, curvilíneas. Portanto tal estilo teve principal influência sobre a arte decorativa do início do século e ainda sobre a arte arquitetônica, na qual grandes nomes da arquitetura moderna se utilizaram deste estilo, como por exemplo o arquiteto espanhol Gaudí. Também na pintura, o estilo esteve relativamente presente nas obras de personalidades artísticas como Vasili Kandinsky e Franz Marc. O estilo teve seu período de sucesso entre as duas últimas décadas do século XIX e as duas primeiras do século XX, em que é substituído paulatinamente pelo estilo Art Deco e definitivamente abandonado por ser considerado um estilo já ultrapassado.  


 



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Art Nouveau (arquitetura)




Art Nouveau (arquitetura)


Também conhecido como estilo 1900 ou o estilo Liberty, o Art Nouveau se apresenta como tendência arquitetônica inovadora do fim do século XIX; um estilo floreado, onde se destacam a linha curva e as formas orgânicas inspiradas em folhagens, flores, cisnes, labaredas e outros elementos. O movimento teve início na Inglaterra em 1880 com William Morris (1834 - 1896) e Arthur Heygate Mackmurdo (1852 - 1942), artistas que atuavam na produção tipográfica e de têxteis. Nessa época acreditava-se que o século XIX demonstrava pouca ou nenhuma importância estética.Tentando reverter esse panorama, Morris, pintor, poeta e artesão, clamava por uma unificação de todas as artes com o propósito de mudar a estética vigente que era a simples reprodução dos estilos do passado. Os ideais de Morris influenciaram aquela geração de artistas e arquitetos a enfatizarem o propósito social do desenho, na tentativa de integrar a arte à vida cotidiana.


Dez anos mais tarde, o estilo tem sua estréia na Arquitetura, com Victor Horta (1861 - 1947) e seu projeto para a residência Tassel (1892 / 93) em Bruxelas; apresentando como características, além do uso de elementos orgânicos, as aberturas com formas irregulares, a exploração de elementos de textura e cor nos revestimentos, o uso de ferro fundido e vidro, o desenvolvimento de novos materiais e novas formas de expressão apropriadas.


O Art Nouveau pode ser interpretado como um movimento burguês de cunho revolucionário, na medida que afronta a máquina (Revolução Industrial) e sugere a renovação do contato com a natureza, pregando o uso da ferramenta de trabalho como prolongamento do corpo do artista (A arte contra a técnica).



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Arte




Arte


O conceito de arte é extremamente subjetivo e varia de acordo com a cultura a ser analisada, período histórico ou até mesmo indivíduo em questão. Não se trata de um conceito simples e vários artistas e pensadores já se debruçaram sobre ele. O Novo Dicionário Aurélio da Língua Portuguesa (Aurélio Buarque de Holanda Ferreira, segunda edição), em duas de suas definições da palavra arte assim se expressa: "atividade que supõe a criação de sensações ou de estados de espírito, de caráter estético, carregados de vivência pessoal e profunda, podendo suscitar em outrem o desejo de prolongamento ou renovação"...; "a capacidade criadora do artista de expressar ou transmitir tais sensações ou sentimentos ...."


Independente da dificuldade de definição do que seja a arte, o fato é que ela está sempre presente na história humana, sendo inclusive um dos fatores que a diferenciam dos demais seres vivos.


Além disso, a produção artística pode ser de grande ajuda para o estudo de um período ou de uma cultura particular, por revelar valores do meio em que é produzida.


Duas grandes tendências se alternam na história da arte: uma tendência mais naturalista, que parte da representação do mundo visível e uma mais abstrata que não nos remete a objetos ou figuras conhecidas, preferindo as linhas, cores e planos. Uma prova das oscilações dessas tendências pode ser dada pelo fato, por exemplo, da arte abstrata estar presente tanto nas manifestações vanguardistas do século XX, quanto entre as produções de homens primitivos.


A arte pode se utilizar de vários meios para sua manifestação. Nas artes visuais os mais conhecidos são a pintura, a escultura, o desenho, as artes gráficas (gravura, tipografia e demais técnicas de impressão, inclusive a fotografia) e a arquitetura.



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Arte Abstrata




Arte Abstrata


A rigor, pode ser chamada de “arte abstrata“ toda aquela que não se prende a uma representação fiel da natureza. Esse tipo de arte, portanto, existiu desde os primórdios da civilização, encontrando alguns momentos de maior ou menor aceitação. Entretanto, o termo hoje é mais utilizado para designar a produção artística do século XX, com seus movimentos de ruptura com a arte européia tradicional, que se baseava ainda, em grande medida, nas idéias renascentistas.


A maioria dos movimentos desse século valorizava a subjetividade na arte, permitindo distorções de formas que se chocavam, por exemplo, aos ideais do grande crítico renascentista Giorgio Vasari e sua crença no valor do artista intimamente ligado à sua capacidade de representar a natureza com o máximo de precisão possível.


Apesar de ter havido uma série de movimentos de ruptura com o conceito tradicional de pintura no século XX, desenvolvendo a arte abstrata, houve três tendências básicas:


- A exemplificada pelo trabalho de Brancusi, que consiste na supremacia das formas simplificadas, reduzindo as naturais até chegar nesse tipo de forma;


- A presente nas esculturas em relevo de Ben Nicholson. A partir de formas básicas que não se referem ou representam nenhum aspecto reconhecível, são construídos os objetos artísticos.


- O princípio existente, por exemplo, no surrealismo, em que se valoriza um estilo livre e espontâneo de criação.


Na arte abstrata o uso da luz, das diferentes texturas e contornos das linhas, do espaço e das cores ganham nova expressividade.


A partir de 1930, o abstracionismo pode ser considerado como um dos principais pontos de caracterização da arte do século atual. Entretanto, ele vem ganhando espaço bem antes disso. Kandisky, já em 1910, fez a primeira pintura utilizando-se de formas não reconhecíveis. Muitos membros do cubismo terminaram por desenvolver o uso de formas abstratas depois do fim do movimento. O Suprematismo de Malevich e o grupo Stijl de Mondrian são outros importantes pontos de desenvolvimento da arte abstrata na década de 10 do nosso século.



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Arte Acádia




Arte Acádia


De 2.300 a 2.150 a. C. a Mesopotâmia foi dominada pelos acádios. Nessa época, controlaram as terras desde o Mediterrâneo até o Golfo Pérsico. A “Cabeça de Rei Acádio” representa uma técnica de confecção de objetos precursora das técnicas utilizadas na Idade do Bronze.



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Arte Africana




Arte Africana


O continente africano, por sua vasta extensão, apresenta inúmeros povos diferentes, com costumes e arte característicos. De uma maneira geral, a atividade migratória é grande dentro dessas tribos.


Os pigmeus, por exemplo, povos caçadores, devido à freqüência de migrações que costumam  realizar, constroem suas casas de maneira simples, com galhos e folhas, dando pouco espaço para o desenvolvimento da arquitetura ou das artes plásticas de uma maneira geral.


Entretanto, a maioria desses povos têm no pastoreio - que também exige constantes mudanças em busca de terras melhores - sua principal atividade. As artes plásticas, nessas condições, ficam seriamente restritas aos trabalhos como decorações no corpo e aos vasos onde, por exemplo, armazenam leite. A pintura parece ser atividade bastante apreciada por essas tribos, realizadas em superfícies como pedras.


O melhor exemplo desse tipo de prática pode ser dado pelas pedras decoradas do Sahara, realizadas durante interrompidos períodos de tempo em que povos pastores por ali passavam, muito provavelmente em seus ritos de iniciação para a vida adulta, tema freqüente da arte primitiva.


Entretanto, têm sido de povos agricultores os mais conhecidos exemplos da arte africana, como esculturas, a princípio colecionadas por arqueólogos e etnografistas do século XIX. A arquitetura também pode desenvolver-se nessas áreas. Entre os povos migratórios, a escultura só pode ser realizada em pequena escala.


Os Ife, cuja cultura floresceu entre o ano 1000 e 1500 da Era Cristã, na região da Nigéria, eram conhecidos pelo seu estilo de esculturas em bronze mais naturalistas (principalmente nas representações da cabeça, uma vez que o restante do corpo não possuía aproximação com as proporções reais). É bastante variado os tipos de trabalhos encontrados desse povo, sobretudo pela enorme quantidade de artistas que os realizavam. Entre os séculos XII e XIV, pode ser notada, entretanto, uma diretriz comum fornecida pela religião e uma maior homogeneização das obras.


Materiais de diversas naturezas passam a ser utilizados em conjunto, como por exemplo as obras entalhadas em madeira e recobertas com latão (tribo Bakota, no Gabão). As máscaras surgem como novos objetos artísticos, tratando-se de representações antropomórficas das forças sobre-humanas ou divindades que estes povos cultivavam em seu imaginário religioso.


O povo Benin - também na Nigéria e também influenciado pela cultura Ife - do século XIV ao XIX manteve boa produção de esculturas em bronze, que foram caminhando ao longo do tempo, de um certo naturalismo para uma estilização cada vez maior. São especialmente famosas suas representações complexas e cheias de vida de seus reis e líderes, como a cabeça de uma princesa que pode ser observada no Museu de Londres.


Pinturas de animais também foram freqüentes na arte africana, representando inclusive animais já extintos, como é freqüente nos desenhos em pedra do Sahara. Representações de leões, elefantes, antílopes e humanos armados para caçá-los foram encontradas por europeus do século XVIII e XIX. As figuras de animais encontradas no Sahara costumam estar divididas em quatro fases.


Bubalus Antiquus é a primeira delas, em que são representados animais selvagens (como o extinto búfalo)  normalmente em larga escala e com preocupações naturalísticas, como a riqueza de detalhes. Reflete um estilo de vida caçador e é seguido pelo Período Pastoralista, que apresenta menor preocupação com o naturalismo e com os detalhes, representações em menor escala e figuras humanas armadas com ossos (no período anterior, quando os homens apareciam, costumavam estar armados com objetos como pedaços de pau). O Período do Cavalo é o próximo, em que os animais domésticos vão ganhando espaço, a estilização aumenta, o tamanho das representações diminui e as armas se incrementam. Cavalos, primeiramente puxados por carroças e posteriormente guiados diretamente pelos homens também são freqüentes. O Período do Camelo é o último, em que esse animal é bastante mostrado, sendo ainda hoje o animal doméstico mais utilizado no Sahara.



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Arte Assíria




Arte Assíria


Após 1.000 a.C. os Assírios do nordeste da Mesopotâmia alcançaram seu maior poder. As cidades locais eram Nimrud, Khorsabad, Nineveh e Assur, esta última sendo a origem do nome da região e do povo. Muitos palácios e povos surgiram nesta região. Com notável decoração em relevos, os palácios apresentavam blocos esculpidos em pedra calcária. A temática das representações artísticas variava entre as caçadas, as atos públicos e as guerras.



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Arte Auto-Destrutiva




Arte Auto-Destrutiva


A denominação arte auto-destrutiva é dada a objetos de arte que não tem a intenção de serem duradouros, destruindo-se após um tempo variável após sua realização.


No século XX, Gustave Metzger (nascido em 1926), com seus trabalhos que requeriam a presença de um público (um fator bastante associado à arte auto- destrutiva contemporânea)  - como as pinturas em ácido feitas em tecidos de náilon - é considerado o artista que trouxe esse conceito para a arte moderna.


Entretanto, pinturas em areia realizadas por tribos indígenas norte-americanas já podem ser consideradas exemplos de arte auto-destrutiva realizadas antes deste século.


Um dos  eventos mais famosos relacionado à arte auto-destrutiva contemporânea foi proporcionado pelo artistas Jean Tinguely (1925 - 1991), prestigiado escultor suíço e artista “ experimental “ . Sua “ Homenagem a Nova York “ estava sendo exibido no Museu de Arte Moderna da cidade para um público selecionado quando um incêndio foi causado pelo não destruição do objeto - composto por um piano e sucatas - conforme Tinguely imaginara.



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Arte Babilônica




Arte Babilônica


Hamurabi ficou conhecido pela codificação das leis da antiga Mesopotâmia. O “Código de Hamurabi” foi escrito na “Coluna de Hamurabi”, que possuía 2,25 metros de altura e mostrava Hamurabi em atitude solene, recebendo inspiração de Shamash.



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Arte Bizantina




Arte Bizantina


Chama-se Arte Bizantina aquela produzida na parte leste do antigo Império Romano. Constantinopla, sua capital, foi fundada em 330 d.C. e caiu sob o jugo do Império Turco em 1453 (marcando a passagem histórica da Idade Média para a Idade Moderna).


Entretanto, uma arte propriamente bizantina não começou exatamente quando da divisão do Império Romano em duas partes, tampouco acabou logo após a tomada de Constantinopla. Durante os primeiros anos do Império do leste, a arte podia ser considerada ainda romana, desenvolvendo-se com outras características posteriormente. Da mesma forma, os padrões artísticos do Império Bizantino puderam ser observados até aproximadamente o século XVI. Além disso, outras povos que não pertenciam propriamente aos domínios do Império Bizantino assimilaram esses padrões, como os eslavos.


Pode ser dividida em dois períodos distintos: a arte Bizantina dos primeiros tempos, que vai aproximadamente do século IV ao século VIII, e a arte bizantina mais tardia, que vai mais ou menos do século IX ao século XV. O ponto de ruptura entre esses dois modelos artísticos foi dado pela ação dos iconoclastas, que terminou em 843.


No século VIII foi desencadeada uma luta contra a reprodução de imagens por Leão Isáurico (Leão II, 675 -741). Seus sucessores acabaram intensificando cada vez mais a luta contra os ícones, depredando com mosaicos, afrescos e perseguindo aqueles que cultuavam imagens. Eles acabaram  por destruir grande parte da produção artística do primeiro período por motivos religiosos-filosóficos. Seu poder foi forte no Império até o século IX. A partir daí vemos o ressurgimento da arte bizantina com novas conquistas.


A temática da arte Bizantina, de uma forma geral, é religiosa: eventos bíblicos, a vida dos santos. Era função do artista representar as crenças teológicas. Devido a forte importância das imagens, que funcionavam como verdadeiras pontes de contato entre o homem e o divino (ícones), os artistas deveriam seguir fielmente as tradições. Qualquer inovação ou falha na representação de uma imagem com função tão importante poderia mesmo ser considerada como desrespeito à Igreja. Portanto, não era exigido do artista criatividade, originalidade, ou seu traço pessoal, sendo que pouquíssimos mestres bizantinos são conhecidos hoje.


Mesmo quando a arte destinava-se a prestar homenagem ao Imperador, podia ser observado um fundo religioso, uma vez que, seguindo a tradição oriental, o Imperador era considerado como a emanação da figura divina na Terra.


Um aspecto importante de toda essa observação na preservação das tradições foi a conseqüente preservação também de traços da arte grega e romana, um dos últimos redutos de sobrevivência desses padrões na Idade Média, antes da Europa passar a revalorizá-las durante o Renascimento. Diferenciava-se da arte clássica, por sua vez, principalmente na exaltação do divino e não do homem como faziam os antigos.


Por essas características, percebe-se que era mais apropriada a arte em grande escala, para melhor exaltar o poder que deveriam representar. Os mosaicos talvez sejam os mais famosos trabalhos em arte do Império. Entretanto, também havia a arte realizada em pequenos objetos, como trabalhos têxteis,  jóias, trabalhos em metais e principalmente a iluminação de manuscritos.


PRIMEIRO PERÍODO DA ARTE BIZANTINA


Nesse primeiro período, temos a figura do Imperador Justiniano, O Grande (527 - 565) como líder de uma das épocas de maior desenvolvimento da arte Bizantina. O Imperador era conhecido por patrocinar a atividade, além de sua força política e militar.


A influência clássica era bastante nítida nos trabalhos do período. Entretanto, trata-se de uma época de difícil estudo uma vez que poucas obras sobreviveram.


Uma das maiores obras de Justiniano foi a reconstrução da Igreja de Hagia Sophia. A Igreja, construída por Constantino, tinha sido destruída em 532 por facções políticas rivais.


Isidorus de Miletus e Anthemius de Tralles eram os arquitetos responsáveis pela obra. A alta abóbada da igreja (55 m), com seus 33 m em diâmetros é uma das características mais marcantes do templo. Além disso, espacialmente podem ser notadas combinações de elementos das primeiras igrejas cristãs com elementos presentes nas construções de basílicas.


A Basílica de São Apolinário em Classe, construída no século VI,  é outra boa amostra de um templo bizantino, especialmente por conter em seu interior um belo mosaico, tipo de pintura que alcançou notável expressividade na Arte Bizantina. Mostra o santo em oração numa paisagem estilizada, algumas ovelhas, Moisés, Elias, uma cruz com a minúscula cabeça de Cristo na intersecção de seus dois lados e a Mão de Deus.


O Mosaico foi decifrado como simbolizando a Transfiguração de Cristo. Um dado interessante da arte Bizantina é ver um mesmo tema tratado de maneiras distintas nas várias regiões do Império. Isso acaba por provar que apesar do respeito às tradições, típico dessa arte, ela não se mostrava fechada às variações de estilos em suas diferentes regiões.


A iluminação de manuscritos é a manifestação artística que permite uma boa observação da arte Bizantina, uma vez que muitos deles conseguiram chegar até nós. Tanto como no ocidente, essa atividade é bastante representativa da arte do Império Romano oriental na Idade Média.


Apresentava muitas variações, que podem corresponder às diferentes localidades de origem desses manuscritos. Podem ser encontradas desde páginas inteiras ilustradas às iluminações somente no meio de um texto. As ilustrações de manuscritos gregos parecem terem sido as preferidas pelos artistas.


Os retratos dos autores presentes nas obras também seguiam a tradição da arte grega. Um bom exemplo pode ser dado pela representação de São Marcos nos Evangelhos Rossano, pertencente à Catedral de Rossano, sul da Itália.


Outro manuscrito grego ilustrado foi Gênesis de Viena, hoje na Biblioteca Nacional de Viena. Os textos são pequenos e as ilustrações pormenorizadas, podendo uma mesma iluminação apresentar mais de um evento, com a repetição de personagens.


Conforme já foi dito, a ação dos iconoclastas acabou por destruir grande parte da arte bizantina. Entretanto, no reino da Imperatriz Irene (787 -813) e a partir de 843 (Imperatriz Theodora) pode ser observada a restauração do culto aos ícones e um novo período de ouro da arte Bizantina.



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Arte Bizantina do Segundo Período




Arte Bizantina do Segundo Período


Após 843, começa uma nova era de ouro da arte Bizantina, com a restauração dos ícones. O Império Bizantino de então já é bem menor do que aquele governado por Justiniano, devido a perda de territórios para os árabes ou para a dinastia Carolíngia.


O termo Renascença Macedônia pode ser usado também para designar a arte do período, uma vez que ela continha inúmeras referências clássicas. A denominação também baseia-se no fato dessa época ser o começo de uma dinastia iniciada por Basil I (867 - 886), o Macedônio.


Na arquitetura não houve nenhuma construção que superasse em esplendor a Hagia Sophia, uma vez que predominava nessa época construções mais modestas. Exemplos de construções desse período são a Nea (destruída) e as demais igrejas em formas de quincunce (uma abóbada central rodeada de quatro pequenas abóbadas), nas regiões de Salonika, por exemplo.


A Igreja de San Marco, em Veneza, tem clara inspiração na arte bizantina da época de Justiniano, mostrando como esses valores estéticos acabaram por atingir o oeste. Com seus mosaicos e esculturas, influenciou a maneira como o ocidente assimilaria a arte do leste. A Catedral de Pisa, construída pelo arquiteto Busketos, que mistura elementos romanescos aos bizantinos, é outro bom exemplo da expansão da arte bizantina.


Na pintura, os ícones são grandes destaques. De profunda importância religiosa para a cultura do Império, as representações de entidades divinas, em especial os vários santos, eram adorados tanto por poderem estabelecer a ligação entre o plano humano e o divino, como pelas figuras em si.


Os mosaicos são outro importante meio decorativo usado na arte bizantina. Normalmente no interior de igrejas, possuíam rica simbologia, representando Cristo, a Virgem, a Criança, os profetas, os apóstolos, os santos. Havia ainda imagens mostrando as principais festas do ano litúrgico bizantino.


A iluminação de manuscritos continua sendo atividade importante na arte do Império.  De uma forma geral, temos várias amostras da arte bizantina dessa segunda época de ouro. No caso dos manuscritos isso é ainda mais verdadeiro, tendo sobrevivido vários deles. Aspectos da arte clássica costumam estar bastante ressaltados, como a referência à mitologia grega. Paris Psalter, de Psalms, que retrata episódios do Velho Testamento, é um bom exemplo desses manuscritos.


Um dos últimos exemplos de pintura bizantina pode ser dado pela Kariye Camii em Chora, Igreja do Salvador . Realizada já no século XIV, mostra a resistência da Igreja Bizantina que, mesmo com as tentativas de destruição promovidas pelo papado e as cruzadas, ainda se mostrava vigorosa.


Quanto às esculturas, não há muitos exemplos de esculturas monumentais, prevalecendo sua utilização na decoração arquitetônica ou esculturas em pequena escala, como altares portáteis.


Acredita-se que a arte bizantina foi de fundamental importância para o início da Renascença Italiana, assimilada tanto pelo contato comercial com o país latino, como pelo espólio realizado pelas Cruzadas.



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Arte Carolíngia




Arte Carolíngia


A arte Carolíngia é aquela produzida durante o reinado de Carlos Magno e de seus descendentes, a Dinastia Carolíngia, um período que compreende desde o ano 800 ao ano 900. Carlos Magno, ampliando as conquistas de seus antepassados - Pepino, o Pequeno e Carlos Martel - reinou sobre um vasto território, o que possibilitava a comparação com o antigo Império Romano, que pretendia “ressuscitar“. A partir de sua morte, entretanto, seus descendentes não conseguiram manter o Império herdado, dividindo o território.


Carlos Magno foi grande incentivador das artes e da cultura em geral. Sob seu governo surgem escolas nos monastérios onde era possível estudar, além de outras coisas, a literatura latina, a teoria religiosa e realizar a cópia de manuscritos da antiguidade. Além disso, a arte ganha novo impulso, inspirando-se naquela produzida em Roma na época dos Imperadores Constantino (? 288 - 337) e Theodósio (346- 95). Por sua tentativa de reviver o Império Romano, esse período é também conhecido como a época do renascimento (nota-se que esse termo foi usado mais de uma vez na História da Arte, quando referia-se à tentativa de resgate dos valores clássicos).


Na arquitetura, pode ser observada a volta das construções em grande escala. Um exemplo disso, é o complexo que Charles Magno realizou para servir de palácio. Situava-se em Aachen (terras germânicas). A Igreja octogonal dentro desse complexo em que fixara residência, conserva-se até hoje. Costuma-se afirmar que se trata de uma cópia de outro templo construído por Constantino em Ravena no século IV . Além disso, a ênfase na entrada oeste desta capela influenciou muito os monastérios construídos posteriormente.


Grandes basílicas também marcam a arquitetura carolíngia, como reflexos de um grande desenvolvimento monástico apresentado na época. Novos monastérios foram erguidos e outros reconstruídos. Algumas características desses edifícios já prenunciam a arquitetura romanesca, como altares no lado leste e oeste das construções.


Outros exemplos de arquitetura carolíngia podem ser dados pelo oratório que Theodolfo, bispo de Orléans, construiu perto de Germigny-des-Pres. Apresenta características da arquitetura grega e da muçulmana (assimilada na Espanha, origem do religioso). Além disso, cogita-se que as imagens de anjos abundantes no templo substituam a imagem de Cristo, uma vez que o bispo não concordava com a reprodução da imagem divina. Se a hipótese for verdadeira (em seus escritos Theodolfo afirma essa crença), pode-se notar pontos de contato com a arte bizantina e sua proibição de imagens religiosas retratadas.


Quanto a escultura e a arquitetura, temos poucas amostras do período que conseguiram sobreviver. Uma amostra de escultura carolíngia pode ser dada por uma peça eqüestre de bronze (hoje no Louvre), representando Carlos Magno. Inspira-se na tradição romana de trabalhar tal tema, como a “Estátua Eqüestre de Marco Aurélio“.  No já referido oratório construído por Theodolfo, também existe um mosaico representativo do período.


A ilustração de manuscritos talvez seja uma das principais fontes em que se pode basear hoje o estudo sobre a pintura do período. Neles podemos perceber tanto influências clássicas, como o costume de retratar o autor no frontispício de uma obra - como exemplifica as imagens dos evangelistas escrevendo - como influências das primeiras manifestações de iluminações bizantinas e cristãs. Além disso, desenvolveram-se em variados estilos, de acordo com a região do império em que eram feitos e a tradição dos monastérios. Dois exemplos de estilo podem ser dados pelos manuscritos produzidos no monastério Reims - vigorosos, dinâmicos e expressivos - e o do monastério Tours, famosos por suas ilustrações bíblicas, como cenas do Gêneses em miniatura.



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Arte Cinética




Arte Cinética


Arte cinética é qualquer expressão artística em que pode ser notada a presença de movimento, seja ele aparente ou real. O termo costuma ser usado para designar um tipo de escultura que incorpora um motor ou as que são dirigidas por fluxos de ar.


O pintor e escultor americano Alexander Calder (1898 - 1976) foi um dos pioneiros em incorporar movimento real às esculturas. Nomeadas mobiles por Marcel Duchamp, essas esculturas eram movidas tanto por motores como à mão. Posteriormente, Calder acabou criando meios para que respondessem às correntes de ar com seu próprio peso, criando aquilo que chamava “desenhos em quatro dimensões“.


Os artistas cinéticos, porém, são conhecidos por sua capacidade de planejar e dominar o movimento, ao contrário das esculturas de Calder, que apresentavam movimentos sem nenhum controle.


Esse termo começou a popularizar-se a partir de 1950 (apesar de já ter sido usado em 1920 no Manifesto Realista de Gabo e Pevsner em conexão com o conceito de belas artes - pintura, escultura, arquitetura, poesia e música).


Num sentido mais geral, a denominação arte cinética pode incluir expressões artísticas variadas, como os happenings, que costumam misturar teatro e artes visuais.



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Arte Conceitual




Arte Conceitual


A arte conceitual é aquela que considera a idéia, o conceito por trás de uma obra artística como sendo superior ao próprio resultado final, sendo que este pode até ser dispensável. A partir de 1960, essa forma de encarar a arte espalha-se pelo mundo inteiro, abarcando várias manifestações artísticas. Entretanto, desde Duchamp podem ser percebidos os primeiros indícios da sobrevalorização do conceito.


Um trabalho de arte conceitual, em sua forma mais típica, costumava ser apresentado ao lado da teoria. Pôde-se assistir a um gradual abandono da realização artística em si, em nome das discussões teóricas. Países como a Inglaterra (que historicamente se mantivera avessa às discussões teóricas quando o assunto era arte) foram grandes focos desse novo modelo. Publicações, como “Art and Language“, do grupo liderado por Victor Burgin e John Stezaker, eram bastante influentes. O uso de diferentes meios para transmitir significados era comum na arte conceitual. As fotografias e os textos escritos eram o expediente mais comum, seguida por fitas K-7, vídeos, diagramas, etc.


Nos Estados Unidos, temos as figuras de Lawrence Weiner e Robert Barry, como importantes expoentes do novo estilo. Joseph Kosuth também é considerado um dos líderes do movimento no país. É bastante conhecido seu trabalho “One and Three Chairs“, que apresenta uma cadeira propriamente dita, uma fotografia de uma cadeira e uma definição extraída do dicionário sobre o que seja uma cadeira. “A Arte como idéia“, em que dá definições de pintura divididas em itens sobre um fundo negro, é outro bom exemplo de trabalho conceitual.


Os artistas não se incomodavam em evitar as trivialidades, em criar elementos que tornassem interessantes suas composições ou realizar composições agradáveis ao olhar. Pelo contrário, era preferível que nada desviasse a atenção da idéia que um trabalho deveria expressar. Alguns artistas iam mais longe, afirmando que essas imagens triviais poderiam refletir a própria superficialidade de quem as observa.


Utilizando-se de imagens comuns, como por exemplo, a cadeira de Kosuth, em que pode se argumentar não ter acrescentado nada ao conhecimento de qualquer pessoa, acostumada com uma cadeira, não costumava ser bem recebida pelo público. Além disso, tornava difícil o julgamento do que era realmente uma obra de arte ou simples amadorismo.


Entretanto, grande parte dos artistas conceituais tinham por objetivo, com esse tipo de procedimento, realizar exatamente o contrário: popularizar a arte, fazer com que ela servisse como veículo de comunicação. Seria uma oposição ao hermetismo do minimalismo e à redução da arte às relações, por exemplo, entre forma e pigmentação. Entretanto, servindo-se de textos abstratos, normalmente aproveitando-se da lingüística ou da filosofia, acabam por possivelmente aumentar o hiato entre o artista e o grande público.



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Arte Concreta




Arte Concreta


É definida como arte concreta aquela que faz uso apenas de formas geométricas, em detrimento das formas naturalistas ou figurativas. Trata-se de um tipo de arte abstrata, definida pelo artista e ensaísta suíço Max Bill como pura criação, uma vez que não necessita de modelos naturais. Vale-se somente de “elementos fundamentais da pintura: as cores e formas de superfície”. Bill foi o responsável pela popularização da arte concreta em seu próprio país além da introduzí-la na Argentina e Brasil, países que visitou.


Quem primeiro fez uso desse termo foi o holandês Theo van Doesburg, fundador da associação de artistas De Stijl (“o estilo“, que teve Mondrian entre seus membros) e do jornal de mesmo nome - uma das publicações européias mais influentes entre as duas guerras, bastante presente na Bauhaus em seu manifesto “Arte Concreta“, de 1930. Pretendia ser um ataque aos membros do Cercle et Carré (Circo e Quadrado), de quem discordava dos princípios. Tratava-se de uma sociedade para artistas construtivistas parisienses formada pelo crítico Michel Seuphor e o pintor João Torres-García no ano anterior, que editava um periódico.


Apesar do manifesto afirmar ser o primeiro de uma série com os mesmos objetivos, outros números nunca foram realizados.



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Arte das Américas




Arte das Américas


As culturas pré-colombianas já possuíam elementos de sofisticação desde a escrita e língua até formas de representação artística e arquitetura, embora, com relação à tecnologia, tais povos ainda não tinham empreendido progresso além das características tecnológicas da Idade da Pedra.


A partir do século XVI, o amplo contato europeu com os povos pré-colombianos resultou na total aniquilação destes últimos, sendo largamente saqueados em suas riquezas. Os objetos artísticos em ouro maciço eram roubados pelos europeus e fundidos para utilização comercial do metal precioso.



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Arte de Câmara




Música de Câmara


Música criada originalmente para ser executada em salas (câmaras) ao invés de teatros.



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Arte Degenerada




Arte Degenerada


Arte degenerada foi uma expressão nazista, utilizada pela primeira vez num discurso de Hitler em 1934, designando a produção artística do século XX, normalmente as obras de arte ligadas aos movimentos de vanguarda que não correspondiam à sua própria ideologia. Picasso, Kandisky, Mondrian foram alguns dos artistas que tiveram seus trabalhos ridicularizados nas campanhas de Hitler.


O nazismo sempre procurou associar a arte a seus próprios interesses doutrinais de cunho racista, numa espécie de propaganda do sistema e apologia da raça ariana. A partir daí, tentavam desvalorizar a arte que expressasse idéias contrárias às suas. Utilizando-se da força política, eles perseguiram artistas e professores associados a movimentos de vanguardas. Centros como o Bauhaus, foram fechados. Alguns artistas eram proibidos de expor ou mesmo de trabalhar.


O regime de Hitler, além disso, organizou exposições com o intuito de fazer a arte moderna cair no ridículo junto ao público. Para tanto, obrigava os centros alemães de arte que possuíam tais obras a doarem-nas para esse tipo de exibição depreciativa. Em 1937, realizou a famosa exibição em Munique da “Entartete Kunst“. Nela, era conferido destaque para a arte acadêmica, imbuída da doutrina nazista (chamada pelo regime de “autêntica“ arte alemã), ao mesmo tempo que artistas modernistas eram colocados como loucos e suas obras desprovidas de valor.


O governo chegou mesmo a confiscar esses trabalhos. Queimou muitos exemplares (famoso episódio ocorrido na cidade de Berlim em 1939), mas levou outros a leilão e venda, engordando assim os cofres nazistas.


Um dado importante a ser considerado é que os nazistas eram bastante apoiados por grande parte do público, avesso às manifestações de vanguarda freqüentes nesse século. Sua força, foi, em certa medida, também garantida pelo desrespeito geral por esses estilos artísticos que diferenciavam-se da arte tradicional, bastante associada ainda às idéias de naturalismo renascentistas.



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Arte do Vaticano




Museus do Vaticano


Os Museus do Vaticano, em Roma, reúnem uma das maiores riquezas do mundo. Os trabalhos artísticos que se espalham por toda a imensa construção transbordam um teor de altíssima qualidade. Toda essa valiosa coleção foi sendo formada pelos papas no decorrer dos séculos. Tudo começou com as coleções particulares do Cardeal Giuliano della Rovere que, quando eleito papa em 1503, tomando por nome Júlio II (1503-1513), trouxe para o Palácio Apostólico tais coleções, as quais foram mantidas no Pátio do Belvedere e no Capitolino até o século XVIII.


Os Museus do Vaticano se desenvolveram independentemente uns dos outros e cada qual conta com formação histórica e conteúdo diferentes. Com rápidas pinceladas saberemos um pouco sobre cada um deles: a Biblioteca do Vaticano, o Museu Sacro, o Museu Profano, o Gabinete das Medalhas e Moedas, o Museu Pio-Clementino, o Museu Chiaramonti, o Museu Gregoriano Etrusco, o Museu Gregoriano Egípcio, a Pinacoteca do Vaticano, a Galeria dos Tapetes. A Biblioteca do Vaticano foi fundada por Nicolau V (1447-1455) no século XV, período de grande apego às bibliotecas. A biblioteca foi sempre aumentando seu acervo com o passar dos séculos. Reúne valiosos manuscritos, entre eles Virgílio, o Códice Vaticano, Terêncio e outros. O Museu Sacro foi construído em 1755-56, tendo sido encomendado pelo Papa Bento XIV (1740-1758) a Scipione Maffei. Atualmente, o museu consiste primordialmente em marfins, reunidos num total de cento e cinqüenta peças, incluindo o Díptico de Lorsch, além de bronzes e milhares de terracotas.


O Museu Profano foi instituído pelo cardeal bibliotecário Domenico Passionei em 1761.


O acervo inclui gemas, mosaicos e vidros dos tempos etruscos e romanos.


O Gabinete das Medalhas e Moedas encerra mais de cem mil peças que se acham divididas em dois grupos principais: cunhagem papal e moedas romanas. O Museu Pio-Clementino representa a coleção pontifícia de escultura antiga. Suas origens estão nas coleções particulares que Júlio II trouxera ao vir para o Palácio Apostólico em 1503. O Museu foi fundado durante o pontificado de Clemente XIV (1769-1774). Abriga obras-primas da escultura grega e romana, tais como o Laocoonte, a Vênus de Cnido e inúmeros bustos, mosaicos e outras estátuas.


O Museu Chiaramonti foi organizado pelo Papa Pio VII (1800-1824). Sua decoração neoclássica é atribuída ao escultor Antonio Canova. Trata-se de um museu também reservado à arte antiga.


O Museu Gregoriano Etrusco foi criado por Gregório XVI (1831-1846) em 1836. Começou com o material obtido das escavações feitas na Etrúria meridional de 1828 em diante e com objetos que pertenciam às coleções da Biblioteca. O Museu Gregoriano Egípcio foi criado por Gregório XVI e aberto ao público em 1839. Abriga objetos egípcios e o material encontrado na Vila de Adriano. Foi ampliado com objetos trazidos de volta à Itália por missionários e com coleções de particulares. Luigi M. Ungarelli tratou da organização do museu. A Pinacoteca do Vaticano foi inaugurada em 1932. É dos mais novos no conjunto de museus do Vaticano. Alguns pintores lá representados são Giovanni di Paolo, Girolamo Muziano, Bernardo Daddi, Fra Angelico, Giotto, Melozzo da Forli, Leonardo da Vinci, Rafael, Giovanni Bellini, Caravaggio e outros.


A Galeria dos Tapetes é representada por uma coleção que inclui ricos originais de Flandres. Além disso, temos no Vaticano mais cinco itens a constar: a Capela Sistina, a Capela Paulina, a Capela de Nicolau V, Stanze de Rafael e Aposentos dos Bórgias. A Capela Sistina foi construída entre 1475 e 1483 por Giovannino de Dolci, segundo o projeto de Baccio Pontelli para Sisto IV. Na Capela Sistina são realizados os conclaves para a eleição papal, além de outras funções religiosas. É a capela oficial e particular do papa. A abobadada Capela Sistina foi pintada entre 1508 e 1512 pelo grande Michelangelo, por encomenda de Júlio II, que era, por sua vez, sobrinho de Sisto IV. No teto, Michelangelo pintou, inspirado na Bíblia, a história do homem desde a Criação até o Dilúvio e o recomeço da vida na terra devastada, através da família de Noé. A parede do altar foi também pintada por Michelangelo e trata o Juízo Final (1536 a 1541). As medidas do afresco possuem altura de 13,76 metros e largura de cerca de 13,21 metros. Nesta época, o Papa era Paulo III. As pinturas nas paredes laterais da Capela Sistina pertencem a outros artistas. A Capela Paulina é decorada por dois afrescos executados por Michelangelo nas paredes laterais. A Capela foi construída por Antonio da Sangallo, o Jovem, sob o papado de Paulo III. A Capela de Nicolau V, conhecida como Capela de Fra Angelico, é a capela particular dos papas. O devoto pintor dominicano Fra Angelico foi quem pintou as paredes desta capela com afrescos, no período que vai de 1447 a 1450. A Stanze de Rafael se trata da decoração de várias salas do Vaticano, a qual foi entregue a Rafael, que contava na época com apenas vinte e cinco anos. Famoso é o afresco Escola de Atenas, medindo 5,77 por 8,14 metros, na Stanza della Segnatura. Neste afresco ele exalta o saber humano. Nos Aposentos dos Bórgias, a decoração dos afrescos foi destinada ao serviço de Pinturicchio pelo Papa Alexandre VI. 


Os Museus do Vaticano dispõem de um departamento fotográfico e de laboratório próprio para restaurações de esculturas, objetos e pinturas. Além das obras permanentemente expostas, são organizadas exposições transitórias de documentos e objetos.



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Arte Egeana




Arte Egeana


A civilização egeana habitava as terras próximas ao Mar Egeu, onde posteriormente apareceu a civilização grega. Encontrava-se cerca de 3000 anos a.C., no período Neolítico. Costuma ser dividida em duas culturas paralelas.


A civilização minóica é a formada pelos povos das ilhas e a civilização helênica, a formada pelos povos do continente, posteriormente chamada micênica.


Os primeiros vestígios de arte do período aparecem nas Ilhas Cíclades, pequenas ilhas de pedra (principalmente o mármore), no meio do Mar Egeu. A cultura cicladense floresceu entre aproximadamente 3200 anos a.C. a 2000 anos a.C. e sua arte costuma ser enquadrada no período da antiga Idade do Bronze na Grécia.


A vitalidade da arte dessa civilização iria influenciar posteriormente a arte minóica e a helênica. Apesar de ser uma arte com características próprias, sua evolução deve estar inserida no contexto de um grande desenvolvimento cultural ocorrido no período de aproximadamente 2500 anos a.C. e que envolvia além das Ilhas Cíclades, Creta e as terras continentais da Grécia, em constante contato comercial com o Egito e a Mesopotâmia.


As primeiras manifestações da arte egeana são vasos de mármore e principalmente figuras esculpidas desse mesmo material, que são os produtos mais típicos da arte cicladense. Tratam-se de figuras simples, extremamente expressivas, normalmente femininas e nuas, sem nenhum indício - que poderia ser fornecido pela expressão facial ou pelos objetos a elas ligados - sobre sua finalidade dentro daquela cultura. Seus braços normalmente apareciam cruzados e foram encontrados vestígios de pigmentos sobre suas superfícies indicando que originariamente deveriam ser coloridas. Em suas formas, apesar da abstração, podem ser percebidos indícios, como as curvas e planos, de uma certa compreensão anatômica.


Na fundação Goulandris, Museu Cicladense e da Antiga Grécia, em Atenas, podem ser encontradas diversas amostras desse tipo de figura, desde as mais abstratas, até aquelas que já apresentam narizes, triângulos púbicos (bastante freqüentes), seios e até dedos e orelhas cravadas no mármore.


Foram encontradas ainda formas estilizadas masculinas, normalmente representando caçadores-guerreiros. Mas talvez as formas mais impressionantes sejam as figuras masculinas de músicos, como o harpista, sentado numa cadeira, unido a seu instrumento musical, ou o flautista, em pé, também unido a seu instrumento.


Ainda não existe consenso sobre a finalidade dessas estátuas. A possibilidade mais aceita era seu uso em rituais funerários, principalmente pela posição dos braços e sensação de imobilidade, além do fato da grande maioria ter sido achada perto de tumbas. Entretanto, cogita-se que possam ter sido utilizadas como objetos de proteção pessoal, representando a pessoa que as carregava.


Essa cultura cicladense marca o início da Civilização Minoana, sendo que as figuras de músicos também são encontradas entre os vestígios dessa civilização. O termo minoano, derivado da lenda grega a respeito do Rei cretense Minos, está bastante ligado à Ilha de Creta, referindo-se ainda, a toda a cultura produzida na parte insular da civilização egeana.



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Arte em Prata no Chile




Arte em Prata no Chile


No Chile, as mulheres araucânias eram talentosas tecelãs. Havia entre estas mulheres a prática de confecção de roupas e lençóis coloridos através do uso de materiais como as peles de carneiro e de lhama. A coloração variada obtida para o tingimento destas vestimentas era extraída de diversas plantas e era sabido que cada tipo de planta poderia fornecer uma tintura de diferente coloração.



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Arte Etrusca




Arte Etrusca


Os etruscos foram os povos que dominaram a Itália do século VII ao século III a.C. Eram comerciantes marítimos que habitavam a região do Rio Arno ao Tibre, incluindo as atuais Umbria e Toscana. Dominaram ainda Roma, segundo a tradição fundada em 753 a.C., de 616 a.C. até 509 a.C., transformando a cidade numa verdadeira potência do Lácio.


Após longas guerras, as cidades-estados etruscas acabaram sendo anexadas ao Império Romano, já em grande expansão. Entretanto, a cultura romana muito deve à etrusca, absorvendo-a e misturando-a a outras influências.


Os etruscos, por sua vez, foram altamente influenciados pela cultura grega clássica. O alfabeto etrusco foi copiado dos gregos, assim como o povo trouxe deuses como Apolo e Artemis para dentro de suas próprias crenças religiosas. Muitas obras gregas foram trazidas pelos etruscos, tais como cerâmicas e artefatos em geral.


A arquitetura etrusca é conhecida em parte graças ao arquiteto e escritor romano Vitruvius, em sua obra Dez Livros em Arquitetura, uma vez que se trata da única descrição dos templos destruídos desse povo. Parece que eram construídos de madeira e tijolos de barro, em cima de pequenas bases erguidas.


Entretanto, sabemos que suas cidades eram protegidas por muralhas e havia arcos em suas entradas (os arcos ganharam posteriormente grande desenvolvimento pela engenharia romana). Além disso, por suas crenças numa vida após a morte, bastante próxima da cultura Egípcia ou Mesopotâmia, havia nessas cidades verdadeiros complexos funerários. As influências egípcias são claras, por exemplo, na “Tumba dos Relevos“, que segue o modelo das realizadas nesse país africano na época do Médio Império.


Outra prova do valor atribuído aos locais funerários talvez resida no fato de serem nas tumbas que podem ser encontrados os melhores exemplares da pintura etrusca como os murais da Necrópolis em Tarquínia. Coloridos e altamente estilizados, são surpreendentemente bem próximos às pinturas minoanas, apesar da grande distância entre essas duas culturas (meio milênio).


Podem ser notadas nessas pinturas influências gregas, como cenas mitológicas e ritualísticas, além de dançarinos, pintados de forma bastante comuns nos trabalhos em cerâmica desse país.


Entretanto, a grande habilidade etrusca era na realização de esculturas. As esculturas etruscas, normalmente feitas a partir da terracota ou do bronze, apresentam alguns pontos de contato com a arte grega, em especial na estilização expressiva própria do período arcaico. Entretanto, apesar da influência grega, apresentam estilo próprio, em certos aspectos bastante distantes das obras gregas.


Um bom exemplo dessas diferenças pode ser dado pelas figuras masculinas, normalmente gordas e de meia-idade, características dos sarcófagos etruscos. Cravadas em pedra, estão claramente longe do ideal de beleza clássico.


Mas talvez a figura mais conhecida da arte etrusca seja a representação de uma loba, em estado de profunda atenção, evidenciado por seu posicionamento defensivo. Realizada em bronze, cerca de 500 anos a.C., trata-se do vigoroso animal que, segundo a lenda, teria amamentado os gêmeos Rómulo e Remo. Foi considerada o símbolo de Roma  - cidade fundada, de acordo com a tradição, por esses irmãos - por muito tempo, bastante revalorizada na Renascença (foi inclusive adicionado à estátua, nessa época, um par de bebês representando as crianças cuidadas pela loba).


Essa representação energética de animais encontra outro eco na estátua em bronze “Chimera“ (ou Quimera?). Muito provavelmente é uma besta, associada à cultura etrusca, misturando características de diferentes animais como o leão (uma das cabeça e corpo), a serpente e a cabra, datada de cerca de 400 anos a.C..



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Arte Folclórica




Arte Folclórica


O termo arte folclórica designa aqueles objetos produzidos por artesões, normalmente a partir da observação de métodos que vão passando de geração em geração.


Costuma estar ligada à cultura e aos meios de produção do ambiente em que se origina. Sua perpetuação pode estar ligada à não alteração de certas estruturas sociais, de natureza diversas, sejam econômicas ou culturais.


Normalmente a arte folclórica é realizada por artesões que não possuem conhecimento de técnicas artísticas formais, além daquelas aprendidas normalmente por via oral. Além disso, a arte folclórica costuma ser realizada para um uso específico dentro das sociedades em que é produzida, seja ele decorativo, ritualístico, como objeto de trabalho, et cetera.


Além disso, por se tratar de uma tradição passada normalmente de pai para filho, costuma apresentar pouca alteração, não sendo aberta a modismos.


É comum na História da Arte movimentos que tentam reproduzir a arte folclórica de forma artificial: desvinculada de determinados valores pertencentes ao ambiente, onde originariamente é realizada. Entretanto, esses movimentos poucas vezes obtêm sucesso nesses objetivos.


O movimento inglês Arts and Crafts  do final do século XIX, foi grande foco de inspiração dessas tendências de se revalorizar a arte folclórica. Procurava revalorizar o artesanato, tendo em vista o aumento dos produtos realizados em massa e a volta da organização do trabalho artístico semelhantes às guildas medievais. Um de seus principais líderes foi o inquieto William Morris (1834 - 1896), que durante sua vida exerceu atividades diversas como pintor, designer e artesão, normalmente vinculando suas atividades a formas de interação social.


Deve ser feita uma boa distinção entre arte folclórica, realizada por um determinado conjunto de pessoas inseridas numa cultura, e produtos em série, realizados para agradar o gosto de uma massa.



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Arte Geométrica




Arte Geométrica


Recebe esse nome a arte grega dos séculos IX e VIII a.C., em especial a decoração de cerâmicas dessa época. Essas decorações eram realizadas a partir de faixas horizontais pintadas e preenchidas por enfeites geométricos, que normalmente acabavam criando efeitos de formas estilizadas (humanas ou animais).


(ver arte grega geométrica)



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Arte Grega Arcaica




Arte Grega Arcaica


O comércio permitiu o contato grego com a arte egípcia e a do oriente próximo nos séculos VIII e VII a.C.. As formas geométricas eram lentamente substituídas por outras figuras, num processo conhecido como orientalização. Novos motivos decorativos e novas temáticas eram introduzidos. A cultura grega estabelecia-se e a Grécia prosperava. A arte desse período é conhecida como arte grega arcaica.


Foi uma época extremamente criativa, apresentando pela primeira vez algumas características da arte grega que iriam posteriormente desenvolver-se e perpetuar-se. As cerâmicas eram os objetos que melhor refletiam as tendências da orientalização. A representação dos mitos e dos deuses caracterizava as cerâmicas nomeadas Proto-Áticas. Os animais também começaram a aparecer nas cerâmicas conhecidas como Proto-Coríntias.


Quanto à arquitetura, os templos são os destaques já desenvolvendo as bases da arquitetura que mais tarde seria reconhecida como extremamente proporcional, refinada e monumental, um gosto estético que iria perpetuar-se por séculos nas construções. Uma característica interessante é que esses templos não eram projetadas espacialmente para abrigar pessoas em seu interior. Ao contrário, seu efeito era externo e as cerimônias costumavam ser realizadas em suas adjacências.


Dois estilos distintos de estilos arquitetônicos poderiam ser diferenciados: a ordem dórica e a ordem jônica, que acabaram por influenciar a posterior ordem coríntia. Essas ordens (em especial a coríntia) sobreviveram como padrões por longos períodos da História da Arte.


O modelo dórico é conhecido por sua funcionalidade e austeridade. Simples e formando um conjunto harmônico, tem nas colunas grandes destaques. Sem bases, possuem ligeira protuberância no meio, afunilando-se em direção ao topo.


Esses templos dóricos derivam-se provavelmente dos mais primitivos: simples construções de madeira, com pequenos espaços para guardar imagens sagradas e um sólido teto sustentado por esteios. Passando para a pedra, esses esteios foram convertidos em colunas, como atesta “O Templo Dórico de Hera“, construído cerca do ano 600 a.C..


No modelo jônico, temos variações de colunas mais delgadas e sofisticadas que as dóricas. Possuía linhas mais leves e maior abertura para os detalhes. Essas variações que a ordem jônica admitia podem ser exemplificadas pelos templos que se utilizavam de figuras femininas como colunas, nos moldes do construído em homenagem a Apolo, em Delhi, “O Tesouro Arcaico de Siphnians“ (não tenho certeza sobre a tradução exata do nome Siphnians).


Além disso, esses exemplos de templos jônicos que se utilizavam de esculturas como colunas, podem nos dar uma noção da importância desse elemento para a arquitetura grega na obtenção do efeito do conjunto. Esse mesmo templo jônico acima citado contém uma enorme variedade de esculturas. Convém ressaltar que um templo deveria ser sempre dedicado ao culto de um deus específico da religião grega.


É ainda no período arcaico que surgem as primeiras esculturas monumentais, sendo as mais importantes os Kouros e Kore, figuras respectivamente masculinas e femininas.


Possuem grandes influências da escultura egípcia, estilização dos rostos, cabelos e pesos distribuídos igualmente entre os dois pés. Os Kourus, normalmente aparecem nus, com características que sugerem adolescentes, como ausência de barba e cabeças maiores que o corpo. Podem ser percebidos os primeiros estudos sobre os aspectos observados do corpo humano, como musculatura e articulações. Já a Kore, normalmente vestida, pode apresentar em alguns casos colorações, obtidas (e preservadas) a partir de pigmentos duráveis.


Os trabalhos em cerâmica passaram a ter importância fundamental no período. Atenas era o grande centro de concentração dos artistas, que assinavam as obras, mostrando um certo prestígio que a atividade havia ganho. As técnicas aumentam, bem como as possibilidades dos usos de cores.


“Copo de Vinho de Dionísio“ (Dyonisius Kilix), pintado por Exekias aproximadamente no ano 540 a.C., mostra a figura de Dionísio em um barco e golfinhos. Pode ser um bom exemplo do desenvolvimento das formas e do desenho grego no período arcaico.


Nessa mesma época começam as primeiras experiências dos artistas gregos em desvencilhar-se das regras apreendidas na pintura estrangeira, em especial a egípcia, no sentido de criar uma arte mais livre. Aprenderam a técnica do escorço (representação reduzida de objetos em três dimensões, seguindo as regras da proporção) e seu uso, nesse período ainda cauteloso, pode permitir uma verdadeira revolução na pintura, ao mostrar as figuras como são vistas de frente. A observação começa a nortear as representações, bem como a tendência maior para o naturalismo.


“A Despedida do Guerreiro“, vaso seguindo o modelo de “figuras vermelhas“, de Eutímedes, fornece uma boa amostra desses experimentos artísticos. Demonstra, numa das primeiras vezes na História da Pintura, um pé esquerdo de um jovem vigiado por seus pais, com os cinco dedos numa fileira, semelhantes a cinco pequenos círculos. A adoção do escorço ainda era medrosa nessa época: o pé direito da figura ainda é pintado da forma egípcia, lateralmente e sua cabeça, de perfil, ajusta-se com dificuldade ao corpo, retratado de frente.



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Arte Grega do Período Transacional




Arte Grega do Período Transacional


O período de transição ao período clássico na Grécia foi marcado pelas duas invasões persas no país. Uma foi contida no ano de 490 a.C. e a outra, dez anos depois, a partir da união de Esparta e Atenas.


Atenas foi uma das cidades que mais sofreu com essas invasões. Sua Acrópole, o rochedo sagrado da cidade, foi saqueada e incendiada e suas esculturas destruídas.


Entretanto, o período logo após a guerra é conhecido como o auge de Atenas. No século V a.C., a cidade, sobre a liderança de Péricles, alcançou grande desenvolvimento em seu sistema político, filosófico e nas artes de uma maneira geral.


O contraposto (contrapeso, equilíbrio), foi uma das principais conquistas desse período. Parece que um de seus pioneiros foi o escultor ateniense Kritios, com sua estátua feita um pouco antes das invasões persas, conhecida como o Menino de Kritios.


Apresenta um certo equilíbrio dinâmico, com o peso do corpo, diferentemente dos Kouros e Kores, não mais divididos igualmente entre os dois pés. O artista precisou repensar toda a maneira como realizava uma escultura para conseguir passar a ilusão de uma figura ativa, com grande parte do peso na perna esquerda, ajustando o resto do corpo para realizar tal movimento. Uma vez descobertos os princípios do contrapeso, poderiam ser usados em outras manifestações artísticas, como a pintura.


O estilo dessa época da arte grega, entre os períodos arcaico e o clássico, principalmente a primeira metade do século V,  é por vezes conhecido como severo ou transacional. A estátua de bronze Poseidon, feita cerca de 450, 460 a.C., é uma boa amostra dessa arte. Conserva uma certa formalidade do período arcaico, como a pose rígida.


Na arquitetura também temos rápidas mudanças que podem ser exemplificadas pela comparação dos templos dóricos dedicados a Hera no Paestum, colônia grega no sul da Itália. Basílica (540 a.C.) e Hera II (460 a.C.), apresentam relevantes mudanças, principalmente quanto à divisão do espaço, a proporcionalidade e a inter-relação de seus elementos estruturais.



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Arte Grega Geométrica




Arte Grega Geométrica


O período geométrico corresponde à época em que a arte grega começa a reorganizar-se, no período de 900 a.C. a 700 a.C., após as invasões sofridas e a destruição da civilização micênica. Concentra-se em algumas amostras de trabalhos em cerâmica, como vasos pintados ou pequenas estátuas de bronze.


Esses vasos eram decorados com figuras geométricas como as faixas regulares que, principalmente a partir de 750 a.C., costumavam ser preenchidas por formas humanas estilizadas, às vezes numa seqüência de cenas sugerindo narrativas. Animais também eram freqüentes, construídos estilizadamente a partir de formas geométricas como triângulos e linhas.


Como exemplo desses vasos podemos citar  “Dipylon Amphora“, de 1,52 metros de altura, do Cemitério Dipylon, em Atenas.


Quanto às estátuas de bronze, em sua grande maioria representavam animais e figuras humanas.


Na arquitetura do período temos templos feitos em terracota, com nítida influência da arte micênica.



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Arte Grega Helenística




Arte Grega Helenística


Helenístico é o termo utilizado para se referir à história e à arte grega do período posterior à morte de Alexandre, que construiu, em sua breve vida, um vasto império. O helenismo era as principal base da arte e da cultura grega, que Alexandre queria espalhar pelo mundo.


Foi um período de grande agitação social e política, bem como de modificação e reelaboração do estilo clássico. Os mitos eram compreendidos e representados de uma nova forma, os trabalhos caracterizavam-se pela emotividade, atmosfera e expressividade diferentes dos seus antecessores.


Na arquitetura, o estilo coríntio é o que mais se adapta aos gostos de cidades orientais como Alexandria, no Egito ou Antioquia, na Síria.


Entre as esculturas mais famosas do período helenístico destaca-se: “Os deuses combatendo os gigantes“, batalha retratada no altar da cidade de Pérgamo. Os gigantes são esmagados pelos deuses e encaram o céu em desespero numa batalha sangrenta. É uma arte tumultuada e impressionante, repleta de movimentação, já sem as características de equilíbrio da arte grega clássica.


“Laocoonte e seus filhos“, apesar de provavelmente datar do período posterior ao século I a.C., é considerada uma escultura helenística. Foi realizada na oficina dos escultores Hagesandro, Antenodoro e Polidoro, de Rodes. Atualmente no Vaticano, mostra a cena dramática também descrita na Eneida, de Virgílio: o sacerdote Laocconte é vítima da ira dos deuses por ter dito a verdade e alertado os troianos para não receberem o presente grego, o cavalo de madeira que continha os soldados inimigos. Ele e seus filhos com expressões de terrível sofrimento tentam se livrar das gigantes serpentes-do-mar que acabariam por estrangulá-los. Dotada de intenso movimento e agitação agonizante dos personagens, com músculos passando a impressão de profundo esforço, provoca um intenso efeito trágico.


Foi um período de grande interesse pela arte, em que era comum os colecionadores de obras e livros sobre a vida dos artistas. Muitos pintores do período, famosos em sua época, só chegaram até nós devido a esses escritos.


Os murais descobertos em Pompéia e nas cidades vizinhas soterradas pelo Vesúvio, podem ser boas amostras da pintura dos artistas helênicos. Em Stabiae foi encontrado  “Donzela colhendo flores“, do século I, representando uma das Horas com extrema graciosidade.


A cabeça do fauno no mural de Herculano, hoje no Museu Nacional de Nápoles, apresenta extrema liberdade expressiva em relação à arte grega clássica. O exemplar do museu é provavelmente uma cópia realizada no século II a.C..


A pintura de paisagens é uma inovação do período helenístico, em que a vida bucólica passa a ser valorizada. Interessante notar a ausência da perspectiva, (muito provavelmente apesar do conhecimento da mesma) técnica clássica que só voltaria à História da Arte ocidental com Giotto.



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Arte Grega no Período Clássico




Arte Grega no Período Clássico


As reconstruções dos templos na Acrópole, destruídos pelos persas, sob a liderança de Péricles, foi um dos principais marcos do período clássico da arte grega. Esta época é considerada de grande maturidade na expressão artística desse povo. Com os recursos da Liga de Delos (liga de cidades dirigida por Atenas) e da própria população ateniense, esses templos foram reconstruídos com grande esplendor, utilizando-se do mármore.


Os arquitetos Ictino e Kallikrates ficariam com a planificação, o traçado e as construções das obras, cabendo ao famoso escultor Fídias a supervisão da decoração e as figuras dos deuses. O Partenon, construído entre 447 e 432 a.C., dedicado a Atenas, é o principal desses templos.


É considerado o melhor exemplo de arquitetura dórica, com seus elementos extremamente bem proporcionados. Paradoxalmente, introduz na Acrópole as colunas jônicas, sendo representadas por quatro exemplares num pequeno compartimento. Na parte superior interna do edifício, corria um longo friso jônico, representando o desfile anual na festa da deusa, com figuras vivas, animadas, sem contudo perder o equilíbrio e uma certa solenidade apropriada a um desfile para a deusa. Já os frisos dóricos concentravam-se principalmente em temas de lutas, como as batalhas entre os deuses e os gigantes e as guerras troianas.


No final do século V a.C. a ordem coríntia surge dentro do Templo Dórico de Apolo, no Peloponeso (Bassae). Bastante semelhante à jônica, diferencia-se dele principalmente pelas folhagens adicionadas às volutas espiraladas no capitel. Apresenta ainda muita ornamentação, criando um efeito mais luxuoso. Aparecendo no início apenas em interiores, acaba por se tornar posteriormente na ordem mais apreciada (principalmente no período helenístico).


Convém lembrar que a grande maioria das esculturas gregas que chegam até nós são réplicas romanas realizadas posteriormente. Grande parte da arte grega foi perdida, principalmente pela ação do Cristianismo - que não considerava lícito o culto às imagens pagãs - e invasões. A descrição das imagens realizadas na época é um forte aliado no estudo dessas obras.


Um bom exemplo disso é a famosa estátua de Fídias, “Athena Parthenos”, relatada como sendo de grande beleza e dignidade, hoje representada no Museu nacional de Atenas por uma cópia romana ou a famosa estátua de Zeus em Olímpia, também somente conhecida através de sua cópia romana.


Os escultores Myron e Polyclitus, que aumentaram as conquistas do contrapeso, eram outros dois grandes nomes da arte grega, conhecidos principalmente através de réplicas romanas de seus trabalhos.


“Discóbolo“, a famosa escultura de Morys (já foi inclusive tema de discussão de atletas), apresenta um jovem com corpo retorcido, prestes a lançar um pesado disco. Pelo posicionamento de seu corpo podemos quase que adivinhar o próximo momento em que, girando seu corpo e sustentando o movimento, poderia efetivamente lançar o disco. Trata-se de uma representação de movimento absolutamente convincente, com dosagem de fatores como energia e controle.


Polyclitus é conhecido por ter criado a proporcionalidade clássica, que nortearia os padrões estéticos de beleza presentes nos trabalhos dos demais escultores gregos.


Além disso, os escultores gregos eram exímios em imprimir grande vida interna às suas representações, como a Pedra Tumular de Egeso em que uma serva mostra uma caixa de jóias à ama que parece meditar na escolha da preferida.


Talvez uma das poucas obras originais gregas que chegaram até nós foi a Cabeça da Estátua de Bronze de um Auriga, encontrada em Delfos. A realização de estátuas de vencedores nas Olimpíadas era prática comum entre os gregos, uma vez que eram considerados homens dotados pelos deuses de invencibilidade. Entretanto, dificilmente tinha pretensões de seguir fielmente às feições do atleta que a inspirou, (os retratos só foram aparecer na arte grega posteriormente), mas sim ser uma representação convincente de um ser humano. Seus olhos, bastante expressivos, são feitos de pedras coloridas, com um leve dourado nos cabelos, lábios e olhos.


Comuns na escultura clássica eram ainda as esculturas femininas em mármores, com suas formas sensuais cobertas com leves túnicas, como a escultura mutilada (está sem cabeça) de uma deusa da Vitória abaixando-se para calçar uma sandália, originada da série de balaústres em torno do Templo da Vitória, em Atenas (cerca de 408 a.C.).


Após a morte de Péricles e a guerra contra Esparta, Atenas nunca mais voltou a possuir a hegemonia sobre as cidades gregas. A Grécia, nos períodos subseqüentes, foi dominada por Esparta, Tebas e posteriormente pela Macedônia. Alexandre, o Grande, rei da Macedônia, acabou por estender os domínios gregos até o Império Persa, conquistando ainda os territórios entre Egito e Índia. Esse período, é conhecido como uma segunda fase da arte grega clássica.


Na arquitetura, temos variados estilos e a mistura de elementos, principalmente entre as ordens dóricas e coríntias. O templo circular Tholos, em Epidaurus é um ótimo exemplo dessas construções.


É ainda dessa época o Mausoléu, túmulo que a viúva de Mausolo, rei da Cária (na Ásia Menor), Artemisa, ergueu ao marido em Halicarnasso. É considerado uma das sete maravilhas do mundo. As esculturas em relevo da construção foram feitas por Skopas, conhecido pela emotividade de suas representações, sendo um dos pioneiros em exprimir tais sentimentos na arte grega.


Na escultura do período, temos ainda os grandes nomes de Praxísteles e Lisipo. A escultura e a pintura a partir do século IV  vão ganhando cada vez mais prestígio social.


Praxísteles é famoso por sua representação de Afrodite nua, entrando no banho, uma verdadeira inovação na escultura grega, que acabou sendo tida como modelo para muitos aristas.  “Hermes com o Jovem Dionísio“, em que o deus apresenta-se de modo solto e descontraído, sem vestígios de rigidez, é outra grande obra do artista. A pele dá a impressão de maciez e o corpo belo é repleto de vitalidade.


Lisipo, escultor palaciano de Alexandre, o Grande, é de uma geração após Praxísteles. Uma das principais conquistas de sua escultura é a expressividade dos rostos, mostrada, por exemplo, pela vigorosa  “Cabeça de Alexandre Magno“, numa época em que os gregos começavam a descobrir os retratos (realizados de uma forma bastante idealizada). “Apoxyomenos”, em que mostra um atleta após a competição é o seu trabalho mais famoso.



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Arte Industrial




Arte Industrial


Arte industrial refere-se aos desenhos de qualquer tipo de objeto produzido pelas indústrias, normalmente em série e para o consumo de massa, desde os mais simples, como latas, até os mais complexos, como carros e máquinas em geral.


Um dos principais nomes da arte industrial, considerada a figura que abriu caminhos para o desenho industrial, foi o arquiteto e designer alemão Peter Behrens (1868 - 1940). 


Dentro da General Electricity Company, realizou os mais variados tipos de desenhos industriais, sempre obedecendo ao funcionalismo desses objetos. Sua preferência pelas artes práticas já pode ser observada quando acaba trocando a pintura, onde começou sua carreira, pela arquitetura.



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Arte Islâmica




Arte Islâmica


A fé Islâmica apareceu no mundo árabe e iniciou uma espantosa expansão através de conquistas militares por inúmeras regiões do mundo medieval nos séculos VII e VIII.


Fundada por Maomé (632), tinha como livro sagrado o Alcorão e Allah como a figura divina máxima. Além disso, defende a necessidade de combate aos “infiéis“ através da Djihad ou Guerra Santa. Baseado em consistentes estratégias militares e na força de seus soldados, movidos pela fé, o islamismo conquistou grandes territórios no oriente, incluindo a Palestina, o Irã, o Iraque e a Síria, tendo alcançado ainda o Norte da África e a Espanha (onde foram expulsos em 1492). Sua expansão pela Europa foi detida pelas forças de Carlos Martel. O Império Bizantino caiu em poder muçulmano em 1453, com a tomada de Constantinopla.


Essas expansões acabaram por espalhar descobertas árabes, como os numerais, a álgebra, seus conhecimentos em medicina e aspectos da cultura clássica grega e romana que eles ajudaram a preservar, como a filosofia.


Por outro lado, a religião de Maomé proibia terminantemente a realização de imagens. Durante as conquistas, muitas obras como murais, afrescos, pinturas e esculturas acabaram destruídas por não estarem de acordo com as crenças islâmicas.


Os artistas tiveram que desenvolver complexas formas abstratas, trabalhando com linhas e cores. Os arabescos (ver verbete) são bons exemplos de ornamentações abstratas criadas pelos artistas islâmicos. Os tapetes orientais talvez sejam os objetos de arte árabe mais conhecidos no ocidente.


Uma ilustração que não tivesse vínculo algum com a religião era permitida pelo Islamismo. Romances, estórias e fábulas ganharam então ilustrações. A Pérsia, a partir do século XIV, é famosa por esse tipo de trabalho. “O Príncipe Persa Humay encontra a Princesa Chinesa  Humayun em seu jardim”, retirado de um romance e realizado por volta de 1450 é uma boa amostra dessa habilidade. Não há preocupação naturalística acentuada, como criar jogos de luz e sombra. O efeito resultante é um mundo um tanto quanto onírico, encantado.


Na arquitetura islâmica temos grandes conquistas. As mesquitas, usadas para as orações realizadas em cinco momentos determinados do dia, são exemplos disso. Tratam-se de edifícios elaborados, compostos por várias, partes de acordo com as exigências da fé muçulmana. Por exemplo, deve haver uma parede, a quibla, necessariamente voltada para Meca, a principal cidade sagrada da religião. Além disso, podemos notar variações de região para região nas construções desses edifícios, atestando uma certa observação nas tradições (e técnicas disponíveis) dos povos conquistados.


Um bom exemplo desses edifícios pode ser dado pela Grande Mesquita, em Samarra. Construída pelo Califa al - Mutawakkil na cidade de mesmo nome entre 848 e 852, é a maior do mundo, com 240 por 156 m.


A Mesquita de Córdoba, na Espanha, construída entre 961 - 976, também merece ser citada. Foi a principal mesquita do Califa da região, que acabou sobrevivendo à expulsão dos muçulmanos do país. Extremamente decorada, com pedras esculpidas ou cobertas por coloridos mosaicos.


O palácio também foi outra grande construção arquitetônica do Islamismo. Tratava-se de um complexo que englobava desde inúmeros quartos, a salões de convivência social e de trabalho e mesquitas internas.


É interessante ser mencionado o Palácio de Chosroes, em Ctesiphon (proximidades de Bagdá), que apesar de ter sido feito ainda no século VI e ser considerado pré-islâmico, apresenta acentuadas as grandes influências para a arte islâmica, como a arte bizantina e a arte helenística.



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Arte Lombarda




Arte Lombarda


Os lombardas, tribo teutônica ariana, invadiu a Itália em 568. Antes do século VIII já estavam convertidos ao Cristianismo. Não restaram muitas amostras de suas obras de arte antes da conversão à nova religião.


Estabeleceram-se principalmente no vale do rio Po, no norte da Itália, tendo Pavia como capital e na região da Umbria ou no Sul da Itália, aos arredores de Nápoles.


Sua arte possuía um grande senso dramático e era forte seu elemento decorativo. O naturalismo não era uma grande preocupação da arte lombarda, abrindo mão deste em nome de uma simetria decorativa.


Esculturas em pedras do século VIII exemplificam bem seus trabalhos como as em relevo no altar frontal do Duque Ratchis e Pemmo, na Catedral e Batistério de Cividale, nordeste de Veneza. Majestas Domini, A Visitação e Adoração dos Magos, além dos relevos no batistério são trabalhos notáveis, com figuras bastante estilizadas. A simbologia dos evangelhistas e a Árvore da Vida também está presente nessa obra, numa prova de assimilação da cultura cristã.



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Arte Micênica




Arte Micênica


A civilização helênica, em seu período mais avançado, é chamada civilização micênica, devido à descoberta da cidade de Micenas - a principal do continente - pelo arqueólogo alemão Heinrich Schliemann, em 1870. Não se sabe ao certo a origem desse povo. Cogita-se que tenham surgido a partir de colonos saindo das ilhas, mas podem ter tido origens diversas. Entretanto, a civilização micênica, que vai aproximadamente de 1500 a 1100 anos a.C., não se diferencia em muitos aspectos da civilização minóica do segundo período.


Os povos micênicos exercem ainda grande apelo aos nossos dias, por terem sido os personagens dos poemas épicos homéricos, preservados oralmente pelos gregos por muito tempo. Foi descoberto, pelo mesmo arqueólogo alemão que descobriu Micenas, a cidade de Tróia, na Ásia Menor. Apesar das dúvidas que cercam os pesquisadores a respeito do fim das civilizações egeanas e o início da civilização grega, fatos como esse fortalecem a crença na herança cultural que a civilização grega deve ter ganho desses povos mais antigos.


Talvez a principal diferença entre os Minóicos e os Micênicos esteja exatamente no extremo cuidado dos últimos, um povo do continente e, portanto, bastante sujeito a invasões, na fortificações de suas cidades. Micenas, no Peloponeso, é uma verdadeira cidade-forte, extremamente bem planejada para esse fim. Possui grandes portões aumentados com leões e longos corredores dão passagem à cidadela.


Outra característica da cidade era seu complexo de palácios, tendo praticamente em sua região central, um megaron, câmara quadrada com quatro colunas, sustentando o teto, e um núcleo central circular, estrutura que parece ter dado origem aos primeiros templos gregos.


A arte funerária micênica também era bastante elaborada, sugerindo grandes cerimônias para seus heróis. “O tesouro de Atreus“, abaixo da superfície, com suas portas e câmaras de acesso, é um bom exemplo de tumbas micênicas.


Uma sólida máscara funerária de ouro, encontrada entre os vestígios dessa civilização é mais uma evidência de seu culto aos mortos, além de demonstrar suas técnicas no trabalho desse material. Os cálices “Vaphio“ são dois vasos de ouro de 8, 9 cm, decorados com búfalos, numa clara inspiração na arte minoana.


As cerâmicas micênicas também revelam o contato com a arte minoana, por serem extremamente parecidas. Diferenciam-se, principalmente pela maior rigidez de formas, compreensível na austera cultura micênica. O “Vaso Guerreiro“, é considerado um dos principais trabalhos da arte micênicas, por sua maior expressividade e força.



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Arte Minimalista




Arte Minimalista


Arte minimalista refere-se a uma tendência, especialmente forte nos Estados Unidos da década de 50, em realizar o objeto artístico levando-se em conta apenas as formas geométricas elementares mais básicas.


Na pintura, defendia a concentração na relação entre cores e formas. A natureza do pigmento e a superfície da tela em que seria aplicada era de fundamental importância. Sol Le Witt, em seu “Desenho Mural“, pode exemplificar essa tendência.


Sua maior força, entretanto, foi na escultura. O arquiteto, escultor e pintor Tony Smith foi um dos pioneiros do movimento, com seus trabalhos em larga escala, baseados em formas geométricas simples. Enfrentaram certa resistência do público, como atesta o ato de vandalismo realizado na obra “Equivalent VIII“ do escultor Carl Andre na Galeria Tate. Dom Judd, com suas caixas de ferro pintadas lado a lado, é outro famoso minimalista.


Acredita-se que a arte minimalista tenha sido uma reação de protesto ao sentimentalismo presente, por exemplo, no Expressionismo Abstrato.



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Arte Minóica




Arte Minóica


A civilização minóica, em especial a Ilha de Creta, parece ter existido de mais ou menos 2500 anos a.C. até 1100 anos a.C., possivelmente destruída por problemas geográficos, como terremotos e invasões. Trata-se de uma civilização que ainda mostra-se misteriosa para os pesquisadores, uma vez que seus escritos sequer foram decifrados. Entretanto, entre suas obras artísticas e arquitetônicas, notamos que deve ter sido sofisticada e harmoniosa.


Num primeiro período da arte minoana, que vai de aproximadamente 2000 anos a.C. a 1700 anos a.C., as construções de palácios e as porcelanas eram as principais realizações. As porcelanas, em especial, eram realizadas a partir do desenvolvimento de técnicas avançadas.  Costumavam ser decoradas com formas abstratas e coloridas, que por vezes sugeriam contornos de plantas.


O palácio de Minos, já numa segunda fase da arte egeana, que começa mais ou menos em 1600 a.C., foi encontrado nas escavações da cidade de Knossos. Enorme construção, intriga os historiadores pelo fato de não apresentar estruturas de proteção ou fortificação, como paredes, nos moldes das construções da época na Mesopotâmia e no Egito. Talvez isso se deva ao fato de se sentirem protegidos pelo mar. Seus vários compartimentos podem ter dado origem à lenda do Minotauro.


Apesar de animais em geral serem freqüentes na arte minoana, vemos o destaque maior para o búfalo, o mais representado deles. Muito provavelmente o búfalo tinha significação especial, tendo em suas representações significados ritualísticos.


Uma das obras de arte descobertas nessa civilização que reforçam essa tese é “O Afresco do Toreador“, nas paredes do palácio de Knossos. A vigorosidade e força do animal que se desprende da pintura reforça a crença em suas particularidades místicas. Além disso essa pintura apresenta variada coloração e balanço, elementos típicos da arte pictórica minoana.


Quanto às decorações em cerâmicas, suas principais características são os desenhos abstratos ou as formas de animais ou plantas. São consideradas brilhantemente executadas.


Entre as esculturas, só foram encontrados trabalhos realizados em pequenas escalas, como cerâmicas de animais. As mais típicas esculturas dessa civilização são as figuras femininas frontais, de seios nus, carregando cobras nas mãos levantadas. Parece que as cobras também eram animais sagrados para esse povo.



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Arte na América Central




Arte na América Central


A cultura dos Olmecas teve a mais antiga origem em solo centro-americano. A partir do ano de 2.000 a.C. até o período de 300 d.C. os povos da América Central tiveram notável desenvolvimento em suas culturas. Dois grandes povos fizeram parte do quadro de desenvolvimento de culturas nesse período: os Astecas, em solo mexicano, e os Maias, sobretudo localizados na península do Yucatán. Um exemplo de representação artística dos astecas são as enormes cabeças encontradas em La Venta: observa-se nestas cabeças traços característicos da constituição fisionômica bastante comum nas representações antropomórficas: lábios espessos e fisionomia grave. Várias construções piramidais são até hoje encontradas em solo centro-americano.



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Arte na América do Norte




Arte na América do Norte


Os materiais básicos utilizados na produção artística dos inúmeros povos nativos da América do Norte eram as conchas, ossos, pedras, couro animal, madeira, areia e cerâmica. Havia grande multiplicidade cultural em solo norte-americano antes da chegada do branco europeu: no território americano mais próximo ao Círculo Ártico dominavam os esquimós, que utilizavam materiais como presas de elefante marinho em suas representações artísticas; nas regiões de planície e ainda nas regiões da florestas orientais existiam um sem número de tribos isoladas entre si. No nordeste norte-americano as principais tribos eram, entre outras, os Haida, Chilkat e Tlingit.



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Arte na América do Sul




Arte na América do Sul


Grandes exemplos da arte desenvolvida na América do sul antes da chegada dos colonizadores europeus são os templos incas. Tais edificações eram construídas com uma sofisticada engenhosidade: as pedras utilizadas na construção não possuíam nenhuma espécie de argamassa entre si, mas eram perfeitamente encaixadas uma às outras em suas formas primitivas. Exemplo disto é Macchu Picchu, um conjunto de edificações que desafia o tempo, perdurando até os dias de hoje. Além da cultura inca, outras culturas se desenvolveram em solo sul-americano: as culturas Inca, Mochica, Nasca, Tiahuanaco e Chavín,.



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Arte na Austrália




Arte na Austrália


Desde aproximadamente 5.000 a. C. (idade dos povos paleolíticos da Austrália) até por volta de 1.800 d. C. a cultura dos nativos dessas regiões australianas tem permanecido sem mudanças. Diagramas históricos e desenhos anatômicos de animais são pintados sobre casca de árvore.



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Arte na China




Arte na China


A arte chinesa é particularmente conhecida pelas cerâmicas, existentes desde a pré-história. Um fato curioso e talvez só possível em um país oriental, é a perpetuação de alguns estilos desde aquela época até, praticamente, o século XIX.


Os chineses foram ótimos exploradores das potencialidades de cada material utilizado para realizar sua arte (seja ele papel, bronze ou porcelana), preparando ritualmente as substâncias a serem aplicadas sobre eles.


Em concordância à filosofia do país, que vê o homem como parte da natureza, a figura humana não recebe ênfase especial quando retratada. A perspectiva é utilizada para reforçar a idéia chinesa da arte como instrumento de revelação do mundo.


Dinastias


A Dinastia Shang vai de 1766 a 1045 a.C. na região norte da China. Os vasos de bronze, com desenhos extremamente sofisticados utilizados para fins religiosos, são a especialidade do período. Há uma rica iconografia ainda não desvendada, utilizada em sua decoração, normalmente criaturas abstratas e espirais.


A dinastia seguinte, a Chou, iniciou-se em 1045 a.C.. Ainda bastante influenciada pela precedente, os vasos de bronze continuam a ser realizados, embora aumentem de tamanho e tenham desenhos mais nítidos. Foi bastante influenciada pelas idéias de Confúcio, Lao-tzu e o taoísmo. O final dessa dinastia caracteriza-se por grande opulência, expressa na arte pelo uso do jade (extremamente valorizado na cultura chinesa, por suas propriedades), além da prata e ouro na decoração das esculturas. Passa-se a conferir extremo valor à arte fúnebre. A decoração dos túmulos da nobreza e a descrição de cenas (guerras, rituais, caçadas), tornam-se extremamente famosas, evidenciando um certo domínio da técnica de criar efeitos dinâmicos à pintura.


As dinastia Qin e Han (221 a.C. - 220 d.C.) são especialmente famosas pelas esculturas. Como exemplo da primeira temos as armas de terracota, com expressivas figuras combinando realismo e estilização arcaica. Outra grande realização dessa dinastia foi a Grande Muralha. Já a dinastia Han (206 a.C. - 220 d.C.), é conhecida pelo desenvolvimento da arte funerária, como os espelhos circulares, repletos de figuras ritualísticas (como diagramas) em suas costas, ou o relato de cenas mitológicas, a partir do desenvolvimento do uso do espaço, dos detalhes e da hierarquização de figuras (quanto maiores, mais importantes). Foi desenvolvido o efeito de movimentação das figuras, através, por exemplo, do uso de linhas ondulantes. “Cavalo Voador“ (esse animal costuma frequentar a temática da arte chinesa) é uma boa amostra da escultura dessa dinastia, com sua leveza de movimentos.


O budismo teve grande influência na arte chinesa por seis dinastias (de 220 a.C a 589 d.C.). A princípio, a arte, a serviço da nova fé, limitava-se a reproduzir temas estrangeiros, em particular os indianos. Um exemplo dessa arte são as enormes imagens de Buda. Com o passar do tempo, essa arte começa a adaptar-se à cultura chinesa, com sua iconografia característica. Os santuários Dunhuang, com afrescos fundidos à arquitetura e à escultura adaptadas aos padrões chineses atestam bem esse processo. Além disso, sob influência budista, os chineses foram o primeiro povo a valorizar o artista, uma vez que a arte auxiliava na meditação, tarefa de grandes sábios.


As dinastias do sul (420 -589), assistiram a um enorme desenvolvimento na pintura, em especial na riqueza de detalhes da representação da natureza. Além disso, foram grandes teóricos da pintura, criando parâmetros que guiariam a arte pictórica chinesa posterior. As cópias fiéis dos trabalhos passados eram extremamente valorizadas, bem como as linhas expressivas, de larguras e densidades variadas.


A dinastia Tang (618 - 906), caracterizou-se pela expansão das fronteiras chinesas e pelo intercâmbio cultural com o Japão, Índia e Ásia Central. O Chan budismo (ou o zen), é forte no período, bem como o próprio budismo, que ganha complexidade e exige dos artistas maior minuciosidade de detalhes para descrever suas imagens. A influência estrangeira, em particular a indiana, é grande, popularizando as imagens com vários braços ou cabeças.


Em contrapartida, é nessa mesma dinastia (em 845) que é proibido o culto budista, em nome do confucionismo. A arte funerária ganha novo impulso no período, sendo extremamente valorizada como a “era de ouro da pintura“. Um bom exemplo dela são os murais no túmulo da Princesa Yong-t ‘ai (706). A pintura de paisagens continua a desenvolver-se, como “A jornada para Shu do Imperador Ming Huang“.


Em 906, cai a Dinastia Tang, dividindo o império, até 960, em cinco dinastias rivais, num período de grande desenvolvimento da pintura de paisagens e de procura de temas alheios à política e à religião.


Os pintores mais conhecidos do período são Tung Yuan e Wei Hsien, imprimindo monumentalidade à pintura chinesa. Durante a dinastia Song (906 - 1279), temos pintores de destaque desenvolvendo a pintura de paisagens como Fan Kuan (“Viajantes entre Montanhas e Correnteza“), Mi Fei (com sua técnica comparável ao impressionismo europeu de século XIX) e Guo Xi (“Começo de Primavera“).


Houve ainda no período uma diversificação de estilos, como o literal (cujo principal expoente é o imperador Hui Tsung, com suas representações precisas da natureza, acompanhadas de poemas; o posterior estilo lírico com suas composições assimétricas e valorização da intuição, representado por artistas como Ma Yuan e Xia Gui e o estilo espontâneo, dividido em dois tipos, um de origem popular e outro originado da arte caligráfica do Chan Budismo e do Taoísmo, bastante influenciado pelo estilo anterior. Mu Qi e Liang Kai são seus principais artistas. As cerâmicas do período também são particularmente famosas.


Entre 1269 e 1368 a pintura sofre a influência da dominação estrangeira, com o exílio de muitos artistas. É a dinastia Yuan, em que o estilo espontâneo continua pictórico (principalmente através de artistas exilados), utilizando-se de temas como estudo do bambu (e de seu simbolismo para o chinês), ao lado de poemas com caligrafia estilizada e dos santos do budismo e taoísmo. O estilo literal, um pouco modificado, também continua na época. Entretanto, a dinastia Yuan é particularmente conhecida por suas grandiosas obras arquitetônicas (que inspiraram a Cidade Proibida da dinastia Ming).


Com a saída dos mongóis da China, temos a dinastia Ming, que durou até 1644 e caracterizou-se pela retomada dos estilos pictórios da dinastia Song (adaptados à nova época), além da emergência de uma nova criatividade, baseada nos estilos anteriores.


Tung Chi-Chang (“Rios e Montanhas num Dia Claro de Outono“), é considerado um dos principais nomes da pintura da dinastia Ming. Urbanismo e arquitetura tiveram notável desenvolvimento nessa dinastia, como  “A  Cidade Proibida“, (conhecida como a Cidade do Imperador), nascida das ruínas mongóis. O “Portão da Suprema Harmonia“, possui elementos extremamente representativos da arquitetura chinesa de uma maneira geral (considerada bastante conservadora).


Entretanto, os chineses ainda não tinham se livrado da dominação estrangeira, caindo sob o domínio da Mandchúria em 1644 (a dinastia Qing, até 1912). A cultura chinesa de então foi absorvida pelos estrangeiros e preservada. O desenvolvimento da caligrafia e a introdução de técnicas ocidentais de perspectiva (principalmente através de jesuítas) foram características marcantes da arte da época. As cerâmicas, que já vinham tendo suas técnicas bastante desenvolvidas desde a dinastia anterior, são outra marca do período. A fina decoração em porcelana tem notável evolução, bem como a própria escultura em porcelana cresce e populariza-se.


Com a Revolução Socialista de 1912, a arte chinesa toma rumo totalmente novo, uma vez que a arte realizada até então, pela primeira vez, passa a ser desvalorizada. Alguns artistas continuam a seguir os padrões antigos (sendo normalmente perseguidos por defender “A Velha Ordem”), mas a maioria se utiliza da ideologia revolucionária como tema de suas obras. A arte, com a função de servir a ideais coletivos, é controlada pelo estado, e a figura do artista (como indivíduo) perde o valor.



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Arte na Coréia




Arte na Coréia


Devido à sua localização geográfica, a Coréia , apesar de ter seus próprios estilos, foi extremamente importante na transmissão da arte entre a China e o Japão. De origem bastante antiga (provavelmente cerca de quarenta séculos), seu território foi sempre cobiçado pelos vizinhos. As constantes invasões sofridas (já no século XII a.C., por exemplo, é dominada por uma dinastia chinesa), acabam por torná-la permeável à cultura de outros povos, bem como apta a influenciar essas culturas.


Como os outros países orientais, o budismo teve enorme importância e influência na arte. A arte inspirada no budismo teve influências indianas e chinesas, convivendo com elementos da cultura coreana. Um exemplo disso é a arquitetura, que apesar de claramente inspirada nos edifícios religiosos da vizinha China, é decorada com elementos tipicamente coreanos, como os suportes pintados.


Além disso, a Coréia foi o berço de alguns tipos de escultura budista encontrada no Japão, bem como de alguns dos temas de sua arte. Quando chegaram ao Japão, as figuras religiosas ou mitológicas coreanas sofreram adaptação aos valores japoneses.


Próprio da arte coreana são alguns tipos de cerâmica coloridos, revelando extrema habilidade e domínio técnico por parte dos artistas, bem como artefatos de pedras. A arte funerária também foi bastante prestigiada e desenvolvida no país.



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Arte na Grécia Antiga




Arte na Grécia Antiga


O que conhecemos como a arte do mundo ocidental, principalmente a européia, muito deve ao mundo grego e a sua cultura. Os gregos influenciaram a arte romana e outros períodos da História da Arte como o Renascimento. De uma certa forma, muitos valores que tiveram sua origem na arte grega exerceram influência fundamental sobre o gosto estético predominante até o século XX.


A mitologia grega, suas conquistas filosóficas e científicas, sua capacidade de concisão e simplicidade expressiva foram legados importantíssimos para as épocas posteriores. Uma característica da arte grega é a presença forte do intelecto.


Foi a primeira expressão artística que valorizou o homem e suas possibilidades. O uso de desenhos e linhas, a proporcionalidade, o equilíbrio e a expressividade atingida foram conquistas surpreendentes.


A civilização minóica, em particular a Ilha de Creta, parece ter sido a origem de uma arte que acabou sendo incorporada ao continente grego, principalmente através de Micenas. Posteriormente, uma onda de invasões de povos como os dóricos e os jônios acabaram por formar o povo grego.


Essa onda de invasões teve impacto profundo sobre os povos da região. Não se sabe ao certo o que aconteceu com as civilizações que a ocupavam anteriormente (como a micênica), mas a arte produzida até então foi abafada nesse momento, apesar de se poder avistar influências dela na futura arte grega. 


O resultado dessa época turbulenta foi o não aparecimento de formas artísticas de destaque desde as invasões dóricas, cerca de aproximadamente 1200 a.C. até o ano 800 a.C. Presume-se que os dóricos não trouxeram em sua bagagem uma arte já desenvolvida, forte, sendo a arte grega que acaba por despontar o resultado da intersecção (conflituosa) das culturas dos invasores com a dos habitantes da região.


A arte grega costuma ser dividida em quatro períodos: a arte grega geométrica (aproximadamente 900 a 700 a.C.), a arte grega arcaica (700 a 480 a.C.), o período clássico (480 a 323 a.C.) e o período helenístico (323 a.C. a 146 a.C.). Além disso, costuma-se incluir um período de transição entre a arte arcaica e a arte clássica, como uma época diferenciada.



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Arte na Índia




Arte na Índia


A antiga civilização Hindu teve origem há cerca de 2.300 anos a.C, sendo que esse período primordial da história da Índia durou até, mais ou menos, 1750 a.C.. A arte desse ciclo é predominantemente representada por esculturas pequenas, com enorme sentido de monumentalidade e com volume como que dilatados, como se a estátua pudesse expandir-se aos nossos olhos. Brasões retangulares com figuras esculpidas também são abundantes. Figuras mitológicas, como deuses em posição de yoga e animais são seus principais temas. A arte desse período já fornece as bases para a da arte posterior.


No intervalo entre 1500 a.C e 450 a.C, temos as invasões arianas, o desenvolvimento da cultura védica (com notável destaque para a literatura) e o nascimento de Buda, no atual Nepal (como já vimos, o budismo terá grande influência sobre o mundo asiático).


Pode-se dizer que a conversão para o budismo, do imperador Ashoka (272 - 232 a.c), marcou o início da grande influência dessa religião sobre a arte na Índia. Até hoje identificamos imagens indianas desse período que sobrevivem como verdadeiros ícones do país.


As fortificações na Índia, Nepal e Sri Lanka (partes do império hindu na época), construídas por Ashoka em devoção a Buda, são bons exemplos da arte e mentalidade do período. As esculturas em relevo eram comuns nessas construções, utilizando-se da temáticas fornecidas pela cultura védica e pelo intenso urbanismo da civilização. Templos como que cavados em pedra, típicos da cultura indiana, surgem no período.


A Era Kushan (30 a.C. a 320 d.C.) foi marcada pela fusão de influências estrangeiras - trazidas principalmente por Alexandre, o Grande, em sua ocupação de parte do país - com a própria cultura nativa. Dessa mistura, surge, por exemplo, a imagem búdica Gandhara, com influências da arte grega. Na imagem búdica de Mathuran, desse mesmo período, já predominam as características nativas altamente desenvolvidas, como ênfase na geometria e volume das formas, criando efeitos para representar o poder e altivez da divindade.


A época da dinastia do clã Grupta e um período um pouco posterior a ele (século IV a VI d.C.) é considerada a época “clássica“ da cultura indiana. As conquistas artísticas desse período influenciaram por muito tempo toda a Índia, Nepal, a China, Coréia e o Japão.


A principal característica da arte de então é a junção do abstracionismo dos símbolos religiosos com formas e volumes sensuais. A arquitetura alcança grande desenvolvimento, merecendo destaque a construção de templos. Repleto de simbolismo religioso, eram construídos baseando-se em mandalas  (“imagens do mundo“ compostas de círculos e quadrados concêntricos).


Nos séculos VII a XII, encontramos uma proliferação enorme de imagens mitológicas e religiosas e grande desenvolvimento das estruturas arquitetônicas características. O templo de Kailasa, escavado em rocha, com sua alta torre central é bastante conhecido.


Apesar das invasões muçulmanas terem atingido o norte indiano a partir do ano 1000, o sul do país continuou tendo suas próprias dinastias e arte. O conjunto de templos Minakshi é um bom exemplo da arquitetura do período, com suas coloridas imagens mitológicas. A pintura continuou utilizando-se, de maneira geral, de imagens religiosas, feitas no interior dos templos. A escultura ganha enorme sofisticação, com graça, admirável composição e precisão de detalhes que fazem referência à cultura do povo.


No norte indiano, temos templos caracterizados por enormes torres, como demonstra Madhya Pradesh, com seus enormes templos. As esculturas eróticas nas paredes de alguns templos hinduístas (como Khajuraho), coerentes com a idéia da experiência em vários níveis, desde os prazeres terrenos ao auto-controle espiritual também são famosas no ocidente. O comércio foi responsável pela cultura, religião e arte indiana terem se espalhado por todo sudeste asiático, exercendo enorme influência sobre esses países.


Entretanto, a partir do século XIII, as invasões islâmicas intensificaram-se e tiveram força para abalar o desenvolvimento da arquitetura e escultura próprias da região. A pintura, em especial as pinturas em miniatura, por sua vez, desenvolveram-se bastante. Influenciadas pelas técnicas persas, são especialmente famosas as do século XVII e XVIII, com suas cores e detalhes.


Era a vez do florescimento da influência islâmica nas construções do norte do país (a partir do século XII), como o famosíssimo Taj Mahal, construído para servir de túmulo para Shah Jahan e sua esposa predileta.



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Arte na Mesopotâmia Antiga




Arte na Mesopotâmia Antiga


Sendo a região localizada nas proximidades dos rios Tigre e Eufrates, a antiga Mesopotâmia compreendia os territórios atuais de países como a Síria, a Jordânia, Israel, o Irã e a Arábia. O vale da Mesopotâmia (palavra que significa "entre os rios") abrigou uma das mais antigas civilizações no mundo, emergente durante o período compreendido entre 3.500 e 3.000 a.C..


Na região da Mesopotâmia desenvolveu-se uma pioneira civilização que, juntamente com a egípcia, teve grande importância para o estabelecimento da civilização no Ocidente. O vale dos rios Tigres e Eufrates, conhecido como o “ crescente fértil “, onde ela se assentou, valendo-se das possibilidades agrícolas da área, foi possivelmente o primeiro lugar que presenciou o surgimento de uma civilização na História da Humanidade.


Além de  da escrita e de técnicas de irrigação, outros importantes aspectos desenvolvidos pela civilização mesopotâmica que merecem destaque especial foram a matemática e a astronomia.


A Mesopotâmia não se unificou sob um único governo, sendo composta por cidades-estados independentes, com diferentes culturas. Devido à própria característica geográfica da região, sem grandes defesas naturais, periodicamente uma dessas cidades-estados assumia a hegemonia do local.


No período Neolítico, habitantes da região da Baixa Mesopotâmia (que estavam no local desde o Paleolítico), já haviam se misturado com povos que vinham do norte da região, do Planalto Iraniano. Aldeias com templos construídos de tijolo cozido (que desintegra-se com o tempo)  já existiam, devido à falta de pedras na região. Além disso, objetos de cerâmica eram as principais marcas artísticas dessa época.


Os sumérios parecem ter sido os primeiros habitantes do local a se desenvolverem, responsáveis pelo fortalecimento de um estado e concentração de poder. Sua origem é desconhecida e por volta do ano 3 000 a.c eles foram se estabelecendo na região sul da Mesopotâmia.


Fundaram cidades-estados como Ur e Uruk (ou Erech, cidade cercada por muros cuja construção é atribuída ao mitológico Gilgamesh ou Gilgamés) com seus próprios deuses e templos centrais. O comércio com regiões como o Egito também era bastante presente. A escrita cuneiforme (realizada através de sinais abstratos com formatos de cunha) era utilizada com fins administrativos, de comunicação e registro histórico.


Os zigurates eram sofisticados templos altos e em forma de torres com degraus. O templo de Ur- Nammu, na cidade de Ur, realizado cerca de 2 100 anos a.c é um bom exemplo dessas construções sumerianas que acabaram pautando a edificação de templos durante longos períodos na região (a história bíblica da torre de Babel teve sua origem, por exemplo, na construção do templo de Bel, no século VII, com cerca de 61 metros).


Podem ser encontradas esculturas do período, normalmente representando deuses ou sacerdotes. Costumavam ser realizadas em mármore e eram pequenas, com no máximo 76 cm de altura. Nese ponto cabe ressaltar que a arte suméria é normalmente realizada em pequena escala. Uma provável explicação para o fato é a raridade e alto valor dos materiais que tinham que ser importados, pois conforme já foi dito, a região é pobre em pedras.


No Museu Britânico pode ser encontrado o fragmento de uma harpa(talha de madeira dourada e embutida), feita em Ur de cerca de 2 800 anos a.c. É decorada com animais, um motivo comum na arte mesopotâmica, dispostos de maneira a denunciarem o gosto sumério pela simetria.


 “ Standard de Ur “, no Museu Britânico, de cerca de 2 500 anos a.c parece ter sido um das primeiras peças realizada segundo a tradição mesopotâmica de celebrar vitórias militares. Mostra uma campanha de guerra e um painel celebrativo da vitória.


Ao domínio sumério, seguiu o domínio acádio, entre 2 300 e 2150 a.c. Sargão I foi o primeiro de seus reis, que realizou a pioneira tentativa de unificar a Mesopotâmia, conseguindo dominar toda a região, o Elam e a Síria e estabelecendo a capital do Império em Akkad.


 “ Cabeça de rei acádio “ é provavelmente uma representação desse poderoso rei, realizada com grande vitalidade.


Uma das características do domínio de Sargão e seus sucessores foi a adaptação à cultura sumeriana. Continuaram, por exemplo, encomendando monumentos que representassem e comemorassem vitórias de guerra. Provavelmente esse costume estava ligado às crenças mágicas  no poder da imagem. No Louvre, em Paris pode ser visto um desses monumentos. Mostra em relevo uma cena em que o rei Naram-Sin, neto de Sargão, majestoso, pisa em cima de seus derrotados inimigos.


Os guti, vindos do Planalto do Irã, dominaram a região entre 2 150 e 2 090 a.c, não tendo sido encontrado remanescentes dessa cultura que rapidamente foi dominada por um ressurgimento sumério.


Do período seguinte, conhecido como neo-sumério, destaca-se principalmente as estátuas do rei Gudea de Lagash, em que o soberano, de pé ou sentado, normalmente é representado com as mãos cruzadas na frente do corpo (posição comum nas representações mesopotâmicas).


Entretanto, em Ur já despontava uma dinastia que acabou por efetivar a unificação entre os sumérios e acádios. A hegemonia de Ur, por sua vez, também não pode conter as invasões de povos estrangeiros e a divisão do Império acádio em cidades -estados. Babilônia era uma dessas cidades que acabou por tornar-se a mais poderosa da região, sob o controle do rei Hamurabi, conhecido principalmente por sua legislação.


 “ O Código de Hamurábi “ está num importante trabalho de arte mesopotâmico, que pode ser encontrado no Louvre. O rei parece aqui recebendo inspiração de uma divindade, Shamash, deus do sol.


Em 1513 a.c os hititas tomaram a Babilônia e a partir daí a cidade ficou vulnerável à vários ataques. Em 1 137, Nabucodonosor recupera a independência da cidade  e reunifica o reino. Entretanto, os assírios acabaram dominando a região após a morte de desse rei.


Os assírios são originados do norte da Mesopotâmia, de uma antiga população suméria que estabeleceu-se na região misturada a povos migrantes. Sua hegemonia deve datar de cerca de 1 000 anos a.c, sendo conhecidos como um dos povos mais belicosos da História.


Uma de suas principais construções arquitetônicas foi realizada pelo rei Sargão II: O palácio de Khorsabad. Era um complexo cercado por muralhas com torres e cerca de 25 acres. Incluía uma enorme zigurate e uma sala de trono pintada com cores vivas, mais um templo e harém, entre outras salas. Em seus portões podiam ser vistas estátuas bizarras misturando formas de homens e búfalos, de cerca de 4, 26 metros. Representavam o rei e seu poder.


Um bom exemplo da vocação assíria para a guerra pode ser dado pela representação de um de seus exércitos sediando uma fortaleza, no Museu Britânico. Foi realizado cerca de 850 anos a.c como um relevo em alabastro no Palácio do Rei Assurnasirpal II e distingue-se de representações anteriores principalmente pelos detalhes da campanha de guerra,  (como acampamentos do exército) e grande violência.


Nabucodonosor II, no século VI a.c restabeleceu o domínio babilônico. Sua principal obra é conhecida como “ Os jardins Suspensos da Babilônia “, uma das 7 maravilhas do mundo antigo.



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Arte na Micronésia




Arte na Micronésia


A arte encontrada nessas regiões é colorida, vibrante e complexa. Máscaras, figuras de ancestrais, espíritos e ornamentos diversos aparecem como representantes da arte desses locais. Também aqui a madeira e outros materiais orgânicos continuam sendo a base principal para o trabalho dos artesãos.



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Arte na Oceania




Arte na Oceania


A História da arte na Oceania costuma ser vaga e ainda não há muitas obras sobre o assunto ou seu tratamento em termos de evolução histórica. Muito provavelmente, o fato dos materiais em que fundamentalmente se realiza - como a madeira ou o corpo humano - serem perecíveis, tenha contribuído para essa situação.


Os materiais orgânicos são largamente utilizados na arte do continente, merecendo especial destaque as Figuras de Guardiões nas Ilhas do Leste, Polinésia. São freqüentes ainda na Polinésia (em especial no Havaí) exemplos de imagens de deuses da guerra esculpidas em pedra ou madeira. Do Taiti é uma representação de um deus da Guerra chamado Oro, em madeira, com fibra vegetal entrançada, pertencente ao Museu Britânico. Trata-se de uma representação sem pretensões naturalísticas, em que somente são mostrados, de forma bastante primária, os olhos e os braços. Extremamente típicos na arte Polinésia são as tatuagens ou as pinturas e decorações sobre o corpo de uma maneira geral.


Na Melanésia e Micronésia, são comuns as representações de espíritos ou de antepassados familiares. A arte dessas regiões (em especial a Melanésia) é  vistosa e colorida, encontrada também em máscaras e ornamentação em geral.


Também no Museu de Londres pode ser encontrada uma Máscara Ritual da Nova Guiné, provavelmente realizada para uma cerimônia em que jovens tentam assustar mulheres e crianças.


A  Austrália parece ter sido povoada desde 5000 anos a.C., com populações paleolíticas que mantiveram-se praticamente sem alterações até a descoberta do continente pelos europeus.


Quanto à arte dos nativos australianos, antes da colonização européia, são famosas as representações anatômicas de animais caçados, mostrando aspectos de seu corpo, como os esqueletos. As origens das tribos australianas, normalmente encontradas num passado mítico,  também foram fontes temáticas extremamente utilizadas na arte das tribos australianas.


Na Nova Zelândia, os maioris eram extremamente habilidosos com a talha, como atesta o dintel em madeira esculpido na casa de um chefe maiori, atualmente no Museu Britânico.



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Arte na Polinésia




Arte na Polinésia


Nem tudo é feito de material orgânico na arte da Oceania. Uma exceção notável são as grandes figuras dos guardiões, na região oriental. É uma arte baseada em imagens de deuses esculpidas em pedra e madeira, tatuagens praticadas na maior parte das ilhas e “tecidos” feitos de casca de árvore pintada.



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Arte na Roma da Antiguidade




Arte na Roma da Antiguidade


Roma, após libertar-se dos etruscos, iniciou uma expansão extraordinária. A partir do século III foi ganhando o controle das cidades gregas do sul da Itália, grande parte da Espanha, a própria Grécia e a Macedônia, regiões da Ásia Menor, Gaules, Síria e Egito.


Os romanos ajudaram a preservar aspectos que, não fosse sua entrada em cena, poderiam estar perdidos para sempre na História. Era costume desse povo assimilar e adaptar a cultura dos povos conquistados, talvez até numa prova de orgulho, devido à superioridade militar.


Apesar dos romanos terem sido influenciados pelas culturas dos mais diferentes povos que passaram a compor seu Império, há uma nítida supremacia da influência grega, em especial os períodos clássicos e helenísticos. Muito provavelmente essa valorização da cultura grega foi tomada dos etruscos, povo que a apreciava muito. Artistas gregos foram morar na capital romana e a arte de seu país de origem era extremamente apreciada pelas classes mais abastadas da cidade. Recebiam inúmeros pedidos de cópias das obras gregas, preservando assim trabalhos da Grécia antiga que estariam irremediavelmente perdidos.


Na engenharia civil devemos grandes modelos aos romanos. Suas estradas, aquedutos e edifícios grandiosos até hoje pautam nossas construções. O desenvolvimento do concreto romano foi uma técnica e grande ajuda. Costumava ser trabalhado com materiais como o mármore, tijolos ou pedras em geral para apresentar uma aparência mais finalizada.


O uso de arcos e abóbadas alcançou grandes avanços na engenharia romana, que costumava misturar suas próprias estruturas às formas gregas. Para efeito de estudo, dividiremos a arte romana da República e começo do Império da arte do auge do Império Romano e a de seu declínio.


Como construções dessa primeira época romana podemos citar o “Templo da Fortuna Virilis“, em Roma. Construído no século I a.C., é fortemente influenciado pela arquitetura etrusca (por exemplo, sua realização em cima de pequenas bases)  e lembra, por suas colunas e capitéis, um templo jônico. Os templos circulares, influências gregas, como o “Templo de Vesta“, em Tivoli, também são bastante freqüentes na Roma Republicana.


Um exemplo de construção bastante freqüente em épocas posteriores já aparece nessa época exemplificado pelo monumental “Santuário da Fortuna Primigênia“, na Palestina, com seus arcos orlados por colunas. Trata-se de um complexo, em vários níveis, construído num vale, bastante facilitado pelo concreto. Rampas e escadas permitem o acesso aos planos mais altos da construção. Era utilizado para um culto pré-românico.


A descoberta dos sítios arqueológicos de Pompéia e Herculano, no século XVIII, destruída pelas cinzas do Vesúvio, facilitaram o estudo da arte desse primeiro período da vida romana. As lavas do vulcão atingiram as pessoas desprevenidas, preservando cenas exatas da vida romana.


Apesar da catástrofe ter acontecido já no começo do Império, a maioria dos artefatos, tanto como o modelo das cidades, remonta ao período republicano. Pompéia, principalmente por ser uma cidade mais rica, forneceu-nos os melhores exemplos arquitetônicos, como o templo pré-romano de Apolo, o templo de Júpiter e o mercado (Macellum), em seu centro. Banhos, teatros e anfiteatros também foram encontrados nas escavações.


Além disso, conforme já foi mencionado ao falarmos de arte helenística, foram encontradas na cidade inúmeras obras, desde as mais vulgares a obras de real valor artístico nos interiores das casas. Mostram-nos um pouco da arte apreciada pelos habitantes do Império: especialmente a arte grega clássica e a helenística, representada normalmente por cópias.


Na Vila dos Mistérios, arredores de Pompéia, foram encontradas elegantes pinturas em paredes (frisos), representando a iniciação aos cultos dionísicos, em tamanho quase natural e poses helenísticas. Especula-se que as mulheres do local eram adeptas desses cultos perdidos.


Além disso, foram encontradas pinturas de paisagens, cenas mitológicas e bucólicas, naturezas-mortas e arquitetura fantásticas. Essas obras causaram grande impressão no século XVIII, quando foram descobertas, influenciando a arte do período.



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Arte Neo-Babilônica




Arte Neo-Babilônica


O Rei Nabucodonosor liderou o aparecimento de uma nova cultura no século VI a.C. Os Jardins Suspensos da Babilônia, um dos máximos exemplos da arte desta cultura, são considerados uma das  “maravilhas do mundo antigo”.



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Arte Neo-Suméria




Arte Neo-Suméria


Era muito comum na arte suméria a homenagem aos governantes através das esculturas dispostas em lugares públicos. Durante o período neo-sumério, cujo rei de maior importância foi Gudea de Lagash, várias esculturas foram erguidas em sua homenagem. De forma bastante similar às estátuas de Tell Asmar, Gudea era representado de pé ou sentado, apresentando sempre as mãos entrelaçadas.



